스코틀랜드 극장

Theatre of Scotland
스코틀랜드 국립극장과 혼동하지 마세요.
인버네스 에덴 코트 극장
스코틀랜드에서 가장 오래된 작업용 극장인 덤프리에 있는 로열 극장.
글래스고 시티즌스 리허설실

Theatre in Scotland는 스코틀랜드의 공연 예술, 즉 스코틀랜드에 의해 쓰여지고, 연기되고, 제작된 공연 예술들의 역사를 말한다.스코틀랜드 극장은 많은 공연과 연극이 다른 문화 영역에 대해 조사했지만, 일반적으로 서양 연극 전통에 속합니다.주요 영향들은 북미, 영국, 아일랜드 그리고 유럽 대륙에서 왔다.스코틀랜드의 연극 예술은 일반적으로 스코틀랜드와 영문학, 그리고 영국과 아일랜드 연극, 미국 문학 및 연극 예술가와 연결되었다.스코틀랜드와 스코틀랜드 양쪽으로의 대량 이주 결과, 현대에는 스코틀랜드 문학이 전 세계 관객들에게 소개되었고, 또한 점점 더 다문화적인 스코틀랜드 극장을 만들었다.

스코틀랜드 극장은 적어도 중세까지 거슬러 올라간다.스코틀랜드 개혁의 여파로 저지 스코틀랜드인과 스코틀랜드 게일어 화자 사이의 언어적 분열과 청교도주의 때문에, 이것은 늦은 발전이었다.세 번째 문제는 후원자를 없앤 조합이었다.1800년대 초반 스코틀랜드 특유의 주제를 가진 연극이 스코틀랜드 무대를 지배하기 시작하면서 스코틀랜드 "국민 드라마"가 등장했습니다.스코틀랜드 테마 연극의 기존 레퍼토리는 존 홈의 더글라스(1756)와 앨런 램지의 젠틀 셰퍼드(1725)를 포함했고, 마지막 두 작품은 아마추어 [1]그룹들 사이에서 가장 인기 있는 연극이다.더글러스는 초기 관객 중 한 명으로부터 유명한 "Whouur's Yer Wullie Shakespeare Noo?"라는 야유를 이끌어 냈고, 그것에 대한 찬반 양론의 많은 팸플릿의 주제이기도 했다.

유명한 연극 기관으로는 국립극장, 글래스고 시민극장, 스코틀랜드 왕립음악원(구 RSAMD)이 있으며, 동문으로는 저명한 배우이자 연출가인 로버트 칼라일, 톰 콘티, 쉬나 이스턴, 존 해나, 다니엘라 나르디니, 한나 고든, 필리스 등이 있다.

드라마

민속극

중세 스코틀랜드에는 아마 1440년과 1445년에 애버딘에서 루디 드 리 핼리블루로 묘사되고 상연된 것과 같은 공예 길드에 의해 종종 상연되는 그들만의 미스터리 연극이 있었을 것이고, 그것은 아마도 코퍼스 크리스티 축제와 관련이 있을 것이지만,[2] 현존하는 텍스트는 없다.오늘날까지 살아남은 전통 중 하나는 미국 "꼼수"의 조상인 "기수"이다.이것은 새해와 할로윈에 의상을 차려입고 종종 상을 받기 [3]위해 노래나 행동을 하는 젊은이들을 포함했다.바이킹의 유산에 호소하는 셰틀랜드 축제인 Up-helly-aa는 낭만주의 [4]부활의 일환으로 1870년대에 속임수, 타르 통조림 그리고 다른 활동들의 "오수장"에서 현대적 형태를 취했다.1555년 스코틀랜드 [5]교회 총회에 의해 민속극에 대한 법률이 제정되었고, 1575년 전례극에 대한 법률이 제정되었다.하지만, 민속극을 금지하려는 시도는 한 때 생각했던 것보다 더 관대하게 적용되었고 덜 성공적이었다.그들은 애버딘의 교구민들이 1605년 결혼식과 율레에서 종을 치며 거리에서 행진하고 춤을 춘 것에 대해 비난받았고, 로빈 후드와 메이는 1611년 켈소에서, 그리고 1634년 [6]율레데는 퍼스에서 놀았다는 이유로 그들은 17세기까지 계속되었다.커크는 또한 세인트루이스에서 허가된 탕자에 대한 코미디에서처럼, 특히 그들이 자신의 목적을 달성했을 때 몇몇 연극을 허용했다.앤드류스는 [6]1574년에

르네상스 드라마

제임스 웨더번은 추방되기 전인 1540년경 스코틀랜드어로 반 가톨릭 비극과 희극을 쓴 것으로 기록된다.여기에는 던디에서 [7]행해진 침례자 요한의 참수, 티라온 디오니시우스의 역사 등이 포함된다.외교관이자 리옹 궁정의 수장인 데이비드 린세이는 다작 시인이자 극작가이다.그는 1540년 그의 희곡 Thrie Estaitis의 버전으로 생각되는 왕과 왕비를 위해 린리스고 궁전에서 막간을 제작했는데, 이것은 교회와 국가의 부패를 풍자했고 [8]종교개혁 이전부터 살아남은 유일한 완결극이다.조지 뷰캐넌 (1506–82)은 피에르 코르네유와 장 라신에게 영향을 준 연극과 같은 연극으로 대륙 연극에 큰 영향을 미쳤고, 그들을 통해 프랑스 연극의 신 고전주의 전통에 영향을 미쳤지만, 스코틀랜드에서의 그의 영향은 라틴어를 [9]매개체로 선택함으로써 제한되었다.익명의 아네 연극의 고리걸이의 창살 (1568년 [10]이전)과 필로투스 (1603년 런던에서 출판)는 살아남은 연극의 유일한 예이다.후자는 스코틀랜드 고유의 오류 코미디로, 아마도 스코틀랜드의 여왕 메리나 제임스 [11]6세를 위해 궁정 공연을 위해 고안되었을 것이다.궁정 복장은 저명한 신하들의 결혼식에서 행해졌으며, 세르베 드 [12]콩데와 같은 하인들이 관리했다.

이 시기에 영국에서 발전한 선수들과 극장들의 같은 전문 회사들의 시스템은 스코틀랜드에는 없었지만, 제임스 6세는 로렌스 플레처와 마틴 슬레이터가 이끄는 영국 선수들로 구성된 회사를 [13]1599년에 설립하고 공연을 하도록 주선함으로써 드라마에 대한 그의 관심을 나타냈다.덴마크의 제임스 6세와 앤은 신하들의 결혼식에서 가면을 쓰고 특별히 제작된 [14]의상을 입었다.

1603년 제임스 6세가 영국 왕위를 물려받았을 때 왕실 왕실의 상실은 [15]스코틀랜드에서 살아남기 위해 몸부림치는 커크의 연극에 대한 혐오에 대항할 힘이 없음을 의미했다.그러나 완전히 소멸된 것은 아니다.그 기간 동안 살아남은 희곡으로는 1603년 왕과 함께 영국으로 떠나기 직전에 쓰여진 윌리엄 알렉산더의 모나크니케 비극이 있다.그것들은 공연되기보다는 읽혀지도록 고안된 벽장 드라마였고 이미 알렉산더가 스코틀랜드 [11]언어보다 남부 영어를 더 좋아한다는 것을 보여준다.

복고 드라마

1603년부터 1660년까지 극장에 대한 증거는 거의 없다.유신 이후 스코틀랜드 드라마를 부활시키려는 시도가 있었다.1663년 에든버러 변호사 윌리엄 클레르케는 오랜 내전 끝에 피렌체의 합법적인 왕조를 복원하는 내용의 연극인 마르시아노 또는 발견을 썼다.이 공연은 홀리루드 팰리스 테니스 코트 극장에서 로디스 [16]백작인 존 레슬리 의회 고등 판무관 앞에서 공연되었다.토마스 시즈서프의 타루고의 와일즈 또는 커피 하우스는 1667년 런던에서 처음 공연되었고 그 다음해 에딘버러에서 공연되어 스페인 [17]코미디를 그렸다.시드서프는 또한 1667년부터 테니스 코트 시어터의 매니저였고 에든버러 카논게이트에서 선수단을 운영했습니다.레퍼토리는 런던에서 이어졌고 타루고의 와일즈 이후 새로운 스코틀랜드 연극은 없었다.올버니 공작은 홀리루드에 청장으로 있을 때 배우들을 데리고 왔다.그는 또한 아일랜드 선수들과 함께 그들만의 의상을 가져왔다.그는 테니스 코트 극장에서 코트 가면과 연극의 계절을 장려했는데, 그 중 하나는 미래의 [18]앤 여왕인 앤 공주를 포함했다.Sydsurf의 친척인 의사 Archibald Pitcairne(1652–1713)은 장로교 커크의 도덕성에 대한 리발드 풍자 (1692년)를 집필하여 원고로 유포되었지만, 1722년까지 출판되지 않았고, 전문직의 창작을 저해하는 자코비트주의와 전문 연극 사이의 연관성을 확보하는 데 도움을 주었다.시어터[19]

18세기

스코틀랜드 극장의 초기 옹호자이자 작가인 앨런 램지.
주요 수치:앨런 램지, 조안나 베일리, 존 홈, 캐서린 트로터, 뉴버그 해밀턴, 제임스 톰슨, 데이비드 말렛
주요 플레이:에우리디스, 운명적인 우정, 상실감에 빠진 사랑, 구애 A-la-모드, 첫눈에 반한 사랑, 페티코트-플로터, 데이트하는 연인, 소포니스바, 아가멤논, 탕크리드, 그리고 알프레드의 마스큐

드라마는 캐서린 트로터(1679-1749)와 같은 스코틀랜드 극작가들이 런던에서 스코틀랜드 부모 사이에서 태어나 애버딘으로 이주하면서 추구되었다.그녀의 희곡에는 운문의 비극적인 운명적 우정, 희극인 Love at a Loss 그리고 역사 The Revolution in Sweden 이 포함되어 있다.데이비드 크로포드 (1665년-1726년)의 희곡에는 유신 코미디 영화인 A-la-Mode (1700년)와 Love at First Sight (1704년)가 포함되어 있다.이들은 종종 광대지만 교활하고 충성스러운 무대 스코틀랜드인의 성격을 발전시켰다.스코틀랜드 혈통의 아일랜드에서 태어난 뉴버그 해밀턴 (1691–1761년)은 코미디 영화 "페티코트 플로터" (1712년)와 "도팅 러버스" (1715년)를 제작했다.그는 나중에 존 밀턴의 삼손 어거니스트에 근거해 헨델의 삼손 (1743년)의 대본을 썼다.제임스 톰슨의 연극은 종종 공적인 의무와 사적인 감정 사이의 경쟁을 다루었고, 소포니스바(1730), 아가멤논(1738), 탄크리드(1745)와 시기스무다(1745)를 포함했는데, 이는 국제적인 성공을 거두었다.데이비드 말렛 (1705년–65년)의 에우리디케 (1731년)는 코드화된 자코바이트 연극으로 비난받았고 그의 후기 작품은 월폴 정부에 대한 반감을 나타낸다.오페라 '마스크 오브 알프레드' (1740)는 톰슨, 말렛, 작곡가 토마스 아른이 그의 가장 유명한 작품인 애국적인 노래인 '룰, 브리타니아!'[20]의 가사를 제공하면서 만든 합작품이었다.

Carruber's Close는 시인 Allan Ramsay가 1737년 스코틀랜드에 극장을 다시 소개하려고 시도했던 초기, 그러나 짧은 기간의 장소입니다.

스코틀랜드에서 공연은 [21]커크족의 적개심에 직면했던 방문 배우들의 공연에만 국한되었다.1727년 11월, 에든버러 시의회는 무대 [22]연극을 비난했다.회기법원은 치안판사의 탄원을 기각했지만 로버트 워드 목사는 연극에 대해 "무위, 방만, [22]죄악의 세미나"라고 불평했다.당시의 팸플릿은 배우들을 "지옥이 토해낸 것 중 가장 방탕하고 비열한 놈"이라고 묘사했다."땅의 오물과 쓰레기, 인간 본성의 찌꺼기와 오점,[22] 모든 인류의 배설물과 쓰레기"1729년, 극적인 엔터테인먼트를 위해 결성된 스코틀랜드 코미디언 회사는 문을 [22]닫아야만 했다.Edinburgh Company of Players는 로열 [21]특허의 보호 아래 던디, 몬트로즈, 애버딘에서 공연하고 Edinburgh의 테일러 홀에서 정기 공연을 할 수 있었습니다.1727년, 앨런 램지는 드라마틱 [22]엔터테인먼트의 방어에 관한 그의 힌트를 썼다.램지는 [23]에든버러에 있는 Carruber's Close의 작은 극장에 그들을 설립하는 데 중요한 역할을 했지만, 1737년 라이선스법의 통과로 그들의 활동은 불법이 되었고 극장은 곧 문을 [24]닫았다.1739년 에든버러 노회는 맥베스의 [22]제작을 폐쇄했다.1752년, 글래스고의 첫 극장은 조지 휘트필드가 "악마의 집"[25]이라고 불평한 직후 전소되었다.던디와 퍼스는 더 관대해 보였다.던디는 1734년에 선수단을 결성했지만, 1784년에 던디 시의회는 에든버러에서 온 회사의 진입을 [25]막았다.퍼스는 이러한 검열에 시달리지 않는 것처럼 보였지만,[25] 극장이 그곳에서 제대로 제작되기 전인 1780년이었다.애버딘의 극장들도 [25]1745년과 1751년에 성직자들에 의해 폐쇄되었다.새로운 극장은 1747년 에딘버러 캐논게이트에 문을 열었고 1760년대까지 [23]무면허로 운영되었다.

극작가 조안나 베일리의 조각

18세기 후반에, 많은 연극들이 작은 아마추어 극단들을 위해 쓰여지고 상연되었지만 출판되지 않았고, 이것은 대부분의 연극들이 손실되었다는 것을 의미한다.세기가 끝날 무렵, 종종 발라드 전통과 고딕 [26]낭만주의의 영향을 받은 제임스 호그 (1770–1835), 존 골트 (1779–1839), 조안나 베일리 (1762–1851)의 작품을 포함하여 주로 공연보다는 읽을 수 있도록 고안된 "옷장 드라마"가 있었다.존 홈이 쓴 빈 시 비극 더글라스는 1756년 에딘버러에서 처음 공연되었다.이 연극은 스코틀랜드와 영국에서 수십 년 동안 놀라운 성공을 거두었고, 이 [27]연극으로 데뷔한 에드먼드 킨과 같은 그 시대의 많은 유명한 배우들을 끌어들였다.페그 워핑턴이 레이디 랜돌프를 연기했는데, 이 역할은 사라 시던스에서 후에 나타난 대표주자이다.2막의 첫머리는 아마도 가장 잘 알려진 "내 이름은 노르발이다; 그램피안 힐즈에서.." 그것은 제임스 맥퍼슨의 오시안 [28][29]사이클로 이어졌습니다.더글러스 때문에 교회 당국이 집을 괴롭혔다.홈이 런던 무대에 글을 쓰도록 만든 것은 더글러스의 성공과 더불어 그가 스코틀랜드 국립 극장을 설립하는 것을 막은 이 박해 때문인지도 모른다.[28]1783년 존 로건의 비극인 런네임드가 에든버러 극장에서 공연되었다.그것은 [30][31]주체의 자유에 중점을 둔 현대 정치를 반영했다.그것은 영국의 존과 영국의 조지 3세 사이에 분명한 유사점을 드러냈고, 그 때문에 체임벌린 경의 검열로 인해 런던 무대에서 [32]그 작품이 제작되지 못했다.월터 스콧은 나중에 색슨족과 노르만족 사이의 아이반호에서 그려진 대비에 대한 생각은 (시대착오적인) 색슨족과 노르만족 남작들이 [33][34]극장의 반대편에 있는 (시대착오적인) 무대 위에서 그려졌다고 썼다.

또한 중요한 것은 조안나 베일리의 작품이었다; 비록 그녀의 작품은 평생 동안 공연보다는 익명으로 출판되었지만, 그녀는 스코틀랜드의 대표적인 극작가 중 한 명으로 떠올랐다.베일리의 첫 번째 '열정에 관한 연극'은 1798년에 출판되었는데, 사랑에 관한 비극인 바질 백작, 사랑에 관한 코미디인 트릴, 그리고 증오에 관한 비극인 드 몽포르로 구성되어 있다.드 몽포르는 그녀의 정체성에 대한 지식이 나타나기 전에 런던 드루리 레인에서 성공적으로 공연되었고 여성 극작가에 대한 편견은 그녀의 [35]경력에 영향을 미치기 시작했다.

19세기

주요 인물
1820년 5월 29일 로열에든버러 극장의 조안나 베일리의 '시저의 마지막' 또는 콘스탄틴 팔레올로구스 플레이빌
1870년대 Up Helly Aa의 재창조는 민속극장의 인기 있는 작품을 만들었다.이 사진은 1973년에 찍은 것입니다.

19세기 후반, 스코틀랜드의 뮤직홀은 최고조에 달했지만, 20세기 초반에는 역사적 자료, 특히 월터 스콧의 소설에 대한 많은 개작이 있었다.스콧은 연극에 깊은 관심을 가지고 [36]에든버러 로열 극장의 주주가 되었다.베일리의 하이랜드를 주제로 한 가족 전설은 스코트의 도움으로 1810년 에딘버러에서 처음으로 제작되었는데, 이는 스코틀랜드 [37]전국 드라마를 자극하기 위한 의도적인 시도의 일부였다.스콧은 또한 5편의 희곡을 썼는데, 그 중 할리돈 힐과 맥더프의 십자가는 애국적인 스코틀랜드 [38]역사였다.웨벌리 소설의 각색작들은 주로 더 큰 특허 극장이 아닌 작은 극장에서 처음 공연되었으며, 이 기간 동안 스코틀랜드에서 1,000회 이상의 공연을 겪은 The Lady in the Lake (1817), The Heart of Midlothian (1819/1820), 그리고 Rob Roy가 포함되었다.또한 가이 매너링(1817), 람메르모르의 신부(1820), 고대물(1820), 웨벌리(1823), 그리고 수도원장(1823)도 무대에 맞게 각색되었다.이 매우 인기 있는 연극들은 극장에 대한 관객들의 사회적 범위와 규모가 확대되었고,[1][39] 나머지 세기 동안 스코틀랜드에서 극장을 관람하는 관행을 형성하는데 도움을 주었다.

이 시기에 제작된 드라마에는 배우 겸 매니저인 찰스 배스의 조지 비티의 시와 1826년 몬트로즈의 로얄 극장을 위해 시인 제임스 보윅의 시를 각색한 존 오 아른하가 포함되어 있다.현지에서 성공을 거둔 배스는 던디와 [40]에든버러에서도 이 연극을 선보였다.

이러한 성공에도 불구하고, 스코틀랜드 극장에 지방주의가 나타나기 시작했다.1840년대까지 스코틀랜드 극장들은 그들만의 [41]소재를 제작하기 보다는 "런던에서 나온 최고의 회사"와 같은 구호가 적힌 플래카드를 사용하는 경향이 있었다.1893년 글래스고에서 햄릿은 같은 [42]시즌에 5편의 작품이 있었다.21세기 후반, 스코틀랜드 극장의 발전은 철도 여행의 증가로 인해 방해받았고, 이는 영국 여행사들이 [43]단기 공연을 위해 더 쉽게 도착하고 떠날 수 있다는 것을 의미했다.스코틀랜드 드라마에 큰 기여를 할 수 있었던 많은 인물들이 윌리엄 샤프, 윌리엄 아처, J. M. 배리(1860년-1937년)[42]를 포함하여 런던으로 이주했다.

1876년, 셰틀랜드에서 Up Helly Aa라고 불리는 알려지지 않은 타르 통조림 의식이 의사 Norse 공연으로 수정되었다.오늘날까지도 그 의상이 바이킹보다 바그너에게 더 많은 빚을 졌다는 것은 인정되어야 한다.그럼에도 불구하고,[44] 그것은 오늘날 스코틀랜드에서 민속 의식 공연의 가장 잘 알려진 작품들 중 하나라는 점에서 아마도 의미 있을 것이다.

20세기

J.M. Barrie는 스코틀랜드 문학 수출 중 가장 성공적인 편에 속했고, 대부분의 경력을 영국에서 보냈다.연극으로 삶을 시작한 그의 피터팬(1904)은 영어로 가장 잘 알려진 이야기 중 하나이다.배리는 종종 카이야르 운동과 관련이 있으며, 그의 초기 희곡인 퀄리티 스트리트(1901)와 어베이러블 크라이튼(1902)은 일반적인 사회 질서의 일시적인 반전을 다루고 있다.디어 브루투스(1917)와 메리 로즈(1920)와 같은 그의 후기 작품들은 역사적 주제에 [45]초점을 맞췄다.배리 다음으로 20세기 초에 가장 성공한 스코틀랜드 극작가는 John Brandane과 James Bridie로, 각각 John Macintyre (1869년-1947년)와 Osborne Mavor (1888년-1951년)의 가명이다.브란데인의 연극은 종종 The Glen is Mine(1925)[46]에서처럼 하이랜드 사회에서 현대와 전통 사이의 충돌에 대한 유머러스한 탐험이었다.브리디는 다작의 극작가이자 현대 스코틀랜드 드라마를 발전시키는 주요 인물로 떠올랐다.그의 희곡은 해부학자(1930년)에서와 같이 그의 의학적 경험을 바탕으로 한 것 외에도 태양 소나타(1928년)와 같은 중산층 풍자를 포함했고 종종 미스터 볼프리([47]1943년)에서처럼 악마와 천사 같은 성경 등장인물들을 불렀다.그는 스코틀랜드 국립극장 제작을 목표로 한 여러 연극을 공연한 스코틀랜드 국립극장(1924-43)의 멤버였지만, 그것이 전문 회사가 되어야 한다는 그의 견해는 [48]이사회에서 사임하는 것을 의미했다.그는 글래스고 시민극장(1943년)의 창립자이자 초대 회장이었으며, 스코틀랜드 예술위원회가 되었고 초대 대통령(1947년)이 되었다.그는 글래스고 왕립 스코틀랜드 음악 아카데미 내에 연극 대학을 설립했습니다.[47]

제임스 브리디, 20세기 초 스코틀랜드 연극계의 주요 인물 중 한 명

20세기 초에는 대중적이거나 노동자 계급 연극의 전통이 출현했다.수백 개의 아마추어 단체들이, 특히 Lowlands의 성장하는 도시 중심지에 설립되었습니다.대부분은 노동자극장운동(WTM)과 유니티극장협회(UTS)의 분파였다.가장 중요한 것들 중 하나는 현대의 인기 있는 극장 [49]그룹을 위한 토대를 마련한 파이프 광부 플레이어스(1926–31), 글래스고 노동자 극장 그룹(1937–41), 글래스고 유니티 극장(1941–51)이었다.이 운동의 중요한 극작가들은 전 광부 조 코리 (1894–1968)를 포함했는데, 그의 희곡은 1년 전 [50]총파업 사건을 바탕으로 한 시간 분쟁 (1927년)에 포함되었다.스코틀랜드 레퍼토리 극장은 토착 극작가를 격려한 최초의 스코틀랜드 극단이었다.전쟁 기간 동안, 그 목표는 다른 아마추어 회사들, 특히 [49]글래스고의 커튼 극장에 의해 이루어졌는데, 그는 그의 첫 번째 장편 연극인 톰 바이어스와 그의 가장 잘 알려진 작품인 제이미 더 삭스(1936)를 포함한 로버트 맥렐란 (1907-85)의 작품을 "발견"했다.그는 [51]재능있는 희극작가였고 스코틀랜드어로 글을 쓰는데 전념했다.

전후 노동계급 생활에 초점을 맞춘 드라마로의 전환은 스코틀랜드 [52]도시의 거대한 사회 문제를 다룬 로버트 맥리쉬의 고르발스 스토리(1946)를 통해 가속화되었다.마찬가지로 에나 라몬트 스튜어트의 '남자는 울어야 한다'(1947)[53]는 스코틀랜드 대공황의 영향에 초점을 맞췄다.그 시대의 다른 주요 스코틀랜드 극작가로는 The Heart is Highland를 포함한 작품을 제작한 로버트 켐프 (1908–67)와 빈야드 거리를 포함한 희곡의 조지 먼로 (1902–[52]68)가 있었다.

에든버러 축제는 제2차 세계대전 [54]이후 열리지 못했던 글린드본, 뮌헨, 잘츠부르크의 축제를 대체하기 위해 1947년 창설되었다.에든버러 페스티벌 프린지는 프로그램에 포함되지 않았던 8개의 극단들이 소규모 및 개조된 극장에서 그들만의 공연을 기획하면서 시작되었다.1960년대까지 공존하던 두 축제 사이의 관계는 경색되었다.이들은 모두 합쳐서 현재 세계에서 가장 크고 권위 있는 예술 축제 중 하나이며, 크고 작은 연극 [55]작품도 포함되어 있습니다.

스코틀랜드 연극의 르네상스는 1963년 에딘버러에 트래버스 극장이 문을 연 [56]것과 1973년 스코틀랜드 극작가 협회의 설립 사이에 일어난 것으로 이안 브라운에 의해 인식되어 왔다.1968년 극장법은 1737년부터 영국에 존재했던 체임벌린 경의 무대 검열 제도를 폐지했다.이것은 훨씬 더 큰 예술적 자유를 허용했지만, 스코틀랜드의 지방 당국은 여전히 지역 내규와 [57]법령에 따라 "관상 공연"을 기소할 수 있는 능력을 유지했습니다.

글래스고 시민극장 리허설실

1970년대에 많은 연극들이 스코틀랜드 [58]정체성의 본질을 탐구했다.사극에는 스튜어트 콘(Stewart Conn's 1936 b.The Burning (1971년)과 Hector MacMillan's(1929년)더 라이징(1973년).맥밀런의 새시(1973)[59]는 종파주의에 맞선 최초의 연극 중 하나였다.직장 드라마로는 Bill Bryden의 Willie Rough (1975년)와 Roddy McMillan의 The Bevelers (1973년)가 있었다.이 연극들은 독립적이고 정치적으로 헌신적인 새로운 형태의 지역사회 극장으로 가는 길을 열었다.이러한 경향은 1973년 제작된 John McGrath(1935–2002)의 The Cheviot, The Stag, and Black Black Oil로 시작되었습니다.The Game's a Bogy (1974년)와 같은 McGrath의 작품은 사회주의적인 의도를 가지고 있었고 부활한 스코틀랜드 민족주의의 한 부분을 차지했다.이 모델을 따라 형성된 독립 극단들은 TAG(1967–),[60] Borderline Theatre Company(1974–), 와일드캣 스테이지 프로덕션(1978–),[49] 또는 Theater Alba(1981–2021)와 같은 이름을 포함하고 있다.

스코틀랜드어는 스코틀랜드 드라마, 특히 코미디를 위한 매개체로 계속 사용되었다.1947년, 로버트 켐프는 몰리에르의 L'Ecole des Femmes를 스코틀랜드 무대에 Let Wifes Tak Tent로 개작했습니다.1958년 알렉산더 리드의 '더 라스 위 더 머클 무'와 월드의 원더 둘 다 좋은 평가를 받았다.게이트웨이 극장의 연출 디렉터인 Victor Carin은 4개의 희곡을 스코틀랜드어로 번역했습니다.하이포콘드리아크(1963년)카를로 골도니의 두 주인의 하인(1965년)치핏 찬티 (Heinrich von Kleist의 The Broken Jug (1968년)의 번역본)와 A Mucle Steer (Ludvig Holberg의 The Fidget의 번역본) (1976년)이 코미디들 중 몇 개는 아마추어 회사들에게 인기 있는 주요 상품이 되었다.1970년대에, 이 언어의 극적인 잠재력은 The Bevelers, The Jesuit, Willie Rough, The Hardman 그리고 The Slab Boys와 같은 연극에서 증명되었다.1980년, 마틴 보먼과 빌 핀들레이는 미셸 트램블레이의 레스 벨 소어스를 현대 스코틀랜드어로 번역하여 Guid [61]Sisters로 만들었다.1985년 데이비드 퍼브스의 개구리 왕자의 스코틀랜드어 버전인 '푸독 앤 더 프린세스'는 찰스 노워시엘스키의 극장 [62]알바로 에딘버러 프린지 퍼스트 어워드를 수상했다.데이비드 퍼브스와 로빈 로리머는 각각 1992년과 1993년에 셰익스피어의 맥베스를 스코틀랜드어로 번역했다.

1960년대와 1970년대는 또한 스코틀랜드 게일어 드라마의 번영을 보았다.주요 인물로는 폭넓은 주제를 탐구한 연극인 Iain Crichton Smith가 있었다.종종 유머러스하게, 그들은 또한 A'Chöirt의 하이랜드 클리어런스의 코일라크의 그리스도에 대한 배신과 같은 심각한 주제를 다루기도 했다.[63]Iain Moireach의 희곡은 또한 심각한 주제를 다루기 위해 유머를 사용했는데, 이는 게일어에 대한 위협에 초점을 맞춘 Feumaidh Sinn a Bhith Gairachdain (We Have to Laugh, 1969)에서와 같다.다른 주요 인물로는 토르모드 칼룸 돔날라흐(1927-2000년)가 있으며, 그의 작품에는 일본 노의 영향을 받은 안나 차임블(Anna Chambell, 1977년)이 포함되어 있다.피오넬라 맥클리드(핀리 맥클리드)의 작품에는 부조리의 연극에 강한 영향을 받은 킨 크로픽(1967)이 포함되어 있다.마찬가지로 도나이드 맥일레아테인(Donaidh MacIlleathain)은 Sgoil Dhubh(A Dark School, 1974년)에서 황당한 대화를 사용했다.이 작가들 중 많은 이들이 1980년대와 심지어 1990년대까지 글을 계속 썼지만,[64] 이 시기는 게일어 드라마에 필적할 수 없는 황금기였다.

1979년 정권교체 국민투표 실패와 마가렛 대처 정권 하의 보수당 정부 선출 이후 정치자금 풍토가 급변했다.스코틀랜드 예술 위원회는 극단들이 티켓 판매와 상업적 후원에서 자금을 찾으면서 사업으로서의 역할을 하도록 장려했습니다.1981년 배우 이완 후퍼는 글래스고에 본사를 두고 스코틀랜드 작가들의 작품을 홍보하기 위해 50,000파운드를 받았다.그 회사는 주요 도시 이외에는 필요한 수입을 창출할 수 있는 큰 장소가 부족했기 때문에 투어가 어렵다는 것을 알았다.첫 번째 시즌에는 맥그래스의 동물(1979년)과 브라이든의 민간인(1981년)이 포함되었다.예술적 성공은 재정적인 재앙을 동반했고, 그 회사는 두 번째 시즌이 끝날 때까지 12만 파운드의 빚을 졌다.몇 가지 중요한 승리에도 불구하고, 회사는 1987년에 파산했다. 7장 84절도 재정 불안의 시기를 맞았지만, 새로운 구조, 새로운 경영, 그리고 새로운 글쓰기를 장려하는 것에 대한 강조가 로나 먼로의 (b. 1959년) Bold Girls (90년)[65]와 같은 작품으로 이어졌다.20세기 후반 20년 동안 스코틀랜드 연극 문학의 상당 부분이 축적되었다.또한 한 작가가 한 회사와 함께 일하는 습관에서 여러 회사가 작가들의 커뮤니티에 그림을 그리는 방식으로 변화했다.스코틀랜드 극작품은 점점 국제화되었고, 스코틀랜드 작가들은 리즈 록헤드의 몰리에르의 타르튀프(1985년)와 미산트로프(1973년/2005년) 또는 에드윈 모건의 시라노 드 버거락 번역(1992년)과 같은 고전 작품들을 채택했다.스코틀랜드의 극작가들도 조 클리포드의 루징 베니스 (1985년)와 데이비드 그리그의 유럽 (1995년)[66]에서 볼 수 있듯이 점점 더 넓은 유럽 문화에 몰두하고 있었다.

21세기

현재 세기는 스코틀랜드 [67]연극의 황금기로 묘사되어 왔다.1999년 홀리루드에서 스코틀랜드 의회의 재설립과 권력은 공연예술의 생태와 인프라에 큰 영향을 미쳤다.

인버네스 에덴 코트 극장입니다

스코틀랜드 전역의 여러 마을과 도시에 새로운 공연장이 문을 여는 동안, 많은 공연장이 확장되고 새롭게 단장되었다.St Andrews의 Byre Theatre는 2001년에 [68]개장하여 550만 파운드를 들여 보수 및 확장되었습니다.노스 에든버러 아트 센터는 에든버러 뮤어하우스 지역에 2002년에 문을 열었으며, 96-150석 규모의 스튜디오 극장, 두 개의 작은 스튜디오 공간, 녹음 스튜디오, 갤러리, 허가된 카페 및 [69]정원으로 구성되어 있습니다.Inverness의 Eden Court Theatre는 2007년 11월에 재개관하여 Robertson Constructions와 Page\Park Architects에 의해 전면적인 리페어 및 증축이 이루어졌습니다.다시 문을 열자마자,[70] 그것은 스코틀랜드에서 가장 큰 복합 예술 센터가 되었다.Mull Theatre는 2008년 Druimfin의 새로운 건물로 이전했으며, 2013년에는 아트센터 An Tobar와 협력하여 크리에이티브 [71]작품을 제작, 발표 및 개발하는 멀티 아트 조직인 Comar를 설립했습니다.퍼스 시어터는 2014년에 리노베이션 공사를 위해 문을 닫았고,[72] 2017년에 재개관할 예정입니다.이러한 발전과는 대조적으로 글래스고의 아치스를 포함한 일부 공연장은 영구적으로 문을 닫았다.아치는 현대 연극과 아방가르드 공연을 위한 주요 장소였다.재키 와일리의 지휘 아래, 아치스는 데레보의 Natura Morte, Nic Green의 Trilogy, 그리고 Linder String의 Darktown Cakewalk와 같은 공연들을 무대에 올렸습니다.The Archs가 제작한 주요 현대 연극 축제로는 Behavior, Wylie의 오리지널 Archs Theatre Festival의 브랜드 변경, 그리고 위험을 감수하는 젊은 예술가들을 위한 연극 축제인 Archs Live가 있었다.그 [73]장소는 2015년에 폐쇄되었다.

예술에 대한 자금 지원 또한 스코틀랜드 예술 위원회가 크리에이티브 스코틀랜드로 대체되면서 큰 변화를 겪었다.스코틀랜드 정부는 Creative Scotland 2009라는 임시 회사가 기존 조직인 Scotland Screen과 스코틀랜드 예술 위원회로부터의 이행을 지원하기 위해 설립된 후 2010년 7월 1일에 Creative Scotland를 설립했습니다.

독립 초기부터 스코틀랜드 국립극장(런던 국립극장과는 구별됨)은 스코틀랜드 행정부에 의해 우선시 되었다.2003년 스코틀랜드 의회에서의 토론은 스코틀랜드 국립극장의 헌법으로 이어졌다.2004년에 Vicky Featherstone이 아트 디렉터로 임명되어 2006년에 정식으로 설립되었습니다.[74]회사 자체 극장 건물은 없지만,[75] 관리는 글래스고의 Speirs Lock에 근거하고 있습니다.대신 스코틀랜드, 영국, 그리고 국제적으로 극장, 마을회관, 학교 및 현장별 장소를 순회한다.이 회사는 200편이 넘는 작품을 제작하고 다른 극단, 지방 당국 및 개별 아티스트와 협력하여 대규모 작품부터 소규모 공연장 전용 극장까지 다양한 공연을 제작하고 있습니다.

극작가들과 극단들은 권력이양과 이후 2014년 스코틀랜드 독립 국민투표에서 비롯된 창조적 에너지의 폭발에 여러 가지 방법으로 대응했다.일부 사람들은 스코틀랜드 역사를 되돌아보기로 선택했는데, 특히 통합법을 초래한 불운한 다리엔 계획과 같이 잊혀진 것 같은 시기에 초점을 맞추었다.그것은 알리스테어 비튼에 의해 예측들 스코틀랜드 역사의 상승에 입증 후에 수년 간, 꼭대기에 있는 데이비드 그레이그. 미국에 의해(2010년)등 담당하는 2010년 Darien-themed 연극 칼레도니아"과거에 스코틀랜드 연극에서 부분적인 refocusing을 나타내"[76], 제임스 Plays Rona 먼로(2014년)에 의해, 팀은 배로의 연합(2014년), 그리고 Glor 받았습니다.이봐.n Linda McLean(2017).

다른 작가들은 스코틀랜드의 현대 생활을 면밀히 조사하면서 정체성과 국가성에 대한 주제를 조사했다.그레고리 버크의 가가린 웨이(Gagarin Way)[77]는 2001년 7월 트래버스 극장에서 초연된 후 런던의 국립극장과[78] 웨스트엔드로 옮겼습니다.디소시아의 경이로운 세계는 앤서니 닐슨이 해리성 장애를 앓고 있는 젊은 여성에 대해 쓰고 감독했습니다.이 아이디어는 원래 2002년 LAMDA의 학생 그룹과 작업하다가 나중에 2004년 [79][80]에든버러 국제 축제에서 글래스고의 트론 극장을 위해 다시 쓰여 제작되었습니다.그레고리 버크가 쓰고 존 티파니가 연출한 블랙 워치는 스코틀랜드 [81]국립극장의 첫 번째 시즌의 일부였다.전직 [82]군인들과의 인터뷰를 바탕으로, 그것은 스코틀랜드 왕립 연대로 합병되기 전인 2004년 이라크에서 TELIC 작전에 참여했던 영국 육군 블랙워치 연대의 병사들을 묘사한다.블랙워치는 2006년 8월 1일 에든버러 대학 장교 훈련단 드릴홀에서 [83]열린 에든버러 페스티벌 프린지에서 처음 공연됐다.키런 헐리의 랜틴은 데이비드 그리그와 스티븐 그린혼의 작품과 비슷한 현대 스코틀랜드를 낙관적으로 묘사하고 있다.그들은 결코 정적이지 않고 항상 진행 중이며, 그 유산과 증가하는 이질성에 자부심을 가지고 있으며, 무엇보다도 그 나라의 경계를 넘어서는 참여를 자극할 수 있는 국가를 제안하고 있다.엄격하고 잠재적으로 파괴적인 민족주의"[84]라고 말했다.헐리와 그의 협력자들은 모두 '예스' 캠페인으로 유명한 노래와 독백의 열정적인 패치워크를 선보였는데, 이는 존 맥그래스의 사회주의 유산을 새로운 세기로 확장시키는 동시에 고개를 끄덕였다.21세기 초의 다른 중요한 작품으로는 지니 해리스의 먼 곳(2000년), 더글러스 맥스웰의 데키 두즈 어 브롱코(2000년), 데이비드 해로우어의 블랙버드(2005년), 스티븐 그린혼의 라이스의 햇살(2007년), 그리고 로나의 제임스 희곡의 역사 3부작 등이 있다.

스타캐쳐가 제작한 '아티크'의 제작 이미지.2010년 10월

어린 관객들, 특히 매우 어린 아이들을 위한 극장은 1980년대부터 [85]엄청난 인기를 얻었으며 "현대 스코틀랜드 극장의 특별한 강점"[86]으로 묘사되어 왔다.이 분야의 주요 사업자는 [87]에든버러에 본사를 둔 어린이와 젊은이들을 위한 공연 예술 개발 기관인 Imaginate입니다.이매지네이트는 아티스트 육성 및 창의적 학습뿐만 아니라 현재 [88]세계에서 가장 큰 국제 축제 중 하나인 이매지네이트 페스티벌을 매년 개최하며 [89]연구에 종사하고 있다.2009년부터 2011년까지 Imaginate는 출생부터 [90]4세까지의 어린이를 위한 공연 예술 체험을 제작하는 제작사인 Starcatchers를 지원했습니다.비평가 마크 피셔가 지적했듯이, "스코틀랜드 극장의 가장 큰 성공 사례 중 하나는 지난 20년 동안 등장한 뛰어난 어린이 극단의 수"이며,[91] 여기에는 겨울왕국 샬롯, 위 스토리, 비주얼 픽션스, 캐서린 휠스 극장, TAG 극장 등이 포함됩니다.

뮤직홀

해리 로더.타탄과 전형적인 스코틀랜드 이미지를 사용하세요.

뮤직홀은 19세기 중반부터 20세기 중반까지 스코틀랜드에서 흔히 볼 수 있는 다양한 가벼운 오락의 한 형태였다.영화, 라디오, 텔레비전의 등장으로 그 영향력은 약해지기 시작했다.하지만, 스코틀랜드 음악 홀의 어떤 맛은 여전히 많은 스코틀랜드 판토마임에서 볼 수 있다.뮤직홀은 엄밀히 말하면 극장은 아니지만 드라마틱한 요소와 작은 스케치를 포함할 수 있습니다.그것은 과장된 극적 오락보다는 감상성, 가벼운 유머, 노래 부르기에 더 가까웠다.

뮤직홀은 종종 노동자 계층의 오락이었고, 금주 운동은 [92]음주에 대한 대안으로 그것을 장려했다.그럼에도 불구하고, 음악당에는 빈번한 이중 엔트리와 성적인 유머가 있었다.스코틀랜드 뮤직홀의 주목할 만한 특징은 하이랜드 드레스의 과장된 형태를 자주 사용했다는 것이다.카이야르 운동과도 겹치는 부분이 있었다.

스코틀랜드 뮤직홀에 대한 반응은 엇갈렸다.Hugh McDiarmid는 특히 Harry Lauder를 비하했다.맥디아미드는 "로더 공연에서 볼 수 있는 똑똑하고 똑똑한 스코트인을 한 명도 만난 적이 없다"며 로더가 너무 웃겨서 아무도 [93]그의 농담을 기억하지 못한다고 말했다.

스코틀랜드의 연극제

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스코틀랜드에서 가장 잘 알려진 연극제는 매년 8월에 열리는 에딘버러 국제 축제와 에딘버러 프린지 축제입니다.그러나 이러한 축제에서 소재의 대부분은 스코틀랜드 출신이 아닌 경향이 있다.다른 에든버러 축제로는 매년 5월에 개최되고 원래 스코틀랜드 어린이 연극 축제,[94] Manipulate - Visual Theatre Festival, Edinburgh People's Festival이 있다.글래스고 축제에는 글래스고 축제도 포함됩니다! 고반 피어스 인스티튜트에서 열리는 라이브 아트 페스티벌과 버즈컷 페스티벌.

스코틀랜드의 극단

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7:84 스코틀랜드

7시 84분 스코틀랜드는 1971년 에든버러 [95]페스티벌에서 존 맥그래스의 '바람 속의 나무' 초연으로 시작되었다.1972년, 같은 연극이 에든버러에서 열린 노동절 집회에서도 공연되었고 [95]글래스고의 점거 공장에서도 공연되었다.Leni Line과 David MacLennan과 같은 사람들은 7시 84분부터 Wild [96]Cat과 같은 다른 회사로 옮겼습니다.

그러나 그들의 가장 큰 성공은 "The Cheviot"이었다.David Edgar는 다음과 같이 쓰고 있습니다.

"The Cheviot, The Stag, Black Black Oil에서 7:84 스코틀랜드가 ceilidh 형식을 사용한 것은 시골 민속 형태를 그리고 실제로 스코틀랜드의 [97]시골 고원 지역의 청중을 겨냥했기 때문에 성공했습니다."

체비오트는 이후 아일랜드 시골과 [98]더블린에서 성공적으로 순회공연을 했다.

The Game's a Bogy는 존 맥린의 삶을 무엇보다도 논했지만, 실패한 사업가에게는 멍고 맥붕글 경, Glasswegian의 휠체어 딜러에게는 앤디 맥추켐업과 같은 명백한 농담에 의존했습니다.7:84는 그 기간 동안 많은 다른 연극들을 제작했지만, 체비옷이 단연 가장 성공적이었다.BBC [99]검열관에게 감사하는 의미로 일부 수정이 있었지만, 그것은 결국 텔레비전 프로그램으로 녹화되었다.

10년 말, 7:84의 핵은 무너졌고, 다른 많은 사람들은 그들 자신의 정치 [100]극단들을 시작했다.

스코틀랜드의 극장

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던디 렙

스코틀랜드의 모든 주요 도시에는 극장뿐만 아니라 Dumfries, Mull, Perth 및 Ayr과 같은 지역 센터가 있습니다.더 많은 시골 지역에서는, 연극이 종종 마을 회관, 교회 회관, 예술 공간 등에서 공연된다.

「 」를 참조해 주세요.

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외부 링크