배우.

Actor
기타 용도는 Actor(동음이의)를 참조하십시오.
"Actress"는 여기서 리다이렉트 됩니다.기타 용도는 여배우(동음이의)를 참조하십시오.
리처드 3세의 데이비드 개릭 무대

배우 또는 여배우는 [1]공연에서 인물을 연기하는 사람이다.그 배우는 전통적인 연극 매체나 영화, 라디오, 텔레비전과 같은 현대 매체에서 "육체 속"을 공연한다.비슷한 그리스어는 πκκκhhhhhhhhhhhh(후포크리트)로 문자 그대로 "[2]답변하는 자"이다.배역에 대한 배우의 해석은 실제 인물이든 가상의 인물이든 상관없이 연기된 배역과 관련이 있습니다.영화관에서 두루마리가 사용돼 이렇게 불렸던 배우 역할도 있다.해석은 어떤 형태의 실험 공연 예술에서처럼 배우가 "자신을 연기하고 있을 때"에도 발생합니다.

이전에는 고대 그리스와 중세 세계, 그리고 윌리엄 셰익스피어 시대의 영국에서는 남자만 배우가 될 수 있었고, 여성의 역할은 일반적으로 남자나 [3]남자에 의해 연기되었다.고대 로마는 여성 무대 배우를 허용했지만, 그들 중 극소수만이 연설할 수 있었다.그러나 이탈리아의 코미디아 델라르테는 1564년 10월 10일부터 배우와 계약한 루크레치아 디 시에나는 이탈리아 최초의 여배우로 알려져 있으며 빈첸차 아르마니와 바바라 플라미니아는 이탈리아 최초의 프리마돈나이자 최초의 문서화된 여배우로 알려져 있다.([4]유럽에서도).1660년의 영국 유신 이후, 영국에서는 여성들이 무대에 등장하기 시작했다.현대, 특히 판토마임과 일부 오페라에서 여성들은 때때로 소년이나 젊은 남성의 역할을 [5]맡는다.

역사

연기하는 배우의 첫 번째 기록된 사례는 기원전 534년에 일어났는데, 그리스 배우 테스피스가 디오니소스 극장의 무대에 올라 연극이나 이야기에서 그리스 배우 테스피스는 디오니소스 극장의 무대에 올랐다.테스피스가 연기되기 전에, 그리스 이야기는 노래, 춤, 그리고 3인칭 서사시로만 표현되었다.Thespis를 기리기 위해, 배우들은 보통 Thespians라고 불린다.고대 그리스 연극의 독점적인 남자 배우들은 비극, 코미디, 사튀르 [6]연극의 세 가지 종류의 드라마에서 공연했다.이것은 로마 시대에 상당히 발전하고 확장되었다.고대 로마의 극장은 거리 연극, 나체 춤, 곡예의 축제 공연에서부터 상황극의 무대에 이르기까지, 고급스럽고 언어적으로 정교한 비극에 이르기까지 번영하고 다양한 예술 형태였다.

4세기와 5세기에 걸쳐 서로마 제국이 쇠퇴함에 따라, 로마의 권좌는 동쪽으로 콘스탄티노폴리스로 옮겨졌다.기록에 따르면 마임, 판토마임, 비극과 코미디, 춤, 그리고 다른 오락의 장면이나 낭독이 매우 인기가 있었다.5세기부터 서유럽은 전반적인 혼란기에 빠졌다.소규모 유목민 밴드 배우들은 그 기간 내내 유럽 곳곳을 돌아다니며 관객이 있는 곳이면 어디든 공연을 했다; 그들이 거친 [7]장면만 연출했다는 증거는 없다.전통적으로, 배우들은 높은 지위에 있지 않았다. 그래서 중세 초기에, 여행 중인 연기단은 종종 불신으로 보였다.중세 초기 배우들은 위험하고 부도덕하며 이교도로 여겨졌기 때문에 암흑기 동안 교회에 의해 비난을 받았다.유럽의 많은 지역에서, 지역과 시대의 전통적인 믿음은 배우들이 기독교 장례를 치를 수 없다는 것을 의미했다.

중세 초기에 유럽의 교회들은 성경에 나오는 사건들을 극화해서 무대에 올리기 시작했다.11세기 중반까지, 전례 드라마는 러시아에서 스칸디나비아, 이탈리아로 퍼져나갔다.만우절은 코미디의 발전을 장려했다.중세 후기에는 127개 마을에서 연극이 제작되었다.이 지역적인 미스터리 연극들은 종종 희극을 포함했고, 배우들은 악마, 악당, 그리고 [8]광대를 연기했습니다.이 연극에 나오는 배우들의 대다수는 지역 주민들로부터 뽑혔다.영국의 아마추어 연주자들은 남성들만을 위한 것이었지만, 다른 나라들에는 여성 연주자들이 있었다.

중세 시대에는 여러 세속적인 연극이 무대에 올랐는데, 그 중 가장 초기의 연극은 1276년 아담 드 라 할레가 그린우드의 연극이다.그것은 풍자적인 장면과 요정이나 다른 초자연적인 사건들과 같은 민속 자료들을 포함하고 있다.파르체 또한 13세기 이후 인기가 높아졌다.중세 말기에 영국과 유럽에 전문 배우들이 등장하기 시작했다.리처드 3세와 헨리 7세는 둘 다 전문 배우들로 구성된 작은 회사를 유지했다.16세기 중반부터 Commedia dell'arte tropes는 수세기 동안 유럽 전역에서 활기찬 즉흥극을 공연했습니다.Commedia dell'arte는 배우 중심의 극장으로 풍경과 소품이 거의 필요하지 않았다.연극은 상황, 복잡성, 액션의 결과를 제공하는 느슨한 틀이었고, 그 주변에서 배우들은 즉흥적으로 연기를 했다.그 연극은 상투적인 캐릭터를 사용했다.한 극단은 전형적으로 13명에서 14명의 단원으로 구성되었다.대부분의 배우들은 그들의 역할의 크기와 거의 같은 액수의 돈을 받았다.

엘리자베스 시대의 전형적인 옥상극장인 스완의 스러스트 스테이지에서 진행 중인 공연을 그린 1596년 스케치.

르네상스 극장은 추리극, 도덕극, 아테네의 비극을 재현하려는 대학극과 같은 몇몇 중세 연극 전통에서 유래했다.이탈리아의 전통인 Commedia dell'arte와 궁정에서 자주 볼 수 있는 정교한 가면 또한 공공 극장의 형성에 기여했습니다.엘리자베스 1세의 통치 이전부터, 연주자들은 주요 귀족들의 집에 붙어있었고 다양한 장소에서 계절적으로 공연을 했다.이것들은 엘리자베스 시대의 무대에서 공연한 프로 선수들의 기반이 되었다.

극장의 발전과 연기 기회는 청교도들의 무대 반대 때문에 런던 내의 모든 연극 공연이 금지되면서 중단되었다.청교도들은 그 극장을 부도덕한 것으로 보았다.1660년 극장의 재개장은 영국 연극의 부흥을 알렸다.1660년부터 1710년까지의 유신기에 쓰여져 상연된 영어 코미디는 집합적으로 "유신 코미디"라고 불린다.복원 코미디는 성적 노골성으로 악명 높다.이 시점에서, 여성은 여성 역할만으로 영어 무대에 서는 것이 처음으로 허용되었다.이 시기에는 최초의 전문 여배우들의 소개와 최초의 연예인 배우들의 등장이 있었다.

19세기

헨리 어빙 인 더 벨스, 1874

19세기에 배우들의 부정적인 평판은 크게 뒤바뀌었고 연기는 명예롭고 인기 있는 직업과 [9]예술이 되었다.그 배우가 유명인사로 부상하면서 관객들은 그들이 좋아하는 "스타들"에게 몰려들었다.그들만의 회사를 설립하고 배우, 제작, 그리고 [10]자금을 통제했던 배우-매니저들에게 새로운 역할이 나타났다.성공했을 때, 그들은 그들의 프로덕션으로 몰려든 영구 고객을 확보했다.그들은 셰익스피어의 연극과 같은 유명한 연극의 레퍼토리를 공연하면서 전국을 순회하며 관객 수를 늘릴 수 있었다.신문, 개인 클럽, 술집, 커피숍은 스타와 작품의 상대적인 장점을 평가하는 활발한 토론으로 울려 퍼졌다.헨리 어빙 (1838–1905)은 영국의 배우-매니저들 [11]중 가장 성공적이었다.어빙은 셰익스피어적 역할과 관객이 아닌 무대에 집중할 수 있도록 실내등을 끄는 등의 혁신으로 유명했다.그의 회사는 유럽과 미국뿐만 아니라 영국을 돌며 스타 배우들의 힘을 보여주고 열광적인 관객들을 끌어모으기 위한 유명한 역할들을 보여주었다.1895년 그의 기사 작위는 영국 [12]사회의 상류층에 대한 완전한 수용을 시사했다.

20세기

존 허드슨 부인의 슈버트 극장 프레젠테이션용 플레이빌 표지

20세기 초에 이르러서는 대규모 제작의 경제성이 배우-매니저 모델을 대체했다.연기와 매니지먼트의 천재성을 겸비한 인물을 찾기가 어려웠기 때문에 무대감독과 이후 연출자로서의 역할이 전문화됐다.재정적으로, 대도시를 벗어나려면 훨씬 더 큰 자본이 필요했다.해결책은 Theateral Syndicate, Edward Lauillard, 특히 The Shubert Organization과 같은 극장 체인의 기업 소유였습니다.관광객들의 입맛에 맞춰 대도시의 극장들은 매우 인기 있는 연극들, 특히 뮤지컬의 장기 상연을 점점 더 선호하고 있다.거물급 스타들은 더욱 [13]필수적이 되었다.

기술

주요 기사:연기법 목록
  • 고전 연기는 신체 표현, 목소리, 상상력, 개인화, 즉흥연기, 외부 자극, 대본 분석을 통합한 연기 철학이다.콘스탄틴 스타니슬라브스키와 미셸 생드니 등 엄선된 클래식 배우와 감독들의 이론과 체계를 바탕으로 만들어졌다.
  • 스타니슬라프스키의 방식으로도 알려진 스타니슬라프스키의 방식에서, 배우들은 그들이 연기하는 인물의 "진실"을 전달하기 위해 그들 자신의 감정과 경험을 이용한다.배우들은 캐릭터의 사고방식에 자신을 두고, 캐릭터에 대한 더 진실된 묘사를 하기 위한 공통점을 발견한다.
  • 메서드 연기는 리 스트라스버그에 의해 공식화된 대로 연기하는 인물의 더 나은 특성을 얻기 위해 배우들을 훈련시키기 위한 기술 범위입니다.스트라스버그의 방법은 그들의 역할에 대한 감정적이고 인지적인 이해를 발전시키기 위해, 배우들은 그들의 캐릭터와 개인적인 동일성을 위해 그들 자신의 경험을 사용해야 한다는 생각에 바탕을 두고 있다.그것은 스타니슬라프스키 체제의 측면에 기초하고 있다.스텔라 아들러나 샌포드 마이스너 등 스타니슬라브스키의 아이디어를 바탕으로 한 연기 기법도 있지만 방법 [14]연기는 아니다.
  • 마이스너 테크닉은 배우가 상대 배우를 마치 그 혹은 그녀가 진짜이고 그 순간에만 존재하는 것처럼 완전히 집중하도록 요구한다.이것은 관객들에게 장면에 나오는 배우들을 좀 더 진정성 있게 보이게 하는 방법이다.그것은 행동이 다른 사람과 상황에 대한 사람들의 반응에서 그 표현을 찾는다는 원리에 바탕을 두고 있다.스타니슬라프스키의 시스템에 기반한 건가요?

이성으로서

이전에는 일부 사회에서는 남자들만 배우가 될 수 있었다.고대 그리스와 고대[15] 로마 그리고 중세 세계에서는 여성이 무대에 서는 것이 수치스러운 일로 여겨졌다; 그럼에도 불구하고, 고대 로마에서는 여성들이 공연을 했고, 16세기에 이탈리아의 Commedia dell'arte에서 다시 무대에 올랐다; 루크레치아 디 시에나는 아마도 고대 로마 이후 최초의 전문 여배우가 되었다.프랑스와 스페인 역시 16세기에 여자 배우가 있었다.그러나 윌리엄 셰익스피어의 영국에서 여성의 역할은 일반적으로 남자나 [3]남자에 의해 수행되었다.

1660년 영국 유신 이후 18년간 청교도들의 드라마 금지가 풀렸을 때, 영국에서는 여성들이 무대에 등장하기 시작했다.마가렛 휴즈는 종종 영국 [16]무대에서 최초의 프로 여배우로 인정받는다.이전에는 이탈리아 Commedia dell'arte의 방문단원인 Angelica Martinelli가 1578년에 [17]영국에서 공연을 했지만, 이러한 외국 게스트 출연은 드문 일이었고 영국에는 전문 영국 여배우가 없었다.이 금지령은 찰스 2세의 통치 기간 동안 부분적으로 그가 [18]무대에서 여배우들을 보는 것을 즐겼기 때문에 끝이 났다.구체적으로, 찰스 2세는 토마스 킬리그루와 윌리엄 데이번트에게 "진지한" 드라마를 공연하기 위해 두 개의 런던 극단을 설립할 독점권을 부여하면서 특허권을 부여했고, 그 편지들은 여배우들이 처음으로 [19]연기할 수 있도록 개정하여 1662년에 재발행되었다.

OED에 따르면 여배우라는 용어가 처음 등장한 것은 1608년이며 미들턴의 소행이라고 한다.19세기에는 여배우들이 종종 궁녀였고 문란과 관련이 있었기 때문에 많은 사람들이 여성의 행동을 부정적으로 보았다.이러한 편견에도 불구하고, 19세기에는 최초의 여성 연기자, 특히 사라 베른하르트가 [20]나타났다.

일본에서는 에도시대 여성의 무대 공연이 금지되었을 때 가부키 극장에 여성 역할을 하는 남성들이 사용되었고, 이 관습은 지금도 계속되고 있다.북경극과 같은 중국 드라마에서는 전통적으로 남성이 여성 역할을 포함한 모든 역할을 수행했지만, 소흥극에서는 여성이 남성 [21]역할을 포함한 모든 역할을 수행하는 경우가 많다.

현대에는 여성들이 때때로 소년이나 젊은 남성의 역할을 했다.예를 들어, 피터팬의 무대역할은 전통적으로 여성에 의해 연기되며, 영국 판토마임에서 대부분의 주요 소년들이 연기한다.오페라는 전통적으로 여성들에 의해 불려지는 몇 가지 "브리즈 역할"이 있는데, 대개 메조소프라노이다.헨젤 앤 그레텔의 헨젤, 피가로의 결혼의 체루비노, 로젠카발리에의 옥타비아누스 등이 그 예다.

영화에서 여성이 남성 역할을 연기하는 것은 드문 일이지만, 주목할 만한 예외는 있다.1982년, 스티나 에크블래드는 패니와 알렉산더에서 미스터리한 이스마엘 레진스키 역을 맡았고, 린다 헌트는 위험하게 사는 해에서 빌리 콴 역을 맡아 아카데미 여우조연상을 받았다.2007년 케이트 블란쳇은 1960년대 밥 딜런의 허구적 표현인 주드 퀸을 연기하여 아카데미 여우조연상 후보에 올랐다.

2000년대에, 라이브 극장에서 남성 역할을 하는 여성은 특히 오래된 연극의 상연에서 흔하게 볼 수 있다. 예를 들어, [5]성별이 중요하지 않은 역할에서 많은 남성 캐릭터들이 등장하는 셰익스피어 작품들이 그렇다.

코믹 효과를 위해 배우가 이성 복장을 하는 것 또한 코믹 연극과 영화의 오랜 전통이다.셰익스피어의 희극 대부분은 한여름 밤의 꿈의 프란시스 플루트와 같이 공공연한 여장을 한 예를 포함한다.영화 "포럼 가는 길에 생긴 재미있는 일"은 잭 길포드가 젊은 신부로 분장하는 것을 주연으로 한다.토니 커티스와 잭 레몬은 빌리 와일더 영화 '썸 라이크 잇 핫'에서 갱들로부터 벗어나기 위해 여성으로 분장하는 것으로 유명하다.코믹 효과를 위해 여장을 하는 것은 대부분의 캐리온 영화에서 자주 사용되는 장치였다.더스틴 호프만과 로빈 윌리엄스는 각각 히트 코미디 영화에 출연했다. 다웃파이어)는 대부분 여장을 한 장면이다.

때때로, 예를 들어, 빅터/빅토리아의 줄리 앤드류스나 사랑에 빠진 셰익스피어의 귀네스 팰트로와 같이, 남자 역할을 하는 여자로 인해, 이 문제는 더욱 복잡해진다.IT's Pat: 영화를 보는 사람들은 남성적인 주인공인 팻과 크리스의 성별을 절대 배우지 않는다.마찬가지로 앞서 언급한 '피가로의 결혼'의 예에서는 체루비노(여자가 연기하는 남자 캐릭터)가 여자처럼 분장하는 장면이 있다.그 장면의 다른 캐릭터들은 한 단계의 성 역할 난독화를 인식하고 있는 반면 관객들은 두 단계의 성 역할 난독화를 인지하고 있다.

몇몇 현대적 역할들은 성별의 유동성을 강조하기 위해 이성에 의해 연기된다.헤어스프레이의 에드나 턴블래드는 1988년 오리지널 영화에서는 디바인, 브로드웨이 뮤지컬에서는 하비 피어스타인, 2007년 영화 뮤지컬에서는 존 트라볼타가 연기했다.에디 레드메인은 2015년 영화 '덴마크 걸'[22]에서 릴리 엘베(트랜스 우먼) 역으로 아카데미상 후보에 올랐다.

여배우라는 용어

폴란드계 미국인 여배우 헬레나 모드르제예프스카, 타데우시 아두키에비치, 1880년

고대 그리스 연극과는 대조적으로, 고대 로마 연극은 여성 배우들을 허용했다.대부분의 여배우들이 말하는 역할보다는 춤을 추는 역할로 고용된 반면, 로마에서는 말하는 역할로 고용된 여배우들이 소수였고, 또한 에카리스, 디오니시아, 갈리아 코피올라, 파비아 아레테와 같이 그들의 예술로 부와 명성 그리고 인정을 받은 배우들 또한 그들 자신의 연기 길드인 소키아에를 결성하였다.미마에, 꽤 [23]부유했던 게 분명해.그 직업은 고대에 쇠퇴한 것 같다.

여성들은 17세기 후반까지 영국에서 무대에 오르지 않았지만, 16세기 후반부터 이탈리아, 스페인, 프랑스 등지에 모습을 드러냈다.1564년 10월 10일부터 로마에서 연기 계약을 맺은 루크레치아 디 시에나는 빈첸자 아르마니와 바바라 플라미니아가 이탈리아 최초의 프리마돈나이자 유럽 [4]최초의 문서화된 여배우로 알려져 있다.

1660년 이후, 여성이 처음으로 무대에 등장하기 시작한 영국에서, 처음에는 배우 또는 여배우라는 용어가 여성 배우를 번갈아 사용되었지만, 후에 프랑스 배우의 영향을 받아, 여배우가 연극과 영화에서 흔히 사용되는 용어가 되었다.어원은 배우에서 따온 단순한 어원에 -ess가 [24]더해져 있다.남녀 연기자 그룹을 언급할 때 배우를 [25]선호한다.

이 직업 내에서 중립 용어의 재입양은 1950년대와 60년대 전후로 거슬러 올라가며, 당시 여성의 문화생활에 대한 기여도가 전반적으로 [26]검토되고 있었다.옵저버와 가디언이 2010년에 새로운 스타일 가이드를 발행했을 때, "남녀 배우 모두에게 ['배우'를 사용하라; 오스카 여우주연상 등 상이라는 명목을 제외하고는 여배우를 사용하지 말라"[25]고 명시했다.가이드의 저자들은 "여배우들은 직업이 주로 한 성별(일반적으로 남성)의 전유물이었던 시절부터 내려온 '여성 의사', '남성 간호사', 그리고 이와 유사한 구식 용어들과 같은 범주에 들어간다"고 말했다.우피 골드버그가 신문과의 인터뷰에서 밝혔듯이 여배우는 여자 역할만 할 수 있다.나는 배우다 – 나는 무엇이든 할 수 있다.'[25] 영국 연기자 조합 에쿼티는 "배우"나 "여배우"의 사용에 대한 정책이 없다.에쿼티 대변인은 노조가 이 문제에 대한 합의가 이루어지지 않았다고 믿고 있으며 "...대상이 직업을 나누고 있다"[25]고 말했다.2009년, 로스앤젤레스 타임즈는 "여배우"가 여성[27] 수상자들에게 주어지는 주요 연기상(예: 아카데미 여우주연상)에서 사용되는 일반적인 용어로 남아 있다고 언급했다.

미국의 영화관에 대해서는 무성영화 시대나 영화 제작 코드 초기에는 성 중립적인 용어인 플레이어(player)가 일반적이지만, 2000년대 들어서는 일반적으로 오래된 [citation needed]것으로 여겨진다.그러나 "선수"는 극장에서 계속 사용되며, 종종 아메리칸 플레이어, 이스트 웨스트 플레이어 등과 같은 극장 그룹이나 회사 이름에 통합됩니다.또한 즉흥극의 배우들은 "연주자"[28]라고 불릴 수 있다.

여배우 케이트 윈슬렛

페이 에퀴티

2015년 포브스는 "2014년 최고 흥행작 100편 중 21편만이 여자 주인공 또는 공동 주연으로 등장했고 100편 중 28.1%만이 여자 주인공이었다"[29]며 "미국에서는 모든 규모의 영화 수입 격차가 있다"고 보도했다.평균적으로 백인 여성은 백인 남성이 버는 1달러당 78센트를 버는 반면, 히스패닉 여성은 백인 남성 1달러당 56센트, 흑인 여성은 64센트, 원주민 여성은 59센트를 번다.포브스는 2013년 미국 연기자 연봉을 분석한 결과 포브스가 선정한 올해의 최고 연봉 배우 목록에 오른 남성들이 다음과 같이 나타났다고 밝혔다.[29]출연료가 가장 많은 여배우의 2+1/2배입니다.이는 할리우드 최고의 여배우들이 최고의 연봉을 받는 남성들이 [30][31][32]벌어들인 1달러당 40센트를 벌었다는 것을 의미합니다."

종류들

연극, 영화, 텔레비전, 라디오에서 일하는 배우들은 특정한 기술을 배워야 한다.어떤 종류의 연기에서 잘 작동하는 기술은 다른 종류의 연기에서는 잘 작동하지 않을 수 있다.

극장내

무대에서 연기하기 위해서는 배우들은 "무대 왼쪽"과 "무대 오른쪽"과 같이 대본에 나타나는 무대 방향을 배워야 한다.이러한 방향은 배우가 관객과 마주보고 무대에 서 있을 때의 관점에 바탕을 두고 있다.배우들은 또한 무대 방향의 "Upstage"([33]관객으로부터 멀리 떨어져 있음)와 "Downstage"(관객을 향해 있음)의 의미를 배워야 한다.연극배우들은 블로킹을 배워야 해, 즉...연극 중 배우가 무대 위에서 어디로 어떻게 움직이느냐"대부분의 스크립트는 일부 차단을 지정합니다.책임자는 또한 무대 건너편이나 [33]소품 집어서 사용하는 것과 같은 차단에 대한 지침을 제공합니다.

몇몇 연극 배우들은 무대 위에서 싸우는 시뮬레이션을 하는 무대 배틀을 배울 필요가 있다.배우들은 육탄전이나 검투 시뮬레이션을 해야 할지도 모른다.배우들은 파이트 디렉터에 의해 지도되며, 그들은 그들이 짜여진 전투 [33]액션의 시퀀스를 배울 수 있도록 돕는다.

인필름

사일런트 영화

1894년부터 1920년대 후반까지 영화는 무성영화였다.사일런트 영화 배우들은 몸짓과 표정을 강조하여 관객들이 스크린에서 느끼고 묘사하는 것을 더 잘 이해할 수 있도록 하였다.많은 무성 영화 연기는 현대 관객들에게 단순하거나 진부한 인상을 주기 쉽다.멜로드라마의 연기 스타일은 어떤 경우에는 그들의 이전 무대 경험에서 옮겨온 습관적인 배우였다.보드빌 극장은 많은 미국 무성 영화 [34]배우들에게 특히 인기 있는 기원이었다.1917년 마셜 닐런 감독이 "사진에 나온 무대 인물은 빨리 나올수록 사진에 더 좋다"고 격앙된 무대 배우들의 존재가 널리 퍼진 것이 그 원인이었다.다른 경우에서는, 존 그리피스 브레이와 같은 감독들이 그들의 배우들에게 강조를 위해 실제보다 더 큰 표현을 하도록 요구했습니다.1914년부터, 미국 시청자들은 스크린에서 더 [35]큰 자연스러움에 대한 그들의 선호도를 알리기 시작했다.

유럽과 미국의 선구적인 영화 감독들은 1910년대 초까지 무대와 스크린 매체의 다른 한계와 자유를 인식했다.무성영화는 무대와 스크린의 차이가 뚜렷해지면서 1910년대 중반에 덜 보드빌리즘적으로 변했다.D W 그리피스 등 감독들의 작품 덕분에 촬영은 무대 위에서의 느낌이 떨어졌고, 당시 혁명적인 클로즈업 촬영은 섬세하고 자연스러운 연기를 가능케 했다.미국에서는 D.W. 그리피스의 회사 바이오그래프 스튜디오가 혁신적인 연출과 연기로 유명해져 무대가 아닌 영화에 맞게 지휘되었다.그리피스는 연극 연기가 영화에서 잘 보이지 않는다는 것을 깨닫고 배우들에게 몇 주간의 영화 연기 훈련을 [36]받도록 했다.

릴리안 기쉬는 무대와 스크린 연기의 결정적인 차이점을 인식하며 새로운 영화 연기 기법을 개척해 이 시기 그녀의 작품으로 영화의 "최초의 진정한 여배우"로 불려왔다.Albert Capellani와 Maurice Tourneur와 같은 감독들은 그들의 영화에서 자연주의를 주장하기 시작했다.1920년대 중반까지 많은 미국 무성 영화들이 보다 자연주의적인 연기 스타일을 채택했지만, 비록 모든 배우들과 감독들이 자연스럽고 절제된 연기를 바로 수용하지는 않았다; 1927년 후반까지, 메트로폴리스와 같은 표현주의적인 연기 스타일을 특징으로 하는 영화들이 여전히 [35]개봉되었다.

위스콘신 대학의 무성 영화 학자인 Anton Kaes에 따르면, 미국 무성 영화는 독일 무성 영화에서 발견되는 기술에 영향을 받아 1913년과 1921년 사이에 연기 기법의 변화를 보기 시작했다.이는 바이마르공화국에서 영화감독, 프로듀서, 카메라맨, 조명, 무대기술자, 배우 등 이민자들이 유입된 것이 주된 원인이다.[37]

영화 속 소리의 등장

영화배우는 카메라 [38]앞에 있는 것에 익숙해지고 편안해지는 법을 배워야 한다.영화배우는 자신의 "표현"을 찾고 유지하는 법을 배울 필요가 있다.이것은 테이프로 표시된 바닥의 위치입니다.이 위치는 조명과 카메라의 초점이 최적화되는 위치입니다.영화 배우들은 또한 잘 준비하고 스크린에서 시험을 잘 치르는 방법을 배울 필요가 있다.스크린 테스트는 대본의 일부를 필름으로 촬영한 오디션입니다.

재연용 캐릭터를 개발하는 연극배우와 달리, 영화배우는 연속성이 부족하여 이미 [36]충분히 발달된 캐릭터로 모든 장면에 나올 수 밖에 없다.

"영화는 아주 작은 제스처라도 포착하고 확대하기 때문에, 영화는 극장보다 덜 화려하고 양식화된 신체 연기를 요구한다." "감정의 연기는 영화 연기의 가장 어려운 측면이다: ...영화 배우는 미묘한 얼굴의 진드기, 떨림, 그리고 눈썹의 작은 상승에 의존해야 한다."믿을 수 있는 [36]캐릭터를 재현한다.몇몇 극장 스타들은 극장에서 시네마로 성공적으로 이행했고, 다른 스타들은 그렇지 못했다.."[36]

텔레비전에서

"텔레비전 세트에는 일반적으로 여러 대의 카메라가 각을 이루고 있습니다.처음 보는 배우는 어떤 카메라를 [33]봐야 할지 헷갈릴 수 있어요.TV 배우들은 화장실 마이크(라발리에르 마이크)[33]를 사용하는 법을 배울 필요가 있다.TV 배우들은 "프레임"의 개념을 이해할 필요가 있다."프레임이라는 용어는 카메라의 렌즈가 [33]포착하고 있는 영역을 가리킵니다."연기계에서는 한 쇼에 출연할 수 있는 네 가지 유형의 TV 역할이 있다.각각의 유형은 두드러짐, 출현 빈도, 급여가 다르다.첫 번째는 시리즈 레귤러로 알려져 있는데, 고정 출연자의 일부로서 쇼에 출연하는 주연 배우입니다.단역 배우들은 시리즈의 여러 에피소드에 출연하기로 계약되어 있다.공동 주연은 보통 한 회에만 나오는 작은 말하기 역할이다.게스트 스타는 공동 출연자 역할보다 더 큰 역할이며, 종종 그 캐릭터가 에피소드의 중심이거나 줄거리의 핵심이다.

라디오에서

네덜란드에서의 라디오 플레이 녹음(1949년, Spaarnestad 사진)

라디오 드라마는 드라마화된 순수 음향 공연으로, 라디오에서 방송되거나 테이프나 CD와 같은 오디오 미디어에서 발행됩니다.시각적인 요소가 없는 라디오 드라마는 듣는 사람이 인물과 이야기를 상상하는 데 도움을 주기 위해 대화, 음악, 음향 효과에 의존한다: "그것은 물리적 차원에서는 청각적이지만 심리적인 [39]차원에서는 시각적인 힘과 동등하게 강력하다."

라디오 드라마는 1920년대에 처음 개발된 지 10년 만에 광범위한 인기를 얻었다.1940년대까지, 그것은 선도적인 국제적인 대중 오락이 되었다.그러나 1950년대 텔레비전의 등장으로 라디오 드라마는 그 인기를 잃었고, 일부 국가에서는 결코 많은 시청자를 되찾지 못했다.그러나 OTR(옛 라디오)의 녹음은 오늘날 인터넷 아카이브와 같은 몇몇 온라인 사이트뿐만 아니라 수집가들과 박물관의 오디오 아카이브에서 남아있다.

2011년 현재, 라디오 드라마는 미국에서 지상파 라디오에서 최소한의 존재감을 가지고 있다.미국 라디오 드라마의 대부분은 지난 수십 년간의 프로그램을 재방송하거나 팟캐스트로 제한된다.하지만, 다른 나라들은 여전히 라디오 드라마의 번창하는 전통을 가지고 있다.예를 들어 영국에서는 BBC가 매년 라디오 3, 라디오 4, 라디오 4 엑스트라에서 수백 개의 새로운 라디오 플레이를 제작하고 방송합니다.팟캐스팅은 또한 빈티지 프로그램의 배포와 더불어 새로운 라디오 드라마를 만드는 수단을 제공했다.

"오디오 드라마"[40] 또는 "오디오 극장"이라는 용어는 "라디오 드라마"와 동의어로 사용될 수 있습니다. 오디오 드라마 또는 오디오 극장은 라디오 방송을 위해 특별히 의도된 것은 아닐 수 있습니다.오디오 드라마는 신규 제작이든 OTR 클래식이든 CD, 카세트 테이프, 팟캐스트, 웹캐스트 및 기존 방송 라디오에서 볼 수 있습니다.

디지털 녹음과 인터넷 보급의 발달로 라디오 드라마가 [41]부활하고 있다.

「 」를 참조해 주세요.

레퍼런스

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원천

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추가 정보

외부 링크

무료 사전인 Wiktionary에서 배우, 배우 또는 플레이어를 찾아보십시오.
  • 미국 배우 조합: 미국 영화와 TV 배우를 대표하는 조합.
  • Actors' Equity Association(AEA): 미국 연극 배우와 무대 관리자를 대표하는 노조.
  • 미국 텔레비전 및 라디오 아티스트 연맹(AFTRA): 미국 텔레비전 및 라디오 배우와 방송인(방송 기자 등)을 대표하는 노조.
  • British Actors' Equity: 배우, 가수, 댄서, 안무가, 무대관리자, 연극감독 및 디자이너, 버라이어티 및 서커스 아티스트, 텔레비전 및 라디오 진행자, 워크온 및 조연 아티스트, 스턴트 연기자, 감독 및 극장 싸움 연출자를 포함한 영국 아티스트를 대표하는 노동조합.
  • Media Entertainment & Arts Alliance: 미디어, 엔터테인먼트, 스포츠 및 예술 산업에 종사하는 모든 사람을 대표하는 호주/뉴질랜드 노동조합.