렘브란트

렘브란트
베레모와 업 칼라가 있는 자화상 (1659)
태어난	렘브란트 하멘스존 판 레인 (1606-07-15)1606년[1] 7월 15일 레이덴 주
죽은	1669년 10월 4일 (1669-10-04) (63세) 암스테르담
교육	야콥 판 스와넨부르크 피테르 라스트맨
로 유명함	회화, 판화, 드로잉
주목할 만한 작업	자화상 닥터의 해부학 수업 니콜라 튈프 (1632) 벨샤자르의 잔치 나이트 워치 (1642) 백 길더 판화 (etching, c. 1647–1649) 그녀의 목욕에서의 목욕시바 (1654) 드레이퍼즈 길드의 신딕스 (1662)
움직임.	네덜란드 황금기 바로크
배우자.	사스키아 판 우일렌부르흐 (m.1634; 1642년 사망)
아이들.	티투스와 코넬리아
서명

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (/ˈrɛmbrænt, ˈrɛmbrɑːnt/,^[2] 네덜란드어: [ˈ r ɛ mbr ɑ nt ˈɦɑ rm ə(n)ˌ so ːɱ v ɑ rm ɛ(, 1606년 7월 15일 ~ 1669년 10월 4일)] 또는 렘브란트(Rembrandt)는 네덜란드의 황금기 시대 화가, 판화가, 그림 그리는 사람입니다. 세 개의 미디어에서 혁신적이고 다작하는 거장인 ^[3]그는 일반적으로 예술 역사상 가장 위대한 시각 예술가 중 한 명으로 여겨집니다.^[4] 렘브란트는 총 300여 점의 그림과 300여 점의 에칭, 2천여 점의 그림을 제작한 것으로 추정됩니다.

17세기의 대부분의 네덜란드 거장들과 달리 렘브란트의 작품은 초상화와 자화상부터 풍경, 장르 장면, 우화적이고 역사적인 장면, 성경적이고 신화적인 주제, 동물 연구에 이르기까지 다양한 양식과 주제를 묘사하고 있습니다. 미술에 대한 그의 공헌은 네덜란드 미술(특히 네덜란드 회화)이 다작이고 혁신적이었던 네덜란드 황금기라고 역사가들이 부르는 엄청난 부와 문화, 과학적 성취의 시기에 이루어졌습니다.

렘브란트는 해외로 나간 적은 없지만, 이탈리아의 올드 마스터들과 이탈리아에서 유학한 네덜란드와 플랑드르 예술가들의 작품에 상당한 영향을 받았습니다. 그가 초상화 화가로서 젊은 시절에 성공한 후, 렘브란트의 말년은 개인적인 비극과 경제적인 어려움으로 특징지어졌습니다. 그러나 그의 에칭과 그림은 그의 일생 동안 인기가 있었고, 예술가로서의 명성은 여전히 높았으며,^[5] 20년 동안 그는 많은 중요한 네덜란드 화가들을 가르쳤습니다.^[6]

렘브란트의 동시대 초상화, 자화상, 성경 속 장면 삽화는 그의 가장 위대한 창조적인 승리로 여겨집니다. 그의 약 40점의 자화상은 친밀한 자서전을 형성합니다.^[4][7] 판화의 역사에서 렘브란트의 가장 큰 공헌은 에칭 과정을 비교적 새로운 재현 기법에서 예술 형태로 변형시킨 것입니다.^[8][9] 매체 역사상 가장 위대한 타자로서의 그의 명성은 그의 일생에 확립되었습니다.

초기 생활과 교육

렘브란트^[a] 하르멘손 판 레인은 1606년 7월 15일 현재 네덜란드인 네덜란드 공화국의 ^[1]라이덴에서 태어났습니다. 그는 하멘 게릿순 판 레인과 닐트겐 빌렘스도흐터 판 주이트브루크 사이에서 태어난 아홉 번째 아이였습니다.^[11] 그의 가족은 꽤 부유했습니다; 그의 아버지는 방앗간 주인이었고, 그의 어머니는 제빵사의 딸이었습니다. 그의 어머니는 가톨릭 신자였고, 그의 아버지는 네덜란드 개혁 교회에 속해 있었습니다. 종교는 렘브란트의 작품에서 중심적인 주제이며, 그가 살았던 종교적으로 가득 찬 시기는 그의 신앙을 관심사로 만듭니다.

그는 어렸을 때 라틴어 학교에 다녔습니다. 1620년, 그는 라이덴 대학교에 입학했지만, 그림에 대한 더 큰 성향을 가졌고 곧 3년을 함께 보낸 야코프 판 스와넨부르크의 견습생이 되었습니다.^[12] 암스테르담의 역사 화가 피테르 라스트만의 짧지만 중요한 견습 기간인 6개월을 보낸 후, 1625년에 렘브란트는 제이콥 피나스와 함께 몇 달을 머물렀지만, 사이먼 반 리우웬은 렘브란트가 요리스 반 슈텐에게 가르침을 받은 후 자신의 작업장을 시작했다고 주장했습니다.^[12][13]

직업

1625년, 렘브란트는 라이덴에 스튜디오를 열었고, 그 스튜디오를 친구이자 동료인 얀 리벤스와 공유했습니다. 1627년, 렘브란트는 학생들을 받아들이기 시작했는데, 그들 중에는 게릿 두와 아이작 드 주더빌이 있습니다.^[14] 조안 후이데코퍼는 1628년 렘브란트 그림의 첫 번째 구매자로 언급됩니다.^[15] 1629년, 정치가 콘스탄틴 하위헌스에 의해 렘브란트는 헤이그 법원으로부터 렘브란트의 중요한 의뢰를 받기 위해 조달되었습니다. 이 인연으로 프레데릭 헨드릭 왕자는 렘브란트로부터 그림을 계속 구입했습니다.^[16]

1631년 말, 렘브란트는 암스테르담으로 이사를 갔는데, 암스테르담은 상업과 무역의 중심지로서 급속하게 성장하고 있습니다. 그는 처음으로 전문 초상화가로서 연습을 시작했고, 큰 성공을 거두었습니다. 그는 처음에 미술상인 헨드릭 판 우일렌부르흐와 함께 지냈고, 1634년 헨드릭의 사촌인 사스키아 판 우일렌부르흐와 결혼했습니다.^[17][18] 사스키아는 존경받는 가정에서 태어났는데, 그녀의 아버지 롬베르투스는 변호사였고 리우와르덴의 부르고마스터(시장)였습니다. 부부는 지역 교회인 세인트 교회에서 결혼했습니다. 렘브란트의 친척이 없는 안나파로치.^[19] 같은 해, 렘브란트는 암스테르담의 시민이 되었고 지역 화가 조합의 일원이 되었습니다. 그는 또한 페르디난드 볼과 고베르 플링크를 포함한 많은 학생들을 얻었습니다.^[20]

1635년, 렘브란트와 사스키아는 암스텔 강이 보이는 멋진 숙소를 빌렸습니다.^[21] 1637년, 렘브란트는 강을 따라 현재의 슈토페라의 이전 부지에 있는 건물로 옮겼습니다.^[22] 1639년 5월, 그들은 예술가들과 미술상들이 있는 고급 '브레스트라트'에 있는 최근에 현대화된 집으로 이사했습니다. 초상화 화가인 니콜라스 피케노이는 그의 이웃이었습니다. 13,000명의 구더 구매 자금을 조달하기 위한 모기지는 나중에 재정적 어려움의 원인이 될 것입니다.^[b][20] 그 동네는 많은 이민자들을 보호했고 유대인 지역이 되어가고 있었습니다. 렘브란트가 자신의 구약성경을 모델로 삼기 위해 유대인 이웃들을 자주 찾았던 곳이 바로 그곳이었습니다.^[25] 그의 경력 초기에 훌륭한 후원자들 중 한 명은 암스테르담의 정치가 안드리 드 그라프였습니다.^[26][27]

비록 그들은 지금까지 부유했지만, 그 부부는 몇 번의 개인적인 좌절을 겪었습니다; 세 명의 아이들은 태어난 지 몇 주 만에 죽었습니다.^[c][d] 1641년에 태어난 네 번째 아이 티투스만이 성인이 될 때까지 살아남았습니다. 사스키아는 1642년에 죽었는데, 아마도 결핵 때문일 것입니다. 렘브란트가 그녀의 병상에서 그린 그림은 그의 가장 감동적인 작품 중 하나입니다.^[29][21] 사스키아가 병을 앓고 난 후, 과부 게르트제 디르크스는 티투스의 간호사이자 건조한 간호사로 고용되었고, 언젠가는 렘브란트의 연인이 되기도 했습니다. 1649년 5월, 그녀는 렘브란트를 약속 위반 혐의로 기소하고 위자료를 받을 것을 요청했습니다.^[20] 렘브란트는 이 문제를 원만히 해결하려고 했지만 변호사에게 돈을 지불하기 위해 한때 사스키아의 것이었던 다이아몬드 반지를 전당포에 맡겼습니다. 10월 14일, 그들은 합의에 이르렀고, 법원은 특히, 그녀가 그녀의 유일한 상속인으로 남아있고, 그녀가 렘브란트의 소유물을 하나도 팔지 않는다면 렘브란트가 연간 유지 수당을 지불해야 한다고 말했습니다.^[30][31] Dircx가 약속을 어기면서 그녀는 1650년 8월 Gouda에 있는 여성 교정원에 헌신했습니다.^[32] 비용은 렘브란트가 부담했습니다.^[33][e]

1649년 초, 렘브란트는 처음에 그의 하녀였던 23살의 헨드릭제 스토펠스와 관계를 시작했습니다. 그녀가 게르트제를 떠나게 한 원인일지도 모릅니다. 그 해에 그는 그림이나 식각을 전혀 만들지 않았습니다.^[34] 1654년 렘브란트는 그녀의 목욕장에서 논란의 여지가 있는 나체 목욕시바를 제작했습니다. 6월에 헨드릭제는 개혁 교회로부터 "그녀가 화가 렘브란트와 함께 창녀의 행위를 저질렀다"는 혐의에 답하기 위해 세 번의 소환장을 받았습니다. 7월에 그녀는 자신의 죄를 인정했고 성찬을 받는 것이 금지되었습니다.^[35] 렘브란트는 교회 평의회에 출석하기 위해 소환되지 않았습니다.^[36] 10월에 그들은 딸 코넬리아를 낳았습니다. 그가 재혼했다면 그는 사스키아의 유언으로 티투스를 위해 설립된 신탁에 접근할 수 없었을 것입니다.^[29]

부실

예술적인 성공에도 불구하고 렘브란트는 재정적으로 혼란에 빠졌습니다. 예술품, 판화, 희귀한 물건들을 습득하는 것에 대한 그의 열망은 그를 분수에 맞지 않는 삶으로 이끌었습니다. 1653년 1월에 공식적으로 부동산 매각이 완료되었지만 렘브란트는 여전히 남은 모기지의 절반을 충당해야 했습니다. 채권단은 분할을 압박하기 시작했지만 재정적 압박에 직면한 렘브란트는 연기를 요청했습니다. 그 집은 수리가 필요했고, 렘브란트는 얀 식스를 포함한 친구들로부터 돈을 빌렸습니다.^[37][f]

1655년 11월, 역병과 유언장 작성으로 가려진 한 해 동안 렘브란트의 14살짜리 아들 티투스는 아버지를 유일한 상속자로 지정하는 유언장을 작성함으로써 외가를 사실상 배제하는 중대한 발걸음을 내디뎠습니다.^[40][41] 12월에 렘브란트는 자신의 그림 판매를 기획했지만, 수익은 기대에 미치지 못했습니다.^[42] 이 격동의 시기는 미술계에 깊은 영향을 미쳤고, 렘브란트는 세시오 보노룸으로 알려진 고등법원의 주선을 구하게 되었습니다.^[43] 재정난에도 불구하고 렘브란트의 파산은 강요된 것이 아니었습니다.^[42][44] 1656년 7월, 그는 파산을 선언하고 주식을 인수하여 기꺼이 재산을 내놓았습니다.^[45] 특히, 그는 이미 집을 아들에게 양도했습니다.^[24] 당국과 그의 채권자들 모두 그가 빚을 갚을 충분한 시간을 허락하는 선처를 보여주었습니다. 제이콥 제이 힌로펜이 분명히 역할을 했습니다.^[46]

1657년 11월, 라파엘, 만테냐, 조르지오네와 같은 유명한 예술가들의 작품들뿐만 아니라 상당한 수의 에칭 판들과 그림들을 팔기 위해 또 다른 경매가 열렸습니다.^[g] 놀랍게도 렘브란트는 수입을 창출하는 수단으로 자신의 도구를 보유할 수 있었습니다.^[24] 렘브란트는 아들의 후견인 지위를 상실하여 자신의 행동을 통제할 수 있게 되었습니다. 새로운 보호자인 루이 크레이어스는 티투스의 빚을 청산하기 위해 그 집을 소유권을 주장했습니다.^[47]

363개의 품목으로 구성된 판매 목록은 고대 명인 그림, 드로잉, 로마 황제 흉상, 그리스 철학자 조각상, 책(성경), 두 개의 지구본, 보닛, 갑옷, 그리고 아시아의 다양한 물건들(중국의 도구)을 포함한 렘브란트의 다양한 컬렉션에 대한 통찰력을 제공합니다. paradise, 산호, 광물의 조류). 안타깝게도, 판매에서 실현된 가격은 실망스러웠습니다.^[49]

1658년 2월, 렘브란트의 집은 압류 경매에서 팔렸고, 가족은 로젠그라흐트에 있는 더 소박한 숙소로 이사했습니다.^[50] 1660년, 그는 에스더의 잔치에서 아하수에로스와 하만을 마쳤고, 그것을 얀 J. 힌로펜에게 팔았습니다.^[51] 1660년 12월 초에 집의 매각이 완료되었지만 수익금은 티투스의 후견인에게 직접 전달되었습니다.^[52][53]

2주 후, 헨드릭제와 티투스는 예술품 딜러로서 더미 법인을 설립했고, 숙식을 하던 렘브란트가 계속해서 예술적인 추구를 할 수 있도록 했습니다.^[54][55] 1661년, 그들은 새로 완공된 마을 회관에서 주요 프로젝트에 대한 계약을 확보했습니다. 그 결과로 만들어진 작품인 '클라우디우스 시빌리스의 음모'는 시장들에 의해 거절당했고 몇 주 안에 화가에게 돌아갔습니다. (스톡홀름에 있는) 남아있는 조각은 원본의 4분의 1에 불과합니다.^[56]

이러한 좌절에도 불구하고 렘브란트는 계속해서 상당한 초상화 커미션을 받았고 1662년 '표집 관계자들'과 같은 주목할 만한 작품들을 완성했습니다.^[57] 렘브란트가 자신의 미술품 컬렉션의 가치를 과대평가했을 수도 있기 때문에 그의 재산을 정확하게 측정하는 것은 여전히 과제로 남아 있습니다.^[45] 그럼에도 불구하고 그의 자산의 절반은 티투스의 상속을 위해 할당되었습니다.^[58]

1663년 3월, 헨드릭제의 병으로, 티투스는 더 중요한 역할을 맡았습니다. 렘브란트의 주채권자인 아이작 판 헤르츠벡은 고등법원에 가서 티투스의 지불 우선권을 다투었고, 1665년 티투스가 성년이 되었을 때 최종적으로 승리한 법적 분쟁으로 이어졌습니다.^[59][60][61] 이 기간 동안 렘브란트는 유대인 신부와 그의 마지막 자화상과 같은 주목할 만한 작품들을 작업했지만 임대료 체납으로 어려움을 겪었습니다.^[62] 특히, 토스카나 대공 코시모 3세 데 메디치는 렘브란트를 두 번 방문했고, 자화상 중 하나를 가지고 피렌체로 돌아갔습니다.^[63]

렘브란트는 헨드릭제와 티투스보다 오래 살았고, 1669년 10월 4일 금요일에 죽었고, 4일 후에 웨스터커크의 임대 무덤에 묻혔습니다. 그의 상속자들은 당시 그의 상대적인 재산을 암시하는 상당한 액수의 돈을 지불했습니다.^[64] 그의 사생아 코르넬리아 (1654–1684)는 결국 1670년 무명 화가와 그녀의 어머니의 유산을 동반하여 바타비아로 이주했습니다.^[65] 티투스의 상당한 유산은 결혼하지 않고 블라우부르크왈에 살고 있는 외손자 티티아(1669-1715)에게 전해졌습니다.^[66] 요약하자면, 렘브란트의 삶은 단순한 예술적 성취 이상으로 특징지어졌습니다. 그는 복잡한 유산을 남기며 수많은 법적, 경제적 문제를 헤쳐나갔습니다.^[67] 렘브란트는 법적 한계를 밀어붙이는 경향이 있었습니다."^[68]

작동하다

Huygens에게 보낸 편지에서 렘브란트는 자신이 예술을 통해 성취하고자 하는 것에 대한 유일한 생존 설명을 제공하면서 "가장 위대하고 자연스러운 운동"이라고 썼습니다. "beweegelijkhide"라는 단어는 "감정" 또는 "동기"를 의미합니다. 이것이 목표를 의미하는지, 물질을 의미하는지, 아니면 다른 것을 의미하는지는 알려지지 않았지만 비평가들은 렘브란트가 지상과 영적으로 매끄럽게 융합하는 방식에 특히 주목했습니다.^[69]

21세기 초의 감정가들은 렘브란트가 600여 점의 그림과 400여 점의 에칭,^[70] 2,000여 점의 드로잉을 제작했다고 주장했습니다.^[71] 1960년대부터 현재까지(Rembrandt Research Project에 의해 주도된) 보다 최근의 장학금은 종종 논란이 되는 그의 작품을 300점에 가깝게 만들었습니다.^[h] 전통적으로 모두 에칭이라고 불리는 그의 판화들은, 비록 많은 것들이 판화들에 의해 전체 또는 부분적으로 생산되고 때때로 드라이포인트들에 의해 생산되지만, 훨씬 더 안정적인 총계는 300개 미만입니다.^[i] 렘브란트가 생전에 그린 그림이 2,000점 이상 되었을 가능성이 높지만 현존하는 그림들은 추정보다 더 희귀합니다.^[j] 두 명의 전문가는 비록 논란의 여지가 있지만, 사인 상태가 사실상 '확실'하다고 볼 수 있는 도면의 수는 약 75개보다 많지 않다고 주장합니다. 이 목록은 2010년 2월에 열린 학술회의에서 공개될 예정이었습니다.^[74]

한때 약 90점의 그림이 렘브란트의 자화상으로 기록되기도 했지만, 현재는 그가 제자들에게 훈련의 일환으로 자신의 자화상을 모방하게 한 것으로 알려져 있습니다. 현대의 장학금은 사인 수를 40점 이상으로 줄였고, 그림 몇 점과 그룹의 가장 주목할 만한 이미지들을 포함하는 31점의 에칭들도 포함하고 있습니다.^[75] 어떤 사람들은 그가 준역사적인 화려한 드레스를 입고 포즈를 취하거나 자신에게 얼굴을 당기는 모습을 보여줍니다. 그의 유화는 불확실한 청년으로부터, 1630년대의 더 처량하고 매우 성공적인 초상화 화가를 거쳐, 그의 노년의 괴로우면서도 엄청나게 강력한 초상화에 이르는 과정을 추적합니다. 그들은 함께 그의 풍화된 얼굴에서 드러난 것처럼 그 남자의 외모와 심리적인 화장에 대해 놀랍도록 명확한 사진을 제공합니다.^[k]

그의 초상화와 자화상에서 그는 코의 산등성이가 거의 항상 밝게 빛나는 영역과 그림자가 있는 영역 사이의 경계선을 형성하는 방식으로 시터의 얼굴을 기울입니다. 렘브란트의 얼굴은 부분적으로 가려진 얼굴이고, 반음계의 수수께끼에 던져진 밝고 분명한 코는 보는 사람의 관심을 집중시키는 역할을 하며, 빛의 홍수-압도적인 선명함-과 음울한 황혼 사이의 분열을 드라마화하는 역할을 합니다.^[76]

'십자가의 양육', '꿈을 말하는 요셉', '성 스테판의 돌팔매질'을 포함한 많은 성경 작품에서 렘브란트는 자신을 군중 속의 인물로 그렸습니다. 더럼은 성경이 렘브란트를 위한 "일종의 일기, 자신의 삶의 순간에 대한 설명"이었기 때문이라고 제안합니다.^[77]

렘브란트의 작품에서 더 두드러진 특징 중에는 키아로스쿠로를 사용한 것, 카라바조에서 파생된 빛과 그림자의 연극적 고용, 또는 네덜란드 카라바기스티에서 파생되었지만 매우 개인적인 수단에 적응한 것이 있습니다.^[78] 또한 그의 동시대 사람들이 종종 보여주었던 엄격한 형식과 부와 나이를 불문하고 인류에 대한 깊은 연민이 없는 극적이고 생동감 있는 주제 제시가 주목할 만합니다. 그의 직계 가족인 그의 아내 사스키아, 그의 아들 티투스, 그리고 그의 아내 헨드릭제는 종종 신화적, 성경적 또는 역사적 주제를 가진 그의 그림에서 두드러지게 묘사되었습니다.

기간, 테마 및 스타일

경력 내내 렘브란트는 초상화, 풍경화, 서사화라는 주제를 주요 주제로 삼았습니다. 마지막으로, 그는 감정을 표현하고 세부 사항에 주의를 기울이는 기술로 그를 성경 이야기의 숙달된 해석가라고 칭송한 동시대 사람들로부터 특히 찬사를 받았습니다.^[81] 양식적으로, 그의 그림은 환상적인 형태를 묘사하는 데 있어 정교한 기술로 특징지어지는 초기의 "원활한" 방식에서 풍부하게 얼룩진 페인트 표면의 후기 "거친" 처리로 발전했고, 이는 페인트 자체의 촉각적 품질에 의해 제안된 형태에 대한 환상을 가능하게 했습니다. 렘브란트는 캔버스의 일부 부분에 물감을 의도적으로 느슨하게 하고 "그림처럼" 유지하면 공간에 대한 인식이 훨씬 더 커졌다는 것을 깨달았을 것입니다.^[82]

렘브란트의 판화공으로서의 기술에서도 이와 유사한 발전을 볼 수 있습니다. 특히 1640년대 후반부터 그의 성숙기의 식각에서, 그의 그림과 그림의 자유와 폭은 인쇄 매체에서도 표현을 발견했습니다. 이 작품들은 다양한 주제와 기법을 포함하며, 때로는 공간을 제안하기 위해 넓은 면적의 백서를 남기기도 하고, 때로는 복잡한 선망을 사용하여 풍부한 다크톤을 만들어내기도 합니다.^[83]

렘브란트에 대한 라스트만의 영향력은 1625년부터 1631년까지 라이덴에서 보낸 기간 동안 가장 두드러졌습니다.^[84] 그림은 다소 작았지만 세부 사항이 풍부했습니다(예: 의상과 보석). 종교적이고 우화적인 주제가 선호되었고 트론도 선호되었습니다.^[84] 1626년 렘브란트는 그의 첫 에칭 작품을 제작했는데, 그 에칭 작품을 널리 퍼뜨리는 것이 그의 국제적인 명성을 크게 설명할 것입니다.^[84] 1629년, 그는 빛과 다양한 물감 적용의 처리에 대한 그의 관심을 증명하고 화가로서 그의 발전에 있어서 최초의 주요한 진보를 구성하는 작품들인 유다 회개를 완성했습니다.^[85]

암스테르담에서의 그의 초기 (1632–1636) 동안, 렘브란트는 바로크 양식의 루벤스를 모방하려고 노력하면서 극적인 성경적이고 신화적인 장면들을 높은 대조와 큰 형식으로 그리기 시작했습니다 (The Blinding of Samson, 1636, Belshazar's Fest, c. 1635 Dana ë, 그러나 나중에 재작업됨). 때때로 우일렌부르흐의 작업장에서 조수들의 도움으로, 그는 작은 것(야콥 드 게인 3세)과 큰 것(조선업자 얀 리크센과 그의 아내의 초상, 1633년, 박사의 해부학 수업)을 수많은 초상화 커미션을 그렸습니다. 니콜라 튈프, 1632).^[87]

1630년대 후반까지, 렘브란트는 몇 점의 그림들과 많은 풍경들을 만들었습니다. 종종 이 풍경들은 뿌리째 뽑힌 나무들과 불길한 하늘을 특징으로 하는 자연 드라마를 강조했습니다(폭풍이 몰아치는 하늘 앞의 오두막, 1641년경; 세 그루의 나무, 1643년). 1640년부터 그의 작품은 덜 활기차고 톤이 더 냉철해져서 아마도 개인적인 비극을 반영했을 것입니다. 성경의 장면은 이전과 마찬가지로 구약성경보다 신약성경에서 더 자주 파생되었습니다. 1642년에 그는 이 시기에 그가 받았던 중요한 집단 초상화 커미션 중 가장 실질적인 것인 야경을 그렸고, 그것을 통해 그는 이전 작품들에서 시도되었던 구성적이고 서술적인 문제들에 대한 해결책을 찾으려고 노력했습니다.^[88]

야경 이후 10년 동안 렘브란트의 그림은 크기, 주제, 스타일 면에서 매우 다양했습니다. 주로 빛과 그림자의 강한 대비에 의해 극적인 효과를 창출하는 이전의 경향은 전면 조명과 더 크고 포화된 색상 영역의 사용에 자리를 내주었습니다. 동시에 그림 평면에 평행하게 도형이 배치되었습니다. 이러한 변화는 고전적인 작곡 방식으로 나아가는 것으로 볼 수 있으며, 붓글씨의 더 표현적인 사용을 고려할 때 베네치아 예술에 대한 친숙함을 나타낼 수도 있습니다(수산나와 장로들, 1637–47).^[89] 동시에 풍경의 식각과 드로잉을 선호하는 페인팅 작품이 현저하게 감소했습니다.^[90] 이러한 그래픽 작업에서 자연 드라마는 결국 조용한 네덜란드의 시골 풍경에 자리를 내주었습니다.

1650년대에, 렘브란트의 스타일은 다시 바뀌었습니다. 색상이 풍부해지고 붓 놀림이 더 뚜렷해졌습니다. 이러한 변화로 인해 렘브란트는 점점 더 정교하고 세밀한 작품을 지향하는 초기 작품 및 현재 패션과 거리를 두게 되었습니다. 그의 빛의 사용은 더욱 들쭉날쭉해지고 거칠어지며, 빛은 거의 존재하지 않게 됩니다. 페인트 적용에 대한 그의 단일 접근 방식은 티티안의 작품에 대한 친숙함에 의해 부분적으로 제안되었을 수 있으며, 당시 '마무리'와 그림의 표면 품질에 대한 논의의 맥락에서 볼 수 있습니다. 현대의 기사들은 때때로 렘브란트의 붓놀림이 조잡하다는 것을 못마땅하게 생각하는 말을 하기도 하는데, 작가 자신도 관람객들이 자신의 그림을 너무 자세히 보는 것을 만류했다고 합니다.^[91] 페인트의 촉각적 조작은 렌더링의 모방 효과가 그림의 표면에 알려졌을 때 중세의 절차를 들을 수 있습니다. 결과적으로 페인트는 매우 다양하게 처리되고, 층층이 깊으며, 종종 우연한 일로 보이기도 하는데, 이는 환상적이고 매우 개별적인 방식으로 형태와 공간을 암시합니다.^[92]

후년에는 성경의 주제가 종종 묘사되었지만 강조점은 극적인 집단 장면에서 친밀한 초상화와 같은 인물로 이동했습니다(사도 야고보, 1661). 말년에 렘브란트는 그의 가장 깊은 성찰의 자화상(1652년부터 1669년까지 그는 15점을 그렸습니다)과 남녀 모두의 감동적인 이미지(유대인 신부, 1666년경)를 사랑에, 삶에, 그리고 하나님 앞에 그렸습니다.^[93][94]

그래픽 작업

렘브란트는 1626년부터 1660년까지 대부분의 경력 동안 인쇄기를 팔아야 했고 사실상 에칭을 포기했습니다. 1649년의 고난의 해에만 날짜가 적힌 작품이 나오지 않았습니다.^[95] 그는 쉽게 에칭을 했고 부린을 사용하는 법을 배웠고 부분적으로 많은 판을 새겼지만 에칭 기술의 자유는 그의 작업에 기본이었습니다. 그는 판화의 모든 과정에 매우 밀접하게 관여했고, 적어도 그가 직접 판화한 초기 예들을 인쇄했을 것입니다. 처음에 그는 그림을 바탕으로 한 스타일을 사용했지만 곧 그림을 바탕으로 한 스타일로 이동하여 선의 다양한 강도를 달성하기 위해 산과 함께 많은 선과 수많은 비트를 사용했습니다. 1630년대가 끝나갈 무렵, 그는 이러한 방식에 반대하여 더 적은 비트로 더 단순한 스타일로 이동했습니다.^[96] 그는 1640년대 내내 단계적으로 소위 백 길더 프린트를 작업했고, 그것은 그의 마지막 에칭 스타일이 나타나기 시작한 "그의 경력 중간에 중요한 작업"이었습니다.^[97] 인쇄물은 두 가지 상태에서만 살아남지만, 첫 번째 매우 드문 경우이지만, 최종 인쇄물 아래에서 많은 부분이 재작업된 증거를 확인할 수 있으며, 많은 그림이 인쇄물의 요소에 대해 남아 있습니다.^[98]

1650년대의 성숙한 작품에서 렘브란트는 판 위에서 즉흥적으로 작업할 준비가 더 되어 있었고 큰 인쇄물은 일반적으로 몇 개의 주에서 살아남는데, 11개까지 종종 근본적으로 바뀌었습니다. 그는 이제 부화를 이용해 자신의 어두운 부분을 만들었고, 이 부분은 종종 접시의 많은 부분을 차지합니다. 그는 또한 자신이 자주 사용했던 일본 종이를 포함한 다양한 종류의 종이와 종아리에 인쇄의 효과를 실험했습니다. 그는 "표면 톤"을 사용하기 시작했고, 각각의 인상을 인쇄하기 위해 완전히 닦는 대신 얇은 잉크 필름을 접시의 일부에 남겼습니다. 그는 특히 풍경에서 이 기술이 처음 몇 가지 인상에 주는 풍부한 퍼지 버를 활용하여 드라이 포인트를 더 많이 사용했습니다.^[99]

그의 판화들은 그의 그림들과 비슷한 주제들을 가지고 있지만, 27개의 자화상들은 상대적으로 더 흔하고 다른 사람들의 초상화들은 덜합니다. 대부분 작은 풍경들은 19세기 말까지 풍경을 그래픽으로 처리하는 과정을 크게 정했습니다. 렘브란트가 그린 수백 점의 그림 중 풍경을 주제로 한 것은 약 200점에 불과하며, 약 300점의 에칭 중 30점 정도가 풍경을 보여줍니다. 그가 그린 풍경은 8개의 작품을 넘기지도 않습니다.^[100] 그의 작품들 중 3분의 1은 종교적인 주제들이며, 많은 작품들은 소박한 소박함으로 취급되었고, 다른 작품들은 그의 가장 기념비적인 판화들입니다. 몇몇 에로틱한, 혹은 단지 외설적인 구성들은 그의 그림들에 동등한 것이 없습니다.^[101] 그는 그것을 팔도록 강요받기 전까지 다른 예술가들의 훌륭한 판화 모음집을 소유했고, 그의 작품에서 많은 차용과 영향은 만테그나, 라파엘, 헤라클레스 세헤르, 지오반니 베네데토 카스티글리오네와 같은 다양한 예술가들에게 추적될 수 있습니다.

렘브란트와 그의 제자/팔로워들의 그림은 수세기 동안 많은 예술가들과 학자들에^[l] 의해 광범위하게 연구되었습니다. 그의 독창적인 그림 솜씨는 동아시아의 옛 거장들과 매우 유사한 개인주의적인 예술 양식으로 묘사되어 왔습니다. 가장 눈에 띄는 중국 거장:^[108] "20세기 이전 유럽 미술의 어떤 것보다 기술과 느낌에서 중국 회화에 더 가까운 펜이나 붓의 움직임에서 형식적인 명료함과 서예적 생명력의 조합".^[109]

동양적인 영감

렘브란트는 특히 1650년대경 무굴 미니어처에 관심이 많았습니다. 그는 약 23점의 무굴 그림들의 버전을 그렸고 그것들의 앨범을 소유하고 있었을지도 모릅니다. 이 미니어처들은 샤 자한, 아크바르, 자한기르, 다라 시코의 그림들을 포함하고 있으며 그의 작품들의 의상과 다른 측면들에 영향을 미쳤을 수 있습니다.^{[110][111][112][113]}

나이트 워치

렘브란트는 1640년에서 1642년 사이에 그의 가장 유명한 작품이 된 프란스 배닝 코크 대위의 민병대 중대를 그렸습니다.^[114] 이 사진은 네덜란드인들에 의해 De Nachtwacht라고 불렸고 조슈아 레이놀즈 경의 야간 감시라고 불렸습니다. 1781년경에는 이 사진이 너무 희미하고 희미해져서 거의 구별할 수 없을 정도였고, 그것은 아주 야경처럼 보였기 때문입니다. 청소가 끝난 후, 그것은 우울한 마당에서 눈부신 햇빛 속으로 발을 들여놓는 18명의 총사들의 파티인 넓은 날을 나타내는 것으로 밝혀졌습니다. 테오필레 토레에게 그것은 세상에서 가장 예쁜 그림이었습니다.

이 작품은 시민 민병대의 머스킷총병 지부인 클로베니어스도엘렌의 새 홀에 의뢰되었습니다. 렘브란트는 그러한 장르 작품들이 액션 장면이 아닌 위엄 있고 형식적이어야 한다고 명령한 관습에서 벗어났습니다. 대신, 그는 민병대가 임무를 시작할 준비를 하고 있는 것을 보여주었지만, 임무나 행사의 정확한 성격은 계속되는 논쟁의 문제입니다.

흔히 이야기되는 것과는 달리, 그 작품은 처음부터 성공적이었다고 환호를 받았습니다. 1715년 시청으로 옮겨졌을 때, 그림이 새로운 위치에 맞도록 캔버스의 일부가 잘려 나갔습니다(왼쪽에서 약 20%가 제거되었습니다). 1817년에 이 큰 그림은 트리펜후이스로 옮겨졌습니다. 1885년부터 이 그림은 릭 박물관에 전시되고 있습니다.^[m] 1940년에 이 그림은 카스텔 라드보드(Kasteel Radboud)로 옮겨졌고, 1941년에는 헴스커르크(Hemskerk) 근처 벙커로, 1942년에는 상피테르스베르크(St. Pietersberg)로 옮겨졌고, 1945년 6월에는 암스테르담(Amsterdam)으로 다시 보내졌습니다.

전문가 평가

1968년 네덜란드 과학연구진흥기구의 후원으로 렘브란트 연구 프로젝트가 시작되었고, 처음에는 매우 낙관적인 10년을 보낼 것으로 예상되었습니다. 미술사학자들은 다른 분야의 전문가들과 팀을 이루어 최첨단 기술 진단을 포함하여 이용 가능한 모든 방법을 사용하여 렘브란트에게 귀속된 작품의 진위를 재평가하고 그의 그림에 대한 완전한 새로운 카탈로그를 편찬했습니다. 그들의 연구 결과, 이전에 렘브란트의 것으로 여겨졌던 많은 그림들이 목록에서 삭제되었지만, 다른 그림들은 다시 추가되었습니다.^[116] 제거된 많은 사람들은 현재 그의 학생들의 작품으로 생각됩니다.

활동의 한 예는 현재 뉴욕시의 프릭 컬렉션에 소장되어 있는 폴란드 라이더입니다. 렘브란트의 저자는 20세기 초에 적어도 한 명의 학자인 알프레드 폰 뷔르츠바흐에 의해 의문시되었지만 수십 년 동안 영어로 된 최고의 권위자인 율리우스 S를 포함한 대부분의 학자들에 의해 의문시되었습니다. 보류, 그것은 정말로 마스터에 의해 결정되었습니다. 그러나 1980년대에 재단 렘브란트 연구 프로젝트의 조수아 브루인 박사는 신중하고 잠정적으로 이 그림을 렘브란트의 가장 가깝고 재능 있는 학생들 중 한 명인 빌렘 드로스트에게 돌렸는데, 그에 대해서는 거의 알려져 있지 않습니다. 그러나 브루인은 소수 의견으로 남아 있었고, 드로스의 저자에 대한 제안은 이제 일반적으로 거부되었으며, 프릭 자체는 자신의 속성을 변경하지 않았으며, 레이블은 여전히 "Rembrandt"라고 읽었으며 "귀속된" 또는 "학교"가 아닙니다. 더 최근의 의견은 더 결정적으로 프릭에 유리하게 바뀌었습니다. 사이먼 샤마(Simon Schama)와 렘브란트 프로젝트 학자 에른스트 반 데 베터링(Ernst van de Wetering, Melbourne Symposium, 1997)은 1999년 저서 렘브란트의 눈(Rembrandt's Eyes)에서 둘 다 주인에게 귀속된다고 주장했습니다. 렘브란트의 저자에 대해 여전히 의문을 제기하는 소수의 학자들은 실행이 고르지 않다고 느끼고 작품의 다른 부분에 대해 다른 귀속을 선호합니다.^[117]

샴은 렘브란트의 작품에 묘사된 주제와 관련된 제목의 검증과 관련하여 이와 유사한 문제를 제기했습니다. 예를 들어, 최근 메트로폴리탄 박물관의 큐레이터들에 의해 리타이틀된 호머의 흉상과 함께 아리스토텔레스에서 묘사되고 있는 정확한 주제는 폴 크렌쇼의 장학금을 적용하는 샤마에 의해 직접적으로 도전을 받았습니다.^[118] 샤마는 아리스토텔레스가 아닌 렘브란트에 의해 사색에 묘사된 것이 고대 그리스의 유명한 화가 아펠레스였다는 상당한 주장을 제시합니다.^[119]

또 다른 그림인 '손 씻기' 역시 의문의 여지가 있습니다. 이 그림에 대한 비판적인 의견은 1905년 빌헬름 폰 보데가 렘브란트의 "다소 비정상적인 작품"이라고 묘사한 이후 다양했습니다. 학자들은 그 이후로 이 그림의 연대를 1660년대로 추정하고 익명의 학생인 아르트 드 겔더에게 할당했습니다. 구성은 렘브란트의 성숙한 작품과 피상적으로 닮았지만 조명과 모델링에 대한 거장의 지휘가 부족합니다.^[120]

귀속 및 재귀속 작업이 진행 중입니다. 2005년에 렘브란트의 학생들이 그린 유화 4점이 렘브란트 자신의 작품으로 재분류되었습니다. 1640년에 그려진 미국의 개인 소장품 중 수염을 기른 노인의 옆모습과 연구, 디트로이트 미술연구소 소장품인 우는 여인의 연구, 흰 보닛을 쓴 노인의 초상화.^[121] 의자에 앉은 노인은 또 다른 예입니다: 2014년, 에른스트 반 데 베터링 교수는 가디언지에 1652년 그림인 의자에 앉은 노인의 좌천은 "엄청난 실수였다... 그것은 가장 중요한 그림이다"라는 자신의 견해를 제시했습니다. 그 그림은 렘브란트의 실험적인 측면에서 볼 필요가 있습니다." 이것은 그의 경력 내내 렘브란트를 연구했던 나이젤 콘스탐에 의해 훨씬 이전에 강조되었습니다.^[122]

렘브란트 자신의 스튜디오 연습은 이전의 많은 거장들과 마찬가지로 제자들에게 자신의 그림을 베끼도록 권유하고, 때로는 완성하거나 다시 만져서 원본으로 판매하고, 때로는 공인된 사본으로 판매하기도 했기 때문에 귀속의 어려움에 주요한 요인이 됩니다. 게다가, 그의 스타일은 그의 가장 재능 있는 학생들이 본받을 수 있을 만큼 충분히 쉽다는 것이 증명되었습니다. 더 복잡한 문제는 렘브란트 자신의 작업 중 일부의 고르지 못한 품질과 그의 잦은 스타일적 진화와 실험입니다.^[123] 또한, 그의 작품에 대한 후대의 모방이 있었고, 원작을 너무 심각하게 훼손하여 더 이상 알아볼 수 없게 복원했습니다.^[124]

도장재료

1977년 헤르만 쿤에 의해 게멜데갈리 알테 마이스터와^[125] 게멜데갈리 알테 마이스터(카셀)^[126]의 소장품인 렘브란트의 그림에 대한 기술적 조사가 이루어졌습니다. 30여 점의 그림을 분석한 결과 렘브란트의 팔레트는 납백색, 다양한 황토색, 반데케갈색, 본흑색, 숯흑색, 램프흑색, 베르밀리온색, 매더호수, 아주라이트, 울트라마린색, 황색호수, 납주석황색 등의 안료로 구성되어 있는 것으로 나타났습니다. 유대인 신랑의 소매 그림자에는 합성 오르페먼트가 그려져 있었습니다. 이 독성 비소 노란색은 유화에 거의 사용되지 않았습니다.^[127] 한 점의 그림(Saskia van Uylenburgh as Flora)^[128]에는 감보가 포함되어 있다고 합니다. 렘브란트는 순수한 파란색이나 초록색을 거의 사용하지 않았는데, 가장 두드러진 예외는 런던의 국립 갤러리에 있는 벨샤자르의 잔치입니다^[129][130]. 봄포드의^[129] 책은 런던의 내셔널 갤러리에 있는 렘브란트의 그림에 대한 보다 최근의 기술적인 조사와 안료 분석에 대해 설명합니다. Rembrandt가 사용하는 전체 색소 배열은 ColorLex에서 확인할 수 있습니다.^[131] 웹에서 렘브란트의 그림에 대한 기술적 정보를 얻을 수 있는 가장 좋은 자료는 상세한 조사 보고서, 적외선 및 방사선 이미지 및 기타 과학적 세부 사항이 포함된 렘브란트의 모든 작품이 포함된 렘브란트 데이터베이스입니다.^[132]

성명 및 서명

"렘브란트"는 그가 1633년에 도입한 그 예술가의 이름의 철자를 수정한 것입니다. "Harmenszoon"은 그의 아버지의 이름이 Harmen임을 나타냅니다. "van Rijn"은 그의 가족이 라인강 근처에 살았다는 것을 나타냅니다.^[133]

렘브란트의 초기 서명(1625년경)은 초기 "R" 또는 "RH"(렘브란트 하멘스존의 경우)로 구성되어 있으며, 1629년부터 "RHL"("L"은 라이덴의 경우)을 의미했습니다. 1632년, 그는 이 모노그램을 그 해 초에 사용한 다음, 그의 성을 "RHL-van Rijn"으로 추가했지만, 같은 해에 이 형태를 대체했고, 그의 이름을 원래의 철자인 "Rembrant"로 단독으로 사용하기 시작했습니다. 1633년에 그는 "d"를 추가했고, 그 이후로 이 형태를 일관되게 유지하여 이 사소한 변화가 (어떤 것이었든) 그에게 의미가 있다는 것을 증명했습니다. 이 변화는 순전히 시각적인 것입니다. 그의 이름이 발음되는 방식을 바꾸지는 않습니다. 흥미롭게도, 이 수정된 이름으로 서명된 많은 수의 그림들과 에칭들에도 불구하고, 그가 생전에 그를 언급했던 대부분의 문서들은 원래의 "Rembrant" 철자를 그대로 유지했습니다. (참고: 위의 서명 양식의 대략적인 연대는 그림에 적용되고 에칭들에는 약간 덜 적용됩니다; 1632년부터, 아마도, "RHL-v. Rijn"이라고 서명된 에칭은 하나뿐일 것입니다. 대형 포맷 "Raising of Lazarus, B73".^[134] 나중에 빈센트 반 고흐에 이어 자신의 이름으로 작품에 서명하는 그의 연습은 아마도 라파엘, 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로에 의해 영감을 받았을 것이고, 그들은 지금처럼 자신들의 이름만으로 언급됩니다.^[135]

연수회

Rembrandt는 큰 워크샵을 운영했고 많은 학생들이 있었습니다. 그의 라이덴 시절과 암스테르담 시절의 렘브란트 학생들의 목록은 꽤 긴데, 그가 주변 화가들에게 끼친 영향이 너무 커서 누군가가 그의 작업실에서 그를 위해 작업했는지 아니면 렘브란트를 얻고 싶어하는 고객들을 위해 그의 스타일을 모방했는지 구분하기 어려웠기 때문입니다. 부분 목록에는^[136] 페르디난드 볼, 아드리안 브라우어, 게릿 두, 윌렘 드로스트, 하이만 덜라아트, 게르브랜드 판 덴 이크하우트, 카렐 파브리티우스, 고버트 플링크, 헨드릭 프로만티우, 아르트 드 겔더, 사무엘 더크스츠 판 후그스트라텐, 아브라함 얀센, 고드프리 켈러, 필립 드 코닌크, 제이콥 레브크, 니콜라스 마에스, 위르겐 오벤스, 크리스토퍼 파 빌렘 데 푸터, 얀 빅터스, 빌렘 반 데어 블리에트.

박물관 소장품

렘브란트의 작품 중 가장 큰 컬렉션은 미국 메트로폴리탄 미술관(대부분 초상화)과 뉴욕의 프릭 컬렉션, 워싱턴 D.C.의 내셔널 갤러리, 보스턴의 미술관, 로스앤젤레스의 J. Paul Getty Museum 등 총 86점입니다.^[137] 다른 큰 그룹들은 69점의 그림들로 독일에 있는데, 베를린의 게멜데갈레리, 드레스덴의 게멜데갈레리 알테 마이스터, 카셀의 슐로스 빌헬름쇼헤 등에 있습니다. 영국에는 총 51개가 있는데, 특히 내셔널 갤러리와 로열 컬렉션에 있습니다. 네덜란드에는 49개가 있고, 야간 경비대와 유대인 신부가 있는 리크 박물관과 헤이그에 있는 마우리슈가 있습니다.^[138] 다른 것들은 루브르 박물관, 에르미타주 박물관, 스톡홀름 국립 박물관에서 찾을 수 있습니다. 바르샤바의 왕궁에는 렘브란트의 그림 두 점이 전시되어 있습니다.^[139]

가장 큰 드로잉 컬렉션은 리크스 박물관, 루브르 박물관, 대영 박물관과 같은 오래된 대형 박물관에 있습니다. 모든 주요 인쇄실에는 렘브란트 판화의 대규모 컬렉션이 있지만, 일부는 단일 인상으로만 존재하기 때문에 완전한 컬렉션은 없습니다. 이러한 소장품들이 대중에게 전시되거나 인쇄실에서 쉽게 볼 수 있는 정도는 매우 다양합니다.

렘브란트 하우스 박물관에는 렘브란트가 소장했을 것으로 추정되는 대부분 독창적이지는 않지만 시대적인 조각들인 부속품들과 가구들, 그리고 집을 배경으로 한 많은 그림들, 그리고 렘브란트가 예술 거래를 위해 집을 사용한 것을 반영하는 현대적인 그림들이 있습니다. 그의 판화 작업실은 복제 인쇄기가 설치되어 있습니다. 박물관에는 초기 렘브란트의 그림 몇 점이 있는데, 많은 그림들이 대여되었지만 그의 중요한 판화 컬렉션이 있으며, 그 중 많은 것들이 회전식으로 전시되고 있습니다.

영향력 및 인지도

[...] 저는 프로토게네스, 아펠레스, 파라시우스에게는 그런 일이 일어나지 않았고, 그들이 지구로 돌아온다면, 그들에게 일어날 수도 없다고 주장합니다. (이것을 보고하는 것만으로도 놀랍습니다.) 한 젊은 네덜란드인, 수염 없는 방앗간 주인이 한 인간의 모습으로 그렇게 많은 것을 모으고 보편적인 것을 표현할 수 있다는 것입니다. 당신에게 영광을 돌립니다, 나의 렘브란트! 일리움을, 정말로 모든 아시아를 이탈리아로 옮겼다는 것은 그리스와 이탈리아의 월계관을 네덜란드로 데려온 것보다 더 작은 업적입니다. 그의 고향 도시의 벽 밖으로 모험을 한 적이 거의 없는 네덜란드인의 업적입니다.

— Constantijn Huygens, Lord of Zuilichem, possibly the earliest known notable Rembrandt connoisseur and critic, 1629. Excerpt from the manuscript Autobiography of Constantijn Huygens (Koninklijke Bibliotheek, Den Haag), originally published in Oud Holland (1891), translated from the Dutch.^[142]

렘브란트는 역사상 가장 유명하고^[143][144] 전문적으로 연구된 시각 예술가 중 한 명입니다.^[145][146] His life and art have long attracted the attention of interdisciplinary scholarship such as art history, socio-political history,^[147] cultural history,^[148] education, humanities, philosophy and aesthetics,^[149] psychology, sociology, literary studies,^[150] anatomy,^[151] medicine,^[152] religious studies,^[n][153] theology,^[154] Jewish studies,^[155] Oriental studies (Asian studies),^[156] 세계적인 연구와 예술 시장 조사.^[157][158] 그는 소설과 논픽션 장르 모두에서 방대한 양의 문학의 주제가 되었습니다. 렘브란트와 관련된 연구와 장학은 그 자체로 많은 저명한 감정가와 학자들이^[159] 있는 학문 분야이며 네덜란드 황금기 이후 매우 역동적이었습니다.^{[145][160][146]}

미술사가이자 렘브란트 학자인 스테파니 디키(Stephanie Dickey)에 따르면,

[렘브란트]는 네덜란드 공화국을 떠나지 않으면서도 화가, 판화가, 교사, 미술 수집가로 국제적인 명성을 얻었습니다. 그의 고향인 라이덴과 암스테르담에서 거의 40년 동안 작업한 그는 다른 화가들의 세대를 지도하고 감탄과 비평, 해석을 끊임없이 끌어들이는 작품을 만들었습니다. (...) 렘브란트의 예술은 네덜란드 황금기에 대한 어떤 연구에서도 핵심적인 요소입니다. 그리고 예술적 천재성의 캐논에 대한 그의 멤버쉽은 잘 확립되어 있지만, 그는 또한 전문가들의 관심을 뛰어넘는 중요성을 가진 인물입니다. 문학평론가들은 "렘브란트"를 "문화 텍스트"로 숙고해왔고, 소설가, 극작가, 영화인들은 그의 삶을 낭만화했으며, 대중문화에서 그의 이름은 치약에서부터 자조적인 조언에 이르기까지 제품과 서비스의 우수성과 동의어가 되었습니다.^[146]

종종 올드 마스터즈의 마지막 거장들 중 한 명으로 여겨지는 프란시스코 고야는 "나는 네이처, 벨라스케스, 렘브란트의 세 명의 거장들을 가졌다." ("Yo no he tenido otros maestros que la Naturaleza, Velázque y Rembrandt")^{[161][162][163]} 렘브란트의 예술 수용과 해석의 역사에서, 그 후 몇 세기 동안 그의 지속적인 명성을 확립하는 데 결정적으로 도움을 준 것은 18-19세기 프랑스,^[164][165] 독일,^{[166][167][168]} 영국에서^{[169][170][171][172]} 영감을 받은 중요한 '부활' 또는 '재발견'이었습니다.^[173] 한 비평가가 렘브란트의 초상화와 같은 맥락에서 오귀스트 로댕의 흉상을 언급했을 때, 프랑스 조각가는 이렇게 대답했습니다: "나를 렘브란트와 비교해보시오? 얼마나 신성한 일인가! 예술계의 거상인 렘브란트와 함께! 무슨 생각이야, 친구! 우리는 렘브란트 앞에서 절을 하고 절대로 그와 비교하지 말아야 합니다!"^[174] 빈센트 반 고흐는 그의 형 테오(1885)에게 "렘브란트는 신비에 너무 깊이 빠져 어떤 언어로도 단어가 없는 말을 합니다. 그들이 렘브란트를 마법사라고 부르는 것은 당연합니다. 그것은 쉬운 직업이 아닙니다."^[175]

렘브란트와 유대인 세계

그의 작품에서 그는 고전 도상학에 대한 지식을 보여주었습니다. 렘브란트의 구체적인 텍스트에 대한 지식, 고전적인 구성에 대한 동화, 암스테르담의 유대인 인구에 대한 관찰은 성경의 한 장면을 묘사하는 데 도움이 되었습니다.^[177] 인간의 상태에 대한 공감 때문에 그는 "문명의 위대한 예언자 중 한 명"으로 불렸습니다.^[178] 렘브란트는 많은 현대 유대인 예술가, 작가, 학자(특히 미술 평론가와 미술사학자)들에게 상당한 영향을 미쳤습니다.^[179][180] 독일계 유대인 화가 막스 리베르만은 "프랑스 할스를 볼 때마다 그림을 그리고 싶고, 렘브란트를 볼 때마다 포기하고 싶은 마음이 든다"고 말했습니다.^[181] 1922년 마크 샤갈은 "제국 러시아도, 소련도 나를 필요로 하지 않습니다. 그들은 저를 이해하지 못합니다. 저는 그들에게 낯선 사람입니다"라고 말했고, 그는 "렘브란트가 저를 사랑한다고 확신합니다"^[182]라고 덧붙였습니다.

렘브란트는 성경을 세상에서 가장 위대한 책으로 여겼고, 성공과 실패 속에서 성경을 평생 경건한 애정으로 간직했습니다. 그는 그림과 다른 그래픽 프레젠테이션의 주제로서 성경적 주제에 대한 헌신에 지치지 않았으며, 이러한 묘사에서 그는 자신의 환경에 있는 유대인들을 신성한 서사의 영웅들의 모델로 사용할 용기를 최초로 얻었습니다.

— Franz Landsberger, a German Jewish émigré to America, the author of Rembrandt, the Jews, and the Bible (1946)^[183][184]

렘브란트 비판

렘브란트는 역사상 가장 논란이 많은 (시각) 예술가 중 한 명이기도 합니다.^[145][185] Several of Rembrandt's notable critics include Constantijn Huygens, Joachim von Sandrart,^[186] Andries Pels (who called Rembrandt "the first heretic in the art of painting"),^[187] Samuel van Hoogstraten, Arnold Houbraken,^[186] Filippo Baldinucci,^[186] Gerard de Lairesse, Roger de Piles, John Ruskin,^[188] and Eugène Fromentin:^[185]

1875년까지 렘브란트는 역사적 과거에서 현재까지 단순히 간과하거나 지나칠 수 없을 정도로 강력한 인물이었습니다. 옛 주인의 큰 그림자는 단호한 태도를 요구했습니다. 프로멘틴과 같은 후기 낭만주의 화가이자 비평가는 렘브란트의 그림 중 일부를 우연히 좋아하지 않는다면 자신의 감정을 정당화해야 할 의무가 있다고 느꼈습니다. 이 극적인 오래된 거장의 위대함은 1875년 정도의 예술가들에게는 의심의 여지가 없는 것이었습니다. 프로멘틴은 '내가 틀렸거나 다른 모든 사람들이 틀렸다'고 홀란드에서 썼습니다. 프로멘틴이 렘브란트의 작품 중 일부를 좋아할 수 없다는 것을 깨달았을 때, 그는 다음과 같은 논평을 공식화했습니다: '나는 감히 그런 신성모독을 쓸 엄두조차 내지 못합니다. 이것이 공개되면 조롱을 받을 것입니다.' 불과 25년 전, 또 다른 프랑스 낭만주의 거장 외젠 들라크루아는 렘브란트에 대한 존경심을 표현할 때 그의 저널에 매우 다른 진술을 썼습니다: '... 아마도 우리는 언젠가 렘브란트가 라파엘보다 훨씬 더 위대한 화가라는 것을 알게 될 것입니다. 모든 학구파 화가들의 머리에 머리카락이 돋아나는 모독입니다.' 1851년 신성모독은 렘브란트를 라파엘보다 위에 올려놓는 것이었습니다. 1875년에 신성모독은 렘브란트가 만들어낸 모든 것에 감탄하지 않는 것이었습니다. 이 두 날짜 사이에 렘브란트에 대한 감상은 전환점에 이르렀고 그 이후로 그는 예술계의 높은 지위를 박탈당하지 않았습니다.

— Rembrandt scholar Jan Białostocki (1972)^[185]

대중문화에서

[...] 저를 정말 놀라게 하는 것은 렘브란트가 대중문화의 현상으로 존재하는 정도입니다. 당신은 친구들에게 주제곡을 쓴 렘브란트라는 음악 그룹을 가지고 있습니다."I'll Be There For You. 렘브란트 레스토랑, 렘브란트 호텔, 미술 용품 등 더 확실한 것들이 있습니다. 그런데 렘브란트 치약이 있습니다. 도대체 왜 누군가가 정말 어두운 색조로 유명한 이 예술가의 이름을 따 치약의 이름을 지을까요? 말이 안 돼요. 하지만 그의 이름이 품질과 동의어가 되었기 때문이라고 생각합니다. 그것은 심지어 동사입니다. 지하 세계 은어에 범죄의 모함을 의미하는 'Rembranded'라는 용어가 있습니다. 그리고 영화계의 사람들은 과도한 그림 효과를 의미하기 위해 그것을 사용합니다. 그는 어디에나 있고, 아무것도 모르는 사람들, 렘브란트 그림에 걸려 넘어지면 못 알아볼 사람들, 여러분은 렘브란트라는 이름을 말하고, 그들은 이미 이 그림이 위대한 예술가라는 것을 알고 있습니다. 그는 위대함의 대명사가 되었습니다.

— Rembrandt scholar, Stephanie Dickey, in an interview with Smithsonian Magazine, December 2006^[144]

워런즈 오브 버지니아(1915)를 촬영하는 동안, 세실 B. 드밀은 로스앤젤레스 오페라 하우스에서 빌린 조명 기구를 실험했습니다. 사업 파트너인 샘 골드윈은 배우의 얼굴이 반만 비춘 장면을 보았을 때, 그는 전시회 참가자들이 그 사진에 대한 반값만 지불할 것을 두려워했습니다. 드밀은 렘브란트 조명이라고 설명했습니다. "샘의 대답은 안도감으로 기뻐했습니다," 드밀레가 회상했습니다. "렘브란트의 조명에 대해 전시업체들은 두 배의 비용을 지불할 것입니다!"^[189]

렘브란트에 관한 작품들

문학작품(예: 시와 소설)

• 1830년 미하일 레르몽토프의 러시아어 시 렘브란트의 그림으로
• 가스파드 드 라누트: 알로이시우스 베르트랑(Aloyius Bertrandrand, 1842)의 프랑스어 시 연작인 판타이시즈 à la manière de Rembrandet et de Callot.
• 그림 이것, 조셉 헬러의 소설, 1988
• 모이, 라 푸탱 드 렘브란트, 실비 매튼의 프랑스어 소설, 1998
• Sarah Emily Miano의 소설 Van Rijn, 2006
• 나는 렘브란트의 딸, 린 컬렌의 소설, 2007
• Daniel Silva의 소설, Rembrandt Affair, 2011
• 니나 시걸의 소설 해부학 수업, 2014
• 렘브란트의 거울, 김 드베뢰 소설, 2015

음악

• Donna Summer song Dinner with Gershwin은 "나는 렘브란트 스케치를 보고 싶다"는 가사를 담고 있습니다.
• Scott Walker (가수)의 노래 공작부인은 "It's your Bicycle bells / and your Rembrandt swells"라는 가사를 특징으로 합니다.

영화들

• 도둑맞은 렘브란트, 레오 D가 감독한 1914년 영화. 말로니와 J.P. 맥고완
• 1920년 아서 귄스버그 감독의 영화 그로 ß엔의 위대한 / 죽음의 비극
• 사라진 렘브란트, 레슬리 S가 감독한 1932년 영화. 히스콧
• 1936년 알렉산더 코르다 감독의 영화 렘브란트
• 1940년 영화 렘브란트
• 렘브란트 드 슐켈더 / 렘브란트 인 더 벙커, 1941년 제라르 뤼텐 감독 영화
• 한스 슈타인호프 감독의 1942년 영화 렘브란트
• 렘브란트: 자화상, 1954년 모리 로이즈만의 다큐멘터리 영화
• 렘브란트, 실더 판 데멘스 / 렘브란트, 인간의 화가, 베르트 하안스트라 감독의 1957년 영화
• 1977년 제작된 조스 스틸링 감독의 렘브란트 영화 1669
• 렘브란트: 사이먼 샤마의 1992년 다큐멘터리 영화인 The Public Eye and the Private Gaze
• 1999년 개봉한 찰스 매튼 감독의 영화 렘브란트
• 렘브란트: 1999년 데이비드 데바인 감독의 영화 Fathers & Sons [it]
• 2003년 개봉한 얀닉 요한센과 앤더스 토마스 젠슨 감독의 영화 렘브란트를 훔치다
• 사이먼 샤마의 예술의 힘: 렘브란트, 사이먼 샤마의 2006년 다큐멘터리 영화 시리즈
• 피터 그리너웨이 감독의 2007년 영화인 나이트워치
• 2008년 피터 그리너웨이 감독의 다큐멘터리 영화 렘브란트의 J'Accuse
• 2011년 개봉한 Marleen Gorris 감독의 영화 Rembrandtenik [nl]
• 렘브란트의 샤마: 말년의 걸작, 사이먼 샤마의 2014년 다큐멘터리 영화
• 렘브란트: 런던 국립미술관과 암스테르담 리크스 박물관에서 온 스크린 전시회의 2014년 다큐멘터리 영화

선택한 작품

• 그리스도의 봉토 c.(1624) – 사냥꾼 박물관과 미술관, 글래스고
• 성 스테판의 돌팔매질 (1625) – 리옹 미술관
• 안드로메다가 바위에 사슬로 연결된 (1630) – 마우리슈이스, 헤이그
• 금사슬을 맨 노인 c.(1631) – 시카고 미술연구소
• Jacob de Gheyn III (1632) – 덜위치 그림 갤러리, 런던
• 명상 속의 철학자 (1632) – 루브르 박물관, 파리
• 닥터의 해부학 수업 니콜라 튈프(1632) – 헤이그 마우리슈이스
• 홀로페르네스 연회의 유디트 (1634) – 프라도 박물관, 마드리드
• 십자가에서 내려오다 (1634) – 에르미타주 박물관, 상트페테르부르크. 1806년 헤세-카셀의 땅 무덤에서 약탈당했습니다.^{[citation needed]}
• 벨샤자르의 잔치 c.(1635-1638) – 내셔널 갤러리, 런던
• 선술집의 탕자 c.(1635) – 드레스덴의 게멜데갈레리 알테 마이스터
• 다나 ë (1635, 1643년 이전 재작업) – 상트페테르부르크 에르미타주 박물관
• 렉테른의 학자 (1641) – 바르샤바 왕궁
• 액자 속의 소녀 (1641) – 바르샤바, 로열 캐슬
• Frans Banning Cocq 선장의 민병대 중대(1642년) - 암스테르담 Rijksmuseum
• Boaz and Ruth (1643) – Bedfordshire & Gemaldegalerie, Berlin의 Waburn Abbey
• The Mill (1645/48) – 국립 미술관, 워싱턴 D.C.
• 수잔나와 장로들 (1647) – 베를린 게멜데갈리에
• 병자를 치유하는 그리스도 (Christ Healing the Sick), 백 길더 프린트 c.(1648)로도 알려져 있습니다 – 알렌 메모리얼 아트 뮤지엄, 오하이오, 오벌린. 이름은 100명의 길드원을 위해 인쇄물의 인상을 렘브란트에 되팔았다고 주장한 인쇄 판매자로부터 유래했습니다.
• 그리스도의 수장 (1648) – 베를린 게멜데갈레리
• 호머의 흉상을 생각하는 아리스토텔레스 (1653) – 뉴욕 메트로폴리탄 미술관
• 세 개의 십자가 (1653) – 보스턴 미술관
• 그녀의 목욕에서 목욕하는 사람 (1654) – 루브르 박물관, 파리
• 사람들에게 그리스도를 선물 c.(1655) – 여러 박물관의 다양한 버전. 렘브란트가 만든 두 개의 가장 큰 판화 중 하나입니다.
• 팔라스 아테나 c.(1657) – 칼루스테 굴벤키안 박물관, 리스본
• 더크 판 오스의 초상 c.(1658) – 네브래스카 오마하, 조슬린 미술관
• 베레모와 업 칼라가 있는 자화상 (1659) – 워싱턴 D.C. 국립 미술관
• 에스더 축제의 아하수에로스와 하만 (1660) – 모스크바 푸슈킨 박물관
• 클라우디우스 시빌리스의 음모 c.(1661-1662) – 스톡홀름 국립박물관. 렘브란트가 이 그림을 팔기 위해 잘라내면서 현재 원본의 대부분이 소실되었습니다. 이것은 또한 그의 마지막 세속적인 역사 그림이기도 합니다.
• 드레이퍼즈 길드의 신딕스 (1662) – 암스테르담 리크스 박물관
• 유대인 신부 c.(1665-1669) – 암스테르담 리크스 박물관
• 에스더 이전의 하만 (1665) – 루마니아 국립 미술관, 부쿠레슈티^[190]
• 63세 때의 자화상 (1669) – 내셔널 갤러리, 런던 렘브란트의 마지막 자화상 중 하나.
• 탕자의 귀환 (1669) – 에르미타주 박물관, 상트페테르부르크. 렘브란트의 마지막 그림 중 하나입니다.

전시회

• 1898년 9월-10월: 네덜란드 암스테르담, 스테델리크 박물관, 렘브란트 텐툰스텔링(렘브란트 전시회).^[191]
• 1899년 1월-2월: 런던 왕립 아카데미의 렘브란트 텐툰스텔링(렘브란트 전시회).^[191]
• 2011년 4월 21일 - 2011년 7월 18일: 렘브란트와 예수의 얼굴, 루브르 박물관.^[192]
• 2013년 9월 16일 ~ 2013년 11월 14일: 렘브란트: The Consummate Echer, 시라큐스 대학 미술관.^[193]
• 2014년 5월 19일 ~ 2014년 6월 27일: 렘브란트에서 로젠퀴스트까지: NAC의 상설 컬렉션, National Arts Club의 문서 작업.^[194]
• 2014년 10월 19일 - 2015년 1월 4일: 렘브란트, 루벤스, 게인즈버러와 유럽 회화 황금기, 줄 콜린스 스미스 미술관.^[195]
• 2014년 10월 15일 ~ 2015년 1월 18일: 렘브란트: 런던 국립미술관 후기 ^[196]작품들
• 2015년 2월 12일 - 2015년 5월 17일 : 암스테르담 리크스 박물관, Late Rembrandt.^[197]
• 2018년 9월 16일 ~ 2019년 1월 6일 : 렘브란트 – 인쇄공으로서의 화가, 덴버 미술관,^[198] 덴버
• 2019년 8월 24일 ~ 2019년 12월 1일: 레이든 1630년경: 렘브란트 출현, 아그네스 에더링턴 아트 센터, 온타리오주 킹스턴.^[199]
• 2019년 10월 4일 ~ 2020년 2월 2일 : 런던 덜위치 픽처 갤러리, 렘브란트의 빛.^[200]
• 2020년 2월 18일 - 2020년 8월 30일: 렘브란트와 암스테르담 초상화, 1590-1670, 마드리드 국립 미술관 티센 보르네미사.^[201]
• 2020년 8월 10일 ~ 2020년 11월 1일 : 영 렘브란트, 애쉬몰리안 뮤지엄, 옥스포드.^[202]

그림

자화상

• 
  어린 렘브란트(c.1628)가 22살 때. 부분적으로 키아로스쿠로 운동. Rijksmuseum
• 
  뉘른베르크 게르마니아 국립박물관의 고르게트 자화상 c.(1629)
• 
  스톡홀름 국립박물관 자화상 (1630)
• 
  벨벳 베레모와 퍼드 맨틀이 있는 자화상 (1634)
• 
  런던 내셔널 갤러리의 34세 때 자화상 (1640)
• 
  빈 쿤스트 역사박물관의 자화상, 캔버스에 그린 유화(1652)
• 
  자화상 (1655) 호두 초상화에 기름을 발라 크기를 줄였습니다. 빈에 있는 쿤스트 역사 박물관
• 
  자화상 (1660)
• 
  쾰른의 Wallraf-Richartz Museum에서 ^[203]렘브란트가 왼쪽으로 돌아선 두 개의 자화상 중 하나인 c.Zeuxis (1662)로서의 자화상
• 
  런던 켄우드 하우스의 두 개의 원을 가진 자화상 c.(1665–69)
• 
  자화상 (1669)
• 
  런던 내셔널 갤러리의 63세(1669년, 그가 죽은 해) 자화상
• 
  렘브란트, 자화상, 1668–69, Galleria degli Uffizi, 피렌체

기타주요그림

• 
  성 스테판의 돌팔매질(1625), 렘브란트의 첫 번째 그림은 19세에 완성되었습니다.^[204] 현재 이 박물관은 리옹 미술관에 보관되어 있습니다.
• 
  멜버른에 있는 빅토리아 국립미술관에서 논쟁을 벌이고 있는 두 노인(1628)
• 
  보스턴 미술관의 화가(1628)
• 
  털모자를 쓴 노인의 흉상(1630), 렘브란트의 아버지를 그린 그림
• 
  예루살렘 파괴를 한탄하는 예레미야 (1630년경)
• 
  안드로메다 (1630년경)
• 
  명상 속의 철학자 (c. 1632)
• 
  박사의 해부학 강의 니콜라 튈프 (1632년경)
• 
  보스턴 미술관의 알트제 우일렌부르흐 초상화 (1632)
• 
  펜실베이니아주 앨런타운에 있는 앨런타운 미술관의 젊은 여성 초상화 (1632)
• 
  사스키아 판 우일렌부르흐의 초상 (1633–34년경)
• 
  러시아 상트페테르부르크 에르미타주 박물관 플로라(1634)
• 
  러시아 상트페테르부르크 에르미타주 박물관의 이삭의 희생 (1634)
• 
  드레스덴 슈타틀리히 쿤스트삼룽겐에서 벌어진 가니메데의 강간(1635)
• 
  렘브란트가 휘겐스에게 바친 삼손의 눈부심 (1636)
• 
  수잔나 (1636)
• 
  벨샤사르의 잔치 (1636–38년경)
• 
  러시아 상트페테르부르크 에르미타주 박물관의 다나 ë (c. 1636–43)
• 
  파리 루브르 박물관에서 토비아스의 가족을 떠나는 대천사 라파엘 (1637)
• 
  크라쿠프 차르토리스키 박물관의 착한 사마리아인과 함께하는 풍경 (1638)
• 
  바르샤바 왕립성에서 그의 저술표(1641)에 관한 학자
• 
  요셉의 꿈 (c. 1645)
• 
  수잔나와 장로들 (1647)
• 
  더 밀 (1648)
• 
  러시아 상트페테르부르크 에르미타주 박물관의 붉은 노인 (c. 1652–54)
• 
  뉴욕 메트로폴리탄 미술관의 호머 흉상을 가진 아리스토텔레스 (1653)
• 
  스톡홀름 국립박물관의 창밖의 어린 소녀 (1654)
• 
  렘브란트의 부유한 친구의 그림인 얀 식스의 초상 (1654)
• 
  헨드릭제(Hendrickje, 1654년) 모델 Her Bath의 Bathsheba
• 
  헨드릭제(Hendrickje, 1654)가 모델로 한 시냇물에서 목욕하는 여인
• 
  팔라스 아테네 (1655년경)
• 
  닥터의 해부학 수업 Deijman (1656)
• 
  요셉의 아들들을 축복하는 야곱 (1656)
• 
  문간의 여인 (1657–58)
• 
  러시아 모스크바 푸슈킨 박물관 에스더의 향연(1660)에서 아하수에로스와 하만
• 
  러시아 모스크바 푸슈킨 박물관의 성 토마스의 불신(1660)
• 
  로스앤젤레스 J. Paul Getty Museum의 성 바르톨로뮤(1661)
• 
  드레이퍼즈 길드의 신딕스 (1662)
• 
  클라우디우스 시빌리스의 음모 (컷다운) (1661–62)
• 
  미네소타주 미니애폴리스에 있는 미니애폴리스 미술연구소의 루크레티아(1666)
• 
  러시아 상트페테르부르크 에르미타주 박물관에서 돌아온 탕자 c.(1669)

도면 및 에칭

• 알베르티나 미술관의 렘브란트 그림

• 
  자화상, 1628–29, 종이에 펜과 붓과 잉크
• 
  모자를 쓴 자화상, 눈을 크게 뜨고, 1630, 에칭과 버린
• 
  앉아있는 노인 (c. 1630), 종이 위의 빨간색과 검은색 분필, 스톡홀름 국립 박물관
• 
  수잔나와 장로들, 1634년, 종이 위의 상구네 그림, 쿱퍼스티치카비네트 베를린
• 
  사스키아와의 자화상, 1636, 에칭, 리크스 박물관
• 
  1637년, 종이에 검은 분필로 그린 코끼리, 오스트리아 알베르티나
• 
  실에 기댄 자화상, 1639, 에칭, 국립미술관
• 
  그리스도와 간통한 여자, 1639-41년, 잉크로 그린 그림, 루브르.
• 
  거지들 I., c. 1640-42, 종이에 잉크, 바르샤바 대학 도서관
• 
  풍차, 1641, 에칭
• 
  Houtewael의 Diemerdijk (암스텔담 근처), 1648–49, 펜과 갈색 잉크, 갈색 워시, Museum Boijmans Van Beuningen
• 
  세 개의 십자가, 1653, 드라이포인트 에칭, V주 3, 미술 박물관, 보스턴
• 
  Virgin and Child with a Cat, 1654, 위의 오리지널 구리 에칭 플레이트(원본 구리 플레이트), 빅토리아 앤 앨버트 박물관, 아래 인쇄 예시
• 
  그리스도께서 백성들에게 선물하신 건점 에칭, 1655년, 8세의 주 I, Rijksmuseum
• 
  대화 중인 두 노인 / 토론 중인 두 유대인, 걷기, 연도 미상, 종이 위의 검은 분필과 갈색 잉크, Tylers Museum
• 
  걷는 법을 배우는 아이(c. 1635). 데이비드 호크니(David Hockney)는 "이 그림은 지금까지 가장 위대한 그림이라고 생각합니다... 정말 멋진 그림이네요,^[105] 정말."
• 
  자고 있는 젊은 여자 (c. 1654). 렘브란트의 서예 스타일의 그림 솜씨를 보여줍니다.^[108][109]

메모들

참고문헌

인용작

추가읽기

외부 링크

• 예술가 렘브란트 하르멘츠의 전기. 런던 내셔널 갤러리에서 온 반 레인
• Pubhist.com 에서 제공하는 Rembrandt에 관한 작품 및 문학
• 렘브란트의 그림들: 마르틴 로얄톤-키쉬의 오토 베네쉬의 카탈로그 레이소네 개정(진행중)
• 암스테르담에 있는 렘브란트의 집, 암스테르담의 렘브란트 하우스 박물관 부지에 그의 많은 에칭품들의 이미지가 있습니다.
• Art UK 사이트의 Rembrandt의 작품 114점
• 인터넷 아카이브에서 Rembrandt에 의해 또는 Rembrandt에 의해 작업됨
• Rembrandt van Rijn, General Resources
• 투명한 감식가 3: 게리 슈워츠의 3천만 파운드 질문
• 렘브란트
• 렘브란트 연구 프로젝트의 렘브란트 그림 말뭉치 1권 전체 내용을 포함한 그림에 대한 렘브란트 데이터베이스 연구 자료
• Die Urkunden über Rembrandt by C. 호프스테드 드 그루트 (1906).