쿠바 룸바

Cuban rumba
'룸본'이 여기로 방향을 바꾼다 라디오 방송국은 럼본(시리우스 XM)을 참조한다.
룸바
양식적 기원아바쿠아와 유카 춤과 북소리, 스페인계 코로스 드 클라베
문화적 기원19세기 후반 쿠바 북부에서
일반적인 기기텀블라도라, 5인조, 클라브, 과구아, 팔레토스, 체케레, 카존스
파생형식럼바플라멩카
하위 유전자
지역신
아바나 마탄자스

룸바는 춤, 타악기, 노래가 포함된 쿠바 음악의 세속적인 장르다. 19세기 후반 쿠바의 북부 지역, 주로 도시 아바나와 마탄자스에서 유래되었다. 아프리카 음악과 춤 전통, 즉 아바쿠아, 유카에 바탕을 두고 있으며, 스페인계 코로스 드 클라베도 이에 바탕을 두고 있다. 아르겔리에르 레온에 따르면 럼바는 쿠바 음악의 주요 '천재 콤플렉스' 중 하나로 [1]현재 음악학자들이 흔히 사용하는 용어다.[2][3] 이 콤플렉스는 럼바(얌부, 과구안코, 콜롬비아)의 세 가지 전통적인 형태뿐만 아니라 그들의 현대적인 파생상품과 그 밖의 작은 스타일을 포함한다.

전통적으로 아프리카 혈통의 가난한 노동자들이 거리나 솔레어(쿠르티아르)에서 공연하는 룸바는 쿠바의 가장 독특한 음악과 춤의 한 형태로 남아 있다. 보컬 즉흥, 정교한 춤, 폴리리듬 드럼 연주가 모든 룸바 스타일의 핵심 요소다. 카존(목재상자)은 20세기 초까지 드럼으로 사용되었는데, 이때 텀블라도라(콩고 드럼)로 대체되었다. 1940년대에 시작된 이 장르의 기록적인 역사 동안, 로스 파파인, 로스 무냐에퀴토스 데 마탄자스, 클레이브 야과구앙코, 아프로쿠바 데 마탄자스, 요루바 안다보 같은 수많은 성공적인 룸바 밴드들이 있었다.

초기부터 이 장르의 인기는 쿠바를 훨씬 넘어섰지만 쿠바에만 국한되었다. 미국에서는 이른바 '발룸 룸 룸바'나 '룸바'에 이름을 붙였고, 아프리카에서는 수쿠스가 흔히 '콩고 루바'(실제로 아들 큐바노에 기반을 두고 있음에도 불구하고)라고 부른다. 스페인에서 그것의 영향은 Rumba Flamenca와 Catalan Rumba와 같은 파생상품에 의해 증명된다.

어원

럼바라는 용어의 유래는 아직 알려지지 않았으며 디치오나리오 데 라 렌구아 에스파뇰라에는 어원 정보가 제공되지 않는다.[4] 조안 코로미나스에 따르면, 이 단어는 "umbo"에서 유래되었는데, "uproar" (그리고 이전에 "pomp")를 의미했고, 또한 "선의 진로"에서 유래되었으며, 그 자체도 나침반에서 사용되는 기호인 "롬보" ("rhombus")에서 유래될 수 있다고 한다.[5] 1978년 오스카르 발데스가 연출한 다큐멘터리 《라룸바》에서 럼바라는 용어는 스페인에서 유래하여 '경박한 것으로 잡혀 있는 모든 것'을 나타내기 위해 생겨난 것으로 나타나 있으며, 이는 '무예 드 럼보'라는 말에서 유래한 것이다.[6] 그 대신에, 쿠바에서 이 용어는 텀바, 마컴바, 맘보, 탐보 같은 다른 아프리카 카리브 해 단어들과 유사하기 때문에 서아프리카어 또는 반투어에서 유래되었을 수도 있다.[2] 19세기 쿠바에서 특히 도시 아바나와 마탄자스에서 아프리카계 사람들은 원래 룸바라는 단어를 파티의 동의어로 사용했다. Olavo Alén에 따르면, 이러한 지역에서 "[시간이 지남에 따라] 룸바는 단순히 파티의 또 다른 단어일 뿐 아니라, 정의된 쿠바 음악 장르와 매우 구체적인 형태의 춤의 의미를 띠었다."[7] 럼본과 럼반텔라(갈리시아어 또는 포르투갈어[5] 유래의 후기)라는 용어는 거리에서 럼바 공연을 가리키는 말로 자주 쓰인다.[8][9] 쿠바에서는 창위이(오리엔테), 과테케(농촌), 텀바(아프로쿠반스), 펨베(산테리아와 관련), 마컴바, 맘보와 같은 많은 다른 용어들이 정당을 지칭하기 위해 사용되어 왔다.

넓은 어원 때문에 럼바라는 용어는 역사적으로 어느 정도의 다세미를 유지했다. 19세기 말에 이르러 쿠바 농민들(과지로스)은 그들의 파티(귀타, 창귀, 파란다, 피에스타 후원자) 동안 럼비타를 공연하기 시작했다. 이 노래들은 사실 토나다, 자파테오 등 전통적인 농촌 장르의 3차적 미터와는 대조적으로 2진법 미터인 도시 과라차(적절한 룸바가 아님)의 형태였다.[10][11] 마찬가지로 20세기 초 쿠바 부포 극장에서는 실제 룸바와 음악적 유사성을 공유하지 않았음에도 불구하고 공연 말미에 부르던 과라차들을 룸바 파이널이라고 불렀다.[12][13]

특성.

계측

럼바 계측기는 기구의 스타일과 가용성에 따라 역사적으로 달라져 왔다. 어떤 룸바 앙상블의 핵심 악기는 클라브, 서로 부딪히는 두 개의 단단한 나무 막대기, 콩가 드럼: 5중주(납북, 최고음), 트레스 두스(중간음), 텀바나 살리도르(최저음음음)이다. 다른 일반적인 악기로는 나무 원통인 카타 또는 과구아, 카타를 칠 수 있는 팰리토, 나무 막대기, 체케레와 마라카 같은 셰이커, 구이로 같은 스크래퍼 타악기, 종, 그리고 콘가스에 앞서 나무 상자인 카존 등이 있다.[2][14][15][16] 1940년대에 이 장르는 특히 이그나시오 피네이로의 셉테토 나시오날과 아르세니오 로드리게스의 접속사에 의해 아들 큐바노와 상호 영향을 받았으며, 트레스, 더블베이스, 트럼펫, 피아노 등의 악기가 통합되고, 관용악기가 제거되었다.[17] 동시에 쿠바의 빅 밴드들은 차노 포조 등 뮤지컬 아티스트들과 협업하여 그들의 댄스곡 중 정통 룸바를 포함시키기 시작했다. 1957년 창단한 아프로쿠바 데 마탄자스는 전통 럼바 앙상블에 '바타룸바'로 알려진 스타일로 바타 북을 추가했다. 더 최근에는 쿠바 앙상블 보컬 샘플링에 의해 그들의 노래 "콘가 얌붐바"에서 들린 것처럼 아카펠라(보컬 전용, 악기 미포함) 룸바가 공연되고 있다.

리듬

듀플-펄스 및 트리플-펄스 구조의 룸바 클라브
참고 항목: 클라브 (리듬) § 럼바 클라브

룸바는 주로 2진법(더플 펄스: , )에서 재생되지만, 트리플 미터(트리플 펄스: , )도 존재한다. 얌부, 과구안코와 같은 대부분의 룸바 스타일에서 듀플 펄스는 1차, 트리플 펄스는 2차다.[18] 이와는 대조적으로 농촌형 컬럼비아에서는 3중 맥박이 1차 구조이고 듀플 맥박이 2차 구조다. 아프리카 기반 3차 리듬의 '이중화'가 이를 설명할 수 있다.[19] 클라브와 5중주(납북)가 모두 리듬을 확립하는 역할을 한다. 이어 다른 악기가 리드 드럼을 받쳐주는 역할을 한다. 리듬적으로 룸바는 클레이브라고 불리는 5행정 가이드 패턴과 그것이 전달하는 고유 구조를 바탕으로 한다.[20]

노래 구조

얌부나 과구안코 노래는 종종 독주자가 단어에 기반을 둔 가사가 아닌 의미 없는 음절로 멜로디를 부르는 것으로 시작한다. 이 입문 부분은 다이애너라고 불린다. 래리 크룩에 따르면, 다이애나는 "첫 번째 합창 후렴구도 포함하고 있기 때문에 중요하다. 리드 싱어는 합창 부분에 멜로디 문구 또는 음악적 동기/테마를 제공하거나, 새롭지만 관련 자료를 제시할 수 있다. 병렬 하모니는 보통 멜로디 라인 위나 아래에 만들어지는데, "3개, 6개, 8진법이 가장 흔하다"[21]고 한다. 그래서 다이애나를 부르고 있는 가수는 관객들을 위해 룸바 체험의 시작을 시작한다. 그 후, 그 가수는 현재의 룸바를 들고 공연하는 이유를 적은 가사를 즉흥적으로 작곡한다. 이런 즉흥연주를 데시마(decimar)라고 하는데, 데시마(decimar) 10행 스탠자(stanzas)로 하기 때문이다. 또는, 그 가수는 기성곡을 부를 수도 있다. 가장 보편적이고 인지도가 높은 룸바 표준으로는 '아베 마리아 모레나'(yambu), '로라 코모 로레'(과구아과), '쿠바린다, 쿠바 헤르모사'(과구아과), '차이나 드 오로(레이 레이에)'(columbia), '아 말랑가'(columbia) 등이 있다.

룸바 노래는 두 개의 주요 부분으로 구성되어 있다. 첫 번째 칸토에는 리드 보컬리스트가 등장하며, 때로는 부분적인 즉흥적인 구절의 연장된 텍스트를 연주한다. 리드 싱어는 보통 클래브를 연주한다.[22] 첫 번째 구간은 리드 보컬리스트가 다른 가수들에게 짧은 후렴구를 반복하도록 신호를 보낼 때까지 몇 분간 지속될 수 있다. 이 노래의 두 번째 부분을 몬투노라고 부르기도 한다.

역사

싱크로트어 기원

처음에 언급되어야 할 것은 럼바의 역사는 너무 많은 미지의 역사, 모순, 추측, 신화들로 가득 차 있어서 시간이 지남에 따라 그 장르의 어떤 결정적인 역사도 아마도 재구성할 수 없을 것이라는 것이다. 럼바의 발전에 있어서 역사적인 장소에 참석했던 노인들조차도 종종 그것의 역사의 중요한 세부사항들에 대해 동의하지 않을 것이다.

David Peñalosa[23]

노예화된 아프리카인들은 초기 스페인 정착민들에 의해 16세기에 처음으로 쿠바에 끌려왔다. 18세기 후반에서 19세기 초의 수출로 설탕의 중요성 때문에, 훨씬 더 많은 수의 아프리카 사람들이 노예가 되어 쿠바에 끌려가 설탕 농장에 종사하도록 강요당했다. 노예가 된 아프리카인들이 많이 사는 곳에는 대대로 아프리카 종교와 춤, 북소리가 은밀하게 보존되어 있었다. 반투족, 요루바족, 폰(아라라족), 에픽족(아바쿠아족)의 문화 유지는 룸바가 태어난 쿠바 서부에서 가장 큰 영향을 미쳤다. 이 섬에서 아프리카인들과 유럽인들의 지속적인 상호작용은 오늘날 아프로-쿠반 문화라고 알려진 것을 가져왔다. 이것은 쿠바의 학자 페르난도 오르티즈가 쿠바 카운터포인트와 같은 문화학에서 선두에 서게 한 사상인 '전승'으로 알려진 과정이다. 담배와 설탕. 쿠바의 전신은 룸바에서 발견된 매끄러운 합병과 마찬가지로 스페인 문화와 아프리카 문화를 융합시킨다. 오르티즈는 "진실의 객관적 토대 위에서 상호 이해의 필요성을 역설하여 국가의 확정적 청렴을 이룩할 것"[24]이라는 긍정적 사회세력으로 보고 있다.

대부분의 윤리학자들은 룸바의 뿌리가 1880년대 아바나와 마탄자스의 용도에서 발견될 수 있다는 데 동의한다.[25] 쿠아테리아스라고도 알려진 솔라는 아바나와 마탄자스의 가난한 부두 이웃에 있는 큰 집이었다. 말랑가에서부터 몽고 산타마리아에 이르기까지 룸바 역사상 중요한 인물들 중 다수가 솔라리스로 길러졌다.[26] 1886년 쿠바에서 노예제도가 폐지되었고 자유 흑인 1세대는 흔히 룸바 노래의 가사에서 흔히 발견되는 용어인 네그로스 데 나시온으로 불렸다.[26]

럼바(yambu and guaguanco)의 도시 스타일의 가장 초기 조상들은 19세기 초 노예 막사(barracones)에서 발전했을지도 모른다. 럼바라는 용어를 하나의 장르로 사용하기 훨씬 전에 말이다.[25] 그러한 프로토룸바 스타일은 아마도 콘가스 대신 상자나 서랍, 그리고 구아구, 팔레토, 빵 대신 프라이팬, 숟가락과 막대기 같은 생활용품으로 도구화되었을 것이다.[25] 이 초기 룸바의 전구들은 거의 기록되지 않았지만, 19세기 중후반으로 향하는 직접적인 전구들은 널리 연구되어 왔다. 도시 루바 양식은 스페인 오르페에서 유래한 거리 합창단인 코로스 드 클라베와 코로스 드 과구안코에 뿌리를 두고 있다. 또한 콩고 출신 유카 춤과 음악이 그러한 합창단에 통합되어 그것의 타악기와 춤 동작을 빌려주었다. 또한 아바나와 마탄자스에서 모두 우세했던 서아프리카의 칼라바르 지역에 뿌리를 둔 비밀의 아바쿠아 전통도 싱크로트 장르로서의 룸바 발전에 영향을 미쳤다.

코로스 드 클라베

주요 기사: 코로스 드 클라베

코로스 드 클라베는 카탈루냐 작곡가 호세 안셀모 클라베에 의해 소개되었고 1880년대와 1910년대 사이에 인기를 끌었다.[27] 그들은 유럽의 하모니와 악기로 제때에 노래한 150명의 남녀를 구성했다. 노래는 여성 솔로 가수의 뒤를 이어 콜 앤 리액션 합창이 이어졌다. 1902년까지 무려 60개의 코로 드 클라브가 존재했을지도 모르는데, 그들 중 일부는 그들의 음악에 대한 아프리카의 영향력을 부정했다.[28] 유명한 코로 드 클레이브의 예로는 엘 아르파 드 오로와 라 후벤투드가 있다.

주로 남성으로 구성된 코로스 데 과구안코(Coros de Guaguanco)가 진화한 코로에서 드럼을 통합했다.[28] 유명한 코로스 드 과구안코로는 엘 팀브레 드 오로, 로스 론코스(둘 다 감독으로 이그나시오 피네이로가 출연), 파소 프랑코 등이 있다.[29] 이 앙상블들은 최초의 정통 룸바 그룹을 탄생시켰고, 그것들과 함께 현재 인기 있는 과구안코와 얌부 등 여러 종류의 룸바가 출현했다. 그러나 타호나,[30] 파팔로테,[27] 토나다,[31] 지리빌라와 레세다와 같은 다른 것들은 시간에 쫓기거나 오늘날 극히 드물다.[7]

조기 인식 및 기록

룸바는 억압받는 사람들에게 표현 역할을 했고, 따라서 룸바와 함께 사회적, 인종적 정체성을 시작했다. 문화의 합성은 "오래된 전통과의 연속성과 새로운 전통의 발전을 모두 보여주기 때문에 룸바에서 볼 수 있다. 룸바 자체가 음악, 춤, 시가 결합된 것이다."[21] 노예제도 기간 동안, 그리고 그것이 폐지된 후, 룸바는 억압받는 노예들과 도시 지역의 거리나 뒷마당에서 춤추는 하층 계급의 사회적 배출구 역할을 했다. 룸바는 "18세기 말까지 많은 수의 노예가 된 아프리카인들을 위한 중심지였기 때문에 아바나의 사회적 환경으로부터 성장한 것으로 생각된다. 반항은 어렵고 위험했지만, 위장된 형태의 항의는 레크리에이션 음악과 춤으로 표현되는 경우가 많았다고 말했다.[32]

쿠바에서 노예제도가 폐지된 후에도 여전히 사회적, 인종적 불평등이 남아 있었는데, 아프로-쿠바인들은 럼바의 음악과 춤을 좌절의 배출구로 삼아 다루었다. 아프로쿠반스는 경제적 기회가 적고 대다수가 가난하게 살았기 때문에 춤과 음악의 스타일은 1950년대까지, 특히 그것을 제도화한 1959년 쿠바 혁명의 영향 이후까지 국민적 인기와 인정을 받지 못했다. 쿠바 룸바의 첫 상업 스튜디오 녹음은 1947년 뉴욕에서 카를로스 비달 볼라도와 차노 포조가 SMC 프로아르테를 위해, 1948년 하바나에서 필리베르토 산체스가 파나르트를 위해 만들었다. 룸바의 첫 상업적 앙상블 녹음은 1950년대 중반 알베르토 자야스와 그의 접속사 아프로쿠바노 뤼루 욘코리가 1956년 히트곡 "엘 비엔"을 내놓으면서 만들어졌다. 이 곡의 성공은 또 다른 룸바 그룹인 Los Munequitos de Matanzas의 홍보를 촉진시켰고, 이 그룹은 엄청난 인기를 얻게 되었다.[33] 로스 무냐에키토스와 함께, 로스 파파인스는 쿠바와 해외에서 룸바를 대중화한 최초의 밴드였다. 그들의 매우 양식화된 장르 버전은 "독특한" 그리고 "혁신적인" 접근법으로 여겨져 왔다.[34]

혁명 후 제도화

1959년 쿠바 혁명 이후, 정부의 루바 제도화 노력이 많이 이루어졌는데, 그 결과 두 가지 다른 형태의 공연이 이루어졌다. 첫 번째는 정부의 개입 없이 친구들과 가족들 무리들과 함께 뒷마당에서 더 전통적인 룸바 공연이었다. 두 번째는 극장에서 공연하는 동안 관광객들에게 바치는 스타일이었다.

쿠바 문화의 일부로 룸바를 홍보한 두 기관 - 즉, 관광 공연을 만드는 것 – 는 문화부와 쿠바의 접속사('쿠반 나시오날 민속 회사')이다. 민속로리코 나시오날은 룸바 홍보에 더욱 성행하면서 "교통, 사업, 사교 등의 병행 활동으로 관심을 공유하는 본래의 중심지, 거리 모퉁이에서 전문 무대인 2분기로, 또 다른 집인 연극 파티오로 변화했다"고 한다.[35] 민속로리코 나시오날은 룸바 관광 진흥에 힘을 보탰지만 문화부는 거리 내 룸바를 성공적이고 안전하게 조직하는 데 일조했다.

혁명 후 초기에는 예측불가능하고 자발적인 시기에 대규모 집단을 끌어들여 특정 지역의 교통 체증을 유발하고 싸움과 음주로 연결돼 자발적 룸바는 문제가 있다고 여겨졌을 수 있다. 혁명 후 정부는 "룸바가 어디에서 쾌적하고 성공적으로 일어날 수 있는지 조직함으로써 문화부를 통해, 정부는 구조적으로 주요 댄스/음악 단지의 하나를 보호하고 그것을 통합하고 쿠바 예술가들이 공식적인 쿠바 문화의 핵심에 더 가까워지게 되었다"[36]고 이 통제를 목표로 삼았다. 이러한 룸바 투여의 변화는 춤을 조직하는 데 도움이 되었을 뿐만 아니라 그것이 파괴적인 과거 사건이라는 부정적인 함축에서 벗어나도록 도왔다.

이 단체는 룸바의 스타일이 민족 문화의 한 측면으로 발전하는 데 도움을 주었지만, 부정적인 효과도 있었다. 예를 들어, 혁명 전과 혁명 후의 주요한 차이점 중 하나는 혁명 후 룸바가 더 구조화되고 덜 자발적이 되었다는 것이다. 예를 들어, 음악가들과 가수들이 함께 모여 룸바를 통해 영감을 얻었다. 즉 룸바는 자발성이 본질적으로 유일한 목표였던 순간의 한 형태였다. 그러나 혁명 후 쿠바는 "룸바 형태의 조작"으로 이어졌다. 연극 시간과 관객 집중 타이에 맞게 룸바 이벤트 시간을 응축했다. 그것은 또한 ...을 통해 특정한 시각적 이미지를 구체화했다. [a] 액자에 포장된... 무대 위에서 춤을 추고 특별 공연 파티오."[37] Yvonne Daniel은 다음과 같이 말한다: "Folklorico Nacional 댄서들은 쿠바 민속 전통의 확립된 표현을 지키고 보호하기 위해 각각의 춤을 별도의 역사적 실체로서 실행해야 한다. . 국가 회사에서의 그들의 멤버쉽 때문에, 그들은 더 자세히 설명하거나 스타일을 창조할 수 있는 자격증을 얻을 수 없다."[38] 국가 민속 보물의 공식적인 관리자로서, 접속사 민속로리코 나시오날은 20세기 중반 하바나식 룸바의 소리를 성공적으로 보존해 왔다.[39]

진정한 전통적 또는 민속적 룸바는 전문 룸바 그룹이 공연하는 연극 발표회만큼 양식화된 것이 아니라, "[i]t는 장르라기보다는 분위기에 가깝다. 쿠바에는 한 개의 룸바가 아니라 많은 룸바가 있다는 것은 두말할 나위도 없다."[40] 민속로리코 나시오날과 문화부를 거쳐 룸바에서 시행된 구조에도 불구하고, 비공식적인 사교 모임에서 춤추는 전통적인 형태의 룸바는 여전히 만연해 있다.

현대화

1980년대에 Los Mugnequitos de Matanzas는 드럼의 멜로디 매개변수를 크게 확장하여 궁극적으로 룸바 드럼의 현대화를 이끈 창의성의 물결에 영감을 주었다. 전통적인 드럼 선율의 테두리에서 벗어난 룸바는 개별적인 부분의 특정한 결합보다는 미적인 요소가 되었다. 1980년대 후반의 가장 중요한 혁신은 아바나의 로스 치니토스에 의해 창조된 과라파찬가(guarapachangueo)로 알려진 룸바와 아프로쿠바 데 마탄자스에 의해 창조된 바타룸바(batah-rumba)이다. 바타룸바는 초기에는 과구안코와 차찰로쿠아폰의 결합 문제일 뿐이었으나, 이후 다양한 바타 리듬을 포함하는 것으로 확대되었다.

페드로 마르티네스와 로만 디아스가 쓴 2008년 CD 《룸바 루츠》의 리뷰에는 과라파찬구에오가 다음과 같이 기술되어 있다.[41]

과라파창에오는 1970년대 하바나에서 그룹 로스 치니토스가 발명한 '박자와 휴식의 상호 작용'을 바탕으로 한 것으로 회화성이 높다(조타, 2008년[42]). 알베르토 자야스의 "El vivien"과 같은 녹음의 드럼 리듬의 표준화된 규칙성은커녕, 과라파찬구오는 종종 훈련되지 않은 귀에 약간 무작위적이거나 체계적이지 않은 것처럼 들리지만, 클라브를 이해하는 사람들에게는 많은 과론적 동시성을 나타낸다. 카존(목재상자)과 텀블라도라(콘가스)를 모두 사용해 마르티네즈와 디아즈는 이 악기들을 조합하는 데 있어 그들 세대의 럼버로 경향을 반영하고 있는데, 이 럼버로스는 소닉 평면을 확대시켜 베이스와 트레블 사운드를 더 많이 포함시킨다.

로스 치니토스는 과라파창구 역사에 대한 영상에서 처음에는 동료 뮤지션이 '과라파창구어'라는 단어를 '과라파창구어(guarapachangueo)'라는 폄하적으로 사용했다고 말한다.[43] 판초 퀸토와 그의 그룹 요루바 안다보 또한 이 장르를 발전시키는데 중요한 역할을 했다.[44] 1961년 작곡가 후안 리베라 프레보트가 만든 '과라포'와 '파찬가'의 포르만테아인 '과라파창가'에서 유래했다.[45][nb 1]

유산 및 영향

룸바는 "쿠바 세속적인 음악과 춤의 전형적 장르"로 여겨진다.[16] 1985년 쿠바 문화부 장관은 "쿠바가 없는 룸바는 룸바가 아니며, 룸바가 없는 쿠바는 쿠바가 아니다"[47]라고 말했다. 많은 쿠바인들에게 룸바는 "전반적인 삶의 방식"[48]을 상징하며, 프로 럼베로들은 그것을 "야구만큼이나 중요한 국가적 스포츠"[49]라고 불렀다. 이 장르는 볼룸룸바("럼바"), 아프로-쿠반 재즈, 살사와 같은 장르에 대한 영향력을 통해 쿠바의 문화뿐만 아니라 미국을 포함한 라틴 아메리카 전체의 문화에도 스며들었다.

비록 룸바는 기술적으로 복잡하고 보통 특정 사회 계층과 하나의 "인종 집단"에 의해 수행되지만, 쿠바인들은 룸바를 그들의 문화적 정체성의 가장 중요한 면 중 하나로 여긴다. 사실, 그것은 쿠바 사교춤에서 나왔기 때문에 대부분의 쿠바인들에게 친밀하고 근본적으로 "쿠반"으로 인정받고 있다. 혁명에 따른 제도화 이후, 룸바는 쿠바가 무엇을 상징하는지 그리고 쿠바인들이 그들의 나라와 문화와 사회를 국제사회가 어떻게 상상하기를 원하는지에 대한 상징으로 자리를 채택했다: 활기차고, 기쁨과 진실한 것이다.[50]

다른 아프로-쿠반 전통에 대한 영향

럼바는 이식된 아프리카 북 치는 전통과 섬에서 만들어진 인기 있는 댄스 음악 모두에 영향을 끼쳤다. 1950년에 페르난도 오르티스는 의식적인 바타 북소리에 대한 룸바의 영향을 관찰했다. ""바타 리듬에 관해 신전에서 퍼지고 있는 장애에 드럼 연주자들이 경악하고 있다." 백성들은 즐겁게 놀고 싶어하며, 우렁바와 비슷한 토크이며 의식에 따라 정통하지 않은 아룸바도를 요구하고, 돈을 지불하는 신자들을 만족시키지 못하는 북꾼들은 놀도록 부르지 않고, 놀지 않으면 모으지 않는다.'[51]

특히 바타 리듬 차찰로쿠아폰과 뇨노가 룸바 미학을 흡수했다. 마이클 스피로는 "오늘 젊은 드러머들이 연주하는 뇨고를 들으면 럼바 소리가 난다"[52]고 말한다. 차찰로쿠아펀에서는 보통 가장 기본적이고 반복적인 바타인 고음의 오콘콜로 드럼이 다른 두 드럼(iya와 itotele) 사이의 대화와는 독립적으로 즉흥적으로, 룸바를 연상시키는 방식으로 연주된다.

agbe나 guiro로 알려진 체케레 앙상블의 현대식 납북 반주는 이전과 같이 낮은 음의 텀바 대신 높은 음의 5중주단에서 연주된다. 그 부분은 펨베 카자(lead drum) 어휘에서 벗어나 5중주 같은 어구로 진화했다.[53]

럼바는 카혼 파의 로스 무에르토스 의식에 주목할 만한 영향을 끼쳤다. 흔치 않은 사건의 전환으로 세속적인 얌부는 이 아프로-쿠반 종교에 채택되었다.[54]

현대 음악에 미치는 영향

20세기 초부터 현재까지 쿠바 대중음악의 많은 리듬적 혁신은 아들을 기반으로 한 템플릿에 룸바 요소를 접목시키는 문제였다. 예를 들어, 5중주 어구를 포함하는 봉고들은 1920년대 아들의 녹음에서 들을 수 있다. 1940년대 맘보 시대에 도입된 팀발레스 카우벨 부품 중 몇 가지는 아바나 스타일의 과구안코 과구아 패턴이다.

과구안코 과구아 패턴에서 변형된 네 개의 다른 팀발레 벨 부분. About this sound놀이 1(헬프·인포), 2(헬프·인포), 3(헬프·인포), 4(헬프·인포)

재즈에 영향을 받은 즉흥연주가 발달한 데카르가스(대부분 기악 잼 세션)는 1940년대 초 럼비타로 처음 알려졌다.[55] 음악가들은 울바 감성으로 즉흥 연주를 했다. 1950년대까지 룸바 5중주의 리듬 어휘는 쿠바 대중음악과 라틴 재즈에서 들을 수 있는 리듬감 있게 역동적인 문구와 구절의 많은 원천이 되었다. 올가미 기초와 기타 고도로 발달된 기술을 사용하는 오늘날의 화려한 타악기 솔로가 있더라도, 지배적인 억양의 분석은 종종 밑바탕이 되는 5중주 구조를 드러낼 것이다.[citation needed]

1970년대 후반에 과구안코는 송고라는 스타일로 쿠바 대중음악에 편입되었다. 송고 콘가스는 살리도어와 5중주를 혼합하여 연주하고, 팀발레나 드럼키트는 마탄자스식 과구를 장식한다.

마탄자스 스타일의 과구안코 과구아.
기본 송고 스틱 패턴.

현대의 팀바 음악가들은 작곡과 편곡에서 영감을 주는 주요 원천으로 룸바를 인용한다. 팀바 작곡가인 알랭 페레즈는 다음과 같이 말한다: "이 자발적이고 자연스러운 느낌을 얻기 위해서는, 당신은 라룸바를 알아야 한다. 모든 타악기, 즉 5중주곡"[56]

스타일

전통적으로 룸바는 3개의 주요 하위 유전자로 분류되어 왔다: 얌부, 과구안코, 컬럼비아. 얌부나 과구안코 둘 다 솔라레스에서 유래한 것으로, 아바나와 마탄자스의 가장 가난한 지역에 있는 큰 집들이 대부분 노예화된 아프리카인들의 후손들이 거주하고 있다.[35] 쿠바 음악학자 롤란도 안토니오 페레스 페르난데스(Rolando Antonio Pérez Fernández)가 설명한 대로 두 가지 스타일은 주로 도시적이고 남녀에 의해 춤추며 역사적인 "이중화"를 보여준다.[19] 이와는 대조적으로, 콜롬비아는 주로 쿠바의 중부 지방에서도 남성들에 의해 거의 독점적으로 춤을 추고, 3미터로 대표되는 서아프리카(특히 아바쿠아 전통)에 훨씬 더 기반을 두고 있다. 20세기 동안 이러한 양식은 진화해 왔으며, 과라파창게오, 바타룸바 등의 다른 하위 유전자들이 출현하였다. 모든 룸바 스타일에서, 단순히 댄서들 사이만이 아니라 댄서들과 음악가들 사이, 댄서들과 댄서들 사이, 그리고 관객들/참가자들 사이에서도 점차 긴장과 역동성이 고조되고 있다. [57]

얌부

얌부는 식민지 시대에 유래한 가장 오래된 룸바 스타일로 여겨진다. 그래서 종종 "얌부 데 티엠포 에스파냐"(스페인 시대의 얌부)라고 불린다. 그것은 모든 룸바 스타일 중에서 가장 느린 템포를 가지고 있고 그것의 춤은 허약한 체하는 동작들을 포함한다. 혼자(보통 여자에 의해) 춤을 출 수도 있고 남녀가 함께 춤을 출 수도 있다. 남성 무용수들이 춤을 추는 동안 여성 무용수들과 시시덕거리기도 하지만, 과구안코의 바쿠나오는 사용하지 않는다. 마탄자스에서 얌부·과구안코의 기본 5중주 부분은 톤슬랩 멜로디를 번갈아 연주한다. 다음 예는 얌부, 과구안코를 위한 기본적인 마탄자스 스타일의 5중주 형식을 보여준다. 첫 번째 척도는 톤 슬랩 톤이고, 두 번째 척도는 그 반대다: 슬랩 톤 슬랩 톤 슬랩 톤 슬랩.[58] 일반 노트헤드는 오픈 톤을 나타내고, 삼각 노트헤드는 슬랩을 나타낸다.

염부, 과구안코용 기본 마탄자스 스타일의 5중주 파트.

과구안코

주요 기사: 과구안코

과구안코는 가장 인기 있고 영향력 있는 룸바 스타일이다. 대부분의 면에서는 얀부(Yambu)에서 파생된 것과 비슷하지만 템포가 빠르다.[59] "과구안코"라는 용어는 원래 19세기 말과 20세기 초의 코로스 드 클라베에서 나온 서술적 노래 스타일을 가리켰다. 로겔리오 마르티네스 푸레에 다음과 같이 말하고 있다: "노인들은 엄격하게 말하면 과구안이 서술이라고 주장한다."[60] 과구안코라는 용어 자체는 구구악기에서 식이학적으로 유래할 수 있다.[59]

과구안코는 남녀의 성 경쟁의 커플 춤이다. 수컷은 주기적으로 그의 골반을 한 번 찌르는 것으로 그의 파트너를 "잡으려고" 시도한다. 이 에로틱한 운동을 바쿠나오('백신' 또는 더 구체적으로 '주사'라고 부르는데, 유카와 마쿠타에서 파생된 몸짓으로 성적인 침투의 상징이다. 바쿠나오는 손이나 발로 하는 갑작스런 몸짓으로도 표현할 수 있다. 5중주는 종종 바쿠나오에 억양을 붙이는데, 보통 한 사이클 이상의 클래브에 걸친 구절의 해상도로서 그러하다. 상반된 동작으로 상체와 하체를 유혹적으로 움직이면서 치마 끝을 잡고 있는 암컷은 음악에 맞춰 리듬감 있게 치마를 '열고' '클로'한다. 수컷은 5중주단의 악센트를 받은 화려한(흔히 역금속) 걸음으로 암컷을 '내성'할 수 있는 위치에 놓일 때까지 산만하게 하려고 한다. 암컷은 재빨리 몸을 돌려 치마 끝을 하나로 모으거나, 손(보타오)으로 사타구니 부위를 가리는 방식으로 반응하며, 상징적으로 '주사'를 차단한다. 대부분의 경우 남자 무용수는 그의 파트너를 "잡는" 데 성공하지 못한다. 그 춤은 마음씨가 고운 유머로 공연된다.[25]

버논 보그스는 "이 여성의 춤에 대한 전문성은 바쿠나오의 손길을 능숙하게 피하면서 수컷을 유혹하는 능력에 있다"고 말했다."[61]

컬럼비아

워싱턴 DC(2008)에서 럼바 컬럼비아 공연.

컬럼비아는 빠르고 정력적인 룸바(,6
8 )로, 삼중 펄스(, ) 구조로 되어 있으며, 종종 과타카('회 칼날')나 금속 종에 부딪히는 표준 종 패턴을 동반하기도 한다. 컬럼비아는 아프리카 혈통의 사람들이 함께 일했던 햄릿, 플랜테이션, 부두에서 유래되었다. 다른 룸바 스타일과 달리 컬럼비아는 전통적으로 남성 단독 댄스를 의미한다.[14]

쿠바의 거장이자 역사가인 그레고리오 "엘 고요" 에르난데스에 따르면, 콜롬비아는 종교적인 쿠바 아바쿠아 전통의 드럼 패턴과 구호에서 유래했다. 가장 낮은 콩가 드럼의 드럼 패턴은 컬럼비아와 아바쿠아 모두에서 본질적으로 동일하다. 아바쿠아 리드 드럼 본코 엔체미야(Abakua lead drum bonko enchemiya)의 리드미컬한 표현은 유사하며, 경우에 따라서는 컬럼비아 오중주 구절과 동일하다.[62]

콜롬비아에서 5인조가 연주하는 아바쿠아 본코 구절도 있다.

마탄자스에서는 기본 컬럼비아 5중주 파트의 선율이 모든 클래브와 번갈아 나타난다. 아래 예에서 보듯이 첫 번째 척도는 톤 슬랩톤이고, 두 번째 척도는 역음 슬랩톤이다.[63]

기본 마탄자스 스타일의 컬럼비아 5중주 파트.

과구아(카스카라 또는 팰리토) 리듬은 구아구아(대나무 한 조각)나 콘가스의 테두리에 있는 막대 두 개로 두들겨 패거나, 콩이나 비슷한 물체로 가득 찬 두 개의 작은 격자 방울(에리쿤디)이 연주하는 아바쿠아 음악에서 사용하는 패턴과 같다. 한 손은 삼박자 럼바 클라베 패턴을 연주하고, 다른 손은 사박자를 연주한다.

아바쿠아 에리쿤디와 컬럼비아 과구아 패턴.

아바나식 컬럼비아의 기본 살리도어 및 세군도 드럼 선율은 6개의 크로스비트를 장식한 것이다.[64] 이들 드럼의 조합된 오픈 톤은 멜로디 파운데이션이 만들어진다. 각 크로스비트는 "두려움" 즉, 바로 다음 맥박도 울린다.

하바나 스타일의 컬럼비아 살리도르와 세군도 합성 멜로디

컬럼비아 5인조 구절은 동반되는 댄스 스텝과 직접적으로 일치한다. 5중창의 패턴과 춤 스텝의 패턴은 때때로 동일하며, 다른 때에는 상상력이 풍부하게 일치한다. 5인조 연주자는 무용수의 변화무쌍한 걸음걸이에 맞춰 즉시 구절을 바꿀 수 있어야 한다. 5중 어휘는 무용수들의 자발적인 안무와 함께 동행하고 영감을 주며 어떤 면에서는 경쟁하기 위해 사용된다. 이본 대니얼에 따르면 "컬럼비아 댄서는 키네스트적으로 드럼, 특히 5중주(...)와 연관되어 마치 북을 파트너로 삼아 춤을 추듯 리듬을 시작하거나 리프에 답하려고 한다"[65]고 한다.

남자들은 또한 그들의 민첩성, 힘, 자신감 그리고 심지어 유머감각을 보여주기 위해 다른 남자들과 경쟁할 수도 있다. 앞서 언급한 룸바 컬럼비아의 이러한 측면 중 일부는 브라질 카포에이라와 유사성을 공유하는 '쥬에고 데 마니'라고 불리는 식민지의 쿠바 무술/무용에서 유래되었다. 컬럼비아는 스페인 플라멩코뿐만 아니라 아바쿠아와 유카 춤에서 파생된 많은 동작들을 통합하고 있으며, 현대적인 춤 표현은 브레이크댄싱과 힙합 동작을 통합하는 경우가 많다. 최근 수십 년 동안, 여성들도 컬럼비아 춤을 추기 시작하고 있다.

참고 항목

메모들

  1. ^ 과라파창가는 펠릭스 채포틴이 1960년대 초에 대중화한 것과 무관한 스타일의 음악이다.[46]

참조

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외부 링크