공연 예술
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| 공연 예술 |
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공연 예술은 [1]관객들을 위해 공연되는 음악, 춤, 드라마와 같은 예술이다.그것은 물감, 캔버스 또는 다양한 재료를 사용하여 물리적 또는 정적 예술 물체를 만드는 시각 예술과는 다릅니다.공연 예술은 연극, 음악, 춤을 포함하여 라이브 관객 앞에서 공연되는 다양한 훈련을 포함한다.
연극, 음악, 춤과 사물 조작, 그리고 다른 종류의 공연은 모든 인간의 문화에서 존재한다.음악과 춤의 역사는 선사시대로 거슬러 올라가는 반면 서커스 기술은 적어도 고대 이집트로 거슬러 올라간다.많은 공연 예술이 전문적으로 공연된다.공연은 극장이나 오페라 하우스 같은 목적의 건물, 축제의 야외 무대, 서커스 같은 텐트, 길거리 등에서 할 수 있다.
관객 앞에서 라이브 공연을 하는 것은 일종의 오락이다.오디오와 비디오 레코딩의 발달은 공연예술의 사적 소비를 가능하게 했다.공연 예술은 종종 사람의 감정과 [2]감정을 표현하는 것을 목표로 한다.
퍼포먼스
관객들 앞에서 공연 예술에 참여하는 예술가들은 공연자라고 불린다.이러한 예로는 배우, 코미디언, 무용수, 마술사, 서커스 예술가, 음악가, 가수 등이 있다.공연 예술은 또한 작사, 안무, 무대 공예와 같은 관련 분야의 종사자들에 의해 지원된다.연기자들은 종종 의상이나 무대 메이크업, 무대 조명, 소리와 같이 그들의 외모를 개조한다.
종류들
공연 예술은 춤, 음악, 오페라, 연극, 뮤지컬, 마술, 환상, 마임, 구어, 인형극, 서커스 예술, 프로 레슬링, 공연 예술을 포함할 수 있다.
예술가들이 관객들에게 그들의 작품을 라이브로 공연하는 특수한 형태의 미술도 있다.이것을 퍼포먼스 아트라고 합니다.대부분의 공연 예술은 또한 소품 제작과 같은 어떤 형태의 조형 예술과도 관련이 있다.현대 무용 시대에는 [3]춤이 종종 조형 예술로 언급되었다.
극장
연극은 관객들 앞에서 말, 몸짓, 음악, 춤, 소리, 그리고 광경을 조합하여 이야기를 연기하는 것과 관련된 공연 예술 분야이다.이러한 요소 중 하나 이상이 공연 예술로 간주됩니다.연극의 표준 서사 대화 스타일과 더불어 연극은 연극, 뮤지컬, 오페라, 발레, 착시, 마임, 고전 인도 무용, 가부키, 머머스의 연극, 즉흥극, 코미디, 판토마임, 포스트모던 연극, 공연 예술과 같은 비전통적이거나 현대적인 형식을 취한다.
춤
공연 예술의 맥락에서, 춤은 일반적으로 인간의 움직임, 전형적으로 리듬감 있고 음악을 가리키며, 공연 환경에서 청중 오락의 한 형태로 사용됩니다.춤을 구성하는 것의 정의는 사회적, 문화적, 미적, 예술적, 그리고 도덕적 제약에 따라 달라지며 기능적 움직임에서부터 [4]발레와 같은 체계화된, 거장 기술까지 다양하다.
19세기에서 20세기에 자유무용이라는 이름으로 등장한 현대 무용의 또 다른 형태가 있다.이러한 형태의 춤은 신체적, 정신적 자유와 같은 특징을 포함한 조화로운 성격을 만들기 위해 구성되었다.이사도라 던컨은 '미래의 여인'을 논한 최초의 여성 무용수로 '자유로운 [5]정신의 최고'라는 니체의 사상을 이용해 새로운 안무 벡터를 개발했다.
춤은 강력한 충동이지만, 춤의 예술은 능숙한 연기자들에 의해 전달된 그 충동이 강렬한 표현력을 갖게 되고 스스로 춤을 추고 싶지 않은 관객들을 즐겁게 할 수도 있다.춤의 예술에 대한 이 두 가지 개념, 즉 강력한 자극으로서의 춤과 전문 소수에 의해 주로 행해지는 능숙하게 안무된 예술로서의 춤은 주제에 대한 고려를 통해 진행되는 두 가지 가장 중요한 연결 아이디어입니다.춤에서, 두 개념 사이의 연결은 다른 예술보다 더 강하고,[4] 둘 다 다른 예술 없이는 존재할 수 없다.
안무는 춤을 만드는 기술이고, 이 기술을 연습하는 사람을 안무가라고 부릅니다.
음악
음악은 음높이, 리듬, 역동성을 결합하여 소리를 만들어내는 예술 형태이다.다양한 악기와 스타일을 사용하여 연주할 수 있으며 포크, 재즈, 힙합, 팝, 록 등의 장르로 나뉜다.예술 형태로서 음악은 라이브 형식이나 녹음 형식으로 발생할 수 있으며, 계획되거나 즉흥적으로 만들어질 수 있습니다.
음악은 하나의 예술이기 때문에 춤에서 신체적인 움직임이 그렇듯이 노래에 대한 단어와 쉽게 조화를 이룬다.게다가, 그것은 우리의 [6]감정에 영향을 미치기 때문에 인간의 행동을 형성할 수 있는 능력이 있다.
역사
서양 공연 예술
기원전 6세기부터 그리스에서 소포클레스와 같은 비극적인 시인들이 공연 예술의 고전시대를 열었다.이 시인들은 어떤 경우에는 춤을 접목시킨 희곡을 썼다.헬레니즘 시대는 코미디가 널리 사용되기 시작했다.
그러나 서기 6세기까지 서구 공연 예술은 암흑기가 시작되면서 대부분 끝이 났다.9세기와 14세기 사이에 서양에서 공연하는 예술은 신성한 날과 다른 중요한 행사들을 기념하기 위해 교회가 조직한 종교적 역사적 제도와 도덕적인 연극으로 제한되었다.
르네상스
15세기에는 일반적으로 예술과 함께 이탈리아에서 르네상스가 시작되어 유럽 연극으로 확산되면서 부흥을 보았다.그들 중 일부는 공연된 춤을 통합했고 도메니코 다 피아첸자는 댄자 대신 발로(De Arte Salanti et Mornas Ducendi)라는 용어를 처음으로 사용했다.발레티나 발리입니다.그 용어는 결국 발레가 되었다.최초의 발레단은 발타사르 드 보조이울스의 발레 코미크 드 라 라인 (1581년)으로 생각된다.
16세기 중반까지 Commedia Dell'arte는 즉흥곡의 사용을 소개하면서 유럽에서 인기를 끌었다.이 시기에는 영국의 전문 연극단뿐만 아니라 음악, 춤, 정교한 의상을 특징으로 하는 엘리자베스 시대의 가면극도 도입되었다.16세기 후반 윌리엄 셰익스피어의 연극은 이 새로운 수준의 프로 공연에서 발전했다.
1597년, 첫 번째 오페라인 다프네가 공연되었고 17세기 내내 오페라는 유럽의 대부분 귀족들이, 그리고 결국 유럽 전역의 도시와 마을에 사는 많은 사람들이 선택하는 오락이 되었다.
근대
17세기 동안 이탈리아에서 프로세니움 아치의 도입은 오늘날까지 지속되는 전통적인 극장 형태를 확립했다.한편, 영국에서는 청교도들이 연기를 금지하면서 1660년까지 지속되었던 공연 예술이 중단되었다.그 후 프랑스 연극과 영어 연극에 모두 여성이 등장하기 시작했다.프랑스인들은 17세기 말에 정식 무용 교육을 도입했다.
최초의 연극이 미국 식민지에서 공연된 것도 이 시기였다.
18세기 동안, 인기 있는 오페라 부페의 도입은 대중들에게 오페라를 접근하기 쉬운 공연의 형태로 가져왔다.모차르트의 피가로와 돈 조반니는 18세기 후반 오페라의 랜드마크이다.
19세기 초 베토벤과 낭만주의 운동은 처음에는 그랜드 오페라의 장관을, 그 다음에는 주세페 베르디의 뮤지컬 드라마와 리하르트 바그너의 오페라의 Gesamtkunstwerk(전체 예술 작품)로 20세기 음악으로 이어지는 새로운 시대를 열었다.
19세기는 연극에 가스라이트의 도입, 버렐스크, 음유시인 춤, 그리고 버라이어티 극장과 같은 기술적 진보, 모든 사회 계층의 공연 예술이 성장한 시기였다.발레는 이전에 남성 중심이었던 예술에서 여성이 크게 진보한다.
현대 무용은 19세기 말과 20세기 초에 전통 발레의 제약에 대응하여 시작되었다.세르게이 디아길레프의 발레 러스(1909–1929)의 등장은 발레와 공연 예술 전반에 혁명을 일으켰고, 가장 중요한 것은 디아길레프의 협업에 대한 강조를 통해 발레에 활력을 불어넣고 혁명을 일으켰다.그것은 매우 복잡하다.
콘스탄틴 스타니슬라프스키의 '시스템'은 20세기 초 연기에 혁명을 일으켰고, 오늘날까지 무대 및 영화 배우들에게 큰 영향을 미치고 있다.인상주의와 현대 사실주의 모두 이 시기에 무대에 소개되었다.
19세기 말 토마스 에디슨의 영화 발명과 20세기 초 할리우드의 영화 산업의 성장과 함께, 영화는 20세기와 21세기 내내 지배적인 공연 매개체가 되었다.
미국의 흑인 문화 현상인 리듬 앤 블루스는 20세기 초에 두드러져 국제적으로 후대의 다양한 대중 음악 스타일에 영향을 끼쳤다.
1930년대에 장 로젠탈은 현대 무대 조명이 될 것을 소개하면서 브로드웨이 뮤지컬이 미국에서 하나의 현상이 되면서 무대의 성격을 바꾸었다.
전후
제2차 세계대전 이후의 공연 예술은 서양에서 발레와 오페라의 부흥으로 부각되었다.
공연예술의 포스트모더니즘은 1960년대를 [citation needed]크게 지배했다.
동양 공연 예술
중동
가장 먼저 기록된 연극 사건은 고대 이집트의 열정극과 함께 기원전 2000년으로 거슬러 올라간다.오시리스 신에 대한 이야기는 연극과 종교 사이의 오랜 관계의 시작을 알리며 문명 전역의 축제에서 매년 공연되었다.
중세 이슬람 세계에서 가장 인기 있는 형태의 연극은 인형극(손 인형, 그림자 연극, 마리오네트 연출을 포함)과 배우들이 이슬람 역사의 에피소드를 재연하는 타지야로 알려진 라이브 열정극이었다.특히 시아파 이슬람 연극은 알리의 아들 하산 이븐 알리와 후세인 이븐 알리의 샤히드를 중심으로 전개됐다.살아있는 세속적인 연극은 중세 아다브 문학에 기록된 아크라자로 알려져 있었지만 인형극이나 타지야 [7]연극보다는 덜 흔했다.
이란
이란에서는 나갈리 또는 나칼리(이야기), 루하우지, 시아바지, 파르데-카니, 마레케 기리와 같은 다른 형태의 연극 행사가 있다.20세기 이전에는 스토리텔링이 가장 인정받는 오락 형태였지만, 오늘날에는 여전히 일부 형태가 남아 있다.한 형태인 나할리는 전통적으로 이야기꾼, 즉 나할(Naqals)이 한 번에 이야기의 일부만 암송하는 커피숍에서 공연되었고, 따라서 정기적인 고객을 유지했다.이 이야기들은 역사적 또는 종교적 중요성을 지닌 사건들과 많은 샤나메의 시를 인용한 것에 바탕을 두고 있다.종종 이 이야기들은 [8]관객들의 분위기나 분위기와 결합하기 위해 바뀌었다.
인도
민속극과 연극은 기원전 2천년의 베다 족의 종교적 의식주의로 거슬러 올라갈 수 있다.안개가 자욱한 과거의 민속극장에는 춤, 음식, 의식, 그리고 일상생활의 사건 묘사가 섞여 있었다.마지막 요소는 그것을 후대의 고전극장의 기원으로 만들었다.많은 역사가들, 특히 D.D. Kosambi, Debiprasad Chattopadyaya, Adya Rangacharaya 등은 인도-아리아 부족들 사이에서 의식주의가 널리 퍼지는 것을 언급해 왔습니다.그 부족의 일부는 마치 야생 동물인 것처럼 행동하고 일부는 사냥꾼인 것처럼 행동했습니다.염소, 버팔로, 순록, 원숭이 등 포유류 역할을 했던 사람들은 사냥꾼 역할을 하는 사람들에게 쫓겼다.
바라타 무니(기원전 5세기-2세기)는 아리스토텔레스의 시학에 비유되어 온 연극, 춤, 연기, 음악을 포함한 인도 공연 예술에 대한 이론적 논문인 바라타의 나티야 샤스트라를 쓴 것으로 가장 잘 알려진 고대 인도 작가이다.바라타는 종종 인도 연극 예술의 아버지로 알려져 있다.그의 나티야 샤스트라는 드라마의 테크닉, 혹은 오히려 예술을 체계적으로 발전시키려는 최초의 시도인 것 같다.나티야 샤스트라는 드라마에서 묘사해야 할 것뿐만 아니라 어떻게 묘사해야 하는지를 알려준다.바라타 무니의 말처럼 드라마는 남자와 그들의 행동을 모방하는 것이다.남자와 그들의 행동이 무대에서 존중되어야 하기 때문에, 산스크리트어로 된 드라마는 묘사라는 뜻의 루파카라는 용어로도 알려져 있다.
라마야나와 마하바라타는 인도에서 유래한 최초의 인정된 연극으로 여겨질 수 있다.이 서사시들은 초기 인도 극작가들에게 영감을 주었고 그들은 오늘날에도 그렇게 한다.기원전 2세기의 바사와 같은 인도의 극작가들은 라마야나와 마하바라타에서 많은 영감을 받은 희곡을 썼다.
기원전 1세기 칼리다사는 고대 인도의 가장 위대한 극작가로 여겨진다.칼리다사에 의해 쓰여진 세 개의 유명한 로맨틱 희곡은 말라비카그니미트람, 비크라모르바시얌, 그리고 아비히냐나사쿤탈라이다.마지막은 마하바라타의 이야기에서 영감을 얻은 것으로 가장 유명하다.그것은 영어와 독일어로 번역된 최초의 것이었다.서사시에서 많은 것을 끌어낸 바사와 비교하면, 칼리다사는 독창적인 극작가로 여겨질 수 있다.
다음 인도의 위대한 극작가는 바바부티였다.그는 다음과 같은 세 편의 희곡을 썼다고 한다.말라티 마드하바, 마하비라차리타, 우타르 라마차리타.이 세 가지 중에서 마지막 두 가지는 라마야나의 서사시 전체를 덮고 있다.강력한 인도 황제 하샤는 희극 라트나발리, 프리야다르시카, 그리고 불교 드라마 나가난다의 세 편의 희곡을 쓴 것으로 알려져 있다.많은 다른 극작가들이 중세 시대에 뒤를 이었다.
인도 남부에는 많은 공연 예술 형식이 있었고, 케랄라는 쿠디야탐, 낭야쿠투, 카타칼리, 차야르쿠투, 티라야탐과 같은 다양한 예술 형식을 가진 주이고, 판쿨람 라만 차야탐과 같은 저명한 예술가들이 많이 있었다.
중국
중국에서는 기원전 1500년 상나라 때 연극에 대한 언급이 있다.그것들은 종종 음악, 광대, 곡예 공연을 포함한다.
당 왕조는 때때로 "천흥시대"로 알려져 있다.이 시기에 현종은 주로 음악적인 형태의 드라마를 제작하기 위해 배밭의 아이로 알려진 연기 학교를 결성했다.
한대 동안 그림자 인형극은 중국에서 처음으로 인정받는 연극의 형태로 등장했다.그림자 인형극에는 광둥어 남부와 북경어 북부의 두 가지 뚜렷한 형태가 있었다.두 가지 스타일은 인형이 연기하는 놀이의 형태와는 달리 인형 제작 방법과 인형에 있는 막대기의 위치에 따라 구별되었다.두 스타일 모두 위대한 모험과 환상을 묘사하는 연극을 상연했지만, 정치적 선전에 사용되는 매우 양식화된 형태의 극장은 거의 없었다.광둥 그림자 인형은 둘 중 더 컸다.그것들은 보다 실질적인 그림자를 만드는 두꺼운 가죽을 사용하여 만들어졌다.검은 얼굴은 정직함을 상징하고 붉은 얼굴은 용감함을 상징한다.광둥 인형을 조종하는 데 사용되는 막대기는 인형의 머리에 수직으로 부착되었다.그래서 그림자가 만들어졌을 때 관객들에게 보이지 않았다.북경 인형은 더 섬세하고 작았다.그것들은 보통 당나귀의 배에서 떼어낸 얇고 반투명한 가죽으로 만들어졌습니다.그것들은 생생한 물감으로 그려졌고, 그래서 그들은 매우 화려한 그림자를 드리웠다.그들의 움직임을 조절하는 가는 막대기는 인형의 목에 있는 가죽 깃에 부착되어 있었다.막대기는 인형의 몸과 평행하게 달린 뒤 90도 각도로 돌려 목과 연결된다.그림자가 드리워졌을 때 이 막대기들은 눈에 띄었지만, 인형 그림자의 바깥쪽에 놓여있었기 때문에 인형의 외모를 방해하지 않았다.한 몸으로 여러 개의 머리를 사용할 수 있도록 목에 부착되어 있는 로드.머리를 사용하지 않을 때, 그것들은 모슬린 책이나 직물 안감 상자에 보관되었다.머리는 항상 밤에 제거되었다.이것은 인형이 그대로 두면 밤에 살아난다는 오래된 미신과 일치했다.어떤 꼭두각시 인형들은 인형이 살아날 가능성을 줄이기 위해 머리를 한 권에, 몸을 다른 책에 저장하기까지 했다.그림자 인형술은 정부의 도구가 되기 전인 11세기에 예술적 발전의 절정에 달했다고 한다.
송나라에는 곡예와 음악을 포함한 많은 인기 있는 연극이 있었다.이것들은 원나라에서 발전하여 4막 또는 5막 구조의 보다 정교한 형태로 발전하였다.위안 드라마는 중국 전역으로 퍼져나가며 여러 지역 형태로 다양해졌으며, 그중에서도 가장 잘 알려진 것은 오늘날에도 여전히 인기 있는 북경극이다.
태국.
태국에서는 중세부터 인도의 서사시에서 따온 줄거리를 바탕으로 연극을 무대에 올리는 것이 전통이다.특히 인도 라마야나를 변형한 태국의 민족 서사시 라마키엔의 극장판은 오늘날에도 태국에서 여전히 인기를 끌고 있다.
캄보디아
캄보디아에서는 서기 6세기까지 거슬러 올라가는 비문은 지역 사원에서 춤을 추고 종교적 연극을 위해 꼭두각시를 사용했다는 증거를 보여준다.고대 수도 앙코르 와트에서는 인도의 서사시 라마야나와 마하바라타의 이야기가 사원과 궁전의 벽에 새겨져 있다.인도네시아 보로부두르에서도 비슷한 구조물이 발견되고 있다.
필리핀
필리핀의 유명한 서사시 이봉 아다르나는 원래 "코리도 at Buhay na Pinagdaan ng Tatlong Prinsipang Magkapatid na anak na Reyna Valeriana sa Kahariang Berbania" (영어: "코리도와 세 왕자가 살았다")라는 제목의 서사시이다.16세기는 호세 데 라 크루즈가 스페인 시대에 쓴 것이다.연극 공연 외에도, 다른 영화 스튜디오/텔레비전 프로덕션에서 다른 영화가 제작되었습니다.처음 제작된 "앙 이봉 아다르나" 영화는 필리핀 역사상 가장 큰 영화 스튜디오인 LVN 픽처스에 의해 제작되었다.
플로란테 앳 로라(Florante at Laura sa Kahariang Albanya)는 1838년 프란시스코가 알바니아의 플로란테와 로라의 역사라는 제목의 12음절 쿼트레인으로 구성된 시이다.ra(별명 "M.A.R."은 "Selya"로 표시됨).이 시는 리베라를 위해 특별히 바쳐진 "케이 셀랴"라는 제목의 특별한 부분을 가지고 있다.
소설가이기도 한 필리핀의 국민 영웅 호세 리잘은 스페인 가톨릭 수도사와 지배 정부의 불평등을 인식한 두 개의 필리핀의 유명한 시 Noli Me Tahngere(스페인어 철자법에 따라 마지막 단어에 날카로운 악센트가 가미된 라틴어)를 만들었다. 필리버스터리스모(번역:필리버스터리즘로크신 영어 번역에서와 같이, 전복 또는 전복도 가능한 번역이며, 그 대체 영어 제목인 탐욕의 지배로도 알려져 있다(1891년).이 소설의 어두운 주제는 필리핀에 대한 스페인인들의 부패한 태도로 인해 국가 체제를 개혁하려는 시도가 효과가 없고 불가능해 보였던 이전 소설의 희망적이고 낭만적인 분위기에서 극적으로 벗어나 폭력적인 방법으로 자국의 문제를 해결하려는 이바라 씨의 의지임을 보여준다.이 소설들은 스페인 제국에 의한 필리핀 식민지화 시기에 쓰여졌다.
이 문학 작품들은 모두 중학교를 위한 K-12 프로그램의 커리큘럼 아래였고, 이봉 아다르나는 7급 커리큘럼 아래, 플로란테는 8급, 노리 메 탄게레는 9급, 그리고 엘 필리부스테르모는 10급이다.
일본.
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14세기 일본에는 짧고 때로는 저속한 코미디를 상연하는 소규모 배우단이 있었다.이들 중 한 회사의 이사인 칸아미 (1333–1384)에게는 일본에서 가장 훌륭한 아역 배우 중 한 명으로 여겨지는 아들 Zeami Motokiyo (1363–1443)가 있었다.칸아미의 일행은 일본의 쇼군 아시카가 요시미쓰(1358-1408)를 위해 공연했을 때, 그는 제아미가 자신의 [9]예술에 대한 궁중 교육을 받을 것을 간청했다.Zeami는 아버지의 뒤를 이어 계속 연주하고 그의 스타일을 오늘날의 노에 적응시켰다.판토마임과 성악 곡예가 혼합된 노( style) 스타일은 일본에서 가장 세련된 형태의 연극 공연 [10]중 하나가 되었다.
오랜 내전과 정치적 혼란 끝에 일본은 주로 쇼군 도쿠가와 이에야스 (1600–1668)에 의해 통일되고 평화로워졌다.그러나 기독교 선교사들의 개종 노력으로 국내 기독교인이 늘어나자 놀란 그는 일본과 유럽, 중국과의 접촉을 끊고 기독교를 불법화했다.평화가 찾아왔을 때, 문화적 영향의 번영과 증가하는 상인 계층은 그들만의 즐거움을 요구했습니다.가장 먼저 번영한 극장은 닌교조루리(일반적으로 분라쿠)였다.닌교 조루리의 창시자이자 주요 공신인 치카마츠 몬자에몬(1653-1725)은 그의 연극 형식을 진정한 예술 형식으로 바꾸었다.Ningyo joruri는 인형을 사용하는 극장의 매우 양식화된 형태이며, 오늘날에는 약사람의 1/3 크기입니다.인형을 조종하는 사람들은 평생 인형사가 되기 위해 훈련하는데, 이때 그들은 인형의 머리와 오른팔을 조작하고 공연 중에 그들의 얼굴을 보여주는 것을 선택할 수 있다.인형의 덜 중요한 팔다리를 조종하는 다른 인형사들은 그들의 투명성을 암시하기 위해 자신과 얼굴을 검은 양복으로 가린다.대화는 한 사람에 의해 처리되며, 한 사람은 다양한 톤의 목소리와 말투를 사용하여 다른 캐릭터를 시뮬레이션합니다.치카마츠씨는 생전에 수천편의 희곡을 썼으며, 그 대부분은 오늘날에도 사용되고 있다.
가부키는 분라쿠 직후에 시작되었으며, 전설에 의하면 16세기 말에 살았던 오쿠니라는 여배우에 의해 시작되었다.가부키의 소재는 대부분 노와 분라쿠에서 유래한 것으로, 춤의 불규칙한 움직임도 분라쿠의 영향이다.하지만, 가부키는 노에 비해 격식을 차리지 않고 거리감이 있지만, 일본 대중들 사이에서 매우 인기가 있다.배우들은 춤, 노래, 판토마임 그리고 심지어 곡예를 포함한 많은 다양한 것들을 훈련받는다.가부키는 처음에는 어린 소녀들에 의해 연주되었고, 그 다음에는 어린 소년들에 의해 연주되었고, 16세기 말에는 가부키 극단들은 모든 남성들로 구성되었다.무대에서 여성을 연기한 남성들은 섬세한 동작과 몸짓으로 여성의 본질을 이끌어낼 수 있도록 특별히 훈련받았다.
아프리카 공연예술의 역사
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종종 멜라네시아 춤은 리더십과 독특한 기술이 [11]지역사회와 공유하는데 중요한 남성다움의 문화적 주제를 보여준다.이 춤들은 한 남자의 군인정신을 보여주지만, 갈등 해결이나 [12]치유와 같은 수익성을 나타낼 수도 있다.무용수 흉내를 내는 의상에는 커다란 가면과 신화 속 인물 흉내를 내는 비인간적인 특징이 녹아 있다.음악은 또한 이러한 마법의 페르소나를 [11]위한 목소리 역할을 할 수 있다.
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레퍼런스
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