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우크라이나 오페라

Opera in Ukraine
미콜라 리센코의 오페라 "초르노모르치"(1892)에서 우크라이나 여배우 마리아 잔코베츠카; 2011년 우크라이나 우표에 묘사된 세멘 훌락-아르테모프스키와 그의 오페라 "A Zaporozhye Cossack on the Daven"(1863)의 한 장면; 오데사 오페라와 발레 극장; 1936년 리센코의 동명 오페라를 각색한 영화 "나탈카 폴타브카" 포스터
우크라이나의 음악
일반주제
장르
민족주의와 애국가.
애국가
슈체네브메를라 우크라이나
다른.

우크라이나의 국립 오페라 학교는 19세기의 마지막 3분의 1 동안에 처음 생겨났고, 유럽 연극과 우크라이나 민속 음악의 전통에 기초를 두었습니다.우크라이나 작곡가의 첫 오페라는 1773년 초연된 이탈리아의 리브레토를 바탕으로 한 막심 베레조프스키의 데모폰트였습니다.우크라이나 음악 레퍼토리에서 가장 오래된 오페라인 Semen Hulak-Artemovsky에 의한 다뉴브강의 자포로제 코사크는 1863년에 쓰여졌습니다.우크라이나 오페라의 창시자인 작곡가 Mykola Lysenko는 Natalka Poltavka, Taras Bulba, Nocturne, 그리고 어린이를 위한 두 개의 오페라인 Koza-dereza와 Mr Kotsky를 포함한 많은 작품을 작곡했습니다.

우크라이나 오페라는 1920년대에 최초의 전문 오페라 하우스가 만들어진 이후 번성하고 발전했으며, 20세기 전반 동안 그곳에서 제작된 가장 주목할 만한 작품 중 하나는 Borys Lyatosynsky의 The Golden Ring (1929)입니다.1930년부터 1980년대 말 소련이 해체될 때까지 소련 사회주의 리얼리즘의 지배하에 오페라 공연과 신작 창작이 이루어졌습니다.이 기간 동안, 우크라이나 오페라는 1947년 초연된 율리 메이투스의 "젊은 경비병"과 같은 작품을 모델로 만들었습니다.우크라이나 오페라는 1950년대 중반부터 1960년대 중반까지 흐루쇼프 해빙기에 다시 한 번 발전할 수 있었습니다.비탈리 키레이코(1957년), 비탈리 후바렌코(1971년) 혹은 예벤 스탄코비치의 민속 오페라 양치식물이 피었을 때(1979년)의 작품들은 스탈린 시대에 사용되었던 더 현대적인 주제와 음악적인 표현들을 채택했습니다.21세기에 쓰여진 작품 중에서, 미로슬라프 스코리크의 모세는 지역 레퍼토리에서 그 자리를 지키고 있습니다.

우크라이나에는 키이우의 타라스 셰브첸코 국립 오페라 발레 극장, 오데사 오페라 하우스, 리비우 오페라 하우스 등 7개의 오페라 하우스가 있습니다.우크라이나에서는 오페라가 우크라이나 음악원의 오페라 스튜디오와 가장 큰 극장에서 공연됩니다.

오리진스

현재 독립된 우크라이나에서 공연된 최초의 오페라는 부유한 귀족들의 사유지에서 18세기 동안 상연된 이탈리아와 프랑스 오페라였습니다.[1]우크라이나 출신의 작곡가 막심 베레조프스키가 쓴 것으로 알려진 최초의 오페라는 피에트로 메스타시오의 대본이 있는 이탈리아 스타일의 오페라로 1773년 리보르노에서 초연되었습니다.[2]1776년과 1787년 사이에 Dmytro Bortnyansky는 이탈리아어로 3개의 오페라를 썼고 프랑스어로 3개의 오페라를 썼습니다.[3][4][note 1]

현재 우크라이나 영토에서 가장 초기의 오페라 극장은 1772년 렘베르크(현재 리비우)에 문을 [note 2]연 렘베르거 오페라 극장입니다.[note 3]독일 오페라는 1774년부터 1872년까지 렘베르크에서 공연되었고, 폴란드 오페라는 1780년부터 1939년까지 그곳에서 공연되었습니다.[7]폴란드 작곡가 Henryk Jarecki는 그곳에서 조수로 일했고 그 후 1873년부터 1900년까지 수석 지휘자로 일했습니다.[8]

하르키우에는 1780년에 최초의 오페라 하우스가 문을 열었고,[9][10] 1803년에는 키예프에도 비슷한 시설이 문을 열었습니다.[11]러시아 오페라 협회에 의해 지어진 오데사 오페라 하우스는 1802년에 세워졌습니다.[12]오데사는 무역의 중심지로서 국제적인 중요성 때문에 이탈리아와 프랑스 오페라의 중요한 중심지가 되었습니다.[13]처음에 우크라이나의 오페라 극장들은 그들 자신의 예술가들을 고용하지 않았고, 대신에 이탈리아 오페라 회사들에 소속된 대다수인 해외에서 온 순회 예술가들을 유치했습니다.[14]지역 작곡가들은 20세기 초까지 러시아 제국의 이 지역에서 모든 오페라 공연에 사용되었던 언어인 이탈리아어로 오페라를 썼습니다.[15]1877년, 당시 체르노비츠와 오스트리아-헝가리 제국의 일부인 체르니우츠시에 독일어 전문 극장이 문을 열었습니다.[8]체르노비츠에서 오페라(그리고 일반적인 음악 생활)의 전성기는 체코에서 자신의 오페라를 공연했던 바이올리니스트이자 작곡가인 보이트 ě치 히 ř말 ý(1842-1908)와 관련이 있습니다.

1861년 해방 개혁이 있을 때까지 우크라이나의 러시아 제국 지역의 귀족들만이 일반적으로 농노였던 관현악 연주자들과 배우들을 유지할 수 있었습니다.[1]농노제 폐지 이후, 석방된 음악가들은 다른 곳에서 활동할 수 있었습니다.[17]알렉세이 베르스토프스키의 오페라 아스콜드의 무덤은 1867년 10월 27일 상트페테르부르크에서 온 피터 로푸킨[영국]의 해체된 노예 오케스트라에서 고용된 음악가들과 다른 사람들이 참여한 가운데 무대에 올랐습니다.[9][11][18]러시아 오페라는 1874년부터 1886년까지 하르키우에서 공연되었는데, 이 때 하르키우 극장은 황폐화되었고, 1890년에 재건되었습니다.[19]체코 태생의 러시아 작곡가 바츨라프 숙은 1892년 하르키우에서 그의 오페라 레 ů프 판(주님의 숲)을 지휘했습니다.러시아 오페라는 1873년에 오데사에서 처음 상연되었습니다.1883년 화재로 소실된 후, 1887년에 극장을 다시 지었습니다.[21]

우크라이나 문화의 영향을 받은 러시아 작곡가로는 니콜라이 림스키코르사코프(크리스마스 이브와 메이 나이트), 표트르 일리치 차이콥스키(오페라 마제파), 알렉산더 보로딘(이고르 왕자) 등이 있습니다.우크라이나 내에서 이 오페라들은 민족주의자들에게 우크라이나의 문화를 거의 소유하지 않는 것으로 인식되었습니다.[22]

shkil ʹ나 드라마 (학교 드라마)

우크라이나의 쉬킬 ʹ나 드라마 [영국] (학교 드라마)는 17세기 초에 처음 등장했습니다.그들은 예수회에서 비롯되었으며 폴란드 가톨릭 교회와 키예프-모일라 아카데미를 포함한 러시아 정교회에서 운영하는 기관들의 관습에 영향을 받았습니다.[23]

학생들은 크리스마스와 부활절 드라마, 미스터리 연극, 우화적이고 역사적인 드라마를 공연했습니다.그 모든 것들은 보컬, 악기, 그리고 댄스 요소들을 가지고 있었습니다.[23][24]그들은 두 단계로 지어진 극장에서 공연되었는데, 심각한 행위들은 (계단을 통해 도달하는) 상위 단계로 이루어졌습니다. 그리고 등장인물들은 교회 슬라브어, 폴란드어, 러시아어 또는 라틴어로 공연되었습니다.진지한 연기 사이에 등장인물들(보통 사람들)은 낮은 단계의 무대에서 현지어를 사용하여 연기했습니다.[23][25]사용된 음악에는 우크라이나 민요가 포함되어 있었습니다.[23]

척추 (태생 장면)

1920년대의 그리스도 성탄화(vertep) 피규어(우크라이나 연극 음악 영화 박물관)

극장에서 그리스도 성탄화(vertep)를 제작하는 전통은 17세기 우크라이나에서 확립되었습니다.[26]학교 드라마와 유사한 형식으로, 척추는 (일반적으로 크리스마스와 관련된) 종교 부분과 두 단계로 수행되는 세속적인 부분으로 구성되었습니다.[23]척추동물은 학교 드라마가 금지된 후 1765년 이후 발달했습니다.[27]라이브 음악과 함께, 그것은 인형극(또는 평범한 배우들이 사용되는 '살아있는 그리스도 성탄화')으로 구성되었고, 전형적으로 유머러스한 상황과 특정 인물들을 수반하는 세속적이었습니다.척추는 종종 민요와 춤을 포함했습니다.[23][28]

보드빌

우크라이나 연극 창조에 중요한 역할을 한 극작가이자 시인 이반 코틀랴레프스키가 최초의 우크라이나 풍자시를 썼습니다.아이네이드(1798) 우크라이나어로 쓰인 최초의 주요 작품.1819년 코틀랴레프스키는 폴타바 국립극장을 위해 나탈카 폴타브카와 모스크바의 마술사를 위한 두 편의 희극을 썼습니다.[29]보드빌의 예인 이 연극들은 코틀랴레프스키가 도시와 시골의 유명한 민요에서 가져온 노래들을 포함합니다.코틀랴렙스키는 우크라이나의 막간, 그리스도 성탄화, 그리고 민속 전통을 사용했습니다.[30]19세기 극작가이자 연극 감독인 이반 카르펜코 카리(Ivan Karpenko-Karyi)는 그녀를 "우크라이나 국립극장의 어머니"라고 칭하면서, 당시 가장 인기 있는 희극 캐릭터가 되었습니다.[31][32]

코틀랴레프스키의 희극들은 비슷한 작품들로 이어졌는데, 예를 들면, Hryhorii Kvitka-Osnovianenko의 "Goncharivka에서의 구애" (1835)와 "배트맨 쉘멘코" (1837), 그리고 코사크 장군 Yakiv Kukharenko [uk]의 "흑해 패기" (1836)와 같은 작품들입니다.[29][33]19세기 후반 동안 보드빌, 포크 오페레타, 사극, 합창 작품이 우크라이나 극장에서 인기를 얻었습니다.[34]보드빌은 1880년대 우크라이나의 극장들의 관람객이 증가하던 시기에 가장 주목할 만하게 번창했습니다.19세기의 마지막 수십 년 동안 러시아에서 보드빌은 구식의 오락 형태가 되었지만,[35] 우크라이나에서는 서유럽에서와 마찬가지로 보드빌이 여전히 관객들에게 적절하고 인기가 있었습니다.[36]

오페레타

시드르 보롭케비치
미하일로 베르비츠키

오페레타는 프랑스 궁정에서 빠르게 퍼져서 1860년대 초에 이미 렘베르크의 극장에서 인기가 있었습니다.우크라이나 전문 극장이 문을 열었을 때 작곡가 미하일로 베르비츠키는 우크라이나 보드빌을 바탕으로 한 오페라 레타를 제작하기 시작했습니다.그의 오페레타 피디랴니(1865)는 인기를 끌었고, 시골 전능주의(1879)를 포함한 다른 작품들도 곧 등장했습니다.[37][38][39]우크라이나 오페레타의 또 다른 유명한 작곡가는 Gnat Pribluda, Bidna Marta (Poor Marta), 그리고 Zoloty Mops (The Golden Pug)를 작곡한 Sydir Vorobkevych였습니다.[40]

우크라이나에서 오페레타의 초기 예로는 풀스에 바느질(1875)과 속눈썹(1895), Mark Kropyvnytsky의 만화 작품, 블라디미르 알렉산드로프 [uk]의 [Neman I Go]와 [Gritsya, Don't Leave Party (1873) 등이 있습니다.[41]

그 이후로 오페레타를 쓴 현대 우크라이나 작곡가들은 카일로 스테첸코, 올렉산드르 빌라시, 코스티안틴 당케비치, 드미트로 클레바노프, 올렉산드르 크라소토프, 브세볼로드 로즈데스트벤스키, 보단 크리자니브스키, 아나톨리 코스-아나톨스키, 야키브 체글랴르, 비탈리 후바렌코, 레프 콜로두브 등이 있습니다.[29]

우크라이나어 오페라 발전에 걸림돌

우크라이나어 오페라는 19세기 동안 발전하지 못했는데, 그 이유는 우크라이나인들이 우크라이나의 대부분의 도시에서 소수의 인구를 형성했기 때문입니다.특히 1863년 폴란드 봉기가 성공하지 못한 이후 우크라이나 문화 활동을 축소하려는 차르 정부의 정책은 우크라이나어 오페라 발전에 더욱 걸림돌이 되었습니다.1876년, 에스 우카즈는 우크라이나어로 연극을 제작하는 것을 금지했는데, 이 금지령은 1881년까지 지속되었습니다.[42]

마르코 크로피브니츠키의 여행 극장 (1885)

19세기 동안 우크라이나 음악과 연극 문화의 중심지는 당시 오스트리아의 지배 하에 있던 렘베르크였습니다.1864년 우크라이나 최초의 상설 극장이 세워졌습니다.그것은 루스 ʹ카 베시다 [uk] (러시아어 대화)로 알려진 우크라이나 문화 및 교육 사회의 후원 하에 작동했습니다.

우크라이나 연극의 레퍼토리는 음악이 주를 이루었지만, 본격적인 오페라를 무대에 올릴 만한 재원이 부족했습니다.[44][45]몇몇 극장들은 50명까지 배우들을 고용할 수 있었지만, 오케스트라들은 규모가 작았고, 재능 있는 가수들은 곧 지방을 떠나 일을 시작했습니다.[46]

1882년, 마르코 크로피브니츠키의 여행 극장이 세워졌습니다.[29]전문 배우들이 우크라이나어로 처음 이야기를 나눈 극장의 성공은 미하일 스타리츠키, 파나스 삭사간스키, 니콜라이 사도프스키의 지휘 아래 새로운 여행 극단의 출현에 기여했습니다.그리고 카르펜코-카리.[42]1907년에 설립된 사도프스키의 회사는 키예프에서 처음으로 설립되었으며,[47][48] 비록 소규모 극단이 있었지만 그의 극장은 작곡가 미콜라 리센코가 설립한 음악극 학교의 졸업생들을 끌어들였습니다.[32]

러시아의 정치적 상황은 우크라이나 작곡가들이 오페라를 쓰는 것을 단념시켰습니다.재미있거나 감상적인 설화를 용인하는 차르 검열로 인해 글을 쓸 수 있는 주제는 제한되었지만, 더 심각한 사회적, 역사적 사상이 음악에 설정되는 것을 금지했습니다.우크라이나에는 훈련된 가수나 대형 오케스트라가 거의 없었고, 1917년까지 오페라 하우스에서는 러시아어로 노래된 작품만 공연될 수 있었습니다.[49]

우크라이나 오페라의 등장

미콜라 리센코
세멘 훌라크아르테모프스키
페트로 소칼스키[uk]

우크라이나 텍스트를 바탕으로 한 최초의 오페라는 작곡가 Petro Sokalsky [uk]에 의해 쓰여졌습니다.코사크 헤트맨 이반 마제파의 운명을 묘사한 그의 역사 오페라 마제파 (1857–1859)는 알렉산더 푸슈킨의 시를 바탕으로 했습니다.그것은 대중 앞에서 공연되지 않았습니다.합창곡들은 우크라이나 민요의 영향을 받았지만, 오페라는 전통적인 이탈리아 양식으로 쓰여졌습니다.[50]소설가 니콜라이 고골의 단편 소설을 바탕으로 한 소칼스키의 5월의 밤 (1862–1876) 또한 대중 앞에서 공연되지 않았습니다.[51]

Semen Hulak-Artemovsky의 다뉴브강의 코믹 오페라 A Zaporozhye Cossack은 우크라이나에서 무대화된 최초의 오페라가 되었습니다.1863년 상트페테르부르크에서 열린 초연에서.[52]작곡가가 주인공을 불렀습니다.이 오페라는 서양 오페라의 요소들과 우크라이나의 민속을 바탕으로 한 상황과 등장인물들을 결합합니다.오페라의 노래들은 1870년대와 1880년대에 인기를 끌었고, 다뉴브강의 자포로제츠는 아직도 우크라이나에서 정기적으로 공연되고 있습니다.[53][54][55]

미콜라 리센코

리센코의 오페라 타라스 불바의 주인공.리센코는 이 곡이 러시아어로 번역되는 것을 허락하지 않았고, 그래서 이 곡은 작곡가 생전에 무대에 올려지지 않았습니다.

우크라이나 오페라의 창시자로 평가받는 미콜라 리센코는 서유럽과 우크라이나 요소를 결합하는 접근법을 이어갔습니다.[1][9][56][57]리센코가 코틀랴렙스키의 보드빌 나탈카 폴타브카를 각색한 작품은 그의 가장 인기있는 작품이었습니다.우크라이나 극작가 미하일로 스타리츠키와의 우정은 오페라 작곡가로서의 발전에 핵심적인 역할을 했습니다.리센코는 스타리츠키의 글을 이용하여 첫 번째 작품을 썼습니다.안드라시아다 (1866–1877), 흑해 (1872).[58]고골의 작품을 원작으로 한 오페레타 크리스마스 이브[uk] (1874)의 줄거리는 오페라로 만들어졌고, 엠스 법령이 폐지된 직후인 1883년에 처음 공연되었습니다.세 개의 오페라는 오페라에 가까웠고 우크라이나에서 오페라의 발전을 촉진시켰습니다.리센코의 다음 오페라인 익사의 대본도 고골이 썼습니다.[59]이러한 초기 오페라에서, 리센코는 점차 우크라이나 시골의 삶에서 가져온 주제들을 통합한 로맨틱-코믹 오페라의 수용된 모델을 창조했습니다.그의 오페라의 액션은 단순했고, 그의 캐릭터는 독특했습니다.우크라이나의 민속 풍습과 의식을 대화와 노래, 춤으로 자세하게 묘사했습니다.[9][60][61]

리센코의 역사적인 오페라인 타라스 불바 (1880–1891)는 웅장한 오페라의 전통으로 쓰여진 최초의 우크라이나 오페라였습니다.[22]어떤 우크라이나 극장도 이 작품을 우크라이나어로 무대에 올릴 수 없었지만, 작곡가는 이 경우 오페라가 국가 오페라로서의 상징적 의미를 잃고 또 다른 민요 호기심이 될 것이라는 것을 알고 있었기 때문에 이 오페라가 러시아어로 불려지는 것을 허락하지 않았습니다.[22]결과적으로, 타라스 불바는 1884년에 오페라의 피아노 버전이 출판되었지만, 작곡가의 일생 동안 결코 공연되지 않았습니다.리센코의 세 작품의 어린이 오페라(코자데레자, 미스터 코츠키, 겨울과 봄)는 어린이 음유시인 그룹을 위해 작곡되었으며, 민속 및 민속 곡조를 바탕으로 했습니다.그들은 우크라이나 음악 교육의 전통을 세우는데 도움을 주었습니다.[61][62]

그의 작곡 경력 후기에, 리센코는 그의 음악에 민속을 사용하는 새로운 방법들을 탐구했습니다.1896년부터 1904년까지 작업한 그의 미완성 오페라 사포는 고대 그리스어로 쓰여진 대본을 가지고 있었고 고대 그리스의 주제를 사용했습니다.[61][63]풍자 오페라 아이네이드 [uk] (1910)은 자크 오펜바흐의 오페라 레타 스타일로, 독재정치에 대한 통렬한 패러디, 올림픽 신들과 트로이인들이 호팍(코사크 춤)을 추는 수많은 민속 장면들을 담고 있습니다.[64][65]리센코의 마지막 작품은 그의 오래된 세계와 현대의 세계 사이의 대조를 반영한 작품인 녹턴(1912)이었습니다.[66][67][68]

리센코의 동시대 인물들과 후계자들

리센코의 동시대 사람들은 또한 말하기 대화가 있는 오페라와 민요를 바탕으로 한 음악을 작곡했습니다.그들이 다른 형태와 주제를 가진 오페라를 쓰는 쪽으로 나아감에 따라, 우크라이나 민속 음악의 영향은 덜 지배적이 되었고, 직접적으로 포함되기 보다는 음악에 반영되는 것으로 바뀌었습니다.[69]20세기 초 작곡가들은 우크라이나어로 오페라를 공연하는 데 어려움이 있었기 때문에 우크라이나어로 된 리브레토를 사용하는 것에서 러시아어로 된 리브레토를 사용하는 것으로 옮겨가기도 했습니다.[70]

대부분의 우크라이나 오페라는 역사적이고 농촌적인 주제를 지속적으로 사용하였는데, 고골의 작품을 사용하여 리브레토를 썼고, 문학적 유산이 우크라이나 현대 문학의 토대로 평가받고 있는 타라스 셰브첸코(Taras Shevchenko)가 있습니다.[55][71]그러한 오페라에는 리비우 작곡가 아나톨 바크니아닌의 쿠팔로(1892)가 포함되어 있는데, 이 작품은 서유럽과 우크라이나의 민속적인 영향을 모두 결합한 것입니다.[72][73][74]Kupal의 Spark (1901), Boris Pidhoreck ý의 민속 오페라 [uk], Pidhoreck ý가 Nikolay Karamzin의 같은 이름의 이야기를 바탕으로 러시아어 대본을 사용하여 쓴 Pidhoreck Lisa (1919)와 같은 다른 작품들은 더 전통적인 스타일을 유지했습니다.그의 두 오페라는 작곡가의 일생 동안 거의 알려지지 않았습니다.[77]

미콜라 아르카스

림스키코르사코프의 우크라이나인 제자인 헤리히 올렉시요비치 코자첸코도 러시아어 리브레토를 사용했습니다.[78]1892년, 그는 상트페테르부르크의 마린스키 극장에서 그의 오페라 은왕자를 공연했고, 그곳에서 합창단장으로 일했습니다.[79]코자첸코의 가장 위대한 작품은 셰브첸코의 시를 바탕으로 한 코믹 오페라 센츄리온(1902)입니다.[80]Mykola Apollonovych Tutkovsky [uk]의 러시아어 오페라 "강풍"은 남유럽 중세 문학의 아이디어를 사용합니다.[81]파블로 세니치아는 페드로 칼데론 데 라 바르카의 희곡을 바탕으로 "인생은 꿈이다"를 썼고, 세니치아의 동명의 서사시를 바탕으로 한 오페라 "소녀"는 미완성으로 남아 있었습니다.[82]Borys Yanovsky [영국]은 현대 청취자들이 가장 쉽게 접할 수 있는 작품인 Sulamif (1908)를 포함하여 10개의 오페라를 작곡했습니다.[83]

슈테첸코는 우크라이나 작품에 전적으로 몰두했습니다.그의 부수적인 음악은 타브리디아의 이프게니아 연극에, 그리고 그의 두 오페라 폴로니카와 카르말리우크는 1922년 그의 사망 당시에 완성되지 않았습니다.[84][85]갈리시아인 작곡가 데니스 시친스키는 동양을 배경으로 한 록솔리아나 (1908)를 작곡했습니다.이국적인 주제(위대한 술레이만 왕의 부인 후렘 술탄의 운명)와 위대한 유럽 역사 오페라의 양식에 영감을 받아 우크라이나 오페라의 영역을 넓혀 상당한 인기를 얻었습니다.[86][87]리센코의 젊은 동시대 사람들이 작곡한 오페라 중에서도 미콜라 아르카스의 작품이 눈에 띕니다.셰브첸코의 시를 바탕으로 한 그의 유일한 오페라 카테리나 [uk] (1890, 1899년 초연)는 우크라이나의 농촌 생활에 뿌리를 둔 이야기 속에서 대화와 음악을 결합합니다.아르카스는 리센코의 작품을 연상시키는 방식으로 민속 음악을 광범위하게 사용했습니다.오페라에서 카테리나는 사생아의 군인 아버지에게 버림받고 농노 마을에서 거부당한 후 자살합니다.이 작품은 매력적인 멜로디와 음악의 드라마로 찬사를 받아 왔지만, 기초적인 편성에서 알 수 있듯이 아르카스는 훈련된 음악가가 아니었습니다.[9][88][89][90]

몇몇 리센코 추종자들은 어린이 오페라에 헌신했습니다: 블라디미르 소칼스키가 어린이 오페라 비트루트를 썼습니다.[91]그리고 스테첸코는 Ivasyk-Telesyk와 Fox, Cat and Rooster를 작곡했습니다.[92]1911년, 페디르 야키멘코는 (그의 형 야코프도 작곡가였던) 한스 크리스티안 안데르센 동화 눈의 여왕을 바탕으로 한 장편 판타지를 썼습니다.[93]

재기기

1910년대

오데사 오페라하우스, 1900

제1차 세계 대전과 그 뒤를 이은 3년간의 소련-우크라이나 전쟁은 우크라이나의 연극과 음악 생활에 심각한 지장을 주었지만,[11] 1917년 러시아 제국의 붕괴와 우크라이나 인민 공화국의 형성은 우크라이나 오페라의 발전을 위한 새로운 기회를 만들었습니다.새 행정부 각료회의는 우크라이나의 문학, 과학, 예술, 기술 인재들을 동원하기로 결의했습니다.[94]키이우의 국립 우크라이나 음악 드라마 극장은 1919년 아방가르드 연출가 레스 쿠르바스가 주도하여 설립되었습니다.[95][96]

우크라이나 오페라의 운명은 소비에트 러시아와의 전쟁에서 공화국이 패배함으로써 결정되었습니다.오페라에 대한 소련의 입장은 부르주아 장르로 간주되는 것에 대한 노골적인 비난에서부터 오페라를 프롤레타리아에 더 가깝게 만들고자 하는 열망에 이르기까지 다양했습니다.[97][98]1919년에는 소련이 점령한 지역의 모든 극장들이 국유화되었고, 키이우의 우크라이나 연극 및 오페라 극장은 카를 리브크네흐트 국립 오페라 극장으로 개명되었습니다.[99][100]새로운 콘서트 장소는 폴타바, 지토미르, 자포리자에 산발적으로 만들어졌지만, 조직적이고 재정적인 장애로 인해 문을 닫아야 했습니다.[101][102]

1920년대와 1930년대 초

1920년대에 키예프, 오데사, 하르키우에 있는 국가 통제 오페라 하우스들은 모두 개조되었고 고전 작품들은 러시아어로 공연되었습니다.V.A.가 있는 오데사 극장.로스키는 1919년부터 1920년까지 감독을 맡았고, 고품질의 참신한 작품을 제작한 것으로 유명했습니다.[101][103]이에 비해 우크라이나 뮤지컬 극장은 안톤 데니킨의 군대에 의해 키이우가 점령된 후 문을 닫아야 했습니다.[95][96]당시 우크라이나 공화국의 수도였던 하르키우에 우크라이나 오페라단을 만들려는 계획은 실현되지 못했고,[98] 할카, 빌리지 아너 [uk], 메이 나이트, 카테리나 등 우크라이나어로 된 작품들을 무대에 올리려는 시도들은 모두 별 성과를 거두지 못했고, 큰 무대에 걸맞은 우크라이나 작품이 부족했습니다.오페라의 좋은 번역은 거의 없었습니다.[104][105][106]

키이우에 있는 우크라이나 국립 음악 드라마 극장의 감독 중 한 명인 레스 쿠르바스.

1920년대 중반, 미콜라 스크립니크의 주도하에 오페라 하우스의 우크라이나화가 추진되었습니다.[99]1924년 10월 3일 리센코의 오페라 타라스 불바의 하르키우 초연.[107][108]소련 인민위원회는 1925년 10월 3일에 무소르그스키의 소로친치 박람회 제작과 함께 하르키우에 국립 우크라이나 오페라 극장을 설립하기로 결정했습니다.[105][109]이듬해 키예프와 오데사의 오페라하우스는 우크라이나화 정책에 따라 재편성되었습니다.[104][110][111]1928년 폴타바(Poltava)에 설립된 국립 노동자 오페라 극장은 1931년 드니프로(Dnipro)로 이전했습니다.이 시기에 등장한 다른 오페라 하우스로는 비니치아에 위치한 국립 우크라이나 우안 극장, 케르손에 위치한 유목민 우크라이나 오페라, 폴타바에 위치한 국립 우크라이나 좌안 극장 등이 있습니다.1920년대 동안 소련이 이미 설립한 극장들은 소도시에서 오페라를 공연하는 새로운 순회 극장들로 보충되고 있었습니다.[112][113]

우크라이나 오페라는 전형적으로 실험적이고 아방가르드한 형태를 띠게 되었는데, 이는 표현주의나 구성주의를 향한 움직임으로 특징지어지는 초기 소비에트 연극 작품들의 특징이었습니다.당국은 레스 쿠르바스,[104][114] 빅토르 코센코, 보리스 야놉스키와 같은 감독들을 옹호했는데, 그들은 민속학의 정서적 사용과 혁명 이전의 연출과 제작의 피상적인 사실주의에 반대했습니다.이 시기의 아방가르드 오페라로는 블라디미르 데셰보프의 얼음과 강철(1930),[115] 레프 니퍼의 북풍(1930),[116] 에른스트 케네크의 조니 스필토프, 막스 브랜드의 마스키니스트 홉킨스 등이 있습니다.[104][117][118]

우크라이나 오페라 발전의 주된 장애물은 레퍼토리의 빈곤이었습니다.[119]리센코의 타라스 불바나 아나톨레 바크니아닌의 쿠팔로와 같은 오래된 오페라는 거의 존재하지 않았는데, 이 오페라는 쓸모없어 보였습니다(야놉스키는 리센코의 오페라를 "낡고 빛바랜 음악"이라고 불렀습니다).[104][120]소비에트 정부의 첫 해 동안, 거의 새로운 오페라가 작곡되지 않았습니다;[121] 소비에트 지도부는 예술이 볼셰비즘의 교리를 따르고 프롤레타리아화를 겪어야 한다고 요구했습니다.예술가들은 주로 이념적인 노동자로 여겨졌습니다.[122]공산당은 모든 예술 작품이 계급 투쟁을 묘사하고 개인의 희생으로 서민을 고양해야 한다고 요구했습니다. 성격의 표현과 철학적 질문은 하나의 올바른 세계관에 복종해야 했습니다.1920년대에 진행된 문화정책에 대한 논의는 실험과 오페라의 혁신의 출현으로 이어졌고, 1930년대 초부터 정형화된 리브레티와 음악으로 자리를 내주었습니다.[123]작곡가들은 현재나 국가적으로 중요한 역사적인 에피소드를 주제로 하여 소련의 이념에 부합하는 작품을 제작할 것으로 기대되었습니다.[120]

블라디미르 요리시[uk]
보리스 랴토신스키

소련 음악이 기계라는 주제에 도취되었던 시기에 쓰여진 건설에 관한 최초의 오페라는 우크라이나 작곡가이자 지휘자인 블라디미르 요리시 [uk]에 의해 쓰여진 "위즈"와 "철에 관한 시" (1932)였습니다.[124][125]이런 종류의 오페라는 일반적으로 영화와 같은 내레이션에서 영감을 받은 빠른 줄거리를 가지고 있으며, 때때로 영화가 작품에 통합되기도 합니다.(집단을 대표하는) 합창단은 중요한 역할을 맡았고, 주요 역할들은 덜 중요했습니다.[126][127][128]이 유형의 다른 작품으로는 크론슈타트 반란을 주제로 한 오페라 클레프트(The Cleft, 1929)[129]는 대화를 바탕으로 한 음악극으로 현대의 혁명적인 대중 연설의 기조를 효과적으로 포착했습니다.페멜리디는 그의 두 번째 오페라가 완성되기 전에 사망했습니다.시저와 클레오파트라.[130]

사극

이 시기의 많은 오페라들은 역사적인 주제에 기초를 두었습니다; 코센코의 카르멜류크 (1930)와 같은 이름의 요리시의 오페라는 19세기 포돌리아에서 일어난 농민 봉기의 지도자에 관한 것이었습니다.[131][132]바실리 졸로타레프는 그의 단막 작품인 흐베스코 안디베르 (1927)로 두마 (노래된 서사시)를 특징으로 하고 코사크족의 삶에 대해 쓴 최초의 오페라 작곡가가 되었습니다.야놉스키는 터키의 코사크 땅 점령기를 배경으로 한 그의 오페라 흑해 두마(1928)에서 비슷한 주제를 더 큰 규모로 다루었습니다.[104][126][133][134]

20세기 전반 우크라이나 역사 오페라의 가장 눈에 띄는 예는 이반 프랑코(1930)의 소설을 원작으로 한 랴토신스키의 황금반지.역사적, 신화적, 사회적 주제를 혼합하기 위한 음악과 리브레, 그리고 리아토신스키의 악보는 레이트모티프와 우크라이나 민요를 유기적으로 결합합니다.금반지는 우크라이나 오페라 역사상 최초의 오케스트라 '교향곡' 작품입니다.스탈린주의의 도래와 함께 막을 내린 창조적 실험주의 시대의 마지막에 등장했습니다.[135][136][137][138]

스탈린주의 (1932–1956)

1930년대는 우크라이나 역사의 어두운 시기였습니다.폭력적인 집단화는 기근을 초래했고, 우크라이나화 정책은 중단되거나 심지어 부분적으로 반전되었으며, 스탈린의 전체주의 정권 시기는 엄격한 중앙집권과 이념적 감시로 특징지어졌습니다.1930년대 후반부터 광범위한 탄압이 시작되었는데, 이는 무엇보다도 음악을 포함한 우크라이나의 문화 생활에 영향을 미쳤습니다.1932년, 우크라이나의 자유 프롤레타리아 음악가 협회와 다른 음악 협회들이 해체되었고 잘 조직된 소련 작곡가 연합이 설립되었습니다.[29][55][139]순회 공연장들은 1932년에 영구적인 위치(드네프로페트롭스크의 DROT, 비니치아의 우안 오페라, 루한스크의 좌안 오페라)를 부여받았는데, 이것은 당국이 그들의 활동을 감독하는 것을 더 쉽게 만들었습니다.1920년대의 예술적 실험은 사회주의 리얼리즘의 통일되고 지시된 미학에 자리를 내주었습니다.[23][140]이 양식은 일반적으로 현실주의, 대중성, 이해력, 진실성의 측면에서 정의되었으며, 형식주의, 세계주의, 부르주아의 퇴폐와 같이 모호하게 정의된 바람직하지 않은 요소들에 반대되었습니다.[23]

1930년대의 스탈린주의 정치는 비록 왜곡된 형태이지만 사실상 혁명 이전 시기의 사회적 가치와 문화적 위계질서, 19세기의 문화정책으로 회귀하게 만들었습니다.오페라, 특히 위대한 역사 오페라는 공식적으로 국가의 지원을 받았지만, 무엇이 허용되는지에 대한 엄격한 기준이 설정되었습니다.[141]1936년 프라브다에서 드미트리 쇼스타코비치의 음첸스크의 맥베스 부인에 대한 공식적인 비판에 의해 "음악 대신 머들"이라는 제목으로 설정되었습니다.[142]소련 작곡가들의 모델은 이반 체르진스키의 "돈의 조용한 흐름"이나 티콘 크렌니코프의 "폭풍 속에서"와 같은 오페라가 되었습니다.[104][143][144]공식 정책에서 벗어난 작곡가와 연주자들은 국가의 표적이 되었습니다.[11][145]현대적으로 들리는 음악적 각색이나 현대적인 주제들의 창조는 (혁명과 남북전쟁에 관한 주제들을 제외하고) 오페라들이 형식주의로 비난을 받게 만들었습니다. 그리고 역사적인 주제나 국가적인 음악적 전통에 기초한 작품들은 우크라이나 작곡가들이 민족주의적이라는 비난을 받게 만들었습니다.[146]몇몇 새로운 오페라들은 실험을 피했습니다; 그것들은 과시적인 구경거리와 거대한 오케스트라와 합창이 특징이었습니다.[147]

1930년대 우크라이나 작곡가들의 오페라로는 당케비치의 비극의 밤 (1935), 헤르만 주코프스키의 마리나 (1939),[148] 미하일로 베리키브스키의 천국 작품 (1934)과 소트니크 (1938),[149] 그리고 1940년 쉐브첸코에 관한 요리시의 오페라가 있습니다.[150] 국가는 미콜라 슈코르스의 숭배를 장려했습니다.공산주의 우크라이나 군인; 그에 관한 오페라는 요리시 (1936)와 세르게이 즈다노프 [영국] (1938)에 의해 작곡되었습니다.당국은 이를 거부하고 이상화된 영웅의 이미지를 중심으로 교향곡을 바탕으로 한 음악극과 노래를 결합하여 혁명적인 감정을 불러일으키려고 시도한 랴토신스키의 슈코르스를 다룬 세 번째 오페라를 선정했습니다.[151]라토신스키의 오페라는 학자들에 의해 "양식주의적인 재앙"으로 묘사되어 왔지만,[136] 일부 우크라이나 음악학자들은 그것을 매우 독창적이라고 생각합니다.[152]

장애물은 리브레토에 대한 이념적 반대와는 별개로 혁명 이전의 우크라이나 오페라가 상연되는 것을 막았습니다.대규모 오페라 하우스에서 소규모 반전문 극장을 위해 쓰여진 작품들을 제작하는 어려움은 오페라 악보들을 재작업하게 만들었습니다.작곡가들은 당국에 호의적인 오페라를 작곡할 필요를 피하면서 악보 수정을 착수함으로써 국가에 대한 그들의 충성심을 증명했습니다.V는 다뉴브강의 자포로제 코사크와 나탈카 폴타브카를 각색했습니다.Jorysh와 Lysenko의 Utonula는 P에 의해 수정되었습니다.톨스 ť코프, 하지만 개정판은 인기가 없다는 것이 증명되었고 거절당했습니다.리센코의 오페라 타라스 불바를 민족사적 오페라로 재구성하는 것은 더 중요한 일이었습니다.[104][155][156]텍스트는 동시대 우크라이나 시인 막심 릴스키가 편집하고, 음악은 오페라 장르에 유일하게 기여한 레프코 레부키지가 편집 및 보완했으며, 리센코의 오케스트레이션은 당시 손실된 것으로 간주되어 랴토신스키가 다시 오페라를 편성했습니다.이야기의 비극적인 결말을 가진 이 1937년 판의 작품은 스탈린에 의해 비판을 받았고, 더 전투적인 새로운 작품으로 대체되어야 했습니다. 타라스 불바의 마지막 판은 1950년대까지 나오지 않았습니다.[156][157][158]

제2차 세계 대전

1941년, 독일의 소련 침공에 대한 대응으로, 유명한 음악가, 배우, 그리고 극단들은 분쟁 지역에서 떨어진 동쪽으로 대피했습니다.[10] 그들은 그 전쟁 동안 관객들에게 인기 있었던 비정치적이고 서정적이고 민속적으로 가득 찬 오페라인 Verykivsky의 The Little Girl in Irkutsk (1943)와 같이, 비록 범위가 더 간단하지만, 계속해서 무대에 올랐습니다.[159][160]

독일과 루마니아가 우크라이나를 점령하는 동안(오늘날 벨라루스와 전쟁 전 폴란드 제2공화국의 인접 지역을 포함) 당국은 도시 오페라 하우스를 개방했습니다.[7]

소련의 다른 지역으로 피난 간 작곡가들은 때때로 그들이 파견된 장소에서 오페라 문화를 발전시키는 것을 도왔고,[29] 라인홀드 글리에르와 율리 메이투스는 각각 우즈벡 오페라와 투르크멘 오페라의 형성에 기여했습니다.[161]필립 코지츠키의 바쉬키르 오페라 (1941)는 전쟁의 사건들에 대응한 초기 오페라들 중 하나였습니다.Hliba Pavlovych Taranov [uk]은 1242년 페이푸스 호수 전투에 관한 영웅적인 역사 오페라인 얼음 위의 전투 (1942)를 썼지만, 그 줄거리는 독일의 소련 침공의 영향에 대한 오라토리오 스타일의 노래들에 의해 가려져 있습니다.[29]

1945–1953

전쟁이 끝난 후에도, 전투에서의 영웅주의, 애국심 그리고 소련 국민들의 우애는 계속되었고,[162] 마리안 코발 [루]와 블라디미르 엥케 [루]와 같은 러시아 작곡가들의 오페라가 오데사와 리비우에서 초연되었습니다.전쟁 직후 주코프스키, 클레바노프 등의 작품이 등장했는데,[163] 메이투스의 젊은 근위병(1947)이 유일한 예였습니다.[29]

종전 이후 우크라이나에서는 소련의 사상가 안드레이 즈다노프가 주도한 두 번째 문화 탄압이 일어났습니다.우크라이나 공산당은 메이스투스의 '젊은 근위병' 등 오페라를 공격했지만 공식적인 비난의 대상은 당케비치가 러시아와의 우크라이나 합방 300주년을 맞아 쓴 역사 오페라 '보단 흐멜니츠키'(1951).모스크바에서 초연된 후, 이 작품은 민족주의를 조장한다는 비판을 받았고, 수정되어야 했습니다.[146][164][165][note 4]Bohdan Khmelnytsky는 오늘날 우크라이나 음악학자들에 의해 우크라이나 민족사 오페라의 가장 대표적인 작품으로 여겨집니다.[146][168]주코프스키의 오페라 "온 마음으로부터" (1950)는 미적인 결점과 콜호즈 (집단농장)에서의 삶에 대한 불충분한 영웅적인 묘사로 프라브다에서 비난을 받았습니다. 작곡가는 스탈린 상을 박탈당했습니다.[169][170]

이 시기의 다른 작품들로는 갈리시아 작곡가 스타니슬라프 류드케비치의 유일한 오페라인 도브부시 (1955),[171] 베리키브스키의 피난민 (1948),[29] 오스카 샌들러의 희극 오페라 우크라이나의 스텝에서 (1954) 등이 있습니다.[172]

1953–1991

1953–1970

1953년 스탈린 사후 예술가들의 점진적인 재활이 있었는데, 오페라에서 이것은 1958년 모스크바 정부가 공식적으로 오페라에 대한 평가에서 실수를 바로잡기로 결정한 것으로 상징됩니다.[146]흐루쇼프 해빙기(1950년대 중반~1960년대 중반)에는 이전 30년보다 더 많은 오페라가 탄생했고, 1920년대의 실험으로 회귀했습니다.[173]1960년대 후반 동안, 오페라는 보수적이고 규범적으로 돌아왔고,[174] 많은 젊은 작곡가들은 그것들을 작곡하는 것을 피했습니다.[175]

주코프스키의 동료이자 1950년대 공식 오페라의 주요 대표자 중 한 명인 헤리히 마이보로다(Herhiy Maiboroda).그의 오페라 밀라나(1957)는 제2차 세계대전 당시 우크라이나 트란스카르파티아의 저항운동을 주제로 카르파티아 민속을 사용하고 있으며, 스탈린주의 작품들과 대조적으로 개인의 인물을 더 잘 묘사하고 이야기의 정서를 강조하고 있습니다.[176][177]레시아 우크라이나의 환상적인 상징주의 연극을 바탕으로 한 비탈리 키레이코의 첫 오페라 '숲의 노래'도 그 해 초연되었습니다.[178]

1950년대에 쓰여진 다른 오페라로는 비록 높은 기술적 수준이지만 스탈린 시대에 제작된 작품을 연상케 하는 코스-아나톨스키의 유일한 오페라인 자그라바[uk](1957), 셰브첸코의 동명 희곡을 바탕으로 한 당케비치의 오페라 나자르 스토돌랴(1959) 등이 있습니다.[176][179] 작곡가 Marko Karminsky [uk]은 오페라 The Bukovinans (1957)로 데뷔했습니다.오페라는 카르파티아의 민속 음악을 사용했고 사회주의 리얼리즘 스타일을 벗어나지 않았습니다.[176][180]

후바렌코는 1918년 흑해 함대의 침몰을 다룬 올렉산드르 코르니추크의 희곡을 바탕으로 한 교향곡 작품인 그의 첫 오페라 "비행대의 파괴"(1967)로 주목을 받았습니다.오페라를 작곡함에 있어서, 후바렌코는 독일 작곡가 리하르트 바그너의 원칙을 따랐습니다.그것은 10월 혁명 50주년을 기념하기 위해 만들어 졌고 소비에트 오페라의 혁명적인 주제와 연관된 보통의 거만한 파토스를 기다리던 비평가들은 "원초적이고, 집중적이고, 금욕적인" 음악에 당황했습니다.[181][182]비평가들은 타라스 셰브첸코(1964)를 마이보로다의 최고의 오페라로 평가하고 있는데, 이 오페라는 시인의 일생을 담은 에피소드들을 4개의 장면으로 표현하고 있습니다.[181][183]1960년대에 작곡된 다른 주목할 만한 작품으로는 키레이코의 민속 오페라 "그녀는 허브를 모았다"(1966)[183]와 1919년의 남북전쟁을 다룬 주코프스키의 오페라 "아스널"(1960)이 있습니다.[181] 주코프스키의 다른 오페라로는 그의 서정적인 심리극을 새로운 제목인 "첫 번째 봄"(1959)으로 개작한 것이 있습니다.세기의 갈팡질팡한 대조 (1960-1967), 오페라 법외([29][181][185]1968), 원 스텝 투 러브 (1970),[184] 그리고 싱글 가수를 위한 그의 오페라 볼가 발라드 (1967).

작곡가 드미트리 클레바노프는 노년이 되어서야 오페라를 쓰기 시작했습니다.그의 작품 공산주의(1967)는 주제적으로 보수적이고, 그의 후기 작품 레드 코사크(1972)와 메이 데이(1981)도 마찬가지입니다.[29][181][186]

1970년대

2009년 작품인 히로이 마이보로다의 1975년 오페라에서 현명한 야로슬라프 역의 세르게이 마게라.

1970년대에 작곡된 작품으로는 1905년 러시아 혁명 동안 세바스토폴에서 일어난 해군 봉기를 다룬 보리스 야로빈스키[영국]가 작곡한 전형적인 소련 스타일의 영웅적인 낭만 오페라인 슈미트 중위 [187](1970)와 크라소토프의 서정적이고 심리적인 오페라 타이가의 노래 (1977)가 있습니다.마이보로다의 가장 야심찬 작품은 그의 오페라 야로슬라프 무드리(현명한 야로슬라프)(1973)[29][181]인데, 이 작품은 주인공인 키반 루스의 왕자 야로슬라프의 이상화된 버전을 제시하고 있지만 우크라이나 레퍼토리에 남아 있습니다.러시아 혁명가 아르y 동지에 대한 후바렌코의 "불꽃 사이로"(1976)도 마찬가지입니다.

1970년대에 몇몇 작곡가들은 우크라이나의 정통 포크 음악과 현대적인 작곡 기법을 결합했습니다.1920년 살해 당시 미완성으로 남아있었지만 미로슬라프 스코리크가 완성해 1977년 키예프에서 초연한 레온토비치의 '물의 요정 부활절'이 그 예입니다.[189][190]이호르 샤모의 오페라 야트란 게임(1978)의 주춧돌은 아카펠라 노래입니다.[181][191]

예벤 스탕코비치의 민속 오페라 양치식물 꽃 필 무렵이 파리의 한 전시회에서 상영될 예정이었으나 1979년 초연 직전에 상영이 금지되었습니다.작곡가가 40년 만에 첫 공연을 한 이래 현대 클래식과 민속을 접목시킨 작품, 민속합창단과 우크라이나 민속악기가 어우러진 이 작품은 오페라계에서 신민속의 뛰어난 예로 인정받고 있습니다.[192]

1980년대

1970년대 이후 우크라이나에서는 새로운 오페라가 거의 공연되지 않았습니다.당국이 소련과 동유럽 인접 국가들의 오페라 공연을 "교환"하도록 장려하기 위해 도입한 새로운 정책이 실패의 원인이 되었습니다.공연된 오페라들은 고전 작품들, 특히 19세기 작품들의 좁은 범위에 한정되게 되었습니다.[193]이반 카라벡의 유일한 오페라는 시인 Borys Oliynk와 협력한 Kiev Prescoes (1983)인데, 작곡가는 이 작품을 오페라 오라토리오라고 묘사했습니다. 이 작품은 고대 슬라브어 문헌에서부터 러시아 혁명의 문서에 이르기까지 다양한 자료들을 사용합니다.[181]

1985년, 후바렌코의 코믹 오페라 꺼림칙한 성냥팔이가 초연되었습니다.하지만, 오페라에 대한 그의 주요 공헌과 프랑스 소설가 앙리 바르뷔세의 단편 소설을 바탕으로 한 그의 걸작 러브레터 (1971).[181]후바렌코는 또한 "나를 기억해줘" (1974/1980, 원래는 "리본 메이"라고 불렸던)와 오페라 발레 "Vij" (1980)를 썼습니다.[29][194]

Karminsky의 가장 유명한 작품은 뮤지컬 Robin Hood(1983)이고, 그의 마지막 오페라는 Ten Days의 속편인 Just One Day(1987)입니다.[195][196]1980년대에 제작된 다른 작품으로는 Kvitka-Osnovianenko의 코미디를 바탕으로 한 Kyrejka의 코믹 오페라 "Vernissage at the Fair" (1985)와 [29][181]Vadm Hryhorovich Ilyin의 코믹 오페라 "Thunder from Putivl" (1981)이 있습니다.[197]이고르 코바치는 환상적이고 동화적인 줄거리에 자신을 바쳤습니다; 그는 오페라 발레 "파도를 달리는 자" (1987)와 오페라 "푸른 섬" (1988)을 썼습니다.[181]

독립 이후의 오페라

올렉산드르 코자렌코
미로슬라프 스코리크
알라 자하이케비치

1991년 우크라이나가 독립한 이후 우크라이나 오페라하우스의 결정은 시장경제세력의 지도를 받아 왔으며, 이러한 이유로 레퍼토리는 대중적인 작품에 더욱 집중되어 왔습니다.19세기 우크라이나 오페라가 일부 무대에 올랐지만, 국내에서 제작된 소비에트 시대의 오페라 중 레퍼토리에는 마이보로다의 현명한 야로슬라프, 당케비치의 보단 흐멜니츠키, 메이투스의 훔친 행복 등 역사적 주제를 다룬 작품이 소수 남아 있습니다.살아있는 작곡가들에게는 비록 소규모 작품들이 성공적으로 제작되었지만, 새로운 작품들을 무대에 올리는 것은 거의 불가능했습니다.이것들은 Hubarenko의 오페라 Remember, My Brothers!,[198][199] Karmella Tsepkolenko의 Dorian Gray 초상화 (1990)와 두 개의 화재 사이 (1994), Oleksandr Kozarenko의 The Hour of Repenance (1997), Shevchko The Poet에 대한 Kolodub의 오페라 (1988, 2001년 초연),[199][200] 그리고 2011년 Tyemen에서 처음 공연된 Stankovych의 마을 오페라를 포함합니다.[201]

이러한 경향에서 예외적으로, 우크라이나 독립 이후 대오페라 무대에서 공연되는 신작 국내 오페라는 (2014년 기준) 모세 뿐입니다.2001년 교황 요한 바오로 2세의 우크라이나 방문을 계기로 처음 언급된 스코릭의 이 작품은 리비우와 키예프의 두 오페라 공연장에서 공연되었습니다.[202][203]시사회 제작비 일부는 바티칸이 직접 부담했습니다.[204]

1991년 이후 우크라이나 작곡가들이 작곡한 오페라는 다음과 같습니다.

오페라하우스

우크라이나에는 7개의 오페라 극장이 있습니다.

참고문헌

메모들

  1. ^ 크레온테 (1776); 알키데스 (1778), 퀸토 파비오 (1779)는 모두 이탈리아에서 공연되었습니다.보르트니안스키의 프랑스 오페라는 La Fette du signeur (1786), Lefaucon (1786), 그리고 Lefils 라이벌 (1787)이었습니다.[5]
  2. ^ 1900년 10월 4일에 개관한 현재의 오페라 하우스는 [6]솔로미야 크루셸니츠카 리비우 국립 오페라 발레 아카데미 극장입니다.
  3. ^ 1772년 당시 독일 이름인 렘베르크로 알려진 리비우는 당시 합스부르크 왕가의 지배를 받았던 갈리시아의 주요 도시였습니다.이것은 1901년부터 1939년까지 독립된 폴란드의 일부가 되었는데, 이때 루우(Lwow)
  4. ^ Dankevych는 1977년 그의 삶의 마지막에 오페라로 돌아왔고 몇몇 강제적인 개입을 없앴습니다.[166][167]
  5. ^ 이 작품의 실내악 버전은 같은 해 라스베가스와 키예프에서 제작되었습니다.[208][209]

인용문

  1. ^ a b c d 니프 1988, 페이지 84.
  2. ^ 호디척 1989a, 페이지 256.
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