장 오귀스트 도미니크 잉그레스

장 오귀스트 도미니크 잉그레스
장 오귀스트 도미니크 잉그레스, 1855[1]
태어난	장 오귀스트 도미니크 잉그레스 (1780-08-29) 1780년 8월 29일 몽토반, 랑그도크, 프랑스
죽은	1867년 1월 14일(1867-01-14) (86세) 프랑스 파리
로 알려져 있다	그림, 그림 그리기
주목할 만한 일	베르탱의 초상화, 1832년 터키 목욕, 1863년
움직임.	신고전주의 오리엔탈리즘

장 오귀스트 도미니크 잉그레스(Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1780년 8월 29일 ~ 1867년 1월 14일)는 프랑스의 신고전주의 화가이다.잉그레스는 과거의 예술적 전통에 깊은 영향을 받았고, 우월한 낭만주의 스타일에 맞서 학문적 정통주의의 수호자가 되기를 열망했다.비록 그는 니콜라스 푸생과 자크 루이 다비드의 전통에서 자신을 역사의 화가라고 생각했지만, 그의 가장 위대한 유산으로 인정받는 것은 그림과 그림 모두 그의 초상화이다.형태와 공간에 대한 그의 표현적인 왜곡은 피카소, 마티스 그리고 다른 모더니스트들에게 영향을 주면서 그를 현대 미술의 중요한 선구자로 만들었다.

몬타우반의 수수한 가정에서 태어난 그는 다비드의 스튜디오에서 공부하기 위해 파리로 여행을 갔다.1802년에 그는 살롱에 데뷔했고, 아킬레우스의 텐트에서 그의 그림인 아가멤논의 대사들로 로마 상을 수상했다.그가 1806년 로마에서 거주하기 위해 떠났을 때, 이탈리아와 플랑드르네상스의 거장들에 대한 그의 면밀한 연구를 보여주는 그의 스타일은 완전히 발달되어 있었고, 그의 남은 인생 동안 거의 변하지 않았다.1806년부터 1824년까지 로마와 그 후 피렌체에서 일하는 동안, 그는 정기적으로 파리 살롱에 그림을 보냈는데, 그곳에서 그의 스타일이 기이하고 고풍스럽다고 생각하는 비평가들에게 비난을 받았다.그는 이 기간 동안 자신이 그리기를 열망하는 역사 그림을 그리도록 의뢰를 거의 받지 못했지만, 초상화가와 드로트맨으로서 자신과 그의 아내를 부양할 수 있었다.

그는 마침내 1824년 살롱에서 그의 라파엘레스케 그림인 루이 13세의 서약이 갈채를 받았고, 잉그레스는 프랑스 신고전주의 학교의 지도자로 인정받았다.역사 회화의 의뢰로 벌어들인 수입으로 그는 초상화를 적게 그릴 수 있었지만, 그의 베르탱 초상화는 1833년에 그의 다음 인기 있는 성공을 기록했다.이듬해, 그의 야심작 "성자 교향곡 순교"에 대한 혹독한 비판에 대한 그의 분노는 그가 이탈리아로 돌아가 1835년 로마에 있는 프랑스 아카데미의 교장으로 취임하게 만들었다.그는 1841년에 파리로 영원히 돌아왔다.말년에 그는 많은 초기 작품들, 스테인드글라스 창의 일련의 디자인들, 몇몇 중요한 여성 초상화들, 그리고 83세에 완성한 그의 몇몇 동양주의 여성 누드 그림들 중 마지막 작품인 The Turkish Bath를 그렸다.

초기:몬타우반과 툴루즈

잉그레스는 프랑스 타른에가론의 몽타우반에서 장 마리 조제프 잉그레스 (1755–1814)와 그의 아내 안 모울레 (1758–1817)의 7남매 중 장남으로 태어났다.그의 아버지는 만능 미술가, 조각가, 장식용 석공, 아마추어 음악가였고, 그의 어머니는 거의 문맹에 가까운 가발 ^[2]제조업자의 딸이었다.그의 아버지로부터 어린 잉그레스는 일찍부터 그림과 음악에 대한 격려와 가르침을 받았고 그의 첫 번째 알려진 그림은 1789년에 골동품 캐스팅을 따라 그린 것이다.^[3]1786년부터, 그는 지역 학교인 에콜 데 프레르 드 에듀케이션 크레티엔에 다녔지만, 프랑스 혁명의 혼란으로 인해 그의 교육은 중단되었고, 1791년 학교의 폐교로 그의 전통적인 교육은 끝이 났다.그의 학교 교육의 부족은 항상 그에게 ^[4]불안의 근원으로 남을 것이다.

1791년, 조셉 잉그레스는 아들을 툴루즈로 데려갔고, 그곳에서 어린 장 오귀스트 도미니크는 조각 건축 아카데미 로얄 드 페인트르에 등록되었습니다.그곳에서 그는 조각가 장피에르 비간, 풍경화가 장 브리앙, 신고전주의 화가 기욤 조제프 로케스의 밑에서 공부했다.로케스의 라파엘에 대한 존경은 그 젊은 ^[5]예술가에게 결정적인 영향을 끼쳤다.잉그레스는 작곡, "그림과 골동품" 그리고 인생 ^[6]연구와 같은 여러 분야에서 상을 받았습니다.그의 음악적 재능은 바이올리니스트 르쥬네의 지도 아래 개발되었고, 13세부터 16세까지 그는 ^[6]툴루즈 관현악단에서 제2바이올린을 연주했다.

그는 어려서부터 루이 14세 때 왕립미술원이 설립한 19세기까지 이어진 화가 계급에서 가장 높은 수준의 그림을 그리기로 마음먹었다.그는 그의 아버지처럼 단순히 실제 삶의 초상화나 삽화를 만들고 싶지 않았다; 그는 종교, 역사, 신화의 영웅들을 표현하고, 그들을 이상화하고, 문학이나 ^[7]철학의 최고의 작품들에 필적하는 방식으로 그들의 행동을 설명하는 방식으로 보여주고 싶었다.

파리에서 (1797–1806)

1797년 3월, 아카데미는 잉그레스에게 그림 1등상을 수여했고, 8월에는 프랑스 혁명 기간 동안 프랑스의 대표적인 화가이자 유럽의 화가인 자크 루이 다비드의 작업실에서 공부하기 위해 파리로 여행했고, 그의 작업실은 4년 동안 머물렀다.잉그레스는 주인의 신고전주의 사례를 ^[8]따랐다.1797년에 다윗은 그의 거대한 걸작인 "사비네 여인의 개입"을 작업하고 있었고, 엄격한 사실주의의 로마 모델에서 점차 그리스 예술의 ^[9]순수함, 미덕 그리고 단순함의 이상으로 그의 스타일을 바꾸고 있었다.다비드의 다른 제자 중 한 명인 에티엔 장 들레크루즈는 나중에 미술 평론가가 된 잉그레스를 학생으로 묘사했다.

그는 성격의 솔직함과 혼자 일하려는 기질만으로 구별되는 것이 아니었다.그는 가장 학구적인...의 한 사람이었다.그는 주위의 모든 난동에는 거의 관여하지 않았고, 동료의 대부분보다 더 끈기 있게 공부했습니다...오늘날 이 예술가의 재능을 특징짓는 모든 자질, 윤곽의 기교, 형상의 진실하고 심오한 감정, 그리고 탁월한 정확성과 견고함을 가진 모델링을 그의 초기 연구에서 이미 볼 수 있었다.몇몇 동료들과 데이비드 자신은 그의 연구에서 과장되는 경향을 보였지만, 모든 사람들은 그의 웅장한 작문에 감명을 받았고 ^[10]그의 재능을 인정받았다.

그는 1799년 10월 에콜 데 보 미술의 회화과에 입학했다.1800년과 1801년, 그는 남성 ^[11]토르소 그림으로 인물 그림 대상을 수상했다.1800년과 1801년에 그는 또한 아카데미에서 가장 높은 상인 로마 상을 위해 경쟁했는데, 이 상은 수상자에게 로마에 있는 프랑스 아카데미에 4년 동안 거주할 수 있는 권리를 부여되었다.그는 첫 번째 시도에서 2등을 했지만, 1801년 아킬레우스의 텐트에서 아가멤논의 대사들과 함께 최우수상을 받았다.그림의 오른쪽에 있는 사절들의 인물들은 다윗에 의해 가르친 스타일로 조각상처럼 근육질이고 단단하지만, 왼쪽에 있는 두 주요 인물인 아킬레우스와 파트로클로스는 섬세한 부조 ^[12]속의 인물들처럼 움직이며 생생하고 우아하다.

그의 로마 거주지는 국고 부족으로 1806년까지 연기되었다.그 사이 그는 파리에서 데이빗의 다른 학생들과 함께 국가가 제공하는 스튜디오에서 일했고, 윤곽의 순수성을 강조하는 스타일을 더욱 발전시켰다.그는 라파엘의 작품, 에트루리아 꽃병 그림, 그리고 영국 화가 존 플락스만의 ^[6]윤곽 판화에서 영감을 얻었다.헤르마프로디테와 님프 살마시스에 대한 그의 그림은 후에 그의 주피터 엣 테티스와 그의 유명한 ^[13]나체들에 다시 나타날 새로운 양식화된 여성 미의 이상을 보여주었다.

1802년 그는 살롱에서 여성의 초상화에 데뷔했다(현재 행방은 알려지지 않았다).1804년에서 1806년 사이에 그는 특히 옷감의 풍부함과 작은 디테일에 있어 매우 정밀하게 그려진 일련의 초상화를 그렸다.여기에는 Philipbert Riviere의 초상화, Sabine Riviere의 초상화, La Belle Zélie로도 알려진 Madame Aymon의 초상화, Caroline Riviere의 초상화 등이 포함됩니다.여성의 얼굴은 전혀 세밀하지 않고 부드러웠고, 커다란 타원형의 눈과 섬세한 살색, 그리고 다소 몽환적인 표정으로 유명했다.그의 초상화는 일반적으로 어두운 색이나 밝은 색, 또는 하늘의 단순한 배경을 가지고 있었다.이것들은 그를 19세기의 ^[14]가장 유명한 초상화가들 중의 하나로 만들었던 시리즈의 시작이었다.

잉그레스가 로마로 떠나기를 기다리고 있을 때, 그의 친구 로렌조 바르톨리니는 그에게 이탈리아 르네상스 그림, 특히 나폴레옹이 이탈리아 유세에서 가져와 루브르 박물관에 보관했던 브론지노와 폰토모의 작품들을 소개했다.잉그레스는 그들의 선명함과 기념비성을 자신의 초상화 스타일에 동화시켰다.루브르 박물관에는 프랑스군이 플랑드르 정복 당시 압수한 얀 반 에이크의 겐트 제단화 등 플랑드르 미술의 걸작도 있었다.르네상스 플랑드르 미술의 정밀함은 잉그레스의 ^[15]스타일의 일부가 되었다.잉그레스의 문체적 다양성은 예술의 새로운 경향을 나타냈다.이탈리아와 저지대 국가에서의 나폴레옹의 유세에서 압수한 전리품으로 새롭게 채워진 루브르 박물관은 19세기 초 프랑스 예술가들에게 고대와 유럽 ^[16]회화의 전체 역사에서 걸작을 연구하고, 비교하고, 복사할 수 있는 전례 없는 기회를 제공했다.미술사학자 마조리 콘은 다음과 같이 썼다. "그 당시에는 학문적 탐구로서의 미술사는 새로운 것이었다.예술가들과 비평가들은 이제 막 역사적 양식적 ^[17]발전으로 인식되기 시작한 것을 식별, 해석, 이용하려는 시도에서 서로를 앞질렀습니다."그의 경력 초기부터, 잉그레스는 그의 주제에 맞는 역사적 양식을 채택하면서, 초기 예술로부터 자유롭게 차용했고,^[17] 결과적으로 비평가들로부터 과거를 약탈했다는 비난을 받았다.

1803년 그는 나폴레옹 보나파르트의 전신 초상화를 제1영사로서 그리도록 선발된 다섯 명의 화가들 중 한 명이 되면서 명망 있는 의뢰를 받았다.이것들은 리에주, 앤트워프, 던커크, 브뤼셀, 겐트 등의 현 도시에 배포될 예정이었고, 이들 모두는 1801년 루네빌 ^[18]조약에 의해 프랑스에 새롭게 양도되었다.나폴레옹은 예술가들에게 자리를 내준 것으로 알려져 있지 않으며, 잉그레가 정교하게 그린 보나파르트 영사의 초상화는 ^[19]1802년 앙투안 장 그로스가 그린 나폴레옹의 이미지를 모델로 한 것으로 보인다.

1806년 여름, 잉그레스는 화가이자 음악가인 마리-안-줄리 포리스트에와 약혼한 후 9월에 로마로 떠났다.그해 살롱 개막을 지켜볼 만큼 파리에 오래 머물기를 바랐지만 개막을 며칠 앞두고 마지못해 이탈리아로 떠났다.^[20]

잉그레스는 1806년 살롱에서 전시하기 위해 나폴레옹의 새로운 초상화를 그렸는데, 이것은 대관식을 위해 황제좌에 앉은 나폴레옹을 보여준다.이 그림은 나폴레옹이 제1집정관으로 있는 그의 초기 초상화와는 완전히 달랐다; 그것은 거의 전적으로 나폴레옹이 입기로 선택한 호화로운 황실의 의상과 그가 쥐고 있는 권력의 상징에 초점을 맞췄다.샤를 5세의 지팡이, 샤를마뉴의 칼, 풍부한 직물, 모피와 망토, 금박의 왕관, 황금사슬과 엠블럼은 모두 매우 정교하게 표현되었다; 황제의 얼굴과 손은 장엄한 ^[21]의상에 거의 없어졌다.

살롱에서 그의 그림인 자화상, 리비에르 가문의 초상화, 그리고 그의 왕좌에 앉은 나폴레옹 1세는 매우 ^[22]냉담한 평가를 받았다.데이비드는 혹독한 판결을 ^[3]내렸고 비평가들은 적대적이었다.쇼사르(Le Pausanias Francais, 1806)는 "잉그레스의 붓놀림과 마무리의 섬세함"을 칭찬했지만, 잉그레스의 문체를 고딕이라고 비난하며 다음과 같이 물었다.

이렇게 많은 재능을 가진, 이렇게 흠잡을 데 없이, 세세한 부분까지 신경을 쓰는 라인이 어떻게 M을 가질 수 있을까.잉그레스가 나쁜 그림을 그리는데 성공했다고?그 답은 뭔가 특이한 걸 하고 싶었단 거야 뭔가 특별한 걸...잉그르의 의도는 예술을 4세기 후퇴시키고, 우리를 초심으로 되돌리고, 장 드 브루주의 ^[23]방식을 되살리려는 것과 다름없다.

로마와 프랑스 아카데미 (1806년–1814년)

새로 로마에 도착한 잉그레스는 파리에서 온 부정적인 언론 스크랩을 친구들이 보내온 것에 분개하며 읽었습니다.장인어른에게 보내는 편지에서 그는 비평가들에 대한 분노를 표현했다. "그러니까 살롱은 내 치욕의 현장이군.그 악당들은 내 평판을 떨어뜨리려고 내가 떠날 때까지 기다렸어이렇게 불행했던 적은 없었는데...나는 적이 많다는 것을 알고 있었다. 나는 그들에게 결코 호의적이지 않았고 앞으로도 그럴 것이다.제 가장 큰 소원은 살롱으로 날아가서 제 작품과 혼동하는 것입니다.그것들은 제 작품과 전혀 닮지 않습니다.제가 발전할수록 그들의 작품은 제 ^[24]작품과 비슷해지지 않을 것입니다.그는 다시는 살롱에 전시하지 않겠다고 맹세했고, 파리로의 귀환을 거부한 것이 그의 약혼 ^[25]파기로 이어졌다.줄리 포리스트에는 수년 후 왜 결혼을 하지 않았느냐는 질문에 "M과 약혼하는 영광을 누렸을 때"라고 답했다.잉그레스,^[26] 결혼하지 않는다.

1806년 11월 23일, 그는 그의 전 약혼녀의 아버지인 장 포레스티에에게 "예, 예술은 개혁될 필요가 있을 것이고, 나는 그렇게 ^[24]혁명적이 될 것입니다."라고 썼다.특징적으로, 그는 다른 거주 화가들과 떨어져 있는 빌라 메디치 저택의 구내에 있는 스튜디오를 발견했고, 격렬하게 그림을 그렸다.이 시기부터 로마의 많은 기념물 그림은 잉그레스에게 귀속되지만, 최근의 학문을 보면 실제로 그의 협력자들, 특히 그의 친구인 풍경화가 프랑수아 마리우스 그라네의 ^[27]작품이었던 것으로 보인다.그는 모든 수상자의 요구에 따라 정기적으로 작품을 파리로 보내 그의 진행 상황을 판단할 수 있도록 했다.전통적으로 펠로우들은 그리스나 로마의 남자 영웅들의 그림을 보냈지만 잉그레스는 그의 첫 샘플로 고풍스러운 꽃병을 조각해 목욕을 하는 젊은 여성의 등을 그린 바그네우스(1807년)와 누드 목욕하는 사람의 등을 더 크게 그린 라그란데 바그네우스(1808년)를 투르반에게 보냈다.그가 가장 좋아하는 화가 ^[28]라파엘이 포르나리나에서 빌린 세부 사항파리의 아카데미를 만족시키기 위해, 그는 또한 오이디푸스와 스핑크스를 파견하여 남성 ^[29]나체의 숙달성을 보여주었다.파리의 학자들의 평결은 그 수치들이 충분히 ^[30]이상화되지 않았다는 것이었다.말년에 잉그레스는 이 작품들의 여러 변형을 그렸다; 1807년에 시작된 또 다른 나체인 비너스 아나디오메네는 수십 년 동안 미완성 상태로 남아 있다가 40년 후에^[31] 완성되었고 마침내 1855년에 전시되었다.

로마에 있는 동안 그는 또한 수많은 초상화를 그렸습니다: 마담 뒤보시, 프랑수아 마리우스 그라니, 조제프 앙투아네 몰테도, 마담 판쿠케, 그리고 샤를 조제프 로랑 코르디에.^[32]1812년에 그는 로마 ^[33]총독의 어머니인 나이 든 여성 콤테세 드 투르논의 초상화를 그렸다.1810년, 빌라 메디치에서의 잉그레스의 연금은 끝났지만, 그는 로마에 머물며 프랑스 점령 정부로부터 지지를 구하기로 결정했다.

1811년 잉그레스는 마지막 학생 연습인 거대한 주피터와 테티스를 완성했다. 이것은 호메로스의 일리아드의 한 장면이다: 바다의 여신 테티스는 그녀의 아들 아킬레우스를 위해 행동해 달라고 제우스에게 간청한다.그가 몇 년 전에 그린 물의 요정 살마시스의 얼굴이 테티스로 다시 나타났다.잉그레스는 그가 1806년부터 이 주제를 그릴 계획이었고, 그는 "예술의 모든 사치를 ^[34]그것의 아름다움에 도입할 생각"이라고 열정적으로 썼다.하지만, 다시 한번 비평가들은 그림의 과장된 비율과 평평하고 공기가 통하지 않는 ^[35]품질에 대해 트집을 잡으며 적대적이었다.

불확실한 전망에 직면했지만, 1813년 잉그레스는 로마의 친구들로부터 추천을 받은 젊은 여성인 마들렌 채플과 결혼했다.서신을 통해 구애를 한 후, 그는 그녀를 만난 적도 없이 청혼했고, 그녀는 받아들였다.^[36]그들의 결혼 생활은 행복했다. 잉그레스 부인의 믿음은 흔들리지 않았다.그는 ^[37]1814년 파리 살롱에서 톨레도의 돈 페드로가 헨리 4세의 검, 라파엘과 포르나리나(포그 미술관, 하버드 대학)와 키스하는 모습, 몇몇 초상화, 그리고 시스티나 성당 내부가 전반적으로 적대적인 비판적인 반응을 보이면서 계속해서 그를 비하하는 평가를 받았다.

아카데미와 피렌체 이후의 로마(1814년–1824년)

그가 아카데미를 떠난 후, 몇 가지 중요한 임무가 그에게 찾아왔다.예술의 후원자인 프랑스의 미오엘리스 장군은 그에게 나폴레옹의 방문을 위해 이전 교황의 거주지였던 몬테 카발로 궁전의 방을 장식해 달라고 부탁했다.잉그레스는 나폴레옹이 동경하는 시집을 바탕으로 황후의 살롱을 위한 로물루스의 아크로인전(1811년)과 황제의 ^[38]침실 천장을 위한 오시앙의 꿈(1813년)을 대규모로 그렸다.미오엘리스 장군은 또한 잉그레스에게 자신의 거주지인 알도브란디니를 ^[39]위해 아우구스투스, 리비아, 옥타비아(1812년)보다 먼저 아이네이드를 읽는 버질을 그려달라고 의뢰했다.그림은 버질이 아우구스투스 황제와 그의 아내 리비아, 그리고 그의 여동생 옥타비아에게 자신의 작품을 암송하면서 옥타비아의 죽은 아들 마르셀루스의 이름을 언급하면서 옥타비아를 기절시키는 순간을 보여준다.폼페이의 고고학적 발견에 따라 내부는 정확하게 묘사되었다.여느 때처럼 잉그레스는 같은 장면을 여러 가지 버전으로 만들었다: 버려진 버전에서 잘라낸 세 자리의 조각이 브뤼셀에 있는 벨기에 왕립 미술관에 있으며,^[40] 1825년에는 프라디에에 의해 만들어진 복제 판화의 모형으로 수직 형식의 분필 그림을 그렸다.제너럴 미올리스 버전은 1830년대에 잉그레스사에 의해 재구매되어 잉그레스사의 지시로 조수들에 의해 재작업되어 완성되지 않았다.오시안의 꿈도 마찬가지로 환매되고 수정되었지만 미완성으로 ^[41]남겨졌다.

그는 1814년 봄에 캐롤라인 무라트 여왕을 그리기 위해 나폴리로 여행을 갔다.나폴리의 왕 요아힘 뮈라는 일찍이 잠든^[42] 나체 도르무즈 드 나폴리를 구입했다.무라는 또한 라파엘 외 라 포르나리나, 파올로 외 프란체스카라는 두 개의 역사 그림과 나중에 잉그레스의 가장 유명한 작품 중 하나가 된 라 그란데 오달리케를 도르메우스 드 나폴리에 동행하도록 의뢰했다.잉그레스는 무라트 정권의 붕괴와 1815년 ^[43]요아힘 무라트의 처형 때문에 대가를 받지 못했다.나폴레옹 왕조가 몰락하면서 그는 후원 없이 로마에 고립된 자신을 발견했다.

그는 연필과 유화로 거의 사진적으로 정확한 훌륭한 초상화를 계속 그렸다; 그러나 프랑스 정부가 떠나면서, 그림 제작 의뢰는 드물었다.그의 경력의 이 저점 동안, 잉그레스는 전후 로마를 지나는 많은 부유한 관광객들, 특히 영국인들의 연필 초상화를 그려 수입을 늘렸다.역사화가로서의 명성을 염원하는 예술가에게는 하찮은 작품처럼 보였고, 문을 두드리는 관람객에게는 "작은 초상화를 그리는 사람이 여기 사나요?"라고 묻는 방문객에게는 "아니, 여기 사는 사람은 화가예요!"^[44]라고 짜증스럽게 대답하곤 했다.이 시기에 그가 그린 초상화는 오늘날 그의 가장 존경받는 작품 중 하나이다.^[45]그는 유명한 친구들의 초상화를 포함해 500여 점을 그린 것으로 추정된다.그의 친구 중에는 파가니니를 포함한 많은 음악가들이 있었고, 그는 모차르트, 하이든, 글럭, 베토벤에 ^[46]대한 열정을 공유하는 다른 사람들과 정기적으로 바이올린을 연주했다.

그는 또한 중세 시대와 르네상스의 사건들을 이상화한 트루바도르 스타일로 알려진 일련의 작은 그림들을 그렸다.1815년에 그는 아레티노와 찰스 5세의 대사뿐만 아니라 아레티노와 틴토레토를 그렸는데, 아레티노와 틴토레토는 그의 비평가에게 권총을 휘두르는 화가가 궁지에 몰린 ^[47]잉그레스에게 특히 만족감을 줬을 수도 있는 일화적인 그림이다.같은 스타일의 다른 그림으로는 헨리 4세 (1817년)와 레오나르도의 죽음이 있다.

1816년 잉그르는 로마 주재 프랑스 대사 가브리엘 코르토아 드 프레시니의 ^[48]초상화를 그의 유일한 에칭으로 제작했다.그가 작성한 유일한 판화는 두 장의 석판화이다.베산송의 4대 치안판사는 테일러 남작의 '보야주 피토레스크 et 로만티크 랑시엔 프랑스'와 1825년 '^[49]라 그란데 오달리스크'의 삽화로 만들어졌다.

1817년, 교황청 주재 프랑스 대사였던 블라카스 백작은 1814년 이래 처음으로 잉그레스에게 그리스도가 피터에게 열쇠를 주는 그림을 공식 의뢰했다.1820년에 완성된 이 당당한 작품은 로마에서 호평을 받았지만, 교회 당국은 전시를 위해 ^[50]파리로 보내지는 것을 허락하지 않았다.

1816년 또는 1817년 알바의 공작 페르난도 알바레즈 데 톨레도의 후손들로부터 개신교 종교개혁을 탄압한 공주의 그림으로 교황 서훈을 받은 그림이 의뢰되었다.잉그레스는 공작을 역사의 악당 중 한 명으로 간주하는 그 주제를 싫어했고 위원회와 그의 양심 모두를 만족시키기 위해 애썼다.결국 공작을 배경의 작은 인물로 만든 수정 후, 잉그레스는 일을 ^[51]끝내지 못한 채 내버려두었다.그는 일기에 "J'etais porce par la nequirité de peindre un parel tableau; Dieu a voulu quille este en ebauche"라고 썼다. (나는 그런 그림을 그릴 필요가 있어서 어쩔 수 없이 그린 것이고, 하느님은 그것이 몽타주로 남기를 원했다.)^[52]

그는 파리의 살롱에 작품을 계속 보냈고 그곳에서 돌파구를 찾기를 희망했다.1819년 그는 아리오스토의 16세기 서사시 올란도 푸리오소의 일화를 바탕으로 한 역사화뿐만 아니라 그의 누드인 라 그란데 오달리스크와 역사화를 보냈지만 그의 작품은 다시 한번 비평가들로부터 고딕적이고 ^[53]부자연스럽다는 비난을 받았다.비평가 케라티는 그란데 오달리스크의 등이 너무 길다고 불평했다.비평가 찰스 랜든은 다음과 같이 썼다: "잠시 주의를 기울인 후, 이 그림에는 뼈도, 근육도, 피도, 생명도, 부조도, 모방을 구성하는 어떤 것도 없다는 것을 알 수 있다. 예술가는 의도적으로 실수를 하고 싶어했고, 그는 순수하고 원시적인 태도로 다시 살아나도록 믿었다는 것이 명백하다.고대 화가들의 그림이지만, 그는 이전 시대의 조각 몇 개와 타락한 처형을 모델로 삼았고,^[54] 완전히 길을 잃었다.

1820년 잉그레스 부부는 파리에서의 오랜 친구였던 피렌체 조각가 로렌조 바르톨리니의 권유로 피렌체로 이사했다.그는 여전히 수입을 위해 초상화와 그림에 의존해야 했지만, 그의 운은 ^[55]바뀌기 시작했다.그의 역사화 '로저 프리빙 안젤리카'는 루이 18세의 개인 소장품으로 구입해 파리 룩셈부르크 미술관에 전시됐다.이것은 박물관에 ^[56]들어간 잉그레스의 첫 번째 작품이었다.

1821년 그는 어린 시절 친구인 무슈 드 파스토레트, 도팽의 파리 입성, 미래 찰스 5세에게 의뢰해 그림을 완성했다; 드 파스토레트 또한 자신의 초상화와 종교 작품을 주문했다.1820년 8월, 드 파스토레트의 도움으로, 그는 몬토반 대성당을 위한 주요 종교 그림의 의뢰를 받았습니다.주제는 교회와 국가 사이의 유대 관계를 재정립하는 것이었다.라파엘로부터 영감을 받은 잉그르의 그림 루이 13세의 서약(1824년)은 순전히 르네상스 스타일로 루이 10세를 묘사했다.성모 마리아에게 그의 통치를 바치겠다고 맹세했다.이것은 유신의 새 정부의 주의와 완벽하게 일치했다.그는 큰 캔버스를 완성하는 데 4년이 걸렸고, 1824년 10월 그것을 파리 살롱에 가져갔고, 그곳에서 마침내 파리 예술 기득권의 문을 열었고 ^[57]공식 화가로서의 그의 경력에 열쇠가 되었다.

파리로 돌아가 로마로 후퇴(1824년–1834년

루이 10세의 서약1824년 살롱에서의 III는 마침내 잉그레스에게 결정적인 성공을 가져다 주었다.스텐달은 ^[58]"신성의 개념을 배제한 물질적 아름다움"에 대해 불평했지만, 대부분의 비평가들은 이 작품을 칭찬했다.저널리스트이자 미래의 총리이자 프랑스 대통령인 아돌프 티에르는 새로운 스타일의 돌파구를 축하했다: ^[58]"새로운 스타일의 본질인 다양성만큼 좋은 것은 없다.1825년 1월 잉그르는 샤를 10세로부터 레지옹 도뇌르 십자장을 수여받았고, 1825년 6월 그는 보아트 ^[46]아카데미 회원으로 선출되었다.델페흐와 수드레가 1826년에 출판한 라 그랑드 오달리스크의 석판 인쇄물은 열성적인 구매자들을 발견했다. 잉그레스는 복제권을 위해 24,000 프랑을 받았는데, 이는 6년 ^[59]전에 그가 지불했던 원본 그림 금액의 20배이다.1824년 살롱은 또한 잉그레스의 신고전주의에 역류를 가져왔다.외젠 들라크루아는 '시오 학살'을 ^[60]앵그르의 작품과 극명한 대조를 이루는 로맨틱한 스타일로 전시했다.

잉그레스의 그림의 성공은 1826년 루브르 박물관에 있는 찰스 10세 박물관의 홀 중 한 곳의 천장을 장식할 의도가 있었던 역사의 모든 위대한 예술가들을 찬양하는 거대한 캔버스인 호머의 신격화라는 새로운 위원회로 이어졌다.잉그레스는 1827년 살롱에 맞춰 작품을 완성하지 못했지만 그림으로 ^[61]그림을 전시했다.1827년 살롱은 잉그레스 신학의 신고전주의와 델라크루아의 낭만주의의 새로운 선언인 사르다나팔로스의 죽음 사이의 대립이 되었다.잉그르는 들라크루아를 추악의 사도라고 부르며 친구들에게 들라크루아의 재능, 고귀한 인격, 뛰어난 정신은 인정하지만, 그는 내가 위험하다고 생각하는 성향을 가지고 있고,^[62][63] 내가 밀어내야 한다고 말했다.

부르봉 정부 하에서 그가 누렸던 상당한 후원에도 불구하고, 잉그레스는 ^[64]1830년 7월 혁명을 환영했다.혁명의 결과는 공화정이 아니라 입헌군주제라는 것이 본질적으로 보수적이고 평화적인 예술가에게 만족스러운 것이었다. 그는 1830년 8월 친구에게 보낸 편지에서 "아직도 너무 영광스럽게,^[65] 그래서 신성하게 자유의 질서와 행복을 더럽히고 싶은" 선동가들을 비난했다.잉그레스의 경력은 거의 영향을 받지 않았고, 그는 7월 왕정 하에서 공식적인 임무와 훈장을 계속 받았다.

잉그르는 1833년 살롱에 전시되었고, 그곳에서 그의 루이 프랑수아 베르탱의 초상화는 특히 성공적이었다.일부 비평가들은 그것의 자연주의가 저속하고 색채가 ^[66]단조롭다고 선언했지만 대중들은 그것의 사실주의를 매혹적으로 여겼다.1834년 그는 갈리아에서 순교한 최초의 성인을 묘사한 대형 종교화 '성 교향곡의 순교'를 완성했다.이 그림은 1824년 내무부의 오툰 대성당 의뢰로 제작됐으며, 그림 속 도상화는 주교가 지정했다.잉그레스는 이 그림을 자신의 작품과 기술의 총합으로 생각하고 1834년 살롱에 전시하기 전에 10년 동안 작업했다.그는 그 반응에 놀랐고, 충격을 받았고, 화가 났다; 그 그림은 신고전주의자들과 낭만주의자들로부터 공격을 받았다.잉그레스는 역사적인 부정확함, 색깔, 아름다운 조각상처럼 보이는 성자의 여성스러운 외모로 비난을 받았다.화가 난 잉그레스는 더 이상 공공의 의뢰를 받지 않을 것이며 살롱에 더 이상 참여하지 않을 것이라고 발표했다.그는 후에 1855년 파리 국제 박람회에서 열린 반공개 전시회와 회고전에 참여했지만 다시는 살롱에 참가하거나 대중의 심판을 받기 위해 작품을 제출하지 않았다.대신, 1834년 말에 그는 프랑스 ^[67]아카데미의 원장이 되기 위해 로마로 돌아왔다.

로마 프랑스 아카데미 소장(1834년-184년)

잉그레스는 6년 동안 로마에 머물렀다.그는 나중에 파리의 에콜 데 보 예술에서 하게 되었던 것처럼, 그림 학생들의 훈련에 많은 관심을 쏟았다.그는 아카데미를 다시 조직하고, 도서관의 크기를 늘리고, 아카데미 컬렉션에 많은 고전 동상 틀을 추가했으며, 학생들이 로마와 파리에서 공탁을 받는 것을 도왔다.그는 고대 기독교 모자이크, 중세 벽화, 르네상스 ^[68]미술을 공부하기 위해 오르비에토(1835), 시에나(1835), 라벤나와 우르비노로 여행했다.그는 이 아카데미의 주제 중 하나인 음악에 상당한 관심을 기울였다; 그는 프란츠 리스트와 파니 멘델스존을 환영했다.그는 ^[69]리스트와 오랜 우정을 쌓았다.당시 아카데미 연금수급자였던 작곡가 찰스 구노드는 웨버와 베를리오즈 등 현대음악에 대한 잉그레스의 감상과 베토벤 하이든 모차르트 글룩에 대한 애정을 표현했다.그는 음악학과 학생들과 그의 친구 니콜로 파가니니와 함께 베토벤의 바이올린 작품을 ^[68]연주했다.구노드는 잉그레스에게 "아기처럼 상냥하고 사도처럼 분노가 있었다"고 썼다.스텐달이 아카데미에 찾아가 베토벤을 폄하하자 잉그레스는 문지기에게 고개를 돌려 스텐달을 가리키며 "이 신사가 다시 전화하면 난 여기 ^[70]없다"고 말했다.

1834년 살롱에서의 실패에 대한 파리 예술 기관에 대한 그의 원망은 사그라지지 않았다.1836년 그는 프랑스 내무부 장관인 아돌프 티에르로부터 파리의 마들렌 교회 내부를 장식하는 주요 의뢰를 거절했는데,^[68] 그 의뢰가 경쟁자인 폴 들라로쉬에게 먼저 제안되었기 때문이다.그는 파리의 후원자들에게 보낸 몇 가지 작품을 완성했다.하나는 L'Odalisque et L'esclave, (1839)로 터번을 두른 음악가가 연주하는 동안 나른하게 뒤로 젖혀지는 금발의 오달리스크 또는 하렘 멤버의 초상화입니다.이것은 오리엔탈리즘의 대중적인 장르에 들어맞았다; 그의 경쟁자인 외젠 들라크루아는 1834년 살롱을 위해 비슷한 주제인 'Les Femes d'Alger'의 그림을 만들었다.배경은 페르시아의 미니어처로부터 영감을 받아 이국적인 디테일로 가득 차 있었지만, 이 여성의 긴 리클라이닝 형태는 순수한 잉그레스였다.비평가 테오필 고티에르는 잉그레스 작품에 대해 이렇게 썼다: "세라글리오의 신비, 침묵, 숨막히는 분위기를 더 잘 그리는 것은 불가능하다."1842년에 그는 두 번째 버전을 그렸는데, 첫 번째 버전과 거의 동일하지만 배경은 풍경화였다.^[71]

그가 1840년에 보낸 두 번째 그림은 사랑과 희생을 주제로 한 역사 그림인 안티오쿠스의 병(1840; 아니오쿠스와 스트라토니스로도 알려져 있음)이다. 이 그림은 1800년 한때 잉그레스 감독이 작업실에 있을 때 그려진 주제이다.루이 필리프 1세의 아들인 오를레앙 공작의 의뢰를 받아 만든 이 건물은 아카데미 학생 중 한 명인 미래의 파리 시장 건축가 빅토르 발타르가 디자인한 매우 정교한 건축 배경을 가지고 있다.중앙의 인물은 하얀 옷을 입은 천상의 여성으로, 잉그레스의 여성 ^[72]초상화 중 일부에서 손을 턱에 얹은 명상적인 포즈가 반복된다.

아니오키우스와 스트라토니케에 대한 그의 그림은 크기가 1미터에 불과했음에도 불구하고 잉그레스에게 큰 성공을 거두었다.8월에 그것은 팔레 데 튈르리에 ^[73]있는 마르산의 오를레앙 공작의 개인 아파트에서 전시되었다.왕은 베르사유에서 그에게 직접 인사를 하고 궁전을 구경시켜 주었다.그는 왕위 계승자인 공작의 초상화와 루니 공작의 초상화를 그려달라는 의뢰를 받았고, 또 다른 초상화는 탕피에르 성을 위한 두 개의 거대한 벽화를 제작하는 의뢰를 받았다.1841년 4월에 그는 ^[74]파리로 확실히 돌아왔다.

최종년도(1841~1867)

파리로 돌아온 후 처음 그려진 작품 중 하나는 오를레앙 공작의 초상화였다.1842년 그림이 완성되고 몇 달 뒤 왕위 계승자가 마차 사고로 사망한 후 잉그레스는 추가 복제품을 제작하라는 의뢰를 받았다.그는 또한 사고가 난 곳의 예배당 스테인드글라스 창문 17개를 디자인하고,^[75] 드뢰에 있는 오를레앙 예배당에 스테인드글라스 창문 8개를 추가로 디자인하라는 의뢰를 받았다.그는 파리에 있는 Ecole des Beaux-Arts의 교수가 되었다.그는 학생들을 루브르 박물관에 자주 데리고 가서 고전과 르네상스 미술을 관람하면서, 학생들에게 앞을 똑바로 보고 루벤스의 작품을 피하라고 가르쳤는데,^[76] 그는 이것이 예술의 진정한 가치에서 너무 멀다고 생각했다.

루이 필리프를 전복시키고 프랑스 제2공화국을 만든 1848년 혁명은 그의 작품이나 사상에 거의 영향을 미치지 않았다.그는 혁명가들이 "프랑스인"^[77]이라고 선언했지만, 혁명 기간 동안 그가 학문적인 연구로 시작한 비너스 아나디오메네를 완성했다.그것은 그녀를 낳은 바다에서 솟아오른 비너스를 나타내며, 셰럽에 둘러싸여 있었다.그는 1852년 나폴레옹 3세 황제가 된 루이-나폴레온의 새 정부의 후원을 환영했다.

1843년 잉그르는 예술의 기원을 보여주는 두 개의 커다란 벽화, 황금기와 철기 시대와 함께 담피에르 성 안에 있는 큰 홀의 장식을 시작했다.그는 5백 점 이상의 예비 ^[78]도면을 그렸고, 6년 동안 거대한 프로젝트에 매달렸다.르네상스 벽화의 효과를 모방하기 위해, 그는 회반죽 위에 벽화를 유화로 그리기로 선택했고, 이것은 기술적인 ^[79]어려움을 야기했다.철기시대 작업은 ^[80]조수가 그린 건축적 배경을 넘어서는 일이 결코 진행되지 않았다.한편, 황금기에 나체들이 늘어남에 따라 잉그레스의 후원자인 Duc de Luynes와 잉그레스는 1847년 벽화 작업을 중단했다.잉그레스는 1849년 7월 27일 사망한 아내를 잃은 것에 절망하여 마침내 일을 ^[81]완성할 수 없었다.1851년 7월, 그는 그의 모국인 몬타우방에 그의 예술작품을 선물했다고 발표했고, 10월에 그는 에콜 데 보 ^[82]예술 대학의 교수직을 사임했다.

그러나 1852년 당시 71세였던 잉그레스는 친구 마르코트 다르겐테유의 친척인 43세의 델핀 라멜과 결혼했다.잉그레스는 회춘되었고, 그 후 10년 동안 알베르 드 브로글리 공자의 초상화, 호세핀 엘레오노어 마리 파울리느 드 갈라르 드 브라삭 드 베아른을 포함한 몇 가지 중요한 작품을 완성했습니다.1853년 그는 파리 호텔 드 빌의 홀 천장을 위해 나폴레옹 1세의 신전을 시작했다.조수들의 도움으로, 1854년 그는 또 다른 역사 그림인 샤를 7세의 대관식에서 잔 다르크를 완성했다.1855년 ^[83]파리 만국박람회에서 그의 작품 회고전이 열렸고, 같은 해 나폴레옹 3세는 그를 레지옹 도뇌르 대관으로 임명했다.1862년 참의원 직함을 수여받아 황실교육심의회 위원이 되었다.그의 작품 ^[84]중 3점이 런던 국제 전시회에 전시되었고, 프랑스의 주요 화가로서의 그의 명성은 다시 ^[85]한번 확인되었습니다.

그는 계속해서 그의 고전적인 주제들을 수정하고 다듬었다.1856년에 잉그레스는 1820년에 시작되었고 그의 비너스 아나디오메네와 ^[31]밀접한 관련이 있는 그림인 The Source (The Spring)를 완성했다.그는 루이 14세와 몰리에르의 두 가지 버전을 그렸고, 그의 초기 작품들 중 몇 가지를 변형된 사본으로 제작했다.이것들은 루이 10세의 서약에 나오는 성모상을 포함한 종교 작품들이다.III는 재평가되었습니다.1858년의 입양의 성모(마드모아젤 롤랑-고셀린 그림)는 왕관 성모(마담 라 바론 드 라린티 그림)와 아이를 가진 성모(마담 라 바론 드 라린티 그림)가 뒤를 이었다.1859년에 그는 괴물의 성모를 새로 제작했고 1862년에 그는 ^[86]수년 전에 마리 아말리 여왕이 비지의 예배당을 위해 의뢰한 작품인 그리스도와 의사들을 완성했다.그는 파올로와 프란체스카, 오이디푸스와 스핑크스의 ^[87]작은 복제품을 그렸다.1862년에 그는 종이 위에 있는 작은 버전의 황금기를 ^[88]완성했다.그의 마지막 중요한 초상화는 이 시대로 거슬러 올라간다.Marie-Closhilde-Inés de Foucauld, Moitessier, 착좌(1856년), 78세의 자화상, J.A.-D. 부인. 잉그레스, 델핀 라멜, 둘 다 1859년에 완공되었습니다.플로렌스 우피치 미술관의 요청으로 그는 1858년 자신의 초상화를 그렸다.그 그림에서 유일한 색은 레지옹 ^[89]도뇌르 훈장의 로제트의 빨간색이다.

그의 생애가 끝날 무렵, 그는 그의 가장 잘 알려진 걸작들 중 하나인 터키식 배스를 만들었다.그것은 그가 1828년부터 그의 쁘띠 바이뉴즈와 함께 그려온 인물과 주제를 다시 표현했다.원래 1852년 정사각형 형태로 완성되어 1859년 나폴레옹 왕자에게 팔린 이 작품은 곧 화가에게 반환되었다. 전설에 따르면 클로틸드 공주는 풍부한 ^[90]나체로 인해 충격을 받았다.그 그림을 톤도로 다시 작업한 후,^[91] 잉그레스는 1862년에 서명하고 날짜를 정했지만 1863년에 추가로 수정했다.이 그림은 결국 터키 외교관 칼리드 베이에 의해 구입되었는데, 그는 쿠르베의 그림 몇 점을 포함한 누드 미술품과 에로틱 미술품을 많이 소장하고 있었다.그 그림은 잉그레스 사후에도 계속 스캔들을 일으켰다.그것은 1907년에 루브르 박물관에 제공되었지만 거절당했고,^{[92] [91]}1911년에 루브르 박물관에 주어졌습니다.

잉그르는 1867년 1월 14일 86세의 나이로 파리 콰이 볼테르의 아파트에서 폐렴으로 사망했다.그는 그의 제자 장마리 보나시에가 조각한 무덤과 함께 파리의 페르 라셰즈 공동묘지에 묻혔다.다수의 주요 그림, 4000점이 넘는 그림, 바이올린을 포함한 그의 스튜디오의 내용물은 현재 Musée Ingres로 ^[93]알려진 Montauban 시립 박물관에 유산으로 남겨졌습니다.

스타일.

잉그레스의 스타일은 젊었을 때 형성되었고 비교적 ^[94]거의 변하지 않았다.남자의 초상화 (또는 1797년 7월 3일 현재 루브르 박물관에^[95] 있는 미지의 초상화)와 같은 그의 초기 그림들은 이미 윤곽의 수려함과 형태를 모델로 하는 평행 부화에 대한 비상한 통제력을 보여준다.처음부터 그의 그림은 "그림이 예술의 ^[96]진수"라는 그의 자주 인용되는 신념이 반영된 윤곽이 단단하다는 것이 특징이다.그는 색상이 그림의 부속품에 지나지 않는다고 믿었고, 다음과 같이 설명했습니다: "그림은 윤곽을 재현하는 것일 뿐 아니라 선뿐만 아니라, 그림 또한 표현, 내부 형태, 구성, 모델링입니다.그 뒤에 뭐가 남았는지 보세요.그림은 그림의 ^[97]8분의 7입니다.

미술사학자 장 클레이는 잉그레스가 "그의 가장 자유로운 스케치조차도 마지막 ^[98]작품에서 발견된 것과 같은 종류의 실행을 보여주면서, 항상 확신에서 확신으로 나아갔다"고 말했다.인간의 몸을 묘사하면서 그는 구불구불한 아라베스크를 ^[98]추구하면서 해부학의 법칙을 무시했다.눈에 보이는 붓놀림을 싫어한 잉그레스는 낭만주의 유파가 의존하는 색채와 빛의 변화 효과에 의지하지 않았다. 그는 단지 빛에 반 톤으로 희미하게 모델링된 지역색을 선호했다."Ce que l'onite"라고 그는 되뇌었다. "il faut le savoir l'épée la la main."("당신이 아는 것은 무엇이든 손에 들고 그것을 알아야 한다.") 잉그레스는 따라서 호메로스의 아포테오시스나 성 교향곡의 순교와 같은 혼잡한 작곡을 다룰 때 필요한 효과의 통일성을 만들어 낼 수 있는 수단을 마련하지 못했다.잉그레스의 역사 신화화 중 가장 만족스러운 것은 오이디푸스, 반신욕자, 오달리스케, 봄과 같은 한두 명의 인물을 묘사한 것으로, 이는 완벽한 ^[86]육체적 행복에 대한 의식에 의해서만 생동감 있게 그려진다.

Roger Freeing Angelica에서 여성의 나체는 그의 ^[99]히포그리프를 타고 구조하러 날아가는 Roger의 세심하게 그려졌지만 불활성인 형상과 단지 병행된 것처럼 보인다. 왜냐하면 잉그레스는 움직임과 극의 묘사에 거의 성공하지 못했기 때문이다.Sanford Schwartz에 따르면, "역사, 신화, 그리고 종교적인 영화들은 엄청난 에너지와 산업을 보여주지만, 눈에 띄는 내적 긴장감을 거의 전달하지 않는, 의상 드라마이다...역사 사진 속의 얼굴들은 본질적으로 세션이 끝나기를 기다리는 모델들의 얼굴들이다.감정을 표현해야 할 때, 그것은 거칠게,^[100] 또는 나무처럼 떠오릅니다."

잉그레스는 이론을 싫어했고, 이상적이고 일반적이며 규칙적인 것에 중점을 둔 고전주의에 대한 그의 충성심은 그의 특정한 ^[101]사랑에 의해 누그러졌다.그는 "아름다움의 비밀은 진실을 통해 찾아야 한다"고 믿었다.고대인들은 창조하지 않았고, 만들지 않았다.^[102] 그들은 인식했다."잉그레스의 많은 작품에서 로버트 로젠블럼이 "기름과 물의 감각"^[103]이라고 부르는 것을 만들어내는 이상화된 것과 특수화된 것 사이에 충돌이 있다.이 모순은 체루비니와 서정시의 뮤즈(1842년)에 생생하게 나타나는데, 예를 들어 사실적으로 그려진 81세의 작곡가가 고전적인 ^[104]휘장의 이상화된 뮤즈에 참석한다.

잉그레스의 주제에 대한 선택은 그의 문학 취향을 반영했는데, 그것은 매우 제한적이었다: 그는 호머, 버질, 플루타르코, 단테, 역사, 그리고 ^[17]예술가의 삶을 읽고 다시 읽었다.그는 일생 동안 좋아하는 몇 가지 주제를 다시 찾았고, 그의 주요 ^[105]작품들 중 여러 버전을 그렸다.그는 전투 장면에 대한 또래의 열정을 공유하지 않았고, 일반적으로 ^[106]"만남이나 대립으로 드러나는 폭로나 친밀한 결단의 순간"을 묘사하는 것을 선호했다.그의 수많은 오달리스케 그림들은 터키 대사의 부인인 메리 워틀리 몬타규의 일기와 편지들이 출판되었을 ^[107]때 유럽 사회를 매료시킨 글들에 의해 많은 영향을 받았다.

빠르게 그림을 그릴 수 있었지만, 그는 종종 몇 년 동안 그림을 그리느라 고생했다.잉그레스의 제자인 아마우리 듀발은 그에 대해 다음과 같이 썼다. "왜 잉그레스의 작품 규모가 아직 크지 않은지 설명하는데 어려움을 겪었지만, 그는 자주 (그의 작품을) 긁어내 만족하지 못했다... 그리고 아마도 이 시설 자체가 그를 불만족스럽게 하는 것은 그가 결함을 수리할 수 있는 힘을 가지고 있다는 것을 확신하고, 그리고 빠르게 수정하게 했을 것이다."^[108]잉그레스의 비너스 아나디오메네도 1807년에 시작되었지만,^[31] 팔의 위치에 대한 그의 우유부단함 때문에 오랜 공백 끝에 1848년까지 완성되지 못했다.출처(1856)도 비슷한 역사를 가지고 있다.1855년 잉그레스의 그림 재작성이 ^[109][110]손실이라고 믿었던 아마우리-듀발에 따르면, 그것은 1820년대에 "그녀가 단박에 그려졌다고 생각할 정도로 단순함"의 스케치로서 시작되었다.

초상화

• 

  마리 프랑수아즈 리비에르의 초상(1805–06), 캔버스에 유화, 116.5×81.7cm, 루브르

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  워싱턴 DC 국립미술관 찰스 마코트(1810)의 초상화

• 

  루브르 박물관 베르탱의 초상화(1832년)

• 

  뉴욕, 프릭 컬렉션, 콤테세 다손빌(1845년)의 초상화

• 

  파리 로스차일드 컬렉션 남작의 초상(1848년)

잉그레스는 역사 회화가 최고의 예술이라고 믿었지만, 그의 현대적 명성은 주로 그의 초상화의 뛰어난 품질에 달려 있다.1855년 만국박람회에서 회고전을 열 무렵, 그의 초상화를 그의 ^[111]걸작으로 보는 공감대가 형성되었다.그들의 일관되게 높은 품질은 초상화에 대한 요구로 그가 역사적 주제를 그리는 데 소비할 수 있었던 시간을 빼앗겼다는 잉그레스의 종종 진술된 불평을 믿지 않는다.보들레르는 그를 "프랑스에서 초상화를 진정으로 그리는 유일한 남자"라고 불렀다.베르탱, 몰레, 호손빌 부인의 초상화는 진정한 초상화, 즉 개인의 이상적인 재구성입니다.훌륭한 초상화는 언제나 드라마화된 ^[112]전기처럼 느껴집니다.그의 가장 유명한 초상화는 1833년 살롱에 전시되었을 때 널리 존경받았던 데바츠 저널의 편집장인 루이 프랑수아 베르탱의 초상화이다.잉그레스는 원래 베르탱이 서 있는 그림을 그릴 계획이었지만, 그가 앉는 자세를 정하기 전에 많은 시간 동안의 노력이 교착상태에 빠졌습니다.에두아르 마네는 이 초상화를 "부르주아 계급의 부처"라고 묘사했다.그 초상화는 베르탱의 사회적 ^[113]계급의 경제적, 정치적 힘의 상징이 되었다.

그의 여성 초상화는 종종 고전적인 조각상을 따라 포즈를 취했다; 유명한 콩테세 드 초상화.하우손빌은 바티칸 ^[114]컬렉션에 있는 "Pudicity" (겸손함)라고 불리는 로마의 조각상을 본떠 만들어졌을지도 모른다.잉그레스가 사용한 또 다른 수법은 초상화의 직물이나 디테일을 매우 정확하고 정확하게 그리는 것이지만, 얼굴을 이상화하는 것이었다.보는 사람의 눈은 직물을 사실적으로 인식하고 그 얼굴이 똑같이 ^[115]사실이라고 가정할 것이다.그의 여성 초상화는 따뜻하고 감각적인 세논 부인(1814년)부터 사실적인 마드모아젤 잔느 고닌(1821년), 주노스크인 마리 클로틸데 이네스 드 푸콜드, 모이테시에 부인(1851년, 1856년), 차가운 호세피네 폴로니에까지 다양하다.3).

도면

• 

  그란데 오달리스크에 대한 연구(1814)

• 

  바이올리니스트 니콜로 파가니니(1819년)

• 

  비콤테세 다손빌 초상화 연구 (1844년경)

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  터키 목욕에 관한 연구(1859)

그림은 잉그레스 예술의 기초였다.Ecole des Beaux-Arts에서 그는 피겨 드로잉에 뛰어났으며 최우수상을 받았다.로마와 피렌체에 있는 동안, 그는 가족, 친구, 방문객의 그림을 수백 점 그렸는데, 그들 중 다수는 매우 높은 초상화 품질을 가지고 있었다.그는 그림을 그리기 시작할 때 반드시 먼저 그림을 풀었는데, 대개 그가 구도를 다듬는 긴 연속적인 그림으로 그림을 그렸다.그의 큰 역사 그림의 경우, 그림 속의 각 인물들은 그가 다양한 포즈를 취하면서 수많은 스케치와 연구의 대상이 되었다.그는 아카데미와 Ecole des Beaux-Arts의 학생들에게 무엇보다도 그림을 완성할 것을 요구했다; 그는 "잘 그린 것은 항상 잘 그려진 것이다"^[116]라고 선언했다.

450여 점의 ^[117]초상화는 오늘날 그의 가장 존경받는 작품 중 하나이다.그 중 많은 수가 이탈리아에서 보낸 그의 어려운 초기 시절부터 시작되었지만, 그는 그의 인생이 끝날 때까지 그의 친구들의 초상화를 계속 그렸다.아그네스 몽간은 초상화에 대해 다음과 같이 썼다.

그가 1806년 가을 파리에서 로마로 떠나기 전, 그의 그림 양식의 익숙한 특징들은 잘 확립되어 있었고, 섬세하면서도 단단한 윤곽, 확실하지만 신중한 형태의 왜곡, 정확하지만 생동감 넘치는 특징 묘사에 유사성을 포착하는 거의 묘한 능력이었다.

선호하는 재료도 이미 확립되어 있습니다. 매끄러운 흰 종이 위에 뾰족한 흑연 연필이 있습니다.재료와 방식이 우리에게 너무 익숙해서 우리는 그것들이 그 당시에 얼마나 특별해 보였는지를 잊었다.잉그레스의 그림 방식은 세기만큼 새롭다.그것은 즉시 전문가로 인정되었고 존경스러웠다.그의 그림이 고딕이라는 혹평을 받았다면 그에 ^[118]견줄 만한 비판은 없었다.

그의 제자인 레이먼드 발즈는 잉그레스 씨의 초상화 작업 일상에 대해 "아침에 1시간 30분, 그리고 오후에 2시간 30분씩 그림을 다시 그리는 일은 거의 없었다"고 설명했다.허를 찔려 ^[119]자연스러워진 모델과의 점심식사를 하면서 초상화의 진수를 알게 됐다는 말을 자주 들었습니다.존 캐나데이에 따르면, 그 결과로 나온 그림들은 너무 교묘하고 잔인하지 않은 방법으로 시터들의 성격을 드러냈기 때문에 잉그레스는 "그들을 ^[120]즐겁게 하는 그림에서 얼간이, 바보 같은 여자, 또는 바람둥이의 허영심을 드러낼 수 있다"고 한다.

잉그레스는 직조지에 초상화를 그렸는데, 그것은 레이드 페이퍼(오늘날 "잉그레스 페이퍼"^[121]라고 불림)의 주름 표면과는 매우 다른 매끄러운 표면을 제공했다.초기 그림들은 날카롭게 뾰족한 흑연으로 그려진 매우 팽팽한 윤곽이 특징인 반면, 이후 그림들은 보다 부드럽고 흐릿한 ^[122]흑연으로 그려진 보다 자유로운 선과 보다 강조적인 모델링을 보여준다.

'성모순교'를 위한 많은 연구 등 회화에 대비해서 그린 그림들. 교향곡과 황금기는 초상화보다 크기와 처리 방식이 더 다양합니다.가장 웅변적인 제스처를 찾아 누드 모델을 많이 그린 뒤 커튼을 위해 또 다른 일련의 그림을 그리는 것이 그의 평소 습관이었다.그의 어린 시절, 그는 때때로 그의 모델이 디테일을 억제하고 아라베스크를 ^[123]강조하는 반투명한 베일 뒤에서 포즈를 취했습니다.그는 의사들 사이에서 ^[124]예수 그림에서처럼 남성 피규어 포즈를 시험할 때 여성 모델을 자주 이용했다.그가 의뢰한 초상화에도 누드 연구가 존재하지만,^[125] 이것은 고용된 모형을 사용하여 그린 것이다.

잉그레스는 로마에 있는 동안 많은 풍경화를 그렸지만, 그는 ^[126]단지 하나의 순수한 풍경화, 작은 톤도 라파엘 카지노를 그렸다.

색상

잉그레스에게 색채는 예술에서 완전히 부차적인 역할을 했다.그는 이렇게 썼다. "색상은 그림에 장식을 더하지만, 그것은 단지 하녀일 뿐이다. 왜냐하면 그것은 예술의 진정한 완성도를 더 좋게 만들어주는 것이기 때문이다.루벤스와 반 다이크는 언뜻 보기엔 유쾌할 수 있지만, 그들은 기만적이다. 그들은 가난한 색깔론자 학파, 속임수 학파 출신이다.밝은 색상은 사용하지 마세요.반역사적인 색입니다.밝은 ^[127]색에 빠지는 것보다 회색에 빠지는 것이 낫다.파리의 연구소는 1838년 로마의 잉그레스 학생들이 "색깔의 진리와 힘에 대한 개탄스러울 정도로 부족한 지식과 빛의 다른 효과에 대한 지식이 없었다"고 불평했다.그들의 모든 화폭에서 무미건조하고 불투명한 효과를 볼 수 있다.해질녘에야 불이 켜진 것 같다.시인이자 비평가인 보들레르는 다음과 같이 말했다: "M의 제자들.잉그레스는 색채의 외관을 아주 불필요하게 피했다.그들은 그림에 ^[128]자신이 필요하지 않다고 믿거나 믿는 척한다.

잉그레스 자신의 그림들은 색채 사용에 있어 상당히 다양했고 비평가들은 그 그림들이 너무 회색이거나 반대로 너무 ^[129]거슬린다고 비난하기 쉬웠다.보들레르 - "M"이라고 말한 사람.잉그르는 유행하는 밀레니어처럼 색을 좋아한다"-루이 프랑수아 베르탱과 마담 다우송빌의 초상화에 대해 썼다: "눈을 뜨고, 그렇게 눈부시고 눈길을 끄는 그림, 또는 더 정교한 ^[129]색을 본 적이 있는지 우리에게 말해라."잉그레스의 그림은 케네스 클락이 라 그랑드 오달리스크에서 ^[130]"우회적으로 즐기라"고 공언한 "산색 블루스와 병녹색"과 같은 강한 지역 색상으로 종종 특징지어진다.다른 작품들, 특히 마드모아젤 잔-수잔-캐서린 고닌과 같은 그의 덜 격식을 차리지 않은 초상화에서는 색이 ^[113]절제되어 있다.

잉그르와 들라크루아

잉그르와 들라크루아는 19세기 중반에 프랑스에서 경쟁하는 두 예술 유파, 즉 신고전주의와 낭만주의의 가장 두드러진 대표자가 되었다.신고전주의는 예술은 "고귀한 단순함과 침착한 위엄"을 구현해야 한다고 쓴 요한 요아힘 빙켈만 (1717–1768)의 철학에 상당부분 바탕을 두고 있다.프랑수아 제라르, 앙투안 장 그로스, 안느 루이 지로데, 잉그르의 스승 자크 루이 다비드 등 많은 화가들이 이 과정을 따랐다.낭만주의라는 경쟁적인 학파가 독일에서 처음 생겨났고 프랑스로 빠르게 이주했다.그것은 "고딕"과 "원시적"으로 묘사된 고전적인 스타일의 모방 아이디어를 거부했다.프랑스 회화의 낭만주의자들은 테오도르 제리코와 특히 들라크루아가 이끌었다.경쟁은 1824년 파리 살롱에서 처음 나타났는데, 이곳에서 잉그르는 라파엘로부터 영감을 받아 루이 13세의 서약을 전시했고, 들라크루아는 그리스 독립전쟁의 비극적인 사건을 묘사한 키오스에서의 대학살을 보여주었다.드라크루아의 작품은 움직임, 색채, ^[131]감정으로 가득 찬 난동을 부린 반면 잉그르의 그림은 차분하고 정적이며 세심하게 구성되었다.

두 화가와 학파 사이의 논쟁은 1827년 살롱에서 다시 나타났는데, 잉그르는 고전적인 균형과 조화의 한 예인 라포테오 도메르를, 들라크루아는 또 다른 화려하고 떠들썩한 폭력 장면인 사르다나팔로스의 죽음을 보여주었다.각각 그의 학교에서 최고로 여겨지는 두 화가 사이의 결투는 몇 년 동안 계속되었다.비록 현대 미술사학자들은 잉그레스와 다른 신고전주의자들이 그 시대의 ^[132]낭만적인 정신을 구현하고 있다고 여기는 경향이 있지만, 파리 예술가들과 지식인들은 이 갈등으로 인해 열정적으로 분열되었다.

1855년 만국박람회에서는 들라크루아와 잉그르가 모두 잘 전시되었다.들라크루아의 지지자들과 낭만주의자들이 잉그르의 작품에 학대를 퍼부었다.공쿠르 형제는 잉그레스의 "인색한 재능"에 대해 다음과 같이 묘사했다: "M. 잉그레스는 역사에 직면하여 그의 도움을 헛되이 대학 졸업자가 요구하는 어떤 지혜, 품위, 편리함, 교정 그리고 합리적인 양의 영적 향상을 불렀습니다.그는 행동 중심 주위에 사람들을 흩어지게 하고 팔, 다리, 머리를 이리저리 던지며 자신의 일은 끝났다고 생각한다.."^[133]

보들레르는 또한 이전에는 잉그르에게 호의적이었지만 들라크루아 쪽으로 방향을 틀었다."잉그레스 씨는 뛰어난 자질을 타고났으며, 웅변적인 아름다움을 불러일으키는 사람으로 여겨질 수 있지만,^[134] 천재적인 죽음을 초래하는 활기찬 기질은 박탈당했습니다."

들라크루아 자신은 잉그레스에게 무자비했다.1855년 박람회에서 잉그레스의 작품 전시를 묘사하면서, 그는 그것을 "말도 안 되는..."이라고 불렀다.아시다시피 꽤 거창하게...그것은 불완전한 지능의 완전한 표현이다. 노력과 자만심은 어디에나 있고,^[135] 자연의 빛은 어디에서도 찾을 수 없다.

잉그르의 제자 폴 체나바르에 따르면, 그들의 경력 후반기에 잉그르와 들라크루아는 우연히 프랑스 연구소의 계단에서 만났다. 잉그르는 손을 내밀었고, 둘은 화기애애하게 ^[136]악수했다.

동공

잉그레스는 양심적인 교사였고 ^[137]그의 학생들에게 매우 존경받았다.그들 중 가장 잘 알려진 사람은 1830년부터 11살 때 그와 함께 공부한 테오도르 샤세리오로, 잉그레스 감독이 1834년 로마로 돌아가기 위해 스튜디오를 닫을 때까지.잉그레스는 샤세리오를 가장 진정한 제자로 여겼으며 심지어 초기 전기작가에 따르면 샤세리오가 "그림의 나폴레옹"^[138]이 될 것이라고 예언하기도 했다.하지만 샤세리우가 1840년 로마의 잉그르를 방문했을 때, 젊은 예술가의 낭만적인 스타일에 대한 충성심이 뚜렷해졌고, 잉그레는 그가 가장 좋아하는 학생과 관계를 끊게 되었고, 그는 이후 거의 말을 하지 않고 비판적으로 말했다.잉그레스 밑에서 공부한 다른 어떤 예술가도 강한 정체성을 확립하는데 성공하지 못했다; 그들 중 가장 주목할 만한 것은 장 히폴리트 플랑드린, 앙리 레만, 그리고 외젠 에마누엘 아마우리 ^[139]듀발이었다.

현대 미술에 미치는 영향

잉그레스는 후대의 예술가들에게 상당한 영향을 끼쳤다.그의 후계자 중 한 명인 드가는 잉그르의 작은 제자인 루이 라모테 밑에서 공부했다.20세기에 그의 영향력은 더욱 강했다.피카소와 마티스는 잉그레스에게 빚진 것을 인정한 사람들 중 한 명이었다; 마티스는 그를 "왜곡하지 않고 순수한 색을 사용하고,^[140] 그것들을 그린" 최초의 화가라고 묘사했다.전통적인 깊이와 원근법의 붕괴와 "카드 한 벌에 있는 인물들 같은" 인물들의 표현과 같은 잉그레스 그림의 놀라운 효과는 19세기에 비판을 받았지만 20세기에는 ^[141]아방가르드에게 환영을 받았다.1905년 파리 살롱도메른에서 열린 잉그르의 중요한 회고전은 피카소, 마티스 등 많은 예술가들이 방문했다.1907년 공개된 '터키 목욕'의 독창적이고 인상적인 구성은 ^[141]피카소의 '아비뇽의 레 데모이젤'에 등장하는 인물들의 구성과 포즈에 가시적인 영향을 미쳤다.이 전시회에는 여성들이 원을 그리며 우아하게 춤을 추는 놀라운 그림을 포함하여 미완성 벽화 '아게도르'에 대한 그의 연구도 다수 포함되어 있다.마티스는 1909년 ^[141]그의 그림 '라 단세'에서 이 작품에 대한 자신만의 버전을 만들었습니다.잉그레스의 베르탱 초상화의 특별한 자세와 색채는 피카소의 거트루드 스타인의 초상화(1906)^[142]에서도 다시 나타났다.

바넷 뉴먼은 잉그레스에게 추상적 표현주의의 창시자라고 말하며 다음과 같이 설명했습니다: "그 남자는 추상적인 화가였습니다...그는 모델보다 캔버스를 더 자주 보았다.Kline, de Kooning—^[143]그가 없었다면 우리 중 누구도 존재하지 않았을 것입니다."

잉그레 박물관의 큐레이터인 피에르 바루스는 이렇게 썼다.

카바넬이나 부게로 같은 19세기의 가장 평범한 작품부터 마티스에서 피카소에 이르기까지 다양한 예술가들이 얼마나 많은 방식으로 그를 주인이라고 주장하는지 깨닫는다.클래식 연주자?무엇보다 자연미의 비밀을 꿰뚫고, 자연미의 비밀을 자신의 수단으로 재해석하고 싶은 충동에 감동했다.다윗과는 근본적으로 다른 태도...입체파의 조형적 자율성,^[144] 초현실주의자의 선견지명성만큼이나 입체파에 의해 존경받는 진정한 개인적이고 독특한 예술이 탄생한다.

비올롱댕그레스

바이올린 연주에 대한 잉그레스의 유명한 열정은 프랑스어로 "바이올론 디잉그레스"라는 흔한 표현을 만들어 냈는데, 이는 주로 사람이 알려진 기술 이상의 두 번째 기술을 의미한다.

잉그레스는 젊은 시절부터 아마추어 바이올린 연주자로 툴루즈 오케스트라에서 제2바이올리니스트로 잠시 연주했다.그가 로마에 있는 프랑스 아카데미의 이사였을 때, 그는 음악 학생들과 객원 예술가들과 자주 연주했습니다.아카데미에서 잉그레스의 학생이었던 찰스 구노드는 단지 "그는 프로페셔널은 아니었고, 더군다나 거장은 아니었다"학생 음악가들과 함께 그는 니콜로 파가니니와 베토벤 현악 4중주곡을 연주했다.프란츠 리스트는 1839년 편지에서 그의 연주를 "차밍"이라고 묘사했고, 잉그레스와 함께 모든 모차르트와 베토벤 바이올린 소나타를 연주할 계획을 세웠다.리스트는 또한 ^[145]1840년 오리지널 출판물에 베토벤 교향곡 5번과 6번 전사를 잉그레스에게 바쳤다.

미국의 아방가르드 예술가 맨 레이는 이 표현을 앨리스 프린(일명 키키 드 몽파르나스)이 발핀송 베더(Valpinson Bather)의 포즈로 묘사된 유명한 사진의^[146] 제목으로 사용했다.

갤러리

• 

  바르샤바 국립박물관 남성 몸통 학술연구, 1801

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  자화상, 1804년 개정, c. 1850년 샹틸리 콩데 미술관

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  마담 뒤보시, 1807년 샹틸리 콩데 박물관

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  마드모아젤 잔-수잔-캐서린 고닌, 1821년, 태프트 미술관

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  뉴욕 메트로폴리탄 미술관(Metropolitan Museum of Brassac de Béarn, 1853), The Princese de Broglie, Joséphine-Eleonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn, 1853년)

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  1854년 루브르 샤를 7세 대관식의 잔 다르크

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  Mme. Moitessier, 1856년 국립미술관

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  안젤리카, 1859년 상파울루 미술관

「 」를 참조해 주세요.

• 나폴레옹의 유산과 기억

메모들

레퍼런스

외부 링크

• French painting 1774–1830: the Age of Revolution. New York; Detroit: The Metropolitan Museum of Art; The Detroit Institute of Arts. 1975. (인덱스 참조)
• 전기, 스타일 및 아트웍스
• 도미니크 잉그레스의 전기와 선정 작품
• 장 오귀스트 도미니크 Ingres.org – 200점
• 잉그레스 미술관
• 잉그르의 루이 프랑수아 베르탱 초상화 자세히 보기(루브르 박물관)