춤의 역사

History of dance
베일을 쓴 무용수, 미리나에서 온 고대 그리스 테라코타 조각상, 기원전 150-100년 경.루브르 박물관
기원전 3세기 타란토에서 온 춤추는 마에나드의 고대 그리스 테라코타 조각상.

춤의 역사는 종종 석기, 사냥 도구, 동굴 벽화와 같이 명확하게 식별할 수 있는 신체적인 유물들을 남기지 않기 때문에 접근하기 어렵다.춤이 언제부터 인류 문화의 일부가 되었는지는 정확히 알 수 없다.

얼리 댄스

춤을 추고 싶은 자연적인 충동은 초기 영장류가 [1]인간으로 진화하기 전에 존재했을지도 모른다.춤은 최초의 인류 문명이 탄생하기 이전부터 의식, 의식, 축하, 그리고 오락의 중요한 부분을 차지해 왔다.고고학에서는 인도의 1만 년 된 빔벳카 암벽 대피소 그림이나 기원전 3300년경 춤을 추는 인물을 묘사한 이집트 무덤 그림 등 선사시대 무용의 흔적을 전하고 있다.많은 현대 무용 형식은 고대 시대의 역사적, 전통적, 의식적, 민족적 춤으로 거슬러 올라갈 수 있다.

사회적 커뮤니케이션 및 유대관계 수단

춤은 초기 인류의 생존에 필수적인 협력을 촉진하는 사회적 상호작용의 도구로 사용되었을 수 있다.연구에 따르면 오늘날 최고의 댄서들은 사회적 의사소통을 [2]잘 하는 성향과 관련된 두 가지 특정한 유전자를 공유한다.

또한 '운동감각'이란 춤이 어떻게 의사소통을 하는지를 이해하는 데 도움이 되는 올바른 용어이며, 자신의 몸을 움직이는 것을 인식하는 것을 의미하며, 이 단어는 두 단어(키네인=움직이는 것, 미학=지각)의 합성어이다.의사소통에서 춤은 언어처럼 이해하고 느끼고 보고 들을 수 있습니다.춤에서 누군가가 몸의 모든 근육과 느낌을 사용할 때 당신은 청중이나 보고 있던 사람에게 메시지처럼 전달할 것이다.그래서 춤과 배경음 또한 큰 역할을 합니다.손이나 어깨를 잡고 춤을 추거나 하는 단체 공연이 있을 때, 그들은 소통하고 [3]유대감을 느끼게 된다.

민속 축제로서

주요 기사:포크 댄스

초기의 많은 춤들은 조상이 [4]세계 평화를 위해 즐길 필요가 있다고 믿었던 신들을 위한 의식으로서 행해졌다.춤은 많은 축하 행사와 지금까지 사용되었습니다.역사를 통해 우리는 춤이 공동체 춤, 수확, 예배와 같은 많은 용도를 가지고 있었다는 것을 알 수 있다.춤의 진화는 민속적인 기원으로 시작되었고, 지금은 극장이나 심지어 [5]영화로도 발전했다.

의식과 의식에서

주요 기사:의례적인 춤

춤은 종교 의식이나 무속 의식에서 행해질 수 있는데, 예를 들어 가뭄 때 행해지는 비춤에서 행해진다.고대 중국 문헌에는 비를 맞으며 춤을 추는 무당들이 언급되어 있다.춤은 고대 [6]이집트의 일부 종교 의식의 중요한 측면이며, 마찬가지로 춤도 아프리카 [7]사람들의 많은 의식과 의식에 없어서는 안 될 요소이다.인도의 라사 의식 춤과 [8]티베트의 참 춤과 같이, 사원과 종교 축제 기간 동안에도 의식 춤이 공연될 수 있다.

치유의 방법으로서

춤의 또 다른 초기 사용은 치료 의식에서 황홀한 무아지경의 전조였을 수도 있다.춤은 브라질 열대우림에서 칼라하리 [9]사막에 이르는 많은 문화권에서 이러한 목적으로 사용된다.중세 유럽의 댄즈 마카브르는 참가자들을 질병으로부터 보호한다고 생각되었지만, 이러한 춤의 히스테리와 지속 시간은 때때로 [10]피로로 인한 죽음으로 이어졌다.

신할라 전설에 따르면 칸디안 춤은 2500년 전 신비로운 병을 고치기 위해 마법에 걸린 왕에게 마법을 걸었던 춤 의식에서 유래했다.

표현방법으로서

춤의 가장 초기의 구조화된 사용 중 하나는 공연과 신화의 이야기였을지도 모른다.그것은 또한 때때로 이성에 대한 감정을 나타내기 위해 사용되기도 했다.그것은 또한 "사랑 만들기"의 기원과도 관련이 있다.문어가 만들어지기 전, 춤은 이러한 이야기를 [11]대대로 전해주는 방법 중 하나였다.

유럽 문화에서 춤에 대한 최초의 기록 중 하나는 호메로스의 일리아드가 안무를 묘사한 것이다.초기 그리스인들은 춤을 추는 기술을 모든 다른 열정을 표현하는 체계로 만들었다.예를 들어, 그렇게 표현된 퓨리의 춤은 그들을 목격한 사람들 사이에서 완전한 공포를 불러일으킬 것이다.그리스 철학자 아리스토텔레스는 춤에 시가 가미된 순위를 매겼고, 어떤 댄서들은 몸짓에 적용되는 리듬을 가지고 매너, 열정, 그리고 행동을 [12]표현할 수 있다고 말했다.그리스의 가장 유명한 조각가들은 열정을 모방하는 그들의 예술에 대한 무용수들의 태도를 연구했다.

문화적 전통

아시아

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시바 as 나타라자 (무용의 제왕)

인도 고전 무용

주요 기사:인도의 춤과 스리랑카의 춤

춤을 설명하는 초기 원고는 고전 인도 춤의 현대적 해석에 바탕을 둔 나티야 샤스트라이다.

오드의 마지막 무굴과 나왑의 통치 기간 동안, 춤은 궁인들의 비윤리적인 감각적인 것인 '노치'의 지위로 떨어졌다.

후에, 춤을 부도덕한 인신매매와 매춘과 연관시켜, 영국의 통치는 춤의 공개 공연을 금지했다.많은 사람들이 그것을 반대했다.1947년 인도는 자유를 얻어 과거의 영광을 되찾을 수 있는 춤 분위기를 조성했다.고전적 형태와 지역적 특색을 재발견하고 민족적 특색을 존중하며, 이를 라인 내 거장 개인의 재능과 신선한 혁신과 결합함으로써 새로운 얼굴로, 그러나 과거의 고전주의로 무용이 출현했다.

스리랑카에서 고대 신할라 연대기 마하밤사는 비자야 왕이 기원전 543년 스리랑카에 상륙했을 때 결혼식에서 음악과 춤 소리가 들렸다고 말한다.스리랑카 춤의 기원은 원주민 부족과 원주민 잉양 쌍둥이와 악마의 신화 시대로 거슬러 올라간다.스리랑카의 고전 춤은 탈라(리듬)의 고도로 발달된 시스템을 특징으로 하며, 탈람파타라 불리는 심벌즈에 의해 제공됩니다.

중국 무용

주요 기사:중국 무용의 역사
10세기 고홍중(古紅中)의 '한희야행(漢熙野行)'에서 당나라에서 알려진 춤을 추는 무용가를 그린 그림이다.

중국 무용에는 오랜 역사가 있다.고대 문헌에 언급된 춤들 중 소매춤과 같은 춤들이 오늘날에도 여전히 행해지고 있다.초기 춤들 중 일부는 무속 의식과 관련이 있었다.초기 민속무용도 궁중무용으로 발전했다.고대 시대의 중요한 춤은 기원전 1천년의 주나라의 의식적인 야유였다.중국의 춤 예술은 세계 각지에서 온 무용수들도 궁궐에서 공연했던 당나라 때 절정에 달했다.그러나 송나라와 원나라 때 중국 오페라가 인기를 끌었고, 많은 춤이 [13]중국 오페라에 융합되었다.여성의 춤 예술은 또한 발 [14]묶기의 인기가 높아지면서 송 왕조 이후 쇠퇴했는데, 이는 아이러니하게도 무용수가 발을 감싸고 발레 패션을 [15][16]추는 것에서 유래했을 수도 있다.중국 전통 춤 중 가장 잘 알려진 것은 용춤과 사자춤이다.사자춤은 당나라에서 오늘날의 [13]춤과 비슷한 형태로 묘사되었다.

유럽

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Pietro Longhi, La Lezirawrone di danza, ca 1741, 베네치아, Galerie dell'Academia.

15~19세기: 궁중무용에서 낭만주의로

발레 무용의 기원은 15세기 이탈리아 르네상스 궁정에서 유래할 수 있다.춤의 달인들은 귀족들에게 스텝을 가르치고 궁정은 사회적 오락의 한 형태로 공연에 참여했습니다.이 관습은 수 세기 동안 계속되었다.17세기에 궁정 발레는 루이 [17]14세의 통치하에 절정에 달했다.

18세기까지 발레는 작곡가이자 무용수인 Jean-Baptiste Lully의 신중한 지도 아래 프랑스와 이탈리아 궁정에서 파리 오페라로 이주했다.Lully는 발레를 좀 더 진지한 예술로 발전시키려 했다.그의 영향 아래 발레는 조신들이 아닌 전문 무용수들에 의해 공연되는 인정받는 예술로 변모되었다.

18세기 발레는 볼거리로서의 영상의 궁정적인 춤에서 그 자체로 공연 예술로 변천했다.발레 공연은 중심적인 이야기를 중심으로 발전했고 등장인물 간의 관계를 드러내는 표현적인 움직임을 담았다.이 극적인 발레 스타일은 발레 액션으로 알려지게 되었다.발레 동작은 처음으로 무용수 자신으로부터 직접 이끌어낸 인간의 감정을 표현하기 위해 노력했다.이전에 공연자들이 착용했던 가면을 제거하여 [17]표정에서 감정적인 내용을 도출할 수 있도록 하였다.

이 시기 동안 의상은 무용수들에게 매우 제한적이었다.비록 몸을 좀 더 표현적으로 사용하는 것이 장려되었지만, 무거운 소재와 코르셋 드레스 때문에 무용수들의 움직임은 여전히 제한되었다.의상은 종종 무용수의 체격을 가리고 복잡하고 복잡한 안무를 보는 것을 어렵게 만들었다.1760년 안무가인 장 조르주 노베르가 그의 춤과 발레에 관한 편지로 댄스 개혁을 촉구한 후에야 의상은 더욱 도움이 되었다.노베르는 댄서의 몸매를 보완하는 가벼운 천으로 의상을 제작할 것을 촉구했다.게다가, 댄서들은 발을 따라 포근하게 맞는 부드러운 슬리퍼를 신었다.이 신발 디자인은 발레리나가 발끝으로 춤을 추도록 용기를 내면서 자신감을 심어주었다.자연주의 의상 연출은 무용수들이 움직임의 경계를 넓히도록 했고, 결국 포인트로 상승했습니다.

낭만주의 시대는 판타지, 신비, 그리고 이국적인 장소의 낯선 문화에서 영감을 얻은 발레들을 만들어냈다.감정, 환상, 영적 세계에 더 초점을 맞추고 진정한 포인트 워크의 시작을 알린 발레.이제, 그녀의 발끝에서, 신격화된 발레리나(이 시기에 전설적인 발레리나 마리 타글리오니에 의해 변형된)는 마술처럼 무대 표면을 스쳐가는 것처럼 보였고, 에테리나는 결코 땅에 닿지 않았다.많은 경우 움직이는 조각상으로 전락했던 가난한 남자 무용수의 존재감을 발레리나를 들어올리기 위해 나타난 것은 이 시기였다.이 슬픈 상태는 20세기 초 발레 스타 바슬라브 니진스키가 발레 러스와 함께 부상하면서 비로소 개선되었다.우리가 알고 있는 발레는 의상, 안무 형태, 줄거리, 웅장함, 그리고 환경에 대한 모든 익숙한 관습이 확고히 고정되면서 이 시기에 잘 그리고 진정으로 발전했다.니진스키는 발레에 운동심을 불어넣었다.당시 그의 안무는 논란의 여지가 많았지만, 지금은 최초의 현대 발레 중 하나로 여겨지고 있다.[1]

20세기 초: 발레에서 현대 무용으로

발레단이 20세기 초에 발레 혁명을 시작한 이래로, 고전 발레의 틀을 깨려는 시도가 계속되어 왔다.현재 발레 기술의 예술적 범위(그리고 그에 수반되는 음악, 점퍼, 멀티미디어)는 그 어느 때보다 포괄적이다.고전 발레 작품을 분류하는 경계가 끊임없이 확장되고 흐려지며 오늘날 남아있는 것은 아마도 투표율과 같은 기술 관용구의 흔적일 것이다.

무용가들이 개인의 자질, 의식과 종교의 필요성, 원시인, 표현력, 그리고 감정의 자질을 인식하기 시작한 것은 20세기 초의 새로운 사고와 탐험의 폭발적 시기였다.이런 분위기 속에서 현대 무용은 폭발적인 성장을 시작했다.수용가능하다고 여겨지는 것, 예술로 여겨지는 것, 그리고 사람들이 창조하고 싶어하는 것에 갑자기 새로운 자유가 생겼습니다.다른 많은 것들이 갑자기 발레의 의상과 마술만큼이나, 혹은 그 이상으로 가치 있게 여겨졌습니다.

20세기 초 현대 안무가와 무용수 대부분은 발레를 가장 부정적인 시각으로 보았다.이사도라 던컨은 그것이 추하다고 생각했다. 무의미한 체조일 뿐이다.마사 그레이엄은 현대 미국인과는 무관한 유럽적이고 제국주의적이라고 보았다.머스 커닝햄은 발레 기법의 기초를 가르치면서 전통적인 발레 형식과는 전혀 다른 관점에서 안무와 공연을 접근했다.

20세기는 사실 발레가 상징하는 모든 것에서 탈피한 시기였다.댄서들과 안무가들이 전례 없이 창의적으로 성장한 시기였다.그것은 또한 춤의 정의가 넓어진 시기였다.발레 러스는 서양과 세계에서 발레의 미래를 여는 전환점이 되었다.코코 샤넬, 파블로 피카소 등 그 시대의 천재들과 협업.[2] 발레 러스는 훌륭한 음악, 디자인, 춤을 하나의 완전한 공연으로 통합했습니다.[3]

아프리카

주요 기사 : 아프리카 댄스

아프리카 춤은 주로 사하라 사막 이남 아프리카의 춤 스타일을 가리키며, 그 중 많은 춤은 그 지역의 전통적인 리듬과 음악 전통에 바탕을 두고 있다.현대 아프리카 춤 스타일은 문화와 전통에 깊이 뿌리박고 있다.많은 부족들은 단지 부족의 춤 전통을 물려주는 것을 목적으로 하는 역할을 가지고 있다; 춤은 수 세기를 거쳐 전해져 왔고, 종종 변하지 않고,[18][19] 즉흥을 위한 여지가 거의 또는 전혀 없다.각 부족은 목적에 따라 세 가지 범주로 나누며 그들만의 독특한 춤 스타일을 발전시켰다.첫 번째는 종교 춤으로, 많은 부족들이 평화, 건강, [20]번영을 증진시킨다고 주장한다.종교적 춤은 종종 가면을 쓴 사람들을 포함했고, 영혼으로서 그리고 그들을 [18]달래는 사람들로서 공연했다.종교와 영성은 전통적인 아프리카 생활의 모든 부분에 스며들었고, 오늘날에도 계속해서 아프리카 춤에 영향을 미치고 있습니다.두 번째는 이야기를 들려주는 춤의 일종이었다.그것은 서아프리카의 전통적인 이야기꾼을 일컫는 용어인 그리오의 이름을 따서 붙여졌다.어떤 그리오틱한 춤은 부족의 그리오트에 의해서만 추어졌다; 오늘날, 극단은 한때 그리오에게만 국한되었던 것과 같은 춤을 춘다.세 번째 유형은 의례적인 것입니다.이 춤들은 결혼식, 기념일, [20]통과의례와 같은 의식에서 공연된다.하지만, 많은 춤들이 오직 하나의 목적만을 가지고 있지 않았다.오히려, 많은 부차적인 목적에 혼합된 하나의 주요 목적이 종종 있었습니다.춤은 부족 사회에서 통치자의 지위를 유지하는 데 종종 매우 중요했다.식민주의와 세계화는 아프리카 춤의 특정 스타일을 근절하는 결과를 가져왔다.다른 스타일들은 함께 섞이거나 아프리카 [18]이외의 댄스 스타일과 섞였습니다.

노예제도의 맥락에서의 아프리카 무용

특히 1500년대부터 아프리카에서 노예로 팔리기 위해 사람들이 끌려오면서, 그들은 그들의 춤 스타일을 가져왔다.모든 문화는 신대륙으로 수입되었는데, 특히 노예들이 그들의 문화를 지속할 수 있는 더 많은 유연성을 부여받았고, 유럽인이나 브라질과 같은 원주민들보다 더 많은 아프리카 노예들이 있는 지역들이었다.아프리카의 춤 스타일은 새로운 문화 체험과 융합되어 새로운 스타일의 춤을 형성했다.예를 들어, 노예들은 고에너지 춤 스타일에 대한 주인들의 두려움에 대해 셔플링으로 [20]발길을 돌리는 것으로 반응했다.그러나 북미에서 노예들은 그들의 문화와 [19][20]춤을 지속할 자유가 없었다.많은 경우에, 이러한 춤들은 아프리카계 미국인 춤과 브라질 춤과 같은 현대 무용 스타일로 발전했다.예를 들어, Calenda는 브라질에서 부족의 춤에서 발전했다.그리고 나서 캘린더는 케이크워크로 진화했고, 그것은 원래 농장주들을 조롱하기 위해 추었다; 그리고 나서 찰스턴으로 [20]진화했다.카포에이라는 원래 아프리카에서 행해진 무술로, 아프리카 노예들은 농장주들의 [21]의심을 사지 않기 위해 춤의 한 형태로 가면을 썼다.

20세기 후반과 21세기 초반

20세기 미국 무용사의 도표

포스트모더니즘

20세기 초 현대 무용의 폭발 이후, 1960년대는 포스트모더니즘의 성장을 보았다.포스트모더니즘은 단순함, 작은 것의 아름다움, 훈련되지 않은 몸의 아름다움, 그리고 세련되지 않은 움직임으로 바뀌었다.이본 레이너의 유명한 "No" 선언은, 모든 의상, 이야기, 그리고 겉장식을 거부하며 날것이고 다듬지 않은 움직임을 선호한다는 것은 아마도 이러한 생각의 물결의 극단이었을 것이다.하지만 얼마 지나지 않아 세트, 장식, 쇼크 밸류 등이 현대 안무가의 어휘로 다시 떠올랐다.

현대무용 vs.

1980년대까지 춤은 완전한 순환을 이루었고 현대 무용(또는 이 시기까지 "현대 무용")은 분명히 많은 의사들에게 여전히 고도의 기술적이고 정치적인 수단이었다.클래식 발레와 함께 존재했던 이 두 예술 형식은 이제 이전 시대의 경쟁과 반감을 거의 느끼지 않고 서로 평화롭게 살고 있었다.계속되는 경쟁관계에 대한 교묘하게 고안된 논평에서, 트윌라 타프(20세기의 최첨단 무용 중 하나/현대 무용 중 하나)와 발레 무용의 눈부신 협업이 결국 이루어졌다.안무가들이 가장 충격적인 작품을 만들기 위해 경쟁하는 매우 경쟁적인 예술적 분위기 속에 있는 것을 현재도 볼 수 있다. 하지만, 역사상 그 어느 때보다 전문성, 힘, 유연성이 발달한 시대에, 여전히 약간의 아름다움과 훨씬 놀라운 춤이 있다.

스트리트 댄스/힙합 댄스

동시에 대중문화는 스트리트 댄스의 확대를 경험했다.1973년, 유명한 그룹 잭슨 5는 캘리포니아 리치몬드에서 재배된 춤 형태인 로봇이라고[22] 불리는 춤을 텔레비전에서 공연했습니다.이 행사와 이후 흑인 무용수들의 소울트레인 공연은 어떤 의미에서는 거리문화혁명에 불을 붙였다.뉴욕의 비보잉, L.A.의 록킹, 캘리포니아 프레즈노의 팝핑, 캘리포니아 오클랜드의 부갈루, 캘리포니아 리치몬드의 로봇 등은 모두 60년대 후반에서 70년대 사이에 그들만의 창의적인 폭발이 일어났다.각각 독자적인 이력, 프랙티스, 혁신가 및 기반이 있습니다.

20세기 현대 무용의 출현에 대해서는 다음을 참조하십시오.메리 위그만, 그레트 팔루카, 하랄드 크로이츠버그, 이본 게오르기, 이사도라 던컨.

힙합 댄스는 1967년 일명 쿨 DJ 허크이며 힙합의 아버지인 클라이브 캠벨이 자메이카에서 뉴욕으로 왔을 때 시작되었다.고국에서 온 레게의 씨앗에 대해, 그는 그의 잼을 만들기 위해 두 개의 턴테이블과 같은 레코드의 동일한 복사본을 사용한 최초의 DJ로 인정받고 있다.그러나 타악기 비트가 가장 공격적인 음악 부분인 이 곡에서 그가 브레이크가 발생했을 때 브레이크 보이와 브레이크 걸의 문화를 만들고 이름을 붙일 수 있었던 것은 그의 브레이크 연장이었다.간단히 비보이, 비걸이라고 불리는 이 댄서들은 브레이크 댄스를 창시했는데, 브레이크 댄스는 현재 힙합 댄스의 초석이 되었다.

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레퍼런스

  1. ^ Frederick, Eva (December 23, 2019). "Dancing chimpanzees may reveal how humans started to boogie". Science. doi:10.1126/science.aba6904. S2CID 214152330.
  2. ^ Heather Whipps (March 10, 2006). "Survival Dance: How Humans Waltzed Through the Ice Age". Live Science.
  3. ^ Smyth, Mary M. (1984). Kinesthetic Communication in Dance. Dance Research Journal 16, no. 2.
  4. ^ Manorma Sharma (2007). Musical Heritage of India. p. 65. ISBN 978-8131300466.
  5. ^ 스노드그래스, 엘렌과 결혼해세계 민속 무용 백과사전.런던: Rowman & Little 필드, 2016.
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  8. ^ Manohar Laxman Varadpande (1987). History of Indian Theatre, Volume 2. pp. 36–40. ISBN 9788170172789.
  9. ^ Guenther, Mathias Georg. '산트랜스 댄스: 보츠와나, 간지 지역의 농장 부시맨들 사이의 의식과 부활'. 저널, 남서아프리카 과학 협회, v30, 1975-76.
  10. ^ Laurson, Jens (Summer 2012). "The Dances, Joys, Pleasures". Listen. p. 45.
  11. ^ 나탈리 콩트"유럽, 1450년부터 1789년까지: 초기 근대 세계 백과사전"에드 조나단 드왈드입니다제2권뉴욕: 찰스 스크리브너의 아들들, 2004. 페이지 94-108.
  12. ^ David, A. P. (2006-09-28). The Dance of the Muses: Choral Theory and Ancient Greek Poetics. OUP Oxford. ISBN 978-0-19-929240-0.
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  21. ^ Grabsky, Phil (2000). Brazil: An Inconvenient History. British Broadcasting Corporation.
  22. ^ 논겔라 마실렐라의 에세이

추가 정보

  • Adshead-Lansdale, J. (ed.) (1994년)댄스 히스토리: 소개.루트리지ISBN 0-415-09030-X.
  • Charman, S. Kraus, R. G. Chapman, S. 및 Dixon-Stowall, B.(1990).예술과 교육의 무용사피어슨 교육ISBN 0-13-389362-6.
  • 딜스, A. (2001)움직이는 역사/춤추는 문화: 댄스 역사 리더.웨슬리언 대학 출판부입니다ISBN 0-8195-6413-3.
  • Wallace, Carol McD.; et al. (1986). Dance: a very social history. New York: The Metropolitan Museum of Art. ISBN 9780870994869.
  • 우드, 멜루신(1952)일부 역사적 춤은 12세기에서 19세기까지 이어집니다.그들의 공연 방식과 당시의 사회생활에서 그들의 위치는 런던입니다.제국무용교사협회

외부 링크