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만화

Comics
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코믹스(지하만화)와 혼동하지 말 것.
이 기사는 매체에 관한 것이기 때문에 "만화"는 거의 항상 단수 명사로 사용된다는 점에 유의하십시오.
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만화
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말풍선
만화학
방법들
미디어 형식
나라별, 문화별 만화
지역 사회
icon 만화 포털

만화는 아이디어를 이미지로 표현하기 위해 사용되는 매체이며, 종종 텍스트나 다른 시각적 정보와 결합됩니다.일반적으로 일련의 이미지 패널의 형태를 취합니다.말풍선, 자막, 의성어 등의 텍스트 장치는 대화, 내레이션, 음향 효과 또는 기타 정보를 나타낼 수 있습니다.만화의 정의에 대해서는 이론가들과 역사가들 사이에 합의가 이루어지지 않고 있다; 어떤 이들은 이미지와 텍스트, 일부 순차성 또는 다른 이미지 관계, 그리고 대량 복제나 반복되는 인물의 사용과 같은 다른 역사적 측면의 조합을 강조한다.만화 및 다른 형태의 일러스트는 만화에서 가장 흔한 이미지 형성 수단이다. 후메티는 사진 이미지를 사용하는 형태이다.일반적인 형태로는 연재만화, 사설과 개그만화, 만화책 등이 있다.20세기 후반부터, 그래픽 소설, 만화 앨범, 단고본과 같은 제본된 책들이 점점 더 흔해지고 있는 반면, 온라인 웹툰은 21세기에 들어 급증했다.

만화의 역사는 문화마다 다른 길을 따라왔다.학자들은 라스코 동굴 벽화까지 거슬러 올라가 선사시대라고 추정해 왔다.20세기 중반까지 만화는 특히 미국, 서유럽 (특히 프랑스와 벨기에), 그리고 일본에서 번성했다.유럽 만화의 역사는 종종 로돌페 토퍼의 1830년대 연재 만화로 거슬러 올라가며, 1930년대 연재 만화들과 틴틴의 모험과 같은 책들의 성공에 따라 인기를 끌었다.미국 만화는 20세기 초에 신문 연재 만화의 등장으로 대중 매체로 등장했고, 잡지 형식의 만화책은 1938년 슈퍼맨이 등장한 이후 슈퍼히어로 장르가 두드러졌던 1930년대에 이어졌다.일본 만화와 만화(만화)의 역사는 12세기 초의 기원을 제시한다.일본에서는 20세기 초에 근대 만화가 등장해, 제2차 세계대전 후(1945–)에는 데즈카 오사무 등 만화가의 인기로 만화 잡지나 서적의 생산이 급속히 확대되었다.만화는 역사의 많은 부분에서 저급한 평판을 받아왔지만, 20세기 말에 이르러 대중과 학계로부터 더 많은 인정을 받기 시작했다.

영어 만화는 매체 자체를 지칭할 때는 단수 명사로 쓰이지만(예를 들어, "만화는 시각 예술 형태"), 작품을 통칭할 때는 복수형이 된다(예를 들어, "만화는 인기 있는 읽을거리").

기원과 전통

주요 기사:만화의 역사와 나라별 만화의 목록

유럽, 미국, 일본의 만화 전통은 다른 길을 [1]따라왔다.유럽인들은 그들의 전통이 이르면 1827년부터 스위스 로돌페 투퍼에서 시작된 것으로 보고 미국인들은 리차드 F.에서 그들의 기원을 보았다. 아웃코트의 1890년대 신문지 "The Yellow Kid"는 많은 미국인들이 Töpffer의 [2]우선권을 인정하게 되었지만 말이다.일본은 제2차 세계대전까지 풍자만화와 만화의 오랜 역사를 가지고 있다.우키요에 화가 호쿠사이는 19세기 초에 [3]만화와 만화의 일본 용어를 유행시켰다.1930년대에 해리 "A" 체슬러는 만화 스튜디오를 시작했고, 마침내 50개의 다른 출판사에서 일하는 40명의 작가들을 고용하여 [4]제2차 세계대전 이후 만화 매체가 "만화의 황금기"에서 번성하도록 도왔다.전후 일본 현대 만화는 데즈카 오사무가 많은 작품을 [5]만들면서 번성하기 시작했다.20세기 말, 유럽의 만화 앨범, 일본의 단고본[a], 영어권 [1]국가의 그래픽 소설 등 세 가지 전통이 책만화 경향으로 수렴되었다.

이러한 족보 이야기, 만화 이론가들과 역사학자들이 외부의 프랑스(일부는 이미지의 연대순의 시퀀스가 나타납니다), 이집트 상형 문자, 트라야누스 원주 Rome,[7]의11th-century 노먼 바이유 Tapestry,[8]은 1370년 bois Protat 베기, 15세기 아르스 mori의 라스코 동굴 paintings[6]에서 만화 대해 선례를 본 적이 있다.endi고블록북, 미켈란젤로의 시스티나 [7]성당에서의 최후의 심판, 그리고 윌리엄 호가스의 18세기 연속 판화 [9]등.[7][b]

An extremely long embroidered cloth depicting events leading to the Norman conquest of England.
이론가들은 베이외 태피스트리가 만화의 선구자인지 아닌지에 대해 논쟁을 벌인다.

영어 만화

글쓴이 돼지의 집에서요
구스타브 베어벡의 만화 '리틀 레이디 러브킨스와 올드 맨 머파루의 업사이드 다운'(1904년 3월)은 가역적인 형상과 앰비그램 문장을 포함하고 있다.
주요기사 : 영국만화, 미국만화의 역사, 미국만화책

삽화가 들어간 유머 잡지는 19세기 영국에서 인기를 끌었는데, 그 중 가장 초기의 것은 1825년 [11]단명한 글래스고 룩잉 글래스고였습니다.가장 인기 있었던 것은 재미있는 캐리커처로 [13]만화라는 용어를 유행시킨 [12]펀치였다.때때로 이 잡지들의 만화들은 [12]연속적으로 등장했습니다;[14] 앨리 슬로퍼라는 캐릭터가 1884년 자체 주간지에 등장하기 시작했을 때 가장 먼저 연재된 만화들에 등장했습니다.

미국 만화는 Puck, Judge, Life와 같은 잡지에서 발전했다.뉴욕 월드에서 그리고 나중에는 뉴욕 미국인, 특히 아웃코트의 The Yellow Kid에서 삽화가 들어간 유머 보충제의 성공은 신문 연재만화의 발전을 이끌었다.이른 일요일 연재물은 전면이었고[15] 종종 컬러였다.1896년과 1901년 사이에 만화가들은 순차성, 움직임, 그리고 [16]말풍선으로 실험을 했다.1903년에서 1905년 사이에 만화 시리즈 "The UppsDowns of Old Man Muffaru and Little Lady Lovekins"를 쓴 구스타브 베어벡이 그 예이다.이 만화들은 6장짜리 만화를 읽고, 책을 넘기고, 계속 읽을 수 있도록 만들어졌다.그는 총 64편의 만화를 만들었다.2012년, Marcus Ivarsson에 의해 'In Upöner med Lilla Lisen & Gamle Muppen'이라는 책에서 선택된 만화들을 리메이크했다.( ISBN978-91-7089-524-1)

Five-panel comic strip.
버드 피셔의 머트와 제프(1907–1982)는 최초의 성공적인 일일 만화이다.

짧은 흑백 일지가 20세기 초에 등장하기 시작했고 1907년 버드 피셔의 머트와 [17]제프의 성공 이후 신문에 실리게 되었다.영국에서, 연합 출판사는 일러스트레이티드 칩스와 코믹 [18]컷을 포함한 일련의 이미지들의 인기 있는 스타일을 확립했다.처음에는 유머가 주를 이뤘고, 1920년대와 1930년대에는 모험과 드라마와 같은 장르에서 연속적인 스토리를 가진 영화도 [17]인기를 끌었다.

만화책이라 불리는 얇은 정기 간행물이 1930년대에 등장했는데, 처음에는 신문 연재 만화를 전재했고, 10년 말에는 원래의 내용이 [19]지배하기 시작했다.1938년 액션 코믹스와 그 주인공 슈퍼맨의 성공은 슈퍼히어로 장르가 [20]두드러졌던 만화책의 황금기의 시작을 알렸다.영국과 영연방에서는 DC Thomson이 만든 Dandy(1937년)와 Beano(1938년)가 1950년대까지 총 2백만 부 이상의 판매 부수를 기록하며 유머를 기반으로 한 성공적인 타이틀이 되었다."위협 데니스", "절박한 댄", "배쉬 스트리트 키즈"를 포함한 그들의 캐릭터들은 영국 어린이 [21]세대들에 의해 읽혀져 왔다.이 만화들은 애초에 슈퍼히어로와 액션 스토리를 실험한 후, 합병 출판사와 미국 만화책 [22]스타일이 혼합된 유머러스한 연재물에 정착했다.

슈퍼히어로들은 미국 만화책의# 주요 소재가 되어 왔다.윌 아이스너의 불꽃)

슈퍼히어로 만화책의 인기는 [23]제2차 세계대전 이후 하락한 반면, 로맨스, 서부극, 범죄, 공포,[24] 유머와 같은 다른 장르가 확산되면서 만화책 판매량은 계속해서 증가했다.1950년대 초 판매 절정에 이어, 만화책의 내용(특히 범죄와 공포)은 부모 단체와 정부 기관으로부터 정밀 조사를 받았고, 이는 결국 상원 청문회에서 코믹스 코드 기관의 자체 검열 [25]기구를 설립하게 되었다.이 강령은 미국 만화의 성장을 방해하고 [26]금세기 내내 미국 사회에서 낮은 지위를 유지했다는 비난을 받아왔다.슈퍼히어로들은 1960년대 [27]초에 가장 유명한 만화책 장르로 재탄생했다.언더그라운드 코믹스는 1960년대 후반과 1970년대 [28]초반에 성인용 반문화 콘텐츠로 강령과 독자들에게 도전장을 던졌다.언더그라운드는 1980년대 대안 만화 운동과 비 슈퍼히어로 장르에서 [29]성숙하고 종종 실험적인 내용을 탄생시켰다.

미국의 만화는 대중문화에 뿌리를 둔 저급한 평판을 받아왔다. 문화 엘리트들은 때때로 대중문화를 문화와 사회를 위협하는 것으로 보았다.20세기 후반, 대중문화는 더 많이 받아들여졌고, 높은 문화와 낮은 문화의 경계가 모호해지기 시작했다.그럼에도 불구하고 만화는 [30]문맹을 위한 오락물로 여겨져 오명을 계속 받았다.

책 길이의 만화인 그래픽 소설은 윌 아이스너가 [31]그의 책 "신과 계약"으로 이 용어를 대중화한 이후 주목을 받기 시작했다.이 용어는 1980년대 [32]중반 마우스, 워치맨, 다크나이트 리턴즈의 상업적 성공 이후 대중에게 널리 알려지게 되었다.21세기에는 주류 서점이나[34] 도서관에[33] 그래픽 소설이 정착되어 웹툰이 [35]보편화되었습니다.

프랑스-벨기에 및 유럽 만화

주요 기사:유럽 만화 및 프랑스-벨기에 만화

스위스어로 된 로돌페 투퍼는 1827년부터 [7]연재된 만화를 제작하여 [36]그 형식의 이론을 출판하였다.만화는 [37]19세기부터 신문과 잡지에 널리 등장했다.1925년 지그 엣 푸스의 성공은 유럽 만화에 말풍선을 사용하는 것을 대중화시켰고, 그 이후 프랑코-벨기에 만화가 [38]지배하기 시작했다.틴탱의 모험은 특유의 선명한 [39]문체로 [40]1929년부터 신문 만화 부록에 연재되어 프랑코-벨기에 [41]만화의 아이콘이 되었다.

Le Journal [42]de Mickey의 성공에 이어 Spirou와 Tintin과 같은 전용 만화[43] 잡지들과 다양한 색깔의 만화 앨범들이 20세기 [44]중반 만화의 주요 매체가 되었다.미국에서와 같이, 그 당시 만화는 유치하고 문화와 읽고 쓰는 능력을 위협하는 것으로 여겨졌다; 해설자들은 "조금도 심각한 분석을 견딜 수 없다"[c]며 만화는 "모든 예술과 모든 [46][d]문학의 방해"라고 말했다.

1960년대에 프랑스어로 '반데데시네(Bandes desinée)'라는 용어는 매체를 [47]의미하기 위해 널리 쓰이게 되었다.만화가들은 성숙한 [48]독자를 위한 만화를 만들기 시작했고, 만화는 예술 형태로 [49]대중과 학계의 관심을 끌기 시작하면서 "나인스 아트"[e]라는 용어가 생겨났다.르네 고시니와 알베르 우데르조를 포함한 그룹은 1959년 예술가들에게 그들의 작품에서 더 큰 자유를 주기 위해 잡지 필로테를 창간했다.Goscinny와 Uderzo의 The Adventures of Asterix가 등장하여[50] 가장 많이 팔린 프랑스어 만화 [51]시리즈가 되었다.1960년부터 풍자적이고 금기를 깨는 하라키리는 1968년 5월 [52]사건을 일으킨 반문화 정신으로 검열법을 무시했다.

검열과 편집 간섭에 대한 좌절로 인해 필로테 만화가들은 1972년 성인 전용의 L'Echo des savane을 설립하게 되었다.1970년대에 Mébius와 Métal Hurlant의 실험적인 공상과학 소설과 같이 성인 지향적이고 실험적인 만화가 번성했고, 심지어 주류 출판사들도 명성 있는 형식의 성인 [53]만화를 출판하기 시작했습니다.

1980년대부터 만화 잡지의 수가 줄어들고 많은 만화들이 [54]앨범으로 직접 출판되기 시작하면서 주류 감성이 다시 부각되고 연재도 줄어들게 되었다.L'Association과[55] 같이 Auteur-istic 크리에이터에 의해 더 긴 작품을[57] 비전통적인[56] 형식으로 출판한 소규모 출판사들도 흔해졌다.1990년대 이후 합병으로 대형 출판사는 줄어들고 소규모 출판사는 급증했다.인쇄 시장이 [58]축소되는 추세에도 불구하고 매출은 전반적으로 계속 증가했습니다.

일본 만화

주요 기사:만화와 만화의 역사
라쿠텐 기타자와는 일본 최초의 근대만화를 만들었다.(타고사쿠에서 모쿠베노토쿄 겐부츠,[f] 1902년)

일본의 [g]만화와 만화는 12~13세기 조주진부쓰기가, 17세기 도바에와 기요시 그림책,[62] 17~20세기 유행했던 우키요에 등의 목판화로까지 거슬러 올라가는 역사를 가지고 있다.기요시는 영상, 이동선,[63] 음향 [64]효과의 예를 포함하고 있었다.

19세기 후반 서양의 외국인들을 위한 일러스트 잡지가 서양식 풍자 만화를 일본에 소개했습니다.서양식, 일본식 모두 새로운 출판물이 인기를 끌었고, 1890년대 말 [65]일본에는 [62]미국식 신문만화 부록과 함께 미국 연재만화가 등장하기 시작했다.1900년 지지신포 신문에 지지만화가 처음 등장했고,[61] 1902년 기타자와 라쿠텐이 일본 최초의 [66]근대만화를 시작했다.1930년대까지, 연재 만화는 대량 발행의 월간 소녀와 소년 잡지에 연재되었고 하드백 [67]책으로 수집되었다.

일본의 현대 만화 시대는 제2차 세계대전 이후 다작 테즈카[68] 오사무의 연재만화와 사자에상의 [69]연재만화의 성공에 의해 시작되었다.장르와 관객은 이후 수십 년 동안 다양해졌다.이야기는 보통 수백 페이지 두께의 잡지에 연재되고 십여 개의 [70]스토리가 포함될 수 있다.나중에 단고본 형식의 [71]책으로 편집된다.20세기와 21세기가 바뀔 무렵, 일본 인쇄물의 거의 4분의 1이 [72]만화였다.번역은 해외 시장에서 큰 인기를 끌었으며, 국내 [73]만화 판매량과 같거나 그 이상인 경우도 있었다.

양식 및 형식

연재만화는 일반적으로 신문에 가장 흔하게 등장하는 짧고 다면적인 만화이다.미국에서는 보통 일별 스트립이 한 계층을 차지하지만 일별 스트립은 여러 계층을 차지합니다.20세기 초, 일간지는 일반적으로 흑백이었고 일요일은 대개 컬러였고 종종 [74]한 페이지를 가득 채웠다.

전문 만화 잡지의 형식은 문화마다 크게 다르다.주로 미국식인 만화책은 [76]컬러로 출판되는 얇은 정기[75] 간행물이다.유럽 및 일본 만화는 [61]유럽에서는 월간 또는 주간, 일본에서는 [77]흑백 및 주간으로 잡지에 연재되는 경우가 많습니다.일본 만화 잡지는 보통 수백 [78]페이지에 이른다.

전 세계 만화의 서적 형식 비교.왼쪽 그룹은 일본에서 온 것으로 단고본과 작은 분코본 형식을 보여줍니다.프랑스-벨기에 만화의 중간 그룹은 표준 A4 사이즈의 만화 앨범 형식이다.그래픽 소설의 올바른 그룹은 표준 형식이 없는 영어권 국가 출신이다.

책 길이의 만화는 문화마다 다른 형태를 취한다.유럽 만화 앨범들은 A4[79] 크기의 컬러 [44]볼륨으로 가장 많이 인쇄된다.영어권 국가에서는 수집한 만화책에서 유래한 트레이드 페이퍼백 형식도 오리지널 소재로 채택되었다.그렇지 않으면, 제본된 만화책을 그래픽 소설이라고 부르며 다양한 형식으로 이용할 수 있다.소설(일반적으로 픽션과 관련된 용어)이라는 용어가 포함됨에도 불구하고, "그래픽 소설"은 논픽션과 단편 [80]작품 컬렉션을 가리킵니다.일본 만화는 잡지의 [81]연재 후에 단고본이라고 하는 책으로 모아지고 있습니다.

개그와 사설 만화는 보통 하나의 패널로 구성되며, 종종 자막이나 말풍선을 포함한다.시퀀스를 강조하는 만화의 정의는 일반적으로 개그, 편집 및 기타 단일 패널 만화를 제외하며 단어와 [82]이미지의 조합을 강조하는 정의에 포함될 수 있습니다.개그 만화는 18세기와 19세기에 유럽에서 발행된 잡지에서 처음 확산되기 시작했고, "카툰"[h]이라는 용어는 1843년 영국의 유머 잡지 [13]펀치에서 그것들을 묘사하기 위해 처음 사용되었다.

웹툰은 인터넷에서 볼 수 있는 만화이다.이들은 많은 독자에게 접근할 수 있으며, 새로운 독자는 일반적으로 보관된 [83]할부금에 액세스할 수 있습니다.웹툰은 무한 캔버스를 사용할 수 있습니다. 즉,[84] 페이지 크기나 크기에 제약받지 않습니다.

어떤 사람들은 스토리보드나 말없는 소설을 [86]만화로 여긴다[85].특히 애니메이션에서 필름 스튜디오는 종종 영상 시퀀스를 필름 시퀀스의 가이드로 사용합니다.이러한 스토리보드는 최종 제품으로 의도된 것이 아니라 [85]일반인들에게 거의 보이지 않습니다.단어 없는 소설은 이야기를 [87]전달하기 위해 자막이 없는 이미지의 시퀀스를 사용하는 책이다.

만화학

주요 기사:만화학

"만화는 때로는 네 발로, 때로는 두 발로, 때로는 날아다니고 때로는 날아다니지 않는다... 매체 자체처럼 혼합된 은유를 사용하기 위해, 만화를 정의하는 것은 미스터리에 싸인 고르디안 코트의 수수께끼 같은 것을 잘라내는 것을 수반한다..."

R. C. Harvey, 2001[82]

문학과 [88]영화를 정의하는 문제와 마찬가지로 만화 [89]매체의 정의에 대한 합의가 이루어지지 않았고, 시도된 정의와 서술은 수많은 [90]예외의 희생양이 되었다.Töffer,[91] R.C. Harvey, Will Eisner,[92] David Carrier,[93] Alain Rey,[89] 그리고 Lawrence Grove와 같은 이론가들은 [90]역사 전반에 걸쳐 판토마임 만화의 두드러진 예가 있지만 텍스트와 이미지의 [94]조합을 강조한다.티에리 그로엔스틴과[94] 스콧 맥클라우드와 같은 다른 비평가들은 일련의 [95]이미지들의 원시성을 강조해왔다.20세기가 끝날 무렵, 서로의 만화 전통에 대한 다른 문화의 발견, 잊혀진 초기 만화 형태의 재발견, 그리고 새로운 형태의 출현은 만화를 정의하는 [96]것을 더욱 복잡하게 만들었다.

유럽의 만화 연구는 패널 전환과 시각-언어적 결합을 강조한 1840년대 Töpffer 자신의 작품에 대한 이론으로 시작되었다.1970년대까지는 [97]더 이상의 진전이 없었다.피에르 프레즈노-데루엘은 그 후 기호학 접근방식을 취하여 텍스트-이미지 관계, 페이지 레벨 이미지 관계 및 이미지 불연속성을 분석하거나 Scott McCloud가 나중에 "클로저"[98]라고 부르는 것을 분석했습니다.1987년 앙리 발리에는 만화 페이지를 의미 [99]단위로 지칭하기 위해 멀티캐드르 또는 "멀티프레임"이라는 용어를 도입했다.1990년대까지, Benott Peeters와 Tierry Groensteen과 같은 이론가들은 예술가들의 포에틱한 창조적 [98]선택에 관심을 돌렸다.티에리 스몰데렌과 해리 모건은 만화의 역사에 걸쳐 다양하고 똑같이 유효한 형태를 취해온 매체인 만화의 정의에 대한 상대론적 관점을 가지고 있다.모건은 만화를 "소박한 문학"[96]의 하위 집합으로 본다.프랑스 이론은 패널 [99]대 패널 전환에 초점을 맞춘 맥클라우드와 같은 미국 이론과는 달리 이 페이지에 특별한 관심을 갖게 되었다.2000년대 중반, 닐 콘은 인지과학의 도구를 사용하여 만화가 어떻게 이해되는지를 분석하기 시작했고, 실제 심리학과 신경과학 실험을 통해 이론 이상으로 확장되었다.이 연구는 순차 이미지와 페이지 레이아웃 모두 패널 간 전환과 레이아웃 유형의 범주적 구분을 넘어 이해하기 위해 별도의 규칙 바인딩 "그래마"를 사용하고 있으며, 만화에 대한 뇌의 이해는 언어 및 음악 [100]등 다른 영역을 이해하는 것과 유사하다고 주장해 왔다.

만화의 역사 서술은 최근의 제2차 세계대전 이후의 역사나 12, 13세기의 조주진부쓰기가 그림 두루마리, 19세기 초 호쿠사이 [101]만화와 같은 과거의 깊은 뿌리를 보여주려는 시도에 초점을 맞추는 경향이 있다.일본 만화의 첫 역사적 개요는 1924년 [102]호소키바라 세이키의 일본 만화시였다[i].전후 일본의 초기 비판은 1986년 쿠레 도모후사의 현대만화가 출간되기 전까지 대부분 좌파 정치 성향이었다. 만화의 구조와 "문법"과 같은 형식적인 측면을 위해 정치를 강조하지 않았던 컴플리트 픽처.[j]만화 [103]연구 분야는 급속히 증가하여 1990년대에 만화 관련 서적이 다수 등장하였다.만화의 정식 이론은, 시간의 흐름이 기본 구성 [104]요소인 영화나 문학으로부터 매체를 구별하는, 페이지상의 이미지 구조에서 공간 관계를 중시하는 「만화 표현 이론」[k]의 개발에 초점을 맞추고 있다.일본의 대학에서는 만화학 강좌가 보급되어 2001년 일본만화학회(ja)[l]가 설립되어 만화장학이 [105]촉진되고 있다.Frederik L. Schodt의 만화 출판! 만화! 1983년 일본 만화의 세계는 일본 만화 또는 일본식 [106]만화를 뜻하는 만화라는 단어가 일본 밖으로 확산되었다.

An elderly bald man wearing glasses.
A middle-aged man seated behind a table, facing the camera.
윌 아이스너(위)와 스콧 맥클라우드는 영향력 있고 논란이 많은 만화의 정의를 제시했다.

콜튼 워는 The Comics (1947)[107]와 함께 미국 만화의 첫 포괄적인 역사를 시도했다.윌 아이스너의 코믹스 앤 시퀀셜 아트(1985년)와 스콧 맥클라우드의 만화 이해(1993년)는 만화 연구를 공식화하기 위한 초기 영어 시도였다.데이비드 캐리어의 만화 미학(2000)은 철학적인 관점에서 만화를 [108]다룬 최초의 장편소설이다.만화의 정의에 대한 미국의 두드러진 시도로는 아이스너, 맥클라우드, 하비 등이 있다.아이스너 그는"예술 순차" 이른바"사진이나 이미지와 단어들의 합의 또는 극화하다 이야기를 생각이 내레이션을"로[109]스콧 맥 클라우드는strictly 형태"고의적인 순서에 병렬 배치된 그림과 다른, 이미지들이 시청자에 미적인 응답을 발생하기 정보 및 전달을 위한"[110]로 만화를 정의하였는지를 묘사했다.알 defini만화의 역사적,[111] 문화적 장식에서 벗어난 작품R.C. Harvey는 만화를 "단어가 보통 그림의 의미에 기여하고 그 반대도 마찬가지"[112]라고 정의했다.각각의 정의에는 비판자가 있다.하비는 맥클라우드의 정의를 단일 패널 [113]만화를 배제하는 것으로 보고 맥클라우드의 언어적 요소 강조 해소에 반대하며 "만화의 본질적인 특징은 언어적 [99]콘텐츠의 통합"이라고 주장했다.애런 메스킨은 맥클라우드의 이론을 미술사에서 [92]만화의 위치를 합법화하려는 인위적인 시도로 보았다.

다른 언어에서 "만화"[114]를 뜻하는 단어들의 의미와 범위가 크게 다르기 때문에 만화에 대한 다른 문화 연구는 복잡하다.프랑스어로 만화의 '반드 드시네(Bandes desinée)'는 그려진 이미지의 병치([115]병치)를 결정적인 요소로 강조하며,[116] 이는 심지어 사진 만화의 배제를 암시할 수 있다.만화라는 용어는 모든 형태의 만화, 만화,[117][114] 캐리커처를 가리키는 일본어로 사용된다.

용어.

주요 기사:만화 용어집

만화라는 용어는 셀 수 없는 명사로 사용될 때 만화 매체를 의미하기 때문에 "만화는 매체"가 아니라 "만화는 매체"라는 단수를 취한다.만화는 셀 수 있는 명사로 등장할 때 개별 연재 만화나 만화책과 같은 매체의 예를 참조한다: "톰의 만화는 [118]지하에 있다."

패널은 작업 [119]세그먼트를 포함하는 개별 이미지이며 종종 [120]테두리로 둘러싸여 있습니다.이야기의 주요 순간은 [121]캡슐화라고 불리는 과정을 통해 패널로 나뉩니다.독자는 배경지식과 패널 관계에 대한 이해를 활용하여 패널을 정신적으로 사건에 [122]결합함으로써 클로징 과정을 통해 작품을 조립합니다.패널의 크기, 모양 및 배열은 각각 [123]서술의 타이밍과 페이스에 영향을 미칩니다.패널의 내용은 비동기일 수 있으며, 같은 이미지로 묘사된 이벤트가 반드시 [124]동시에 발생할 필요는 없습니다.

A comics panel. In the top left, a caption with a yellow background reads, "Suddenly the street is filled with angry people!" In the main panel, anthropomorphic characters crowd a sidewalk. A monkey, standing to the left on the road beside the curb, says, "Gosh! Where'd all these people come from?" An overweight male on the sidewalk in the middle facing right says to a police officer, "Hey! My watch disappeared from my parlor!" A female near the bottom right, says to a male in the bottom right corner, "My necklace! It's gone from the table!!"
설명(노란색 상자)이 내레이터에게 목소리를 제공합니다.캐릭터의 대화는 말풍선에 표시됩니다.풍선의 꼬리는 스피커를 나타냅니다.

텍스트는 종종 말풍선, 자막, 음향 효과를 통해 만화에 통합됩니다.말풍선은 말꼬리가 각각의 [125]화자를 가리키며 대화(또는 생각풍선의 경우)를 나타낸다.자막은 내레이터에게 음성을 전달하거나, 캐릭터의 [126]대화나 생각을 전달하거나,[127] 장소나 시간을 나타낼 수 있습니다.말풍선 자체가 만화와 강하게 관련되어 있기 때문에 이미지에 하나를 추가하는 것으로도 충분히 [128]만화로 만들 수 있다.음향 효과는 [129]의성어를 사용하여 텍스트적으로 비보컬 사운드를 모방합니다.

만화는 만화를 만드는 데 가장 자주 사용되며 전통적으로 딥펜이나 잉크 [130]붓과 함께 잉크(특히 India Ink)를 사용합니다. 혼합 미디어와 디지털 기술이 보편화되었습니다.모션[131] 라인과 추상 기호와 같은 만화 제작 기법이 종종 사용된다.[132]

만화는 종종 한 명의 창작자의 작품이지만, 만화를 만드는 작업은 많은 전문가들 사이에서 종종 나뉜다.작가와 예술가가 따로 있을 수 있으며,[133] 일본에서 흔히 볼 수 있는 캐릭터나 배경 등 예술작품의 일부를 전문으로 하는 경우도 있다.특히 미국 슈퍼히어로 만화책에서,[134] 이 예술은 [135]연필로 작품을 펼치는 펜실러, [136]잉크로 작품을 완성하는 잉커, 색칠하는 사람,[137] 그리고 자막과 [138]말풍선을 추가하는 레터러로 나눌 수 있다.

어원학

영어 용어 만화는 초기 미국 신문 연재만화에서 우세한 유머(혹은 코믹) 작품에서 유래했지만, 유머가 없는 작품에서도 이 용어의 사용이 표준이 되었다.언더그라운드 혼성 운동에 의해 만들어진 대체 철자 혼성(comix)이 이러한 [139]모호성에 대처하기 위해 사용되기도 합니다.만화책이라는 용어는 대부분 유머러스하지 않고 [140]일반 책이 아닌 정기 간행물이기 때문에 비슷하게 혼란스러운 역사를 가지고 있다.일본 만화의 경우 만화, 프랑스-벨기에 [141]만화의 경우 밴데데시네 등 다른 문화권의 만화를 일본어로 지칭하는 것이 영어에서는 일반적이다.

러시아어(코믹스), 독일어(코믹스)[142][143]를 포함한 많은 문화들이 영어에서 만화라는 단어를 가져왔다.마찬가지로, 중국 용어인[144] 만화와 한국 용어인[145] 만화는 일본 용어인 만화의 [146]한자에서 유래했다.

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메모들

  1. ^ 단고본
  2. ^ 데이비드 쿤즐은 그의 초기 연재만화(1973년)와 연재만화의 역사(1990년)[10]에서 이것들과 다른 원작 만화들의 광범위한 컬렉션을 수집했다.
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