말없는 소설

Wordless novel
이 기사는 서사 장르에 관한 것이다.기독교 복음서는 말없는 책을 보라.
Four high-contrast black-and-white images in sequence. In the first, a man, facing left with his right arm aloft, marches with a crowd towards a group of gun-wielding figures. In the second, uniformed figures are taking the man away amongst a crowd. In the third, the man is seen from behind at the bottom, with a group seated behind a bench in the distance near the top in an apparent courtroom. A crucifix hangs prominently above the bench, bathed in light in the darkened room. In the fourth, the man has his back to a wall, hands bound behind him, with another figure lying apparently dead at his feet. He faces right, apparently awaiting his execution by gunfire.
말없는 소설은 1920년대에 독일에서 번성했으며, 전형적으로 표현주의 스타일로 목판화 또는 이와 유사한 기법을 사용하여 만들어졌다. (프란스 마세렐, 1918년)

말없는 소설은 캡션 없는 그림의 순서를 사용하여 이야기를 들려주는 서사 장르다.예술가들이 목판화 등 구호 인쇄 기법을 이용해 이런 책을 만든 경우가 많아 목판화에서 목판화 소설이나 소설이라는 용어도 쓰인다.이 장르는 1920년대와 1930년대에 주로 번창했고 독일에서 가장 인기가 있었다.

이 말없는 소설은 20세기 초의 독일 표현주의 운동에 기원을 두고 있다.전형적으로 사회주의적인 작품은 중세 목판화에서 영감을 얻어 그 매체의 어색한 모습을 사용하여 사회적 불의에 대한 불안과 좌절감을 표현했다.그 첫 번째 책은 벨기에 프란스 마세레엘의 1918년에 출판된 25개의 남성 열정의 이미지였다.독일인 오토 누켈을 비롯한 예술가들이 마세레엘의 예를 따랐다.린드 워드는 1929년 다른 미국 말없는 소설과 1930년 만화가 밀트 그로스(Milt Gross)의 패러디를 영감을 준 '신의 남자(Gods' Man)'를 제작하면서 이 장르를 미국으로 들여왔다.제작과 인기가 최고조에 달했던 1930년대 초반에 이어 나치 독일과 미국의 음향 영화와의 경쟁과 반사회주의 검열로 장르도 시들해졌다.

제2차 세계 대전 이후, 말없는 소설의 새로운 예는 점점 더 드물어졌고, 초기 작품들은 절판되었다.관심은 1960년대 미국 만화 팬덤 하위문화가 말없는 소설을 장편 만화의 원형으로 보게 되면서 다시 살아나기 시작했다.1970년대에, 이 말없는 소설의 예는 윌 아이즈너와 아트 슈피겔만 같은 만화가들이 장편 비장편 만화인 "그래픽 소설"을 만들도록 영감을 주었다.에릭 드루커와 피터 쿠퍼와 같은 만화가들은 말없는 그래픽 소설을 만들기 위해 말없는 소설에서 직접적인 영감을 얻었다.

특성.

A black-and-white film still. Three figures stand facing each other on a heavily stylized street set.
표현주의 영화와 그래픽은 말없는 초기 소설에 영감을 주었다. (칼리가리 박사의 내각, 1920)

말없는 소설은 이야기를 하기 위해 표현적인 이미지들의 배열들을 사용한다.[1]자본주의와의 투쟁이라는 사회주의적인 주제는 흔하다; 학자인 페리 윌렛트는 이러한 주제들을 "장르 미학의 통일적 요소"[2]라고 부른다.형식적인 측면과 도덕적인 측면 모두에서, 그들은 표현주의 그래픽, 극장, 영화에서 그림을 그린다.[3]프란스 마세레엘과 같은 말없는 소설가들은 평범한 목재의 어색한 미학을 그들의 고뇌와 혁명적인 정치사상을[3] 표현하기 위해 전용하고 단순하고 전통적인 우상화를 사용했다.텍스트는 제목과 장 페이지로 제한된다. 단, 텍스트가 부호 등 장면의 일부인 경우는 제외한다.[4]

스토리텔링은 멜로적인 경향이 있고,[2] 이야기는 등장인물이 경제적, 정치적, 그리고 다른 사회적 세력에 의해 침묵되는 사회적 억압에 대항하는 투쟁에 초점을 맞추는 경향이 있다.등장인물들은 선과 악, 즉 동정적으로 그려진 선과 예술가의 도덕적 분노의 경멸로 묘사되어 있다.[5]

대부분의 말없는 소설가들은 다작하지 않았다; 마세렐과 린드 워드 외에 단 한 권 이상의 책을 출판한 사람은 거의 없었다.[6]이 책들은 오토 딕스, 조지 그로즈, 케테 콜비츠와 같은 예술가들이 컬렉터들을 위해 한정판으로 제작한 비슷하지만 짧은 포트폴리오와는 대조적으로 대중적인 청중들을 위해 대량으로 제작되도록 설계되었다.일반적으로 8개에서 10개까지의 인쇄물 포트폴리오도 순차적으로 볼 수 있도록 되어 있었다.말없는 소설은 더 길었고, 더 복잡한 서술이 있었으며, 소설에 비견할 만한 크기와 차원으로 인쇄되었다.[7]그 시대의 가장 인기 있는 무성 영상 매체인 무성영화에는 큰 영향이 있었다.패닝, 줌, 슬랩스틱, 그리고 다른 영화적 기법들이 책에서 발견된다; 워드는 말없는 소설을 만들 때, 처음에 무성 영화로서 머릿속에 그것을 시각화해야 한다고 말했다.[8]

Photograph of an engraved piece of wood, on which is an image of a man kneeling.
말없는 소설가들은 워드의 전주곡에서 백만년(1933년)으로 판화된 이 목판화와 같은 구호 인쇄를 좋아했다.

전형적으로, 말없는 소설은 목판화, 목판화, 금속 절단, 또는 리노쿠츠와 같은 구호 인쇄 기술을 사용했다.가장 오래된 인쇄 기술 중 하나인 구제 인쇄는 8세기 중국에서 유래되었고 15세기에 유럽에 소개되었다.그것은 예술가가 인쇄 블록에 이미지를 그리거나 옮겨야 한다; 인쇄할 수 없는 영역(흰색 영역)이 잘려져 인쇄를 하기 위해 잉크를 바르는 상승된 영역이 남게 된다.[9]단색 인쇄물은 대개 검은 잉크로 되어 있었고, 때로는 시에나나 오렌지 같은 다른 색으로 되어 있었다.[10]구제 인쇄술은 저렴하지만 노동집약적인 인쇄술이다. 그것은 노동계급의 말없는 이야기를 하고 싶어하는 사회 의식 있는 예술가들이 접근할 수 있었다.[11]

역사

15세기[12] 중세 유럽에서는 목판화 블록북이 종교 가이드로 인쇄되었는데, 특히 아르스 모리엔디가 인기였다.16세기 초에는 구텐베르크의 압착기 동판으로 인쇄된 책을 선호하여 블록 서적이 사라지는 것을 보았다.[13]목판 인쇄술은 뒤러, 홀빈, 암만과 같은 예술가 밑에서 16세기까지 지속되었고,[12] 그 후 판각술은 목판화를 대체했다.토마스 허닉에 의해 개척된 목판화는 18세기부터 인기를 누렸으며, 19세기에 이르러서는 석판화와 같은 보다 진보된 인쇄법으로 자리를 내주었다.[14]

A monochromatic woodcut print of a page from a mediaeval book depicting a bible scene.
표현주의 목판화가들은 이 비블리아파우페룸과 같은 평범하지 않은 목판화의 어색한 모습을 사용하여 불안감을 표현했다.

후기 인상주의 화가 폴 고갱은 19세기 말에 목판 인쇄를 부활시켰고, 원시주의적인 효과로 그것을 선호했다.[15]20세기 초, Kéthe Kolwitz (1867–1945)와 Max Klinger (1857–1920)와 같은 목판화가들은 목판화 포트폴리오를 출판했는데, 이는 사회적 불의의 주제들에 의해 주제적으로 연결되어 있다.[16]맥스 베크만(1884–1950), 오토 딕스(1891–1969), 콜비츠, 칼 슈미트-로틀러프(1884–1976)와 같은 표현주의 그래픽 예술가들은 중세의 그래픽 예술에 대한 관심의 20세기 초의 부활, 특히 비블리아 파우페룸과 같은 성경적 목판화 작품에서 영감을 받았다.이 화가들은 나무로 만든 이미지의 어색한 표정을 통해 고뇌의 감정을 표현했다.[3]

유럽에서는

그 말없는 소설은 표현주의 운동에서 비롯되었다.[17]벨기에 프란스 마세레엘 (1889–1972)은 1918년에 가장 초기 사례인 25개의 인간 정열의 이미지를 만들었다.[a][1]그것은 상업적인[18] 성공이었고, 167개의 이미지에서 마세렐의 가장 긴 책인 "열정적인 여행"이 뒤따랐다.[b]그것은 또한 상업적으로 가장 성공적이었으며,[2] 특히 1920년대 내내 수십만 권의 그의 책들이 팔렸고 맥스 브로드, 헤르만 헤세, 토마스 만과 같은 작가들의 소개가 있었던 독일에서는 더욱 그러했다.마세렐의 책들은 흑백의 대조가 강한 과장되었지만 대표성이 있는 예술작품에서 표현주의 극장과 영화에[1] 강한 관심을 끌었다.[19]

마세레엘의 상업적 성공은 다른 예술가들이 이 장르에 손을 대도록 만들었다;[20] 자본주의에 의한 억압의 주제는 두드러졌고, 마세레엘이 일찍이 설정한 패턴이었다.[1]13살에 폴란드-프랑스 예술가 발투스는 그의 고양이에 대해 한 마디도 없는 이야기를 그렸다; 그것은 시인 레이너 마리아 릴케의 소개로 1921년에 출판되었다.[21]데스티니 (1926년)[c]에서 오토 누켈 (1888년–1955년)은 마세레엘의 폭발성 작품보다 더 큰 뉘앙스와 분위기를 가진 작품을 제작했는데,[22] 마세레엘은 이 작품에서 인간의 사회와의 투쟁에 대한 이야기를 들려주었다.[23]데스티니는 1930년[24] 미국 판에 나와 그곳에서 잘 팔렸다.[25]

클레망 모로(1903~1988)는 1928년 6판 '수단[d] 없는 청춘'으로 이 장르를 처음 시도했다.[26]영국으로 이주한 헝가리계 이민자 이세게디슈트(1892~1959)는 '나의 전쟁'(1931)이라는 붓과 잉크로 말없는 책을 만들었다.일본의 붓 그림을 연상시키는 간단한 작품에서 세게디-스쥐트는 자신이 겪은 제1차 세계대전에 환멸을 느낀 헝가리 기병대에 대해 이야기했다.[27]헬레나 보초아코바 디트리히보바(1894~1980)는 마세레엘이나 누켈의 작품에서 발견되는 노동자 계급 투쟁보다는 중산층의 삶을 제시하는 말없는 소설 '유년기'(1931년)[28]를 최초로 제작한 여성이다.[29]보초아코바는 그녀의 책을 소설이라기보다는 "주기"라고 묘사했다.[28]초현실주의 화가 맥스 에른스트는 1934년에 무성 콜라주 소설인 Une semaine de bonté를 만들었다.[30]제2차 세계대전에 이어 독일 표현주의 단체인 디 브뤼케의 멤버인 베르너 고트하인[de](1890~1968)이 <줄타기 워커와 광대[e]>(1949년)를 제작했다.[28]

북아메리카에서

1926년, 미국 린드 워드(1905–1985)는 그래픽 예술을 공부하기 위해 라이프치히로 이주했다. 그곳에서 그는 마세레엘과 오토 넛켈의 작품을 발견했다.[31]그는 그러한 6개의 작품을 직접 제작했다;[3] 그는 그것들을 "그림의 서술"이라고 부르는 것을 선호했다.[32]첫 번째인 '신의 남자'(1929년)는 그의 가장 인기가 많았다.[3]워드는 목판화보다는[32] 목판화를 사용했고 페이지마다 이미지 크기가 다양했다.[25]'신의 남자'는 2만 부가 팔렸고, 다른 미국 작가들은 1930년대에 그들 자신의 말없는 소설로 이 성공을 추적했다.[32]

A black-and-white drawing of woman opening a window.
Milt Gross는 Her Done Her Brad (1930년)에서 린드 워드의 신들을 패러디했다.

만화가 밀트 그로스(1930)는 이 장르를 패러디한 것이다. 이 책은 만화책과 비슷한 다양한 패널 디자인을 사용한다. 이 액션은 때때로 패널 테두리[33] 밖에서 일어나며 "대화풍선"은 등장인물들이 말하는 것을 이미지에서 보여준다.[34]만화가 겸 일러스트 작가 윌리엄 그로퍼의 알레이업(1930)은 세 연예인의 실망한 꿈에 대해 이야기한다.[35]아브라함 링컨: 목판화의 전기 (1933년)에서 찰스 투르자크는 미국 대통령을 기록하였다.[36]애니메이터 마이런 월드먼(1908–2006)은 화려한 남편을 찾는 통통한 젊은 여성의 이야기를 한 마디도 하지 않았다.이브(1943)라는 책도 '그녀의 잘못을 저지르다'처럼 '그림풍선'을 쓴다.[37]

평범한 종교 블록 서적에서 영감을 받아 아트 데코 스타일로 활동한 미국의 삽화가 제임스 리드(1907~1989)는 한 마디도 없는 소설 '그리스도의 삶'(1930)을 제작했는데,[38] 이 책의 종교적 내용 때문에 소련은 종교에 대한 정책에 따라 수입을 금지했다.[18]

1938년, 이탈리아계 미국인 자코모 파트리 (1898–1978)는 그의 유일한 말없는 소설인 리노컷 화이트 칼라를 제작했다.1929년 주식시장 붕괴의 여파를 기록한 이 책은 화이트칼라 노동자들이 결합하도록 동기를 부여하기 위한 것이었다.[38]낙태, 빈곤층을 위한 건강관리 접근성, 기독교 신앙 상실 등 논란이 많은 주제들도 다룬다.[27]1948년부터 1951년까지 캐나다 로렌스 하이드(1914–1987)는 비키니 환초에서 미국의 원자 실험에 대응하여 그의 단 하나의 단어 없는 소설인 목판 남십자(Southern Canadian Laurce Hyde (1914–[39]1987)이 작품은 한 가족이 남겨진 핵실험을 위해 한 섬을 탈출하는 미국인의 이야기를 담고 있다.[40]폴란드계 미국인 시 르웬(1918– )의 첫 번째 책인 퍼레이드: 55개의 드로잉의 이야기(1957년)는 반전 메시지로 알버트 아인슈타인으로부터 찬사를 받았다.[41]캐나다인 조지 쿠탄의 아프로디테 컵(1964)은 고대 그리스 양식으로 그려진 에로틱한 책이다.[30]21세기 초 캐나다인 조지 워커는 9·11 테러 직전 세계무역센터(WTC) 단지 내 사람들의 삶에 대한 이야기를 담은 'Book of Hours'(2010)를 시작으로 말없는 목판 소설을 만들었다.[42]

사양

말없는 소설의 인기는 1929년부터 1931년까지 절정에 달했는데, 이때는 '토키'가 소개되어 무성영화를 대체하기 시작했다.[43]1930년대에 독일의 나치는 많은 인쇄업자들을 억압하고 구금했으며 마세레엘의 작품을[18] "예술의 퇴폐"[28]로 금지시켰다.제2차 세계 대전 이후 미국의 검열관들은 그의 사회주의 동조자들 때문에 FBI가 파일을 보관했던 린드 워드의 작품들을 포함하여 사회주의적인 관점을 가진 책들을 억압했다; 이 검열은 미국에서 말없는 소설의 초기 판본들을 희귀한 수집가들의 물품으로 만들었다.[18]

1940년대까지 대부분의 예술가들은 이 장르를 포기했다.가장 헌신적인 개업자인 마세렐과 워드는 그들이 더 잘 알려진 다른 작품으로 옮겨갔다; 마세렐의 부고자는 그의 말없는 소설에 대해 언급조차 하지 않았다.[6]21세기 초 그래픽 소설의 등장으로 독자와 출판사들 사이의 관심이 되살아날 때까지 많은 말없는 소설들이 절판되었다.[44]

만화 및 그래픽 소설과의 관계

"… 워드의 뿌리는 만화에 있지 않았지만, 그의 작품은 같은 큰 가계도의 일부분인데..."

— Art Spiegelman, The Paris Review, 2010[45]

매체의 역사를 통틀어 문자 없는 만화(판토마임 만화)의 산발적인 예가 있었다.미국에서는 1931년에 시작된 오토 소글로우의 <작은 왕>, 1932년에 시작된 칼 앤더슨의 <헨리>와 같은 연재만화가 있었다.[30]독일 만화가 E. O. Plauen의 말없는 국내 만화 '아버지와 아들[f]'(1934~37)이 독일에서 인기를 끌었고, 3권으로 수집되었다.[46]안토니오 프로히아스의 문자 없는 매드 잡지에 스파이 vs가 등장한다. 스파이는 1961년에 시작되었다.[30]

An bald elderly man in a brown shirt.
A late-middle-aged man with glasses, seated, wearing a black leather jacket, smiles at the camera.
린드 워드의 작품은 만화가 윌 아이즈너(왼쪽)와 아트 슈피겔만(오른쪽)에게 그래픽소설을 창작하도록 영감을 주었다.

만화가 윌 아이즈너(1917~2005)는 1938년 린드 워드의 작품을 처음 접했다.아이즈너는 미국 만화책 산업의 초기 개척자였고 워드의 작품에서 만화의 더 큰 잠재력을 보았다.아이즈너의 야망은 만화를 하급 엔터테인먼트에 지나지 않는다고 본 동료들에 의해 거절당했다.아이즈너는 1950년대 초 정부와 교육 사업을 하기 위해 상업용 만화 산업에서 물러났다.그는 1970년대에 돌아와 분위기가 변했고 그의 독자와 동료들은 그의 야망을 더 수용하는 것처럼 보였다.1978년, 그는 장편 만화를 창작하기 시작했는데, 그 중 첫 번째 것은 신과의 계약이었다; 이 책은 20세기 말에 표준이 된 용어인 "그래픽 소설"로 시판되었다.[47]아이즈너는 워드를 "아마도 20세기의 가장 도발적인 그래픽 스토리텔러"[48]라고 불렀다.그는 워드의 Vertigo(1937년)가 이미지 사이의 이야기를 채우기 위해 독자들에게 상당한 투자를 요구했다고 썼다.[48]

말없는 소설에 대한 관심은 그래픽 소설의 등장으로 되살아났다.[49]만화 팬들은 마세렐 등의 작품을 팬진에서 토론했고, 토론은 만화로 만들어진 그레이트 아메리칸 소설에 대한 이야기로 바뀌었다.이러한 논의는 1973년 4페이지 분량의 '지옥의 행성에 대한 죄수'를 만든 [50]만화가 아트 슈피겔만(1948년)에게 워드의 작품에서 영감을 받은 표현주의 스타일로 영감을 주었다.슈피겔만은 나중에 스트립을 그의 그래픽 소설 마우스에 포함시켰다.[51]

그래픽 소설은 일반적으로 자막과 대화를 사용하지만, 에릭 드루커, 피터 쿠퍼, 토마스 오트, 브라이언 랠프, 다나카 마사시, 루이스 트론드하임, 빌리 심스 같은 만화가들은 말없는 그래픽 소설을 만들어왔다.[6][49]그로스(Gross)가 Her Done Her Wrong에서 한 것처럼 헨드릭 도르가텐[de]의 말없는 oeuvre는 기호, 아이콘, 그리고 다른 이미지들이 들어 있는 문자 없는 단어 풍선을 사용한다.[52]말없는 소설의 영향력은 드로커의 홍수(1992년)와 쿠퍼의 제도(1997년)에서 두드러지는데, 둘 다 사회적 테마에 초점을 맞춘 은유적인 이야기들이다.[44]2011년부터 펜실베이니아 주립대학 도서관과 펜실베이니아 도서센터는 아버지가 그래픽 소설 개발에 미친 영향을 강조하기 위해 워드의 딸들이 설립한 현금상인 그래픽 소설에 매년 린드 워드 상을 수여하고 있다.[53]

참고 항목

메모들

  1. ^ 프랑스어: 25개의 이미지 de la passion d'un homme
  2. ^ 프랑스어: Mon livre d'heures; 이 책은 영어로 "My Book of Hours"로 번역되었다.[2]
  3. ^ 독일어: 힉살[22]
  4. ^ 독일어: Erwerbslose Jugend
  5. ^ 독일어: Die Seilteenzerin und ihr Crown
  6. ^ 독일어: Vater und Son

참조

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  2. ^ a b c d Willett 2005, 페이지 114.
  3. ^ a b c d e Willett 2005, 페이지 126.
  4. ^ 코헨 1977, 페이지 181.
  5. ^ Willett 2005, 페이지 130–131.
  6. ^ a b c Willett 2005, 페이지 131
  7. ^ 윌렛 2005, 페이지 128.
  8. ^ Willett 2005, 페이지 128–129.
  9. ^ 워커 2007, 페이지 15.
  10. ^ 코헨 1977, 페이지 193.
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  15. ^ 코헨 1977, 페이지 177.
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  17. ^ Willett 2005, 페이지 111.
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  53. ^ 리드 2014년

인용된 작품

책들

잡지 및 저널

웹

추가 읽기

외부 링크