과거 정보에 근거한 퍼포먼스

Historically informed performance
바로크 오케스트라(사진: Josetxu Obregon, 스페인 앙상블 La Ritirata)와 같이 시대 악기에 대한 연주가 HIP의 중요한 측면이다.

역사적으로 정보에 입각한 퍼포먼스(HIP라고도 함)는 클래식 음악의 퍼포먼스에 대한 접근법으로서, 작품이 최초로 구상된 음악 시대의 접근법, 방법 및 스타일에 충실함을 목적으로 합니다.

그것은 2개의 중요한 면:성능 및 기술의 스타일적인 측면, 성능 연습으로 알려져 응용 프로그램과 사용에서 원본 작곡 당시 역사적인 악기일 수도 있은 복제, 대개 그들의m.에서 temperament[1] 다른 음색이 악기의 사용에 근거한다시rn 등가물청취자의 기대치를 변화시키는 추가 연구 영역이 점점 [2]더 조사되고 있다.

19세기 후반 이전에는 음원이 존재하지 않았던 것을 감안하면, 역사적으로 정보에 입각한 공연은 주로 텍스트의 음악학적 분석에서 비롯된다.역사 논문, 교육학 과외 책, 콘서트 비평뿐만 아니라 추가적인 역사적 증거도 모두 역사적 시대의 공연 관행에 대한 통찰력을 얻기 위해 사용된다.1890년대 이후의 현존하는 음반들(실린더, 디스크, 피아노 롤을 재현하는 것)은 19세기 낭만주의 학자들이 이 스타일에 대한 독특하고 상세한 이해를 할 수 있게 해주었다. 비록 중요한 남은 의문들이 없지는 않지만.모든 시대에 HIP 연주자들은 일반적으로 음악 악보의 학술판 또는 Urtext 판을 기본 템플릿으로 사용하며, 또한 리듬감 있는 변형과 다양한 [1]종류의 장식 등 다양한 동시대의 양식적 관행을 추가로 적용합니다.

역사적으로 정보에 입각한 공연은 주로 20세기 중후반 많은 서양 국가에서 개발되었으며, 아이러니하게도 초기의 공연 [3]전통과의 모더니즘적 결별에 대한 반응이다.처음에는 중세, 르네상스, 바로크 음악의 연주에 관심이 많았던 HIP는 이제 클래식과 낭만주의 시대의 음악을 포괄합니다.HIP는 20세기와 21세기 초기 음악 부흥 운동의 중요한 부분을 차지해 왔으며, 예를 들어 연기나 경치에 대한 역사적 지식을 가진 접근법이 [4][1]사용되는 바로크 오페라 제작에서 연극 무대에 영향을 미치기 시작했다.

일부 비평가들은 HIP 운동의 방법론에 이의를 제기하며, HIP 운동의 선택과 미학은 20세기의 산물이며, 궁극적으로 이전의 연주가 어떻게 들렸는지 아는 것은 불가능하다고 주장한다.물론 문체와 레퍼토리가 오래될수록 문화적 거리감이 커지고 증거를 오해할 가능성도 커진다.이러한 이유로, "역사적으로 정통한"이라는 용어는 역사적 공연 양식이나 더 나쁜 것은 도덕적인 [5][4]어조를 재현하는 데 있어서 절대적인 정확성을 암시하기 보다는 학문적 이해의 한계를 인정하기 때문에 "진짜"라는 용어보다 선호된다.

초기 악기

다음 항목도 참조하십시오.시대 악기 목록
보존된 기구의 역사적 컬렉션은 연구자에게 도움이 된다(에든버러 세인트 세실리아 홀)

악기의 선택은 역사적으로 정통한 연주 원칙의 중요한 부분이다.악기는 시간이 지남에 따라 발전해 왔고, 역사 초기에 사용되었던 악기는 종종 현대의 악기와는 상당히 다르다.많은 다른 악기들이 음악을 만드는 새로운 도구들로 대체되면서 사용되지 않게 되었다.예를 들어, 현대 바이올린이 등장하기 전에는, 레베크나 비올과 같은 다른 활로 된 현악기가 일반적으로 [6]사용되었습니다.박물관 소장품에서 고대 악기의 존재는 음악학자들이 악기의 다른 디자인, 조율, 음색이 초기 연주 연습에 [7]어떻게 영향을 미쳤는지 이해하는 데 도움을 주었다.

연구 도구일 뿐만 아니라, 역사적인 악기는 역사적으로 정보에 입각한 성능의 실천에 적극적인 역할을 합니다.역사적인 소리를 재현하는 것을 목표로 하는 현대 악기 연주자들은 종종 이것이 원곡에 역사적으로 충실한 것으로 생각되는 음악 연주를 전달한다는 것을 근거로 하여 시대 악기의 현대 복제품을 사용한다.예를 들어, 요한 세바스찬 바흐의 음악 공연을 하는 현대 음악 앙상블은 17세기 바로크 [7][8]오케스트라의 소리를 만들기 위해 현대 악기 대신 바로크 바이올린을 연주할 수 있다.

그 결과, 전혀 사용되지 않게 된 악기가 부활해,[original research?] 현시점에서도 사용되고 있는 악기의 역할이나 구조를 재검토하게 되었습니다.

연주에서 시대 악기를 사용하는 것으로 유명한 오케스트라와 앙상블은 테버너 컨소시엄과 연주자들(감독 앤드류 패럿), 고대음악원(크리스토퍼 호그우드), 콘센트루스 빈(니콜라우스 하논코트), 잉글리시 콘서트(하노보크) 등이 있다.Oque Soloists(존 엘리엇 가디너), 뮤지카 안티콰 성당 쾰른(라인하르트 괴벨), 암스테르담 바로크 관현악단&합창단(똔 Koopman), 레 예술 Florissants(윌리엄 크리스티), 라 쁘띠 Bande(Sigiswald Kuijken), 라 샤펠 로얄(필립 Herreweghe)[9][10][11][12]호주 브란덴부르크 오케스트라(폴 다이어), 그리고 Freiburger Barockorche.ster(고트프리트 폰 der Goltz)[13]낭만주의 시대의 작품까지 역사적 지식을 가진 연주 범위가 넓어지면서 HIP 무브먼트에서 19세기 악기의 특정 사운드가 인식되고 있으며, 가디너의 관현악단 등 [14]시대악기 오케스트라가 등장하고 있다.

하프시코드

Pascal Taskin의 Harpsichord (1780년) (Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg)

클래비코드나 하프시코드와 같은 구식 건반 악기가 부활했는데, 그것들은 초기 음악의 연주에 특히 중요하기 때문이다.지휘자가 이끄는 교향악단이 발전하기 전에, 르네상스 오케스트라와 바로크 오케스트라는 일반적으로 하프시코드에서 지휘되었다; 지휘자는 다른 악기 연주자들이 그들의 [15][16]부분을 장식할 수 있는 안정적이고 조화로운 구조를 제공하는 콘티뉴오를 연주함으로써 지휘하였다.그 시대의 많은 종교 작품들은 파이프 오르간을 비슷하게 사용하였고, 종종 하프시코드와 [17]결합하였다.역사적으로 정통한 공연은 키보드 주도의 앙상블 연주를 이용하는 경우가 많습니다.

프랑수아 쿠페린, 도메니코 스카를라티, 지롤라모 프레스코발디, 요한 세바스찬 바흐와 같은 작곡가들이 하프시코드, 클라비코드, 오르간을 위해 작곡했다.

하프시코드의 가장 현대적인 선수들 중에는 로버트 힐, 이고르 키프니스, 톤 쿠프만, 완다 란도프스카, 구스타프 레온하르트, 트레버 피녹, 스킵 셈페, 안드레아스 스타이어, 그리고 콜린 틸니가 있다.

포르테피아노

18세기 후반 동안 하프시코드는 점차 초기 피아노로 대체되었다.하프시코드가 유행하지 않게 되면서, 많은 것들이 파괴되었다; 사실, 파리 음악원은 프랑스 혁명과 나폴레옹 [18]시대에 하프시코드를 장작으로 사용한 것으로 악명 높다.원래 이름은 서로 바꿀 수 있었지만, 우리는 이제 피아노의 초기, 작은 스타일을 나타내기 위해 '포르테피아노'를 사용하고, 더 친숙한 '피아노포르테'는 1830년경부터 현대 디자인에 접근한 더 큰 악기들을 묘사하기 위해 사용되었다.20세기와 21세기에는 하이든, 모차르트, 베토벤, 슈베르트의 작품들이 종종 [19]포르테피아노로 연주되는 등 역사적으로 정통한 연주 경향의 결과로 포르테피아노가 부활했다.플리엘, 에라르, 슈트라이허 등의 19세기 초중반 피아노가 쇼팽, 리스트, 브람스 등 낭만주의 작곡가의 음경을 재현하는 데 활용되는 사례가 늘고 있다.

위반

토마스 콜의 비올라 다 감바 (c.1680)
근대 첼로 소리
바흐의 첼로 모음곡 G장조 1번인 BWV 1007의 사라반데는 현대 첼로로 연주되었다.
바로크 시대의 비올라 다감바 소리
비올라 다 감바로 연주된 G장조 카를 프리드리히 아벨의 소나타
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앙상블과 독주 모두를 위한 방대한 양의 비올 음악은 디에고 오르티즈, 클라우디오 몬테베르디, 윌리엄 버드, 윌리엄 로즈, 헨리 퍼셀, 생트-콜롬베, J.S. 바흐, 게오르그 앙투안 텔레 마린만을 포함한 르네상스 및 바로크 시대의 작곡가들에 의해 쓰여졌다.

가장 큰 것부터 가장 작은 것까지, viol 패밀리는 다음과 같이 구성됩니다.

  • 콘트라베이스 또는 비올론
  • 베이스 비올(첼로 정도의 크기)
  • 테너 비올(약 기타 크기)
  • 알토 비올(비올라 크기 정도)
  • (바이올린 크기 정도) 고음 또는 고음 비올.

가장 현대적인 비올선수로는 파올로 판돌포, 윌랜드 쿠이켄, 조르디 사발, 존 쉬, 그리고 비토리오 기엘미가 있다.많은 현대적 비올리스트들이 있다.

녹음기

주요 기사:레코더 플레이어 목록

오늘날 여러 크기의 레코더(콘트라베이스, 베이스, 테너, 알토, 소프라노, 소프라노, 그리고 심지어 더 작은 클라인 소프라니노 또는 가클레인)는 종종 혼합 크기의 조합으로 연주된다.특히 헨델과 텔레만은 리코더를 위해 솔로 작품을 썼다.아놀드 돌메치는 리코더를 진지한 콘서트 악기로 부활시키기 위해 많은 노력을 기울였으며, "모든 녹음기(후행, 고음, 테너, 베이스)를 저음으로 재구성하고 역사적 원곡에 기초한다"[20]고 말했다.

노래하는 것

카운터테노르필리프 야루스키, 크리스티나 플루하르(테오르보) 동반

기악 기법과 마찬가지로, 가수들을 위한 역사적인 정보에 근거한 공연 연습에 대한 접근은 음악학적 연구와 학술적 논쟁에 의해 형성되어 왔다.특히 초기 음악 부흥기에 비브라토 기법의 사용에 대한 논쟁이 있었고, HIP의 많은 지지자들은 스트레이트 톤의 노래라는 "순수한" 소리를 선호하며 비브라토를 제거하는 것을 목표로 했다.스타일의 차이는 마리아 칼라스와 [21]같은 그랜드 오페라 가수의 소리와 대조적으로 세 배의 소년 소리를 통해 드러날 수 있다.

트리요와 같은 역사적인 성악 기법은 초기 바로크 시대에 장식적인 효과를 위해 사용되었던 하나의 음을 트레몰로처럼 반복하는 것과 같은 인기를 얻었다.그러나 17세기와 18세기에 논문 작성자들이 논의한 많은 발성 기법이 저자에 따라 다른 의미를 가지기 때문에 이러한 표현 장치에 대한 학문적 이해는 종종 주관적이다.스트레이트 톤의 유행에도 불구하고, 많은 유명한 초기 음악 가수들은 그들의 [21][22]연주에 표현을 더하기 위해 미묘하고 부드러운 형태의 비브라토를 사용한다.

역사적으로 정보에 입각한 공연 운동에 기여한 가수로는 엠마 커크비, 맥스 반 에그몬드, 줄리안 베어드, 나이젤 로저스, 데이비드 토마스 등이 있다.

초기 음악, 특히 신성한 르네상스 다성음악과 바로크 오페라에 대한 관심의 부활은 카운터테너의 목소리를 부활시켰다.HIP 오페라 작품에서 고음성 남성 가수들은 종종 여성 콘트라토보다 더 많이 캐스팅되는데, 이는 부분적으로 카스트라토 가수들의 대용으로 사용됩니다.알프레드 델러는 카운터테너 [23]노래의 현대 부흥의 선구자로 여겨진다.당대 최고의 연주자로는 제임스 보먼, 데이비드 다니엘스, 데릭 리 라긴, 안드레아스 숄, 마이클 챈스, 자쿠브 요제프 오를린스키, 다니엘 테일러, 브라이언 아사와, 요시카즈 메라, 필립 야로스키 등이 있습니다.

레이아웃

합창단이나 오케스트라 등 연주자 그룹의 배치에 관한 표준 관행이 시간이 지남에 따라 변화했다.공연 무대에서 가수와 악기의 역사적으로 적절한 배치를 결정하는 것은 역사적 연구를 통해 알 수 있다.음악학자들은 문서 증거 외에도 역사적 정보의 주요 출처로서 아이콘적 증거(현대 그림 및 연주가들의 그림)에 의존할 수도 있습니다.화보 자료에는 앙상블의 크기, 다양한 종류의 악기의 위치, 합창단이나 건반악기에 대한 그들의 위치, 지휘자의 위치 또는 부재, 연주자들이 앉았는지 서 있는지 여부, 그리고 연주 공간(예: 콘서트 홀, 궁궐, 가정집)과 같은 다양한 관행이 드러날 수 있다.c 집, 교회, 야외 등).[1]독일 이론가 요한 매튜슨은 1739년 논문에서 가수들이 악기 [24]연주자들 앞에 서야 한다고 말한다.

다음의 3개의 주요 레이아웃이 [citation needed]문서화되어 있습니다.

  • 원(르네상스)
  • 악기 앞 합창단(17~19세기)
  • 합창단 다락방에는 가수와 악기들이 나란히 있다.

갤러리

  • Renaissance composer Orlando de Lassus directing a chamber ensemble

    실내악단을 지휘하는 르네상스 작곡가 올란도 드 라수스

  • An 1837 sketch of the layout of a choir and orchestra

    1837년 합창단과 오케스트라의 배치 스케치

  • A drawing of an 1890 concert in Munich, Germany

    1890년 독일 뮌헨 콘서트 그림

  • A choir with instrumentalists, in historic layout

    역사적인 배치에 있는 악기 연주자들과 함께 하는 합창단

초기 퍼포먼스 프랙티스

몬테베르디의 오르페오 제1판(1609)의 전재.음악학자들은 연주 연습을 해석하기 위해 사인 악보 또는 초기판을 참조한다.
이 13세기 갈리시아의 루타니스트 삽화와 같은 역사적 이미지는 현대 공연 실습을 알려줄 수 있지만, 신중하게 해석되어야 한다.

악보 해석

익숙한 어려운 항목은 다음과 같습니다.

  • 초기 작곡가들은 종종 오늘날과 같은 기호들을 사용했지만, 종종 문맥에 따라 다른 의미로 작곡했다.예를 들어, 아포기가투라라고 쓰인 것은 종종 표기된 [25]길이보다 길거나 짧다는 것을 의미하며, 19세기 후반의 점수에서도 머리핀의 [26]의미(역학적 또는/또는 아고딕)에 대해 이견이 있다.
  • 표기는 부분적일 수 있습니다.예를 들어, 음표 지속 시간은 측정되지 않은 서곡, 리듬 또는 미터 표시 없이 쓰인 곡 등에서 모두 생략할 수 있다.표기가 포괄적이라 하더라도 통로의 리드미컬한 형상, 섹션간의 일시정지 또는 화음의 추가 아레게이션과 같은 비주기의 변경이 필요하다.베인 상처와 반복이 흔했다.
  • 음악은 태블러처와 같은 대안적이고 비현대적인 표기를 사용하여 쓰여질 수 있다.일부 표기는 Robert ap Huw의 하프 원고의[28] 표기법처럼[27] 부분적으로만 해독됩니다.
  • 이전 음악의 기준 음높이는 일반적으로 오늘날 사용되는 것과 같은 음높이를 의미하는 것으로 해석될 수 없습니다.
  • 다양한 튜닝 시스템(조건)이 사용됩니다.작곡가들은 항상 연주자가 기질을 선택할 것이라고 가정하고 절대 [29]악보에 기질을 나타내지 않는다.
  • 초기 바로크까지의 대부분의 앙상블 음악에서 실제 사용되는 악기는 악보에 표시되지 않으며, 연주자들에 의해 부분적으로 또는 완전히 선택되어야 한다.잘 논의된 예는 몬테베르디의 L'Orfeo에서 찾을 수 있습니다. 여기서 사용하는 계측기는 부분적이며 중요한 [30]섹션으로만 제한됩니다.
  • 악센트에 영향을 미치는 발음 문제는 많은 초기 성악이 쓰인 언어인 교회 라틴어로 넘어갑니다.그 이유는 라틴어는 전통적으로 현지 언어의 언어 소리와 패턴을 사용하여 발음되었기 때문이다.

기계 음악

과거의 음악이 어떻게 울렸는지에 대한 정보는 현대의 기계 악기로부터 얻을 수 있다.예를 들어 네덜란드 박물관 Speelklok은 18세기 기계 오르간을 소유하고 있으며, 이 오르간은 Joseph [31]Haydn에 의해 작곡되고 감독되었습니다.

튜닝 및 피치

근대까지 다양한 장소에서 다른 튜닝 레퍼런스가 사용되었습니다.바로크 오보이스트 브루스 헤인스는 생존한 관악기를 광범위하게 연구했고 심지어 바이올린 연주자들이 [32][page needed]이웃 교회에서 연주하기 위해 마이너 1/3까지 음정을 수정해야 하는 경우를 기록하기도 했다.

도상적 증거

음악학자들의 연구는 종종 미술사학자들의 작품과 겹친다; 특정 음악시대와 동시대의 연주가들의 그림과 그림을 조사함으로써, 학자들은 그 날의 연주 연습에 대한 세부 사항을 추론할 수 있다.오케스트라나 앙상블의 레이아웃을 보여주는 것 외에, 예술 작품은 활을 잡는 방법이나 윈드 연주자의 엠보셔와 같은 현대 연주 기술에 대한 세부사항을 보여줄 수 있다.그러나 미술사가가 예술작품을 평가해야 하는 것처럼 음악학자도 예술가의 잠재적인 문화적, 정치적 동기를 고려하여 그림이나 그림의 음악적 증거를 역사적 맥락에서 평가해야 하며 예술적 허가를 허용해야 한다.음악가들의 역사적 이미지는 악기에 대한 이상화되거나 심지어 허구적인 설명을 제공할 수 있으며, 역사적으로 잘못 알려진 [1]공연을 야기할 위험도 크다.

문제들

존 엘리엇 가디너와 같은 많은 학자와 연주자들은 "진짜 퍼포먼스"라는 용어에 의문을 제기해 왔다.

예술적, 학문적 동기가 어떻게 음악 공연으로 바뀌어야 하는지에 대한 의견은 다양하다.[33]

랄프 커크패트릭은 역사적 맥락에서 작곡가의 의도를 이해하려는 시도를 옹호하지만, 기술적 무능을 숨기기 위해 역사적 외설주의를 사용하는 것의 위험을 강조한다: "너무 자주 역사적 진위는 잠재적으로 심미적 가치에 대한 어떠한 불안감 있는 관찰로부터, 그리고 미학적 가치로부터 도망치는 수단으로 사용될 수 있다.진정한 예술적 책임을 떠맡는 것미적 가치와 예술적 책임을 포기하는 것은 역사의 흐름이 시간의 모래 위에 뼈처럼 하얗게 탈색된 채 우리에게 보여준 것에 대해 소박하다는 환상을 줄 수 있다.[34][page needed]

초기 음악학자 베벌리 제롤드는 바로크 시대의 연주회 참가자들의 이야기를 인용하면서 역사적으로 정통한 음악가들의 현악기법에 의문을 제기했다.[35]역사적으로 정통한 성악가들의 관행에 대해서도 비슷한 비판이 쏟아지고 있다.

초기 음악 부흥의 일부 지지자들은 "진짜 연주"라는 용어와 거리를 두었다.지휘자 존 엘리엇 가디너는 이 용어가 "오해의 소지가 있다"는 견해를 나타내며, "시대 악기에 대한 나의 열정은 고미술가나 가짜이고 얻을 수 없는 진품을 추구하는 것이 아니라 단지 심포니 [36][37]오케스트라의 표준적이고 단색의 질에 대한 신선한 대안일 뿐입니다."라고 말했다.

Daniel Lich-Wilkinson은 HIP 연습의 대부분이 발명에 기초하고 있다는 것을 인정한다: "역사 연구는 우리에게 악기, 그리고 때로는 어떻게 사용하는지에 대한 매우 상세한 정보를 제공할 수 있다; 그러나 그러한 증거와 소리 나는 연주 사이의 차이는 여전히 너무 커서 많은 수의 음악가들과 열정만이 메울 수 있다.발명.정확히 얼마가 필요한지 쉽게 잊어버릴 수 있습니다.음악 발명의 실행은 [38]연주자에게 매우 자동적이기 때문입니다.리치 윌킨슨은 초기 음악의 연주 스타일은 "정확한 [39]재현과 마찬가지로 현재의 취향과 관련이 있다"고 결론지었다.이것은 아마도 지나친 [according to whom?]비관일 것이다.최근 Andrew Snedden은 HIP 재구성은 그 시대의 문화적 해석과 함께 접근했을 때 더 확실한 근거가 있다고 제안하고, 그들이 어떻게 연주했는지뿐만 아니라 그들이 왜 그렇게 연주했는지, 그리고 음악에 어떤 문화적 의미가 포함되어 있는지를 조사했습니다.

20세기 초 관현악 녹음에 대한 그의 연구의 결론에서, 로버트 필립은 "지금 아마도 초기에 멋있게 들리는 것"의 개념은 역사적 연주 운동의 많은 배후에 있는 근본적이지만 결함이 있는 가정이라고 말한다.필립스는 리듬, 비브라토, 그리고 포타멘토를 검토하면서 역사적 수행의 오류는 그들이 받아들일 수 있다고 생각하는 것을 무작위로 선택하고 현대적 [40]취향에 반하는 수행의 증거를 무시하게 만든다고 말한다.

접수처

영국 철학자 로저 배그론은 그의 저서 음악의 미학에서 "HIP의 효과는 종종 가짜 학자로 과거를 속박하고, 음악학을 음악보다 격상시키고, 바흐와 그의 동시대인들을 음향적인 시간전쟁으로 제한했다"고 썼다.수많은 '진짜' 공연이 불러오는 피로감은 현대 박물관의 분위기에 비유할 수 있다.[초기 작곡가의 작품]진짜의 유리 너머로 흐트러진 스크린 너머로 황량하게 바라보고 있다.[41]

많은 학자들은 HIP 운동을 본질적으로 20세기의 발명품으로 보고 있다.피터 힐은 정기 얼리 뮤직(역사적으로 정보에 입각한 연주에 관한 주요 정기 간행물 중 하나)에 대해 쓰면서 "얼리 뮤직의 모든 기사들은 '진실성'의 위치에 있는 (아마도 치명적인) 결점을 다양한 방식으로 지적했다.과거를 과거의 관점에서 이해하려는 시도는 역설적이게도 완전히 현대적 [42]현상입니다."

역사적으로 정통한 공연운동의 가장 회의적인 목소리 중 하나는 리처드 타루스킨이다.그의 논지는 역사적으로 정보에 입각한 관행을 없애는 것은 사실 모더니즘의 영향을 받은 20세기 관행이며 궁극적으로 우리는 음악이 어떻게 들렸는지, 그리고 어떻게 연주되었는지 결코 알 수 없다는 것이다.「역사적으로 진정한 퍼포먼스로 간주되어 온 것은, 결정 가능한 역사적 프로토타입도, 또 그들이 다룬 레퍼토리와 같은 평가를 실시한 실천의 일관성 있는 부활도 나타내는 것이 아니라는 것을 깨닫기 시작했습니다.오히려, 그들은 역사적 [43]증거에 대한 절충적이고 기회주의적인 독서에 의해 아카데미와 시장에서 똑같이 검증된 현대적 가치의 전체 위시리스트를 구현했다." "'진실에 도달하는' 것을 목표로 하는 역사적" 공연자들...시대 악기를 사용하고 잃어버린 연주 기술을 되살리면서 실제로 역사의 물건에서 골라내는 것이다.그리고 그들은 이전 시대의 가치보다 20세기 후반의 가치에 대해 더 많이 말하는 방식으로 그렇게 합니다."

리디아 고어는 그녀의 책 "The Imaginary Musical Works: An Essay in the Philosoph of [44]Musical Works: A Essay of the Musical Musical Works: A Essay in the Philosh of Musical Works:그녀는 HIP 운동 자체가 19세기 후반에 발생했다고 주장하는데, 이는 현대 기술이 이전의 음악에 부과된 방식에 대한 반작용이라고 한다.따라서 연주자들은 음악에 관련된 모든 사람들에게 영향을 미치는 "진정한" 음악 연주 방식을 달성하는 데 관심이 있었습니다.그녀는 20세기 후반의 주장을 두 가지 관점으로 압축하여 연주 조건에 충실하거나 음악 [44]작품에 충실하게 표현한다.

그녀는 비평가들의 주장을 간결하게 요약한다(예를 들어 시대착오적이고 현재의 연주 아이디어를 선별적으로 초기 음악에 적용). 그러나 HIP 운동이 제공해야 하는 것은 음악을 보고 듣는 다른 방식이라고 결론짓는다: "그것은 규제 하에서 새로운 방식으로 음악을 제작할 수 있는 가능성을 열어둔다.새로운 이상에 대한 반응그것은 우리의 규제 개념의 본질적으로 중요하고 다시 볼 수 있는 본질에 눈을 뜨게 합니다.가장 중요한 것은 우리가 언제나 우리의 실천을 완전히 [45]옳게 하고 있는 가장 위험한 신념을 갖고 싶다는 뿌리 깊은 욕구를 극복하는 데 도움이 된다는 것입니다.

분명한 것은 양식 재구성에 대한 편협한 음악학적 접근은 문화적으로 모더니즘적이면서도 피터 [46]브룩의 '죽은 극장'이라고 불리는 살아있는 공연으로서 진실성이 없다는 것이다.최고의 HIP 연주자들은 역사적 데이터에 기반을 두고 있지만, 이제는 덜 모더니즘을 창조하는 애매모호한 논리를 인식하지만, 개인적으로 21세기 역사적 레퍼토리의 공연을 약속했다.

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레퍼런스

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원천

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외부 링크

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