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쇼조 만화

Shōjo manga
쇼조의 다른 용도에 대해서는 쇼조(명백)를 참조하십시오.
2004년 도쿄의 한 서점에서 마가렛 코믹스가 인쇄한 쇼조 만화 모음집 진열대.
시리즈의 일부
애니메이션과 만화
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쇼조 만화()는 일본의 少女漫画 만화 중 하나로, 청소년 여성과 청소년 여성을 대상으로 하는 만화이다. 그것은 만화의 주요 편집 카테고리 중 하나인 쇼넨 만화(청소년 소년 대상), 시넨 만화(청소년 및 성인 남성 대상), 조세 만화(성인 여성 대상)와 함께입니다. 쇼조 만화는 전통적으로 독자 연령대 또는 내러티브 장르를 전문으로 하는 만화 잡지에 출판됩니다.

쇼조 만화는 주로 쇼조 쇼세츠(소녀 산문 소설)와 조조가(가사 그림)를 중심으로 20세기에 일본의 소녀 문화에서 유래했습니다. 초기의 쇼조 만화는 1900년대 초에 청소년을 대상으로 하는 종합 잡지에 출판되었으며 1950년대에 만화의 별개의 범주로 공식화되면서 창작 발전의 시기에 접어들었습니다. 이 카테고리는 처음에 남성 만화 예술가들에 의해 지배되었지만, 1960년대와 1970년대에 시작된 여성 예술가들의 출현과 궁극적인 지배는 중대한 창조적 혁신의 시기로 이어졌고, 더 그래픽적이고 주제적으로 복잡한 이야기의 발전으로 이어졌습니다. 1980년대부터 이 카테고리는 스타일적으로 계속 발전하면서 동시에 서로 다른 그리고 중첩된 하위 장르로 분기되어 왔습니다.

엄밀히 말하면, 쇼조 만화는 특정 스타일이나 장르를 가리키는 것이 아니라 대상 인구 통계를 나타냅니다. 쇼조 만화와 관련된 특정한 미학적, 시각적, 서사적 관습들이 있지만, 이러한 관습들은 시간이 지남에 따라 변화하고 발전해 왔으며, 쇼조 만화에만 엄격하게 배타적인 것은 없습니다. 그럼에도 불구하고, 몇몇 개념들과 주제들은 전형적으로 쇼조 만화와 연관되기에 이르렀고, 둘 다 시각적(비강성 패널 레이아웃, 매우 세밀한 눈)과 내러티브(인간관계와 감정에 초점을 맞춘다; 성별과 섹슈얼리티를 둘러싼 전통적인 역할과 고정관념을 거스르는 등장인물; 초자연적이고 초자연적인 주제에 대한 묘사).

용어.

쇼조

1939년 영화 하나쓰미 니키[자]에서 선원 후쿠를 입은 원형 쇼조를 묘사한 여배우 다카미 히데코.

少女는 일본어로 "소녀"를 의미하지만, 일반적으로 소녀는 일반적으로 女の子로, 드물게는 쇼조로 불립니다. 오히려 쇼조라는 용어는 메이지 시대(1868-1912)에 등장한 소녀와 젊은 여성의 아동기와 결혼 사이의 연령을 나타내는 사회적 범주를 지정하는 데 사용됩니다. 일반적으로 이것은 "순수, 순수, 귀여움"의 이미지가 연관된 학령기 청소년을 지칭하며, 이것은 더 자기 결정적이고 성적인 이미지가 연관된 모가("현대의 소녀", 젊은 미혼 직장 여성)와 대조되었습니다.[2] 쇼조는 메이지 시대가 끝난 후에도 젊음과 순수함을 연상시켰으나 1980년대부터 소녀들을 위한 독특한 마케팅 카테고리로 발전하면서 강력한 소비주의적 의미를 띠었고, 이 시기에는 갸루가 전형적인 독립 여성으로서 모가를 대체하기도 했습니다.[3][4][5]

쇼조 만화

엄밀히 말하면, 쇼조 만화는 특정 스타일이나 장르를 가리키는 것이 아니라 대상 인구 통계를 나타냅니다.[6] 일본 만화 시장은 타깃 독자층에 의해 세분화되어 있으며, 성별(여자는 쇼조, 남자는 쇼넨)과 연령(여자는 쇼넨, 남자는 쇼넨)으로 구분되어 있습니다. 따라서, 쇼조 만화는 일반적으로 청소년 소녀와 젊은 성인 여성을 대상으로 판매되는 만화로 정의되지만,[7] 쇼조 만화는 남성과[8] 노인 여성에게도 읽힙니다.[9]

쇼조 만화는 전통적으로 20세기 초에 등장하여 시간이 지남에 따라 성장하고 다양해진 쇼조의 독자층을 대상으로 하는 만화 잡지에 출판됩니다.[10] 이들 잡지에 게재되는 이야기의 스타일과 톤은 출판물과 수십 년에 걸쳐 다양하지만, 쇼조 만화의 불변의 특성은 인간관계와 그에 수반되는 감정에 초점을 맞추고 있습니다.[11] 교토 국제 만화 박물관 큐레이터 쿠라모치 카요코와 학자 혼다 마스코[자]와 같은 일부 비평가들은 쇼조 만화를 정의하려고 시도할 때 특정 그래픽 요소를 강조합니다: 꽃, 리본, 펄럭이는 드레스, 크고 반짝이는 눈을 가진 소녀, 그리고 페이지를 가로질러 줄을 잇는 단어의 상상력 있는 사용, Honda는 의성어 히라히라를 사용하는 것을 설명합니다. 이 정의는 전통적인 쇼조 잡지 출판의 경계 밖에 존재하지만 인터넷에서 출판되는 작품과 같이 쇼조로 인식되는 작품을 설명합니다.[12]

역사

1945년 이전: 맥락과 기원

쇼조 문화의 기원

1902년 쇼조카이 창간호 표지

메이지 시대에 일본 출판 산업이 호황을 누리면서 십대 관객을 겨냥한 새로운 잡지, 이른바 쇼넨이 생겨나기 시작했습니다.[13] 이 잡지들은 표면적으로는 남녀 공용이지만, 실제로는 이 잡지들의 편집 내용은 대체로 소년들의 관심을 끄는 주제들에 관한 것이었습니다.[14] 소녀들을 대상으로 하는 잡지에 대한 수요가 증가함에 따라, 최초의 쇼조 잡지가 발행되었고, 쇼넨 잡지는 소년들만을 대상으로 하게 되었습니다.[14] 1902년에 창간된 쇼조카이[자]가 최초의 쇼조카이[자]였다. 1906년 세카이 쇼조, 1908년 도모 쇼조, 1912년 가호, 1923년 쇼조 클럽이 그 뒤를 이었다.[14] 이 잡지들은 주로 쇼조 쇼세츠(lit.소녀 소설)에 초점을 맞추고 있으며, 만화에 대해서만 부수적으로 초점을 맞추고 있습니다.[15]

그럼에도 불구하고 쇼조 쇼세츠는 쇼조 문화를 확립하는 데 중요한 역할을 했고, 사랑과 우정에 대한 이야기에 초점을 맞추어 쇼조 만화의 주요 반복 주제가 되는 기반을 마련했습니다.[16] 이 시대의 가장 중요한 작가 중에는 하나모노가타리와 같은 소설이 소녀와 여성의 낭만적인 우정을 중심으로 한 S급 장르의 주요 인물인 노부코 요시야가 있었습니다.[17][18] 쇼조 만화의 시각적 관습은 또한 이 잡지들에 출판된 삽화들에 큰 영향을 받았는데, 타케히사 유메지, 나카하라 준이치, 타카바타케 카쇼의 작품들은 날씬한 몸매와 세련된 옷차림, 그리고 큰 눈을 가진 여성 인물들을 특징으로 합니다.[16][19]

초기 쇼조 만화

초기의 쇼조 만화는 학교나 동네와 [20]같은 일반적인 환경에서 짧고 유머러스한 이야기 형태를 취했으며, 종종 말괄량이 주인공이 등장했습니다.[21][22] 이 작품들은 1930년대에 타가와 스이호나 구라카네 쇼스케와 같은 예술가들의 영향을 받아 발전하기 시작했습니다. 이 시기에는 하세가와 마치코나 우에다 도시코와 같은 여성 쇼조 예술가들이 있었지만, 남성 예술가들에 비해 현저히 흔하지는 않았습니다.[21][22]

이 시대의 가장 영향력 있는 예술가들 중에는 미국의 모가 문화와 예술 문화에 영향을 받은 서정적인 화가인 마츠모토 카츠지가 있었습니다. 그의 삽화에서 전형적인 순진한 쇼조 주제들을 묘사하는 것에 싫증이 난 [20]그는 1920년대에 만화를 그리는 것으로 방향을 틀었고, 그곳에서 그는 모가와 말괄량이를 더 자유롭게 묘사할 수 있었습니다.[23] 조지 맥마너스나 에델 헤이스와 같은 미국 만화가들과 그 시대의 미국 영화의 영향을 받았을 가능성이 있는 그의 스타일은 예술 데코에서 영감을 받은 포쿠찬(1930), 영화 나조 노 쿠로바(1934), 그리고 그의 가장 유명한 작품 쿠루쿠루 쿠루미찬(1938)과 같은 쇼조 만화에 세련되고 전위적인 혁신을 도입했습니다.[24][25]

1937년 제2차 중일전쟁이 발발하면서 검열과 종이 배급은 잡지의 발전을 방해했고, 잡지는 접히거나 혹은 생존을 위해 어쩔 수 없이 합병해야 했습니다. 계속해서 발행되는 잡지들은 삽화가 거의 없거나 전혀 없는 흑백 텍스트의 몇 페이지로 축소되었습니다.[26] 총 41개의 잡지가 1945년에 발행되었고, 그 중 두 개는 쇼조 잡지였습니다. 쇼조 클럽과 쇼조노 토모.[26][27]

  • A four-panel manga from the November 1910 issue of Shōjo (artist unknown). Note the henohenomoheji in the final panel.
    1910년 11월호 쇼조(작가 미상)의 4폭 만화. 마지막 패널에 있는 헤노헤노모헤지를 기록합니다.
  • The third chapter of Mikeko Romance (ミケ子ロマンス) by Jihei Ogawa, in the July 1920 issue of Shōjo Gahō
    오가와 지헤이의 《미케코 로맨스》(ミケ子ロマンス) 제3장 1920년 7월호 《쇼죠 가호》

1945-1970: 전후의 부상

1950년대 : 분류로서의 형식화

2012년 프린세스 나이트의 타이틀 캐릭터로 분장한 다카라즈카시 홍보대사

종전과 함께 일본은 영화, 라디오, 출판 등에서 대규모 예술적 생산의 시기에 접어들었습니다. 소설은 인기가 급증한 반면, 출판된 잡지의 수는 1945년 41개에서 1952년까지 400개로 증가했고, 출판사의 수는 같은 기간 동안 300개에서 약 2000개로 증가했습니다. 이 모든 잡지와 회사가 아동문학을 출판한 것은 아니지만, 아동을 위한 출판물이 출판물 생산량의 상당한 비율을 차지했습니다.[26] 동시기에 가시혼(도서 대여점)의 인기는 호황을 누렸습니다. 이들 가게는 당시 지하철 승차권 가격의 절반 수준인 5~10엔 정도의 저렴한 요금으로 책을 빌렸습니다.[28][29] 이는 일반 대중들 사이에서 책에 대한 접근성을 넓히고 추가적인 만화 출판에 박차를 가하는 효과가 있었습니다.[30]

전쟁 전에 활동했던 쇼조 만화가들이 다시 대중매체로 돌아왔는데, 히메 안미쓰와 함께한 쿠라카네 쇼스케(1949-1955), 푸이친산과 함께한 우에다 토시코(1957-1962), 쿠루쿠루 쿠루미짱의 출판을 재개한 마츠모토 카츠지(松本 k之) 등이 그 예다. 이 시기에 마츠모토는 그의 예술을 수십 년 후에 출현할 가와이 미학을 닮기 시작한 스타일로 발전시켰습니다.[32] 데즈카 오사무와 토키와소와 관련된 다른 예술가들과 같은 새로운 만화 예술가들은 쇼넨 만화에서 인기를 얻은 새로운 형식인 "이야기 만화"를 사용하여 어린이 만화에 강렬한 드라마와 진지한 주제를 도입한 작품을 만들었습니다. 그것은 본질적으로 독립적인 비네트의 연속이 아닌 연속성을 가진 다중 chapter 서사를 묘사했습니다. 데즈카의 프린세스 나이트(1953~1956)는 데즈카의 혁신적이고 역동적인 스타일과 함께 쇼조 잡지에 이러한 유형의 이야기를 소개한 것으로 알려져 있습니다.[33][34]

동시에 가시혼 시장의 쇼조는 조조가의 영향을 받아 독자적인 양식을 발전시켰습니다. 조조가 아티스트인 타니 유키코와 타카하시 마코토는 니지와 하나와 같은 쇼조 만화 문집의 표지 삽화를 그렸고, 이후 그림 만화로 전환했습니다.[35] 타니와 타카하시는 서정화의 시각적 관습에서 멀어지는 마츠모토의 궤적을 따라가기보다는, 주인공의 행동보다는 감정에 초점을 맞춘 강렬한 분위기와 분위기로 정의된 작품들로 만화로 들여왔습니다.[36][37] 다카하시의 만화 시리즈인 고에테 아라시오(1958)는 출시와 동시에 큰 성공을 거두었고, 데즈카의 역동적인 스타일을 능가하는 쇼조 만화의 시작을 알렸습니다.[33][34] 모든 카시혼 쇼조가 이 서정적인 문체에 부합하는 것은 아니었습니다: 가장 인기 있는 쇼조 카시혼 문집 중 하나는 1958년에 창간되어 100권 이상의 월간지를 발행한 가이단(怪談, 고스트 스토리)입니다. 이름에서 알 수 있듯이, 이 선집은 유레이와 요카이에 초점을 맞춘 초자연적인 이야기를 출판했습니다. 여성 독자들과의 성공은 다른 일반적인 쇼조 문집들이 공포 만화를 출판하기 시작하는 결과를 낳았고, 쇼조 만화의 중요한 하위 장르가 될 수 있는 기반을 마련했습니다.[38]

10년 동안 만화가 일반적으로 인기를 끌면서 쇼조 잡지에서 발행하는 만화의 비율이 증가하기 시작했습니다. 예를 들어, 1950년대 중반 쇼조 클럽의 편집 내용 중 만화가 차지하는 비율은 20%에 불과했지만, 10년 말에는 절반 이상을 차지했습니다.[39] 많은 쇼조 잡지들이 사실상 만화 잡지가 되었고, 몇몇 회사들은 쇼조 만화만을 위한 잡지를 창간했습니다: 1954년 나카요시와 함께 코단샤, 1955년 리본과 함께 슈에이샤.[40] 이 시기의 쇼조 만화는 출판사에 의해 가나시이 만화(かなしい漫画, 슬픈 만화), 유카이나 만화(ゆかいな漫画, 행복한 만화), 그리고 전쟁 이전 시대로부터 계승된 가벼운 이야기, 도키와소에 의해 소개된 극적인 서사, 그리고 가시혼 시장에서 전개된 뇌리 작품들의 조합으로부터 크게 3가지로 나누어졌습니다. 그리고 코와이 만화(こわい漫画, "scary 만화").

1960년대 : 여성 예술가의 등장

1950년대의 쇼조 만화는 남성 작가들을 중심으로 마츠모토 레이지, 이시노모리 쇼타로, 우메즈 가즈오, 치바 테츠야 등이 창작한 장르였습니다.[43] 일부 창작자들(특히 데즈카, 이시노모리, 우메즈)은 적극적인 여주인공에 초점을 맞춘 작품을 만들었지만, 이 시대의 대부분의 쇼조 이야기는 대개 비극적이고 수동적인 여주인공들이 용감하게 역경을 견뎌내는 것에 초점을 맞췄습니다.[44][34][45] 1950년대에 우에다 토시코 외에도 미즈노 히데코, 마키 미야코, 와타나베 마사코, 하나무라 에이코 등 여러 여성 만화가들이 활동을 시작했는데, 이들 중 대부분은 가시혼 문집 이즈미(泉)에서 데뷔했습니다. 그들은 쇼조 만화 창작자들의 소수를 구성했지만, 잡지 편집부는 그들의 작품이 남성 동료들이 만든 작품보다 여성 독자들에게 더 인기가 있다고 언급했습니다.[46]

1960년대에 이르러 일본 가정에서 텔레비전이 보편화되고 TV 프로그램이 연재되면서 잡지의 중요한 경쟁자로 부상했습니다. 많은 월간지들이 접히고 쇼조프렌드나 마거릿 같은 주간지들로 대체되었습니다.[47] 주간 편집 내용의 필요성을 만족시키기 위해, 잡지들은 독자들이 그들의 만화를 출판을 위해 제출할 수 있는 대회들을 소개했습니다; 여성 예술가들이 이 대회들을 지배했고, 이 대회들에서 나온 많은 아마추어 예술가들은 전문적인 만화 경력을 가지게 되었습니다.[48] 이 시스템에서 나온 첫 번째 예술가는 16세의 나이에 쇼조 친구에서 출판된 피아노 쇼조 (1964년)를 데뷔시킨 사토나카 마치코였습니다.[49]

1960년대 쇼조 만화는 1963년에 만화로 각색된 사브리나(1954)와 같은 미국 로맨틱 코미디 영화의 영향을 받았습니다.

여성 예술가의 출현은 역사적으로 남성 쇼조 예술가들 사이에서 인기 없는 장르인 로마코메 만화의 발전으로 이어졌습니다. 미즈노 히데코는 1963년 사브리나를 수테키나 코라로, 1966년 아카게노 스칼렛을 통해 쇼조 만화에 처음으로 로맨틱 코미디 요소를 도입했습니다. 와타나베 마사코, 호소카와 치에코, 호소노 미치코와 같은 다른 예술가들도 비슷하게 미국의 로맨틱 코미디 영화를 기반으로 만화를 만들거나, 서양 여배우와 모델들에 의해 폭넓게 영감을 받고 서양 설정을 특징으로 했습니다.[50] 동시대에, 니시타니 요시코와 같은 예술가들은 우정, 가족, 학교, 그리고 사랑이라는 주제에 대한 이야기를 중심으로 평범한 일본 십대 소녀들인 주인공들을 중심으로 한 라부코메(문자 그대로 "러브 코미디") 만화로 인기를 얻었습니다.[51][52]

초기 로맨스 쇼조 만화는 거의 변함없이 단순하고 관습적인 사랑 이야기였지만, 시간이 지남에 따라 사토나카 마치코와 이치조 유카리와 같은 만화 예술가들의 작품을 통해 장르는 더 큰 서사와 주제 복잡성을 채택했습니다.[53] 이 점진적인 성숙은 다른 하위 장르에도 반영되었습니다: 공포 만화 예술가 우메즈 카즈오는 1965년 쇼조 프렌드에서 출판된 렙틸리아 시리즈에서 못생기고 무섭고 괴상한 여성 캐릭터를 묘사함으로써 쇼조 예술 관습을 깨뜨렸고, 이로 인해 더 많은 쇼조 예술가들이 그들의 작품에서 더 어둡고 금기된 주제의 소재를 묘사하게 되었습니다.[54] 우라노 치카코의 어택 1호 (1968–1970)와 같은 쇼조 스포츠 만화는 수동적인 여성 주인공보다는 신체적으로 적극적인 모습을 묘사하기 시작했습니다.[55] 1969년 미즈노 히데코의 《불타오르네!》(1969~1971)에서 처음으로 쇼조 만화 섹스 장면이 출판되었습니다.[56]

10년이 끝날 무렵에는 대부분의 쇼조 잡지가 만화를 전문으로 취급하게 되었고, 이전의 산문 문학이나 기사는 더 이상 발행하지 않게 되었습니다.[57] 카시혼이 쇠퇴함에 따라, 그들의 만화 문집들 또한 감소했습니다; 대부분 접혀졌고, 그들의 예술가들과 작가들은 일반적으로 만화 잡지로 이주했습니다.[28] 대부분의 쇼조 만화 예술가들은 여성이었고,[53] 이 카테고리는 쇼넨 만화와 구별되는 독특한 시각적 정체성을 발전시켰습니다.[57]

1970년대: "황금시대"

2008년 24년 그룹의 주요 인물인 Moto Hagio

1970년대 초까지 대부분의 쇼조 만화가들은 여성이었지만, 쇼조 만화 잡지의 편집직은 남성이 지배적이었습니다.[58] 10년 동안 쇼조 만화는 성 혁명과 여성 해방 운동의 지배적인 태도를 반영하기 위해 그래픽적이고 주제적으로 복잡해졌습니다.[59] 이러한 서사적으로 복잡한 이야기를 향한 움직임은 하기오 모토, 타케미야 게이코, 오시마 유미코 등을 포함한 24년 그룹으로 불리는 새로운 세대의 쇼조 아티스트의 등장과 관련이 있습니다.[53][29] 올해의 작품 24 그룹은 캐릭터의 내적 심리에 초점을 맞추고, 모험 소설, 공상 과학, 판타지, 사극과 같은 쇼조 만화에 새로운 장르를 도입했습니다.[53][60] 사토나카 마치코와 이치조 유카리의 영향을 받은 이 그룹의 예술 스타일은 쇼조 만화의 새로운 시각적 기준을 개척하게 되었습니다: 더 미세하고 가벼운 선, 과장된 아름다운 얼굴, 그리고 겹치거나 전혀 경계가 없는 패널.[61]

1970년대에 수많은 예술가들이 쇼조 만화의 혁신에 기여했습니다. 타케미야와 하기오는 1970년 타케미야의 선룸나이트와 1971년 하기오의 11월 체육관을 통해 새로운 장르인 쇼넨아이를 탄생시켰습니다.[62] 이케다 리요코의 역사 드라마 베르사유의 장미(1972-1973)는 쇼조 만화의 첫 번째 주요 비평적, 상업적 성공을 거두었고, 성별과 섹슈얼리티를 묘사하는 데 있어서 획기적이었고, 양성애적인 남성 캐릭터의 용어인 비쇼넨(말 그대로 "아름다운 소년")을 묘사하는 데 영향을 미쳤습니다.[56] 아코 무츠와 이와다테 마리코는 오토메치쿠 만화의 새로운 트렌드를 이끌었습니다. 24년 그룹의 작품들이 그들의 서사적 복잡성에 의해 정의된 반면, 오토메치쿠 만화는 10대 일본 주인공들의 평범한 삶에 초점을 맞췄습니다. 이 장르는 10년 말까지 인기가 시들해졌지만, 그 서사와 시각적 스타일은 쇼조 만화, 특히 가와이의 신흥 미학에 지속적인 영향을 미쳤습니다.[63][64][65] 미야코 마키와 히데코 미즈노와 같은 베테랑 쇼조 아티스트들은 이제 어른이 된 그들의 이전 어린 나이의 독자들을 위해 새로운 만화를 개발하기 시작했습니다. 비록 그들의 시도는 상업적으로 성공하지 못했지만, 1972년 후타바샤에서 파피용(パピヨン)과 같은 단명한 잡지들로 그들의 작품들은 1980년대 초 이 카테고리가 정식으로 등장하기 전 여성 만화의 기원이 되었습니다.

1970년대 말까지 하쿠센샤뿐만 아니라 일본의 3대 출판사(고단샤, 쇼가쿠칸, 슈에이샤)도 쇼조 만화의 최대 출판사로 자리매김했고, 이후 수십 년 동안 이 지배적인 위치를 유지했습니다.[69] 10년에 걸친 쇼조 만화의 혁신은 이전에는 쇼조 만화를 무시하거나 심각하지 않게 여겼지만 이제 쇼조 만화가 "황금 시대"에 접어들었다고 선언한 만화 비평가들의 관심을 끌었습니다.[70][71] 이러한 비판적인 관심은 남성 관객들을 쇼조 만화로 끌어들였고, 쇼조 독자들은 소수이지만 쇼조 만화의 관객으로 남아있었습니다.[72][73]

1980년대와 1990년대: 하위장르 개발

1970년대 이후 쇼조 만화는 스타일적으로 계속 발전하면서 동시에 서로 다르지만 중첩된 하위 장르로 분기되어 왔습니다.[74] 이러한 발전은 캐릭터와 설정의 변화로부터 시작되었습니다: 외국 캐릭터와 설정은 전후 바로 그 시기에 일반적이었지만, 일본이 독립적인 국가 정체성을 다시 주장하기 시작하면서 이야기가 더 자주 일본에서 설정되기 시작했습니다.[64] 메이지 대학의 후지모토 유카리 교수는 1990년대부터 쇼조 만화가 자기 성취에 관심을 갖게 되었다고 썼습니다. 그녀는 걸프 전쟁이 레드 리버(1995-2002), 바사라(1990-1998), 매직 나이트 레이어스(1993-1996), 세일러 문(1991-1997)과 같은 "공동체의 운명을 지키기 위해 싸우는" 여성 캐릭터의 발전에 영향을 미쳤다고 암시합니다. 후지모토 씨는 1990년대의 쇼조 만화가 남녀 간의 유대보다 여성 간의 감정적 유대를 더 강하게 묘사했다고 생각합니다.[75]

어른들을 위한 "여성 만화"와 쇼조

메인기사 : 조세이 만화
호세이 만화 시리즈 코레이 슈산 돈 투 코이의 표지 일러스트!! [ja] 작가의 43세 임신을 기록한 자서전 후지타 모토코.

1980년, 코단샤는 성인 여성을 대상으로 한 첫 만화 잡지로서 Be Love를 발행했습니다. 코단샤의 필 영(Feel Young), 쇼가쿠칸의 주디(Judy), 슈에이샤의 유(You, Young You), 오피스 유(Office You) 등 유사한 잡지의 파동이 빠르게 이어졌습니다. "여성 만화" 또는 조세 만화라고 불리는 이 만화의 범주는 쇼조 만화와 많은 공통점을 가지고 있는데, 주요한 예외는 10대나 어린 주인공보다는 어른 주인공에 초점을 맞추고 있다는 것입니다.[76] 이러한 묘사들이 차례로 쇼조 만화에 영향을 미쳤지만, 1990년대에 들어 섹슈얼리티를 더욱 공개적으로 묘사하기 시작했습니다.[77] 몇몇 만화 잡지들은 쇼조와 조세이의 구별을 모호하게 하고, 쇼조 만화와 미학적으로 비슷하지만 조세이 만화의 성인 주제를 다루는 작품들을 출판합니다. 예를 들어, 코단샤에서의 키스, 슈에이샤에서의 코러스와 쿠키, 쇼가쿠칸에서의 벳츠코미 등이 있습니다.[78]

호러와 에로티카

주 기사: 십대들의 사랑

1980년대에는 특히 호러와 에로티카 장르에서 전형적인 쇼조 만화 관습을 피한 니치 쇼조 출판물이 등장했습니다. 이것은 출판사들이 이전에 잡지에 연재되지 않았던 만화의 수집된 양을 제공함으로써 도서 대여에서 벗어나 시장에서 살아남았던 가시혼 출판의 쇠퇴의 맥락에서 발생했습니다. 히바리 쇼보와 리후 쇼보는 이 형식의 쇼조 공포 만화를 출판하기 시작한 출판사 중 하나로, 대개 가시혼 재발행과 원작을 혼합한 권으로 출판되었습니다.[79] 카시혼 출판사에서 발행하는 호러 쇼조 만화는 주류 쇼조 잡지의 호러 만화보다 일반적으로 더 고약하고 괴기스러웠으며, 어떤 경우에는 외설과 시민 단체의 소송에 대한 비난을 불러일으키기도 했습니다.[80] 이들 출판사는 1986년 월간 할로윈을 시작으로 1980년대 말까지 공포 장르의 주류 쇼조 만화 잡지로 대체되면서 문을 닫았습니다.[81]

1990년대에 십대들의 사랑이라는 장르로 소프트코어 포르노 쇼조 만화라는 장르가 등장했습니다. 이 장르는 일반적으로 10대 후반에서 20대 초반인 주인공들의 나이를 제외하고는 포르노 조세이 만화와 많은 공통점을 가지고 있습니다.[82] 십대들의 연애 잡지는 조세와 십대들의 연애 만화를 광범위하게 발행하는 오조라 출판사와 같은 소규모 출판사들에서 확산되었습니다.[82] 장르는 디저트나 쇼가쿠칸의 주류 쇼조 잡지와 같이 작은 출판사에서 큰 출판사로 점차 옮겨갔습니다.[82]

2000년대에 이르러 이 틈새 쇼조 만화, 특히 십대들의 사랑 장르는 일본에서 휴대폰의 성장에 대응하여 인터넷을 선호하는 인쇄 형식을 대부분 포기했습니다.[83]

2000년대 ~ 현재: 애니메이션의 재구조화와 영향력

크로스 미디어 쇼조 만화

2000년대에 여성 관객을 겨냥한 만화를 제작한 출판사들은 변화하는 시장에 직면했습니다: 조세이 만화의 인기는 감소했고, 소녀들은 점점 더 오락물의 인쇄물보다 텔레비전 드라마를 선호했고, 만화 시장은 전반적으로 둔화되었습니다. 많은 주요 출판사들은 이에 대응하여 쇼조 만화 잡지 사업을 개편하여 특정 잡지를 접고 새로운 출판물을 출시했습니다.[84] 이 시기에 새로 창간된 잡지의 대부분은 상업적 실패였습니다.[85]

2008년, 기존에 만화를 발행하지 않았던 출판사 후소샤가 쇼조 만화 잡지 말리카와 함께 만화 시장에 진출했습니다. 이 잡지는 당시의 다른 쇼조 만화 잡지들에 비해 파격적이었습니다: 유명한 여성 작가들의 만화를 출판하는 것 외에도, 미디어, 일러스트레이션, 디자인 분야의 유명인사들의 기고를 특징으로 했고, 또한 음악과 추가 이야기를 출판하는 웹사이트를 운영했습니다. 이 잡지는 상업적으로 실패하고 6회 만에 접혔지만, 쇼조 만화의 새로운 경향인 크로스 미디어 마케팅을 상징하게 되었습니다.[86]

초기의 쇼조 만화는 야자와 아이의 나나(2000년 ~ 2009년), 나카하라 아야의 러블리 콤플렉스(2001년 ~ 2006년), 니노미야 토모코의 노다메 칸타빌레(2001년 ~ 2010년)[87] 등이 있으며, 모두 영화, 텔레비전 드라마, 애니메이션 시리즈, 비디오 게임, 시리즈 브랜드 음악 CD로 번갈아 각색되었습니다. 어택 넘버 1과 꽃보다 남자와 같은 오래된 만화 시리즈는 미디어를 넘나드는 각색으로 다시 시작된 후 새로운 성공을 거두었습니다.[88]

쇼조 만화의 모에

판타지, SF 등 다양한 서사 장르를 출판하며 두각을 나타낸 쇼조 잡지 아스카와 프린세스는 2000년대에 새로운 경쟁자들이 등장했습니다. 2002년 월간 코믹 제로섬, 2006년 실프, 2007년 코믹 블레이드 아바루스, 2010년 아리아.[89] 이 새로운 잡지들은 애니메이션의 시각적 스타일과 매우 유사하고 환상적인 환경에서 비쇼넨 주인공을 등장시키며 쇼조 만화의 시각적, 서사적 관습을 의도적으로 가지고 노는 만화를 출판함으로써 애니메이션과 소년의 사랑(남남로맨스) 팬들을 명시적으로 목표로 삼았습니다. 요약하면, 잡지들은 쇼조 만화에서 모에의 통합을 나타냈습니다: 가와이와 구별되는 애정과 흥분의 감정에 초점을 맞춘 귀여움의 표현을 설명하는 용어로, 쇼조 만화와 일반적으로 연관되는 귀여움의 표현이 어린이 같고 순수한 표현입니다.[89]

2004년 잡지 코믹 하이!, 2007년 코믹 옐!을 시작으로 이른바 보이즈 쇼조 만화의 등장을 통해 쇼조 만화에서도 모에가 추가로 표현되었습니다. 이 카테고리의 잡지는 남성 독자층을 목표로 하지만, 모에와 쇼조 만화의 미학에서 중요하게 끌어내는 시각적 스타일을 사용합니다.[90]

영어권에서는

쇼조 만화의 영어 번역본은 1990년대 후반에 북미에서 처음 출판되었습니다. 당시 미국 만화책 시장이 주로 남성 독자들을 지향했기 때문에, 쇼조 만화는 그 당시 도달하지 못한 여성 만화책 독자들을 대상으로 함으로써 초기에 성공을 거두었습니다. 세일러문, 꽃보다 남자, 과일 바구니와 같은 제목의 영어 번역본은 베스트셀러가 되었습니다. 영어 만화 시장은 2007~2008년의 금융 위기로 인해 2000년대 후반에 폭락했고, 2010년대에 이 매체가 다시 인기를 얻으면서 영어 독자들 사이에서 쇼넨 만화가 가장 인기 있는 만화 카테고리로 부상했습니다. 그럼에도 불구하고, 모든 주요 영어 만화 출판사는 쇼조 만화의 강력한 계열을 유지하고 있습니다. 특히 비즈 미디어는 쇼조 비트 임프린트로 쇼조 만화를 발행하고 있으며, 2000년대 중후반에는 연재 만화 잡지로도 발행했습니다.[91]

스타일.

컨텍스트 및 일반 요소

1926년 9월호 쇼조 가호 표지, 서정화가 다카바타케 카쇼의 작품

쇼조 만화의 시각적 스타일은 1950년대 후반까지 쇼조 만화와 대체로 유사했는데, 이는 쇼조 만화와 쇼조 만화가 모두 동일한, 대부분 남성 예술가에 의해 만들어졌다는 사실의 기능입니다.[92] 전후 시기에는 특히 조지 맥마너스의 모더니즘 스타일에 영향을 받은 반면,[24] 전후 시기에는 데즈카 오사무의 역동적인 스타일이 만화의 주요 기준점이 되었습니다. 쇼조 만화는 이러한 영향을 일부 받았지만, 1950년대 말에 쇼조 만화와 쇼넨 만화를 구별하기 위해 등장한 독특한 스타일은 주로 전쟁 이전의 쇼조 쇼세츠에서 유래했습니다.[93]

쇼조쇼세츠는 주인공의 내면 독백에 초점을 맞춘 '꽃과 감성' 산문체가 특징입니다.[93] 내레이션은 종종 주인공의 감정을 표현하는 비언어적 요소를 포함합니다. 특히 작가 요시야 노부코는 문장 중간에 여러 개의 타원형("..."), 느낌표, 대시를 광범위하게 사용했으며, 대부분은 시의 구절과 같은 방식으로 페이지에 흩어져 있었습니다.[94][95] 산문은 서정적인 화가들의 삽화를 동반하는데, 아르누보와 니혼가의 영향을 받은 감상적인 문체가 특징입니다. 특히 별 모양의 하이라이트가 있는 크고 세부적인 눈을 소유하고 옷을 잘 입고 있는 쇼조의 표현에 주목합니다.[96]

이 서사적이고 시각적인 스타일은 쇼조 만화에 영향을 미치기 시작했습니다. 서정적인 화가이자 만화가인 타카하시 마코토는 만화에서 이 스타일을 사용한 첫 번째 작가로 여겨집니다.[97][98][99][100] 이 스타일은 그의 동시대 사람들에 의해 빠르게 채택되었고, 이후 1960년대에 등장한 쇼조 아티스트들에 의해 채택되었으며, 1970년대에는 24년 그룹과 관련된 아티스트들이 이 스타일을 크게 발전시켰습니다.[92] 만화 예술가이자 학자이자 24년차 그룹 멤버인 Keiko Takemiya에 따르면, 쇼조 만화가 이 독특한 스타일을 개발할 수 있었던 것은 이 카테고리가 편집자들에 의해 변변한 것으로 간주되었기 때문이며, 결과적으로 독자들의 반응이 긍정적인 동안 아티스트들이 원하는 방식으로 이야기를 그릴 수 있도록 했습니다.[101] 24년 그룹에 의해 발전된 스타일적 요소들은 쇼조 만화의 시각적 특징으로 자리잡게 되었습니다. 이러한 요소들 중 많은 것들은 나중에 쇼조 만화로 퍼졌습니다. 예를 들어, 견고하지 않은 패널 레이아웃과 등장인물의 감정을 표현하는 고도의 세밀한 눈을 사용하는 것 등.[69]

배치

1970년대부터 쇼조 만화의 패널 레이아웃은 새롭고 독특한 스타일을 발전시켰습니다. 1997년 그의 책에서 만화는 왜 이렇게 재미있을까요? 만화가이자 평론가인 나쓰메 후사노스케는 쇼조 만화와 쇼넨 만화를 구별하기 위해 패널 구성의 세 가지 주요 측면을 식별하고 이름을 지정합니다. 첫 번째, naiho("패널 캡슐화")는 일련의 연속적인 상자의 전통적인 코믹한 접근 방식에서 벗어난 레이아웃의 사용을 말합니다.[102] 이 스타일에서는 요소가 패널의 경계를 넘어 확장되거나 패널 경계가 완전히 제거됩니다.[103] 동일한 사건을 다른 각도나 관점에서 묘사한 순차적 패널을 사용하여 패널 사이의 간격도 수정되었습니다.[102] 두 번째는 카이호("release")로, 좀 더 나른하고 편안한 시퀀스를 만들기 위해 감압을 사용하는 것을 말합니다. 특히 대화가 화자의 생각, 감정 및 내부 독백을 전달하는 경우에는 패널 테두리가 없는 구성에서 종종 텍스트가 말풍선에서 제거되고 페이지 전체에 퍼집니다.[103][102] 세 번째는 마하쿠("break")로, 흰색 공간의 상징적 사용을 말합니다.[104]

큰눈

쇼조 만화의 특징적인 스타일 요소는 별 모양의 하이라이트가 있는 매우 큰 세부적인 눈을 가진 캐릭터를 묘사하는 것이며, 때로는 데카메(デカ目)라고도 합니다. 이 기술은 쇼조 만화에서 시작된 것이 아닙니다. 특히 다카라즈카 가극단의 여배우들의 연극적 구성에서 영감을 얻은 데즈카 오사무에 의해 20세기 초부터 만화에서 큰 눈이 그려졌습니다.[48] 1950년대 중반, 데즈카와 이시노모리 쇼타로의 쇼조 만화에서 눈동자의 점을 대체하는 큰 중심 스타가 등장하기 시작했지만,[108] 이러한 세부 사항들은 일반적으로 후기 쇼조 만화의 감성적인 스타일보다는 현실적인 스타일로 경향이 있었습니다.[109]

동시대에 나카하라 준이치의 예술은 가시혼 만화 예술가들, 특히 다카하시 마코토에게 큰 영향을 미쳤습니다.[109] 타카하시는 자신의 만화에 눈을 그리는 나카하라의 스타일을 포함시켰다 – 하이라이트와 긴 속눈썹을 가진 크고 인형 같은 눈 – 이 아이리스를 나타내기 위해 점, 별, 그리고 다양한 색상을 사용하는 것과 같은 자신만의 스타일적 요소들을 점차 도입했습니다.[109] 1950년대 말, 당시 가장 인기 있는 만화가 중 한 명이었던 미야코 마키에 의해 다카하시의 스타일이 채택되었고, 이로 인해 주류 쇼조 만화 잡지에서 널리 채택되었습니다.[106]

이때부터 쇼조 만화에서 실험적인 눈 디자인이 번성하였는데, 긴 속눈썹, 다양한 색조의 동심원 사용, 홍채의 변형 등의 특징을 가지고 있습니다.[22] 초세부적인 눈에 대한 이러한 초점은 만화 예술가들이 얼굴의 클로즈업에 패널을 구성하여 등장인물들의 눈에 의해 표현되는 감정에 관심을 갖도록 이끌었습니다.[110] 눈은 또한 성별을 나타내는 표식의 역할을 하게 되었는데, 일반적으로 여성 캐릭터는 남성 캐릭터보다 더 큰 눈을 가지고 있습니다.[101]

테마

대인관계

쇼조 만화에서 가장 일반적인 개념 중 하나는 등장인물들 간의 대인관계와 그들의 감정의 상호작용을 의미하는 닝겐 칸케이(人間関係, "인간관계")입니다. 등장인물들 간의 관계는 대부분의 쇼조 만화, 특히 우정, 애정, 사랑의 관계의 중심에 있습니다.[11] 내러티브는 종종 주인공의 내면성에 초점을 맞추는데, 그들의 감정, 느낌, 기억, 내면의 독백은 패널 배열과 눈 디테일 렌더링과 같은 기술을 통해 시각적으로 표현됩니다.[111] 갈등이 발생할 때 가장 일반적인 교류 매체는 쇼넨 만화에서 흔히 볼 수 있는 물리적 전투와는 달리 대화와 대화입니다.[6]

만화학자 후지모토 유카리는 쇼조 만화의 내용이 특히 여성의 위치, 가족의 역할, 연애 등의 측면에서 일본 사회의 진화와 맞물려 진화해 왔다고 생각합니다. 그녀는 모녀 관계에 초점을 맞춘 가족 드라마가 1960년대에 인기가 있었던 반면, 연애에 관한 이야기는 1970년대에 더 인기가 있었고, 아버지에 관한 이야기는 1990년대에 인기가 있었다고 언급합니다.[112] 쇼조 만화가 1970년대부터 어린이보다 청소년에게 초점을 맞추게 되면서, 일반적으로 가족 관계보다 연애가 더 중요해졌습니다.[113] 이러한 연애는 때때로 동성애적이기는 하지만, 대부분 이성애적입니다.[112]

성별과 성

1930년대 일본의 군사화와 함께 쇼조 전쟁 소설이 등장한 반면, 여장에 대한 강조는 다카라즈카 가극단(배우 다키가와 스에코)의 여장 여배우들의 인기에서 비롯되었습니다.

전통적인 역할과 성별과 섹슈얼리티를 둘러싼 고정관념을 거스르는 캐릭터들은 쇼조 만화의 기원 이래로 중심적인 모티브가 되어 왔습니다.[114] 오텐바(お転婆)라고 불리는 말괄량이 주인공은 전쟁 이전의 쇼조 만화에 정기적으로 등장합니다. 이 원형에는 두 가지 주요 변형이 있습니다. (마츠모토 카츠지의 나조노 쿠로바아처럼, 소녀가 마을의 농민을 지키기 위해 팔을 들고 있는) 그리고 (이시다 이즈케의 카나리아 오지사마처럼, 공주가 왕자로 길러지는) 여장 소녀. 데즈카 오사무의 기사 공주는 왕자로 자란 공주가 전투에서 적들과 맞서기 위해 온다는 이 두 가지 원형의 종합을 보여줍니다.[115] 이러한 전형들은 1930년대 일본의 군사화와 함께 등장한 쇼조 전쟁 소설에서 일반적으로 인기가 있었고,[116] 다카라즈카 가극단의 여장 여배우들의 인기에서 여장에 대한 강조가 생겨났습니다.[48] 오텐바는 전후 시기에 인기를 끌었는데, 요네자와 요시히로를 비판하는 사람들은 1947년 일본 헌법에 남녀평등이 봉안된 것을 특징으로 하는 양성평등의 발전 때문이라고 생각합니다.[117]

1960년대 말, 쇼조 만화에서 이성애자와 동성애자의 성이 자유롭게 묘사되기 시작했습니다. 이러한 변화는 만화 검열 코드에 대한 문자주의적 해석에 의해 부분적으로 초래되었습니다: 예를 들어, 쇼조 만화의 첫 번째 성 장면은 성기와 음모에 대한 묘사만을 특별히 금지하는 코드를 피하기 위해 침대 시트로 성을 갖는 등장인물을 덮는 것을 포함했습니다.[56] 성에 대한 이러한 성별의 표현의 진화는 쇼조 만화의 작가와 독자층의 여성화와 동시에 일어났으며, 그 범주가 주로 어린 소녀 관객을 위한 남성에 의해 창조되는 것에서 10대와 젊은 성인 여성 관객을 위한 여성에 의해 창조되는 것으로 전환되었습니다; 1970년대 이후, 쇼조 만화는 거의 여성들에 의해서만 쓰여졌습니다.[46]

동성애

주요 기사: 야오이와 유리 (장르)
남자-남자 로맨스 만화는 쇼조 만화의 중요한 하위 장르입니다.

전체적으로 쇼조 이야기의 일부를 구성하고 있지만, 남성과 남성의 로맨스 만화 - 야오이 또는 소년의 사랑 - 은 쇼조 만화의 중요한 하위 장르입니다. 이 장르의 작품들은 일반적으로 동성애자의 관계를 사실적으로 묘사하기보다는 낭만적인 판타지에 초점을 두고 비쇼넨(말 그대로 "아름다운 소년")이라고 불리는 양성애자 남성에 초점을 맞추고 있습니다.[118] 1970년대에 쇼조 만화의 정식 하위 장르로 등장했지만, 게이 남성의 관계에 대한 묘사는 쇼조 만화에서 이미 존재하는 양성애적 주제를 사용하고 더욱 발전시켰습니다.[119] 일본 비평가들은 야오이를 사회적으로 의무화된 성 역할을 거부함으로써 성 및 성에 대한 인식의 유동성을 창출할 [120]뿐만 아니라 성을 자신의 몸과 거리를 둠으로써 성인 여성의 섹슈얼리티를 피할 수 있는 장르로 간주해 왔습니다.[121] 야오이와 포르노에서 레즈비언의 인기 사이에도 유사점이 그려졌으며,[122] 장르는 "여성 페티시즘"의 한 형태로 불렸습니다.[123]

1970년대에 등장한 이래로 여성-여성 로맨스 만화는 역사적, 주제적으로 쇼조 만화와 연결되어 왔지만, 유리는 쇼조에만 국한되지 않고 만화 인구 집단 전반에 걸쳐 출판되었습니다.[124] 쇼조 문화와 여성-여성 로맨스의 관계는 소녀들 간의 강렬한 로맨틱 우정에 초점을 맞춘 S급 장르의 이야기와 함께 전쟁 전 시기로 거슬러 올라갑니다. 전후 시기까지, 이 작품들은 남성과 여성의 로맨스에 초점을 맞춘 작품들을 선호하면서 인기가 크게 떨어졌습니다.[125] 후지모토 유카리는 쇼조 만화의 독자층이 주로 여성이고 이성애자이기 때문에 여성 동성애는 거의 다루지 않는다고 주장합니다.[126] 후지모토는 이별이나 죽음으로 끝나는 운명의 관계에 초점을 맞춘 대부분의 유리 이야기의 대체로 비극적인 굴곡을 여성 독자의 여성 성에 대한 두려움을 나타내는 것으로 보고 있으며, 이는 또한 야오이 만화에 대한 쇼조 독자의 관심을 설명하는 것으로 보고 있습니다.[127]

초정규성

쇼조 만화는 유레이(유령), 오니(악마), 요카이(영혼)에 초점을 맞춘 이야기나 일본의 도시 전설이나 일본의 민속을 중심으로 구성된 이야기와 같은 초자연적이고 공포적인 요소를 포함하는 경우가 많습니다.[42] 이 작품들은 여성에 초점을 맞춘 작품들로, 인간의 캐릭터와 초자연적 존재 모두가 일반적으로 여성이거나 비쇼넨입니다.[128] 초자연적인 쇼조 만화는 여성 독자들이 질투, 분노, 좌절 등의 감정을 자유롭게 탐색할 수 있는 시나리오를 묘사함으로써 인기를 얻고 유지했습니다.[129]

모녀 갈등과 모성에 대한 두려움 또는 거부는 초자연적인 쇼조 만화에서 주요 모티브로 등장합니다. 예를 들어, 어머니가 악마나 귀신의 모습을 취하는 이야기, 그들 자신이 악마로 변신한 악마의 딸, 근친상간 강간으로 인한 불충만 임신, 질투나 광기로 인해 살인을 저지르는 엄마들.[130] 살해된 여성이나 괴롭힘의 피해자로부터 비롯되는 저주나 복수심에 찬 유령과 같은 가부장적 일본 사회로부터 짊어진 사회적 압박과 억압도 모티프로서 재발합니다. 이 이야기들에서 저주는 일반적으로 유령을 파괴하려는 것이 아니라 연민을 보여줌으로써 해결됩니다.[131] 일본의 도시 전설들에 관한 이야기들은 1970년대에 특히 인기가 있었고,[132] 전형적으로 구치사케온나, 하나코상,[133] 그리고 테케 테케와 같은 일본 십대 소녀들 사이에서 인기 있었던 이야기들에 초점을 맞추고 있습니다.[134]

패션

쇼조 문화와 패션 사이의 관계는 나카하라 준이치와 같은 예술가들이 어떻게 독자들이 직접 묘사된 옷을 만들 수 있는지에 대한 서면 설명이 포함된 패션 카탈로그를 그린 전쟁 전 쇼조 잡지까지 거슬러 올라갑니다. 전후에 만화가 인기를 끌면서, 쇼조 잡지들은 등장인물들이 정교한 옷을 입은 작품들을 출판하거나 만화 등장인물들이 입은 옷을 상품으로 제공하는 홍보 캠페인을 통해 패션에 대한 관심을 계속했습니다.[135] 이 경향과 관련된 주목할만한 만화가로는 타카하시 마코토, 와타나베 마사코, 마키 미야코 등이 있으며,[135] 그들 중 대부분은 1967년에 인기 있는 리카짱 인형의 기초가 된 디자인을 가지고 있습니다.[68]

1970년대에 이르러 소비자 트렌드는 옷을 만드는 것에서 쇼핑을 하는 것으로 바뀌었습니다. 쇼조 만화는 의류 디자이너의 경력을 중심으로 한 이야기가 등장하면서 이러한 트렌드를 따라갔습니다. 쇼조 만화의 오토메치쿠 하위 장르의 만화는 아이비리그 스타일에서 영감을 받은 가와이 패션을 강조했습니다. 오토메치쿠 미학은 나중에 안안과 올리브와 같은 여성 패션 잡지에 채택되었습니다.[135][136] 1980년대부터 일부 여성 패션 잡지인 CUTiE(오카자키 교코의 도쿄 걸스 브라보, 안노 모요코의 젤리 빈스를 발행), 지퍼(야자와 아이의 파라다이스 키스, 아사쿠라 조지의 테케 테케 랑데부를 발행) 등이 독자적인 쇼조 만화를 발행하기 시작했습니다.[135][136] 코스프레는 1990년대에 쇼조 만화에 영향을 미치기 시작했고, 세일러문과 같은 제목이 오타쿠 독자층에게 직접적으로 어필하게 되었습니다. 이것은 사실적인 일상 패션을 묘사한 작품과 코스프레가 가능한 환상적인 의상을 묘사한 작품 사이에 쇼조 표현의 분열로 이어졌습니다. 2000년대에 들어 패션쇼에서 쇼조 만화의 영향을 받거나 세일러문과 같은 인기 쇼조 프랜차이즈의 의상에서 그려진 작품들을 선보이면서 패션계 자체가 쇼조 만화에 관심을 갖기 시작했습니다.[135]

일반적으로 쇼조 만화에서 등장인물들이 입는 옷은 시리즈가 제작된 시대의 패션 트렌드를 반영합니다.[137] 그럼에도 불구하고, 리본이나 프릴로 장식된 옷, 특히 여성스럽고 아이 같은 옷과 같은 몇 가지 공통적인 특징들이 시대에 걸쳐 반복됩니다. 귀엽고 과시적인 의상은 일반적으로 성적이거나 수수한 의상보다 더 흔합니다.[138] 주요 영감은 소녀들을 위한 빅토리아 시대의 패션을 포함합니다 – 이상한 나라의 앨리스의 모험에서 온 앨리스는 일본 만화, 잡지, 브랜드에 의해 자주 언급되는 – 발레 의상, 특히 투투족.[139]

문화

마케팅 및 독자 피드백

일본의 만화는 단행본과 단행본으로 출간되기 전에 만화 잡지에 연재되고 있습니다. 반복적인 독자층을 장려하기 위해 잡지는 독자층과의 공동체 의식을 함양하기 위해 노력하고 있으며, 특히 10세 이하의 젊은 독자층을 대상으로 하는 잡지의 경우 妹, 여동생이라고도 합니다. 잡지는 만화 외에도 애니메이션, 비디오 게임, 장난감과 관련된 내용을 출판함으로써 이 젊은 독자층의 관심을 끌고자 합니다.[140] 일반적으로 만화 캐릭터로 장식된 스티커, 포스터, 펜과 같은 저가의 참신한 아이템인 보충 자료도 잡지 자체에 부착된 비닐봉지에 담긴 아이템들로 독자들의 관심을 끌기 위해 사용됩니다.[141] 독자들이 잡지에서 잘라낼 수 있는 쿠폰과 교환하여 더 큰 참신한 아이템들이 때때로 우편 주문에 의해 제공됩니다.[142]

나이가 많은 독자들을 대상으로 하는 이모토와 잡지, ē산(お姉さん, "큰 언니")의 경우, 독자들은 편지와 여론조사를 통해 현재 연재 중인 만화에 대한 의견을 제출하도록 초대됩니다. 종종 무작위 설문 응답자가 상품을 받게 됩니다. 출판사는 이러한 여론조사에서 수집한 통찰력을 사용하여 줄거리를 변경하거나 부차적인 캐릭터를 강조하거나 인기가 없는 시리즈를 종료합니다. 이러한 여론 조사는 애니메이션 및 비디오 게임과 같은 파생 작품에 적용할 만화를 결정할 때도 사용됩니다.[143]

설문 응답 외에도 독자들의 편지는 청중의 의견을 가늠하고 공동체 의식을 키우는 수단으로 사용됩니다. 이 편지들은 출판사에 보내지지만 저자 자신에게 직접 전달됩니다.[144] 이 편지들의 내용은 작가를 위한 질문, 일상의 일화, 그리고 그림에 이르기까지 다양합니다. 어떤 편지들은 잡지에 실리기도 합니다.[145] 독자와 저자 간의 만남도 정기적으로 이루어집니다. 이것들은 출판사에 의해 조직될 수 있고, 출판사는 경품 여행으로 그들의 사무실로 가져올 독자 그룹을 선택하거나 학교에서 조직한 현장 견학으로 구성될 수 있습니다. 두 경우 모두 이러한 방문은 독자와 출판사 간의 유대를 강화하는 동시에 출판사에 독자에 대한 통찰력을 제공합니다.[144]

인재육성

만화 출판사들은 종종 독자층을 통해 새로운 작가들을 발견하는데, 그들은 적극적으로 이야기를 제출하고 잡지의 편집자들로부터 피드백을 받도록 권장됩니다.[39] 이러한 재능 발굴과 개발의 체계는 쇼조 만화에만 있는 것은 아니지만, 이 관행은 여성 독자들이 소설과 단편 소설을 제출하도록 초대된 전쟁 전의 소녀 잡지에서 유래합니다.[146] 이모토 잡지는 성인 예술가들이 어릴 때 읽은 잡지에 만화를 게재하도록 하기 위해 어린 시절부터 이 시스템을 개발하고, ē산 잡지에는 일반적으로 비슷한 연령의 독자와 예술가가 있습니다. 잡지의 만화 작가들이 이전에 독자였던 시스템을 개발하여 둘 사이의 거리를 줄이고 공동체 의식을 기릅니다.[147]

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서지학

외부 링크

  • 위키미디어 커먼즈의 쇼조 관련 미디어
  • 위키 사전에서 少女의 사전적 정의