파이트 클럽

Fight Club
이 기사는 영화에 관한 기사입니다.영화의 바탕이 되는 소설은 파이트 클럽(소설)을 참고하세요.기타 용도는 Fight Club (동음이의)을 참조하십시오.
파이트 클럽
"FIGHT CLUB" is embossed on a pink bar of soap in the upper right. Below are head-and-shoulders portraits of Brad Pitt facing the viewer with a broad smile and wearing a red leather jacket over a decorative blue t-shirt, and Edward Norton in a white button-up shirt with a tie and the top button loosened. Norton's body faces right and his head faces the viewer with little expression. Below the portraits are the two actors' names, followed by "HELENA BONHAM CARTER" in smaller print. Above the portraits is "MISCHIEF. MAYHEM. SOAP."
극장 개봉 포스터
연출:데이비드 핀처
화면 재생 기준짐 얼스
에 기반을 둔파이트 클럽
척 팔라뇌크 지음
제작 :
스타링
촬영술제프 크로넨웨스
편집자제임스 헤이굿
뮤직 바이더스트 브라더스
생산.
회사들
배포자20세기 폭스
발매일자
  • 1999년 9월 10일 (1999-09-10) (베니스)
  • 1999년 10월 15일 (1999-10-15) (미국)
러닝타임
139분[1]
나라미국[nb 1]
언어영어
예산.6,300만~6,500만[1][4] 달러
박스오피스1억 120만 달러[1]

파이트 클럽(Fight Club)은 데이비드 핀처가 감독하고 브래드 피트, 에드워드 노튼, 헬레나 본햄 카터가 출연한 1999년 미국 영화입니다.그것은 척 팔라니우크의 1996년 동명 소설을 바탕으로 한 것입니다.노튼은 자신의 사무직에 불만을 품은 이름 없는 내레이터 역을 맡았습니다.그는 비누 판매원 타일러 더든(피트)과 "파이트 클럽"을 결성하고 가난하지만 사악하게 매력적인 여성 말라 싱어(본햄 카터)와 관계를 맺습니다.

팔라뇌크의 소설은 폭스 2000 픽처스의 제작자 로라 지스킨에 의해 선택되었으며, 그는 영화 각색을 위해 얼스를 고용했습니다.핀처는 그 이야기에 대한 열정 때문에 선정되었습니다.그는 얼스와 함께 대본을 개발했고 영화계의 출연진과 다른 사람들에게 시나리오 작성에 대한 조언을 구했습니다.1998년 7월부터 12월까지 로스앤젤레스와 그 주변에서 촬영되었습니다.그와 출연진들은 X세대와 광고의 가치 체계 사이의 갈등을 주제로 이 영화를 "원인 없는 반항"(1955)과 "졸업자"(1967)에 비교했습니다.[5][6]

스튜디오 임원들은 이 영화를 좋아하지 않았고, 예상되는 손실을 줄이기 위해 Fincher의 마케팅 캠페인을 재구성했습니다.파이트 클럽은 1999년 9월 10일 제56회 베니스 국제 영화제에서 초연되었고, 1999년 10월 15일 20세기 폭스에 의해 미국에서 개봉되었습니다.이 영화는 박스 오피스에서 스튜디오의 기대에 부응하지 못했고 비평가들로부터 편파적인 반응을 받았습니다.이 영화는 1990년대 가장 논란이 많고 화제가 된 영화 중 하나로 꼽혔습니다.그러나 파이트 클럽은 나중에 홈 비디오 개봉으로 상업적인 성공을 거두었고, 이는 컬트 클래식으로 자리 잡았고 미디어들이 이 영화를 다시 보게 만들었습니다.2009년, 10주년이 되는 해에 뉴욕 타임즈는 그것을 "우리 시대의 확실한 컬트 영화"라고 명명했습니다.[7]

줄거리.

불면증이 있지만 직업과 생활방식에 불만이 있는 건강한 남자인 이름 없는 내레이터는 알코올 중독이나 암과 같은 문제에 대한 지원 단체에 치료의 대체자로 참석합니다.그의 노력은 또 다른 사기꾼인 말라 싱어가 같은 그룹에 합류하면서 차질을 빚게 됩니다.그는 그녀를 자신의 속임수를 보여주는 거울로 보고, 그들이 다른 세션에 참석하도록 주선하고, 그녀는 마지못해 이에 동의합니다.

회사에서 돌아오는 비행기 안에서 내레이터는 비누 판매원 타일러 더든을 만나게 되는데, 타일러 더든은 그의 소비주의 생활방식을 비판합니다.폭발로 아파트가 파괴된 후, 그는 최후의 수단으로 타일러의 낡은 집으로 이사합니다.그들의 싹트는 우정을 통해, 그들은 술집 지하실에서 지하 파이트 클럽을 시작합니다.타일러는 또한 말라를 약물 과다 복용으로부터 구해내어 둘 사이에 성적인 관계를 시작하게 하고, 내레이터는 말라에게 냉담한 태도를 유지합니다.

내레이터는 직장을 그만두고, 상사에게 돈을 요구하는 블랙메일을 보내고, Fight Club을 키워 암 지원 단체 친구인 Bob을 포함한 새로운 회원들을 끌어들입니다.타일러는 클럽을 프로젝트 메이헴(Project Mayhem)으로 변형시켜 사회 질서를 어지럽히려는 공공 기물 파손 행위를 저지릅니다.소외감을 느낀 내레이터는 내레이터의 아파트에서 발생한 폭발을 조직한 것을 인정한 타일러와 마주한 후 실종됩니다.임무 중에 밥이 경찰에 의해 죽자, 내레이터는 메이헴 프로젝트를 해체하려고 합니다.말라와 멤버들이 타일러 더든이라고 부르는 것을 발견하고, 그는 그와 타일러가 갈라진 인격체라는 것을 깨닫습니다.

타일러가 소비자 신용 회사의 고층 건물을 폭파시켜 부채 기록을 없앨 계획이라는 것을 알게 된 내레이터는 말라에게 경고를 하고 경찰에 출동하는데, 그들 중 일부는 역시 프로젝트 메이헴 멤버입니다.그는 폭발물을 무장해제하려고 하지만 타일러는 그를 공격합니다.그는 자신이 타일러라는 것을 인정하고, 총알이 내레이터의 뺨을 치명적이지 않게 통과하는 동안 자신의 머리에 총을 쏴 타일러를 죽입니다.말라가 도착하고, 두 사람은 목표로 한 건물들이 무너지는 것을 지켜보며 손을 맞잡습니다.

출연자들

2009년 에드워드 노튼(왼쪽), 2019년 브래드 피트(오른쪽).

테마

이 영화에 대한 학술적 해석은 파이트 클럽의 해석을 참조하십시오.

우리는 사냥꾼이 되도록 설계되었고 쇼핑의 사회에 있습니다.더 이상 죽일 것도 없고, 싸울 것도 없고, 극복할 것도 없고, 탐험할 것도 없습니다.그 사회적인 기괴함 속에서 이 모든 사람[내레이터]은 창조됩니다.

—David Fincher[8]

Fincher는 Fight Club이 1967년 영화 The Graduate처럼 30대를 위한 성인 영화라고 말했습니다.핀처는 내레이터를 "에브리맨"으로 묘사했고,[8] 등장인물은 대본에서 "잭"으로 식별되지만, 영화에서는 이름이 밝혀지지 않았습니다.[9]Fincher는 내레이터의 배경을 설명했습니다: "그는 그가 배운 모든 것을 하려고 노력했고, 그가 아닌 것이 됨으로써 세상에 적응하려고 노력했습니다."그는 행복을 찾을 수 없어서 부모님, 신, 스승을 '죽여야' 하는 깨달음의 길을 떠납니다.영화의 시작과 동시에, 그는 그의 부모님을 "죽여버렸다".타일러 더든과 함께, 그는 그들이 해서는 안되는 일들을 함으로써 그의 신을 죽입니다.내레이터는 성숙의 과정을 완성하기 위해 그의 스승 타일러 더든을 죽여야 합니다.[10]

등장인물은 1990년대 대학원 원형의 역작이다: "그의 앞에 가능성의 세계가 없고, 가능성이 없으며, 문자 그대로 자신의 인생을 바꿀 방법을 상상할 수 없는 남자."그는 혼란스럽고 화가 나서 니체적인 위베르멘쉬인 타일러 더든을 마음속에 창조하여 자신의 환경에 대응합니다.타일러는 내레이터가 되고 싶어하는 사람이지만, 그는 내레이터가 인생에서 "복잡하고 도덕적, 윤리적인 의미가 있는" 결정에 직면하도록 도와주지 않습니다.Fincher는 "[타일러는] 이상주의적인 방식으로 우리 삶의 개념을 다룰 수 있지만, 현대인이 알고 있는 현실 생활의 타협과는 아무런 관련이 없습니다.그것은: 당신은 많은 일들에 실제로 필요하지 않습니다.지어졌으니 지금 실행하기만 하면 됩니다."[8]스튜디오 임원들은 Fight Club이 "악랄하고 선동적"이 될 것이라고 걱정하는 반면, Fincher는 사악한 요소를 완화시키기 위해 유머를 포함시킴으로써 그것을 "재미있고 선동적"으로 만들려고 노력했습니다.[11]

시나리오 작가 짐 울스는 이 영화를 로맨틱 코미디라고 설명하며 다음과 같이 설명했습니다: "그것은 건강한 관계에 대한 등장인물들의 태도와 관련이 있는데, 이것은 서로에게 건강하지 않고 가혹해 보이지만 사실은 그들에게 효과가 있습니다. 왜냐하면 두 등장인물 모두 심리적으로 최첨단이기 때문입니다."[12]내레이터는 친밀감을 추구하지만 말라 싱어가 자신의 모습을 너무 많이 보는 것을 피합니다.[13]말라는 내레이터에게 유혹적이고 부정적인 사람이지만 타일러와 함께 오는 새로움과 흥분을 받아들입니다.내레이터는 타일러와 개인적으로 연결되어 있는 것을 좋아하지만, 타일러가 말라와 성적으로 관계를 맺게 되자 질투하게 됩니다.내레이터가 타일러와 그들의 우정에 대해 논쟁할 때 타일러는 친구가 되는 것은 그들이 탐구해온 철학을 추구하는 데 이차적인 것이라고 말합니다.[14]타일러가 말라가 그들이 제거해야 할 위험이라고 암시했을 때, 내레이터는 그가 그녀에게 집중했어야 한다는 것을 깨닫고 타일러의 길에서 멀어지기 시작합니다.[13]

우리는 영화가 진행됨에 따라 제가 굶기 시작하는 반면, [브래드 피트]는 침대를 들어 선탠을 하기로 일찍 결정했습니다. 제가 헛되이 시간을 보내면서 그는 점점 더 이상화될 것입니다.

—Edward Norton[15]

믿을 수 없는 내레이터인 내레이터는 자신이 타일러를 정신적으로 투영하고 있다는 것을 바로 알지 못합니다.[16]타일러 더든의 외모가 좋아지는 반면 내레이터의 몸 상태는 나빠지지만 격투 클럽을 파워풀하게 느낄 수 있는 방법으로 잘못 홍보하기도 합니다.[17]타일러는 처음에는 내레이터처럼 실제 싸움의 '실제 경험'을 바라지만,[18] 제도와 가치체계를 거부하고 파괴하는 허무주의적 태도를 보입니다.[19]이드를 나타내는 그의 충동적인 성격은 [13]내레이터와 프로젝트 메이헴의 멤버들에게 유혹적이고 해방적입니다.타일러의 계획과 방법은 비인간적이 되어 버립니다.[19] 그는 프로젝트 메이헴 멤버들에게 중국의 재교육 캠프의 캠프 감독들과 비슷한 메가폰을 주문합니다.[13]내레이터는 타일러에게서 물러나서 갈등하는 자신들 사이의 중간 지점에 도착합니다.[14]

Fight Club은 Xangst 세대를 "역사의 중간 아이들"로 평가합니다.[6]Norton은 TV에서 처음으로 제기된 X세대로서 X세대의 가치 갈등을 조사한다고 말했습니다: 이 세대는 "대부분 광고 문화에 의해 영향을 받는 가치 체계"를 가지고 있었고, "홈퍼니싱을 통해 정신적인 행복을 얻을 수 있다"는 말입니다.[5][18]시각 효과가 그의 많은 이케아 소유물을 식별하는 동안 그의 캐릭터는 그의 아파트를 거닐고 있습니다.Fincher는 내레이터의 몰입에 대해 다음과 같이 설명했습니다: "그것은 단지 행복에 대한 부정한 생각 속에서 사는 것에 대한 생각이었습니다."[20]피트는 "파이트 클럽은 우리가 우리 자신을 둘러싸고 있는 벽들을 밀고 나가야만 하는 필요성에 대한 은유이고, 그래서 우리는 처음으로 고통을 경험할 수 있습니다"라고 말했습니다.[21]

Fight Club은 1955년 영화 Rebel Without a Cause와 유사합니다; 둘 다 시스템에 있는 사람들의 좌절을 조사합니다.[18]사회적으로 도태된 인물들은 "관객의 세대"로 전락합니다.[22]광고 문화는 사회의 "행복의 외적 기호"를 정의하고, 정신적 행복의 더 본질적인 추구를 대체하는 물질적 재화에 대한 불필요한 추구를 야기합니다.이 영화는 구찌, 캘빈 클라인, 폴크스바겐 뉴 비틀과 같은 소비자 제품을 언급하고 있습니다.노튼은 비틀에 대해 "우리는 그것을 부쉈습니다… 왜냐하면 그것은 문화를 우리에게 되팔았던 베이비 붐 세대 마케팅 계획의 전형적인 예처럼 보였기 때문입니다"[23]라고 말했습니다. 피트는 불협화음을 설명했습니다. "저는 제 세대가 우리의 진실한 감정과 진정한 관련이나 헌신을 하지 못하게 하는 자기 방어 메커니즘이 있다고 생각합니다.우리는 야구팀을 응원하고 있지만 경기를 하기 위해 거기에 들어가지는 않을 것입니다.우리는 실패와 성공에 매우 관심이 많습니다. 마치 이 두 가지가 마지막에 여러분을 요약하는 전부인 것처럼 말이죠."[21]

격투 클럽의 폭력은 전투를 장려하거나 미화하는 것이 아니라 참가자들이 무감각한 사회에서 느끼는 것을 경험하도록 하는 역할을 합니다.[24]그 싸움들은 사회에서 "속고 싶은" 충동에 대한 저항을 나타냅니다.[22]노튼은 이 전투가 "고통에 대한 두려움"과 "자기 가치의 물질적 상징에 대한 의존"을 제거하고 그들이 가치 있는 것을 경험하도록 만든다고 믿었습니다.[18]싸움이 혁명적 폭력으로 발전할 때, 영화는 타일러 더든의 혁명적 변증법을 반쯤만 받아들입니다. 내레이터는 더든의 생각을 철회하고 거부합니다.[14]Fight Club은 의도적으로 모호한 메시지를 만들어 관객들에게 해석을 남깁니다.[19]Fincher는 "어떤 방향이나 해결책도 제시하지 않고 파시즘을 가질 수 있다는 이 아이디어가 마음에 듭니다.파시즘의 핵심은 '우리가 가야 할 길은 이렇습니다'라고 말하는 것 아닌가요?하지만 이 영화는 어떤 종류의 해결책을 제시하는 것과는 거리가 멀었습니다."[11]

생산.

발전

Chuck Palahniuk의 소설 Fight Club은 1996년에 출판되었습니다.출판 전에, 폭스 서치라이트 픽처스의 북 스카우트는 이 소설의 갤리 프루프를 크리에이티브 임원 케빈 맥코믹에게 보냈습니다.임원은 스튜디오 독자에게 영화 각색 후보로 증명을 검토하라고 지시했지만 독자는 이를 단념했습니다.맥코믹은 이후 제작자 로렌스 벤더와 아트 린슨에게 증거를 전달했지만, 린슨 역시 이를 거부했습니다.제작자 조쉬 도넨과 로스 벨은 가능성을 보고 관심을 나타냈습니다.그들은 대본의 길이를 정하기 위해 배우들과 함께 무급 화면 판독을 주선했고, 첫 번째 판독은 6시간 동안 지속되었습니다.제작진은 러닝타임을 줄이기 위해 섹션을 잘라냈고, 대화를 녹음하기 위해 더 짧은 대본을 사용했습니다.벨은 이 녹음 파일을 폭스 2000의 대표 로라 지스킨에게 보냈고, 로라 지스킨은 녹음 테이프를 듣고 팔라뇌크로부터 파이트 클럽의 권리를 1만 달러에 구입했습니다.[25]

지스킨은 처음에 헨리가 각색한 1967년 영화 The Graduate와 비슷한 Fight Club을 찾으면서 각색을 하기 위해 벅 헨리를 고용하는 것을 고려했습니다.새로운 시나리오 작가인 짐 얼스가 도넨과 벨에게 그 일을 위해 로비를 했을 때, 제작자들은 헨리보다 그를 선택했습니다.벨은 이 영화를 감독하기 위해 4명의 감독에게 연락을 취했습니다.그는 피터 잭슨을 최고의 선택이라고 여겼지만, 잭슨은 1996년 뉴질랜드에서 영화 <공포자>를 찍느라 너무 바빴습니다.브라이언 싱어는 책을 받았지만 읽지는 않았습니다.대니 보일은 벨을 만나 책을 읽었지만 다른 영화를 추구했습니다.이 책은 데이비드 오에게도 보내졌습니다. 러셀, 하지만 그는 이해할 수 없었습니다.[26]Fight Club을 읽고 직접 판권을 사려고 했던 David Fincher는 Ziskin과 이 영화의 감독에 대해 이야기했습니다.그는 1992년 영화 에일리언 3를 스튜디오에서 감독한 불쾌한 경험이 있었기 때문에 처음에 20세기 폭스와의 임무를 수락하는 것을 망설였습니다.스튜디오와의 관계를 회복하기 위해 그는 지스킨과 스튜디오 대표 빌 메카닉을 만났습니다.[25]1997년 8월, 20세기 폭스는 Fight Club의 영화화를 핀처가 감독할 것이라고 발표했습니다.[27]

캐스팅

제작자 로스 벨은 배우 러셀 크로우를 만나 타일러 더든 역에 출마하는 것에 대해 논의했습니다.프로젝트에 늦게 합류한 프로듀서 아트 린슨은 같은 역할에 대해 피트와 만났습니다.린슨은 두 사람의 수석 프로듀서였기 때문에 스튜디오는 크로우 대신 피트를 캐스팅하려고 했습니다.[25]피트는 1998년 그의 영화 <조 블랙을 만나다>의 국내적 실패 이후 새 영화를 찾고 있었고, 스튜디오는 파이트 클럽이 주요 스타와 함께 더 상업적으로 성공할 것이라고 믿었습니다.이 스튜디오는 피트와 미화 1,750만 달러에 계약을 맺었습니다.[28]

이름 없는 내레이터의 역할을 위해 스튜디오는 영화의 상업적 전망을 높이기 위해 맷 데이먼과 같은 더 섹시한 이름을 원했고 숀 펜도 고려했습니다.핀처는 대신 1996년 영화 피플 대 노튼에서의 연기를 바탕으로 노튼을 고려했습니다. 래리 플린트.[29]다른 스튜디오들은 The Talent Mr. Ripley와 Man on the Moon과 같은 영화를 개발하는 데 있어 주연을 위해 Norton에게 접근하고 있었습니다.그는 런어웨이 심사위원단에 캐스팅되었지만 영화는 제작에 이르지 못했습니다.20세기 폭스는 파이트 클럽을 위해 노튼에게 250만 달러를 제안했습니다.그는 여전히 파라마운트 픽처스에 영화 한 편을 빚지고 있었기 때문에 그 제안을 바로 수락할 수 없었습니다. 그는 파라마운트와 더 적은 연봉으로 스튜디오의 미래 영화 중 하나에 출연하는 계약상의 의무를 맺었습니다.노튼은 이후 2003년 영화 이탈리안 잡에서의 역할로 의무를 다했습니다.[28]

1998년 1월, 20세기 폭스는 피트와 노튼이 캐스팅되었다고 발표했습니다.[30]배우들은 복싱, 태권도, 그래플링,[31] 비누 만들기 등의 수업을 받으며 준비했습니다.[32]피트는 그의 캐릭터가 완벽한 치아를 갖지 못하도록 그의 앞니 조각들을 잘라내기 위해 자발적으로 치과를 방문했습니다.이 작품들은 촬영이 끝난 후 복원되었습니다.[33]

Fincher가 말라 싱어 역으로 처음 선택한 사람은 Janeanne Garofalo였습니다.핀처는 처음에 영화의 성적인 내용에 반대했기 때문에 거절했다고 말했지만, 2020년의 한 인터뷰에서 가로팔로는 그녀가 그 역할을 수락했지만 노튼이 그녀가 그것에 잘 맞지 않는다고 생각했기 때문에 거절당했다고 밝혔습니다.[34][35]Fincher는 Julia Louis-Dreyfus에게 그 역할을 맡았습니다.[36]영화 제작자들은 코트니 러브와 위노나 라이더를 초기 후보로 생각했습니다.[37]러브는 자신이 말라 싱어 역에 캐스팅됐다고 주장했지만 남편 커트 코베인에 대한 영화를 위해 피트의 요청을 거절한 후 해고됐습니다.[38]스튜디오는 리즈 위더스푼을 캐스팅하고 싶었지만, 핀처는 그녀가 너무 어리다고 느꼈습니다.[28]마침내, 핀처는 1997년 영화 비둘기의 날개에서의 연기를 바탕으로 본햄 카터를 캐스팅하기로 결정했습니다.[39]

쓰기

Uhls는 각색된 각본 초안 작업을 시작했는데, 당시 업계가 이 기법을 "상투적이고 진부한" 것으로 인식했기 때문에 보이스오버를 배제했습니다.Fincher가 영화에 합류했을 때, 그는 영화의 유머가 내레이터의 목소리에서 나온다고 믿으면서, 그 영화가 목소리를 내야 한다고 생각했습니다.[28]그는 목소리가 없는 이 영화를 겉보기에는 "슬프고 한심하다"고 묘사했습니다.[40]Fincher와 Uhls는 6개월에서 7개월 동안 대본을 수정했고 1997년까지 이야기의 순서를 바꾸었고 몇 가지 주요한 요소들을 생략한 세 번째 초안을 갖게 되었습니다.피트가 캐스팅 되었을 때, 그는 자신의 캐릭터인 타일러 더든이 너무 일차원적이라고 우려했습니다.Fincher는 작가 겸 감독인 Cameron Crow의 조언을 구했는데, Cameron Crow는 캐릭터에 더 모호함을 줄 것을 제안했습니다.Fincher는 또한 시나리오 작가 Andrew Kevin Walker를 고용했습니다.그는 피트와 노튼을 초대하여 대본 수정을 도왔고, 그 그룹은 1년 동안 5개의 수정본 초안을 작성했습니다.[28]

팔라니우크는 그의 소설의 충실한 영화 각색을 칭찬하고 영화의 줄거리가 책의 줄거리보다 더 간소화된 것에 박수를 보냈습니다.팔라니우크는 영화 관객들이 소설의 줄거리 왜곡을 믿을지에 대해 작가들이 어떻게 토론했는지를 회상했습니다.Fincher는 반전을 포함하여 "만약 그들이 지금까지의 모든 것을 받아들인다면, 그들은 줄거리의 반전을 받아들일 것입니다.만약 그들이 여전히 극장에 있다면, 그들은 그것과 함께 있을 것입니다."[41] 팔라니우크의 소설은 또한 관객들을 불편하게 만들고 반전의 놀라움을 강조하기 위해 핀처가 영화에 포함시킨 호모에로틱한 오버톤을 포함했습니다.[42]타일러 더든이 내레이터 옆에서 목욕을 하는 욕실 장면은 과장된 예입니다. "다른 여자가 정말로 우리에게 필요한 답인지 궁금합니다."라는 대사는 동성애보다는 개인의 책임을 제안하려는 의도였습니다.[13]또 다른 예는 영화 초반 타일러 더든이 내레이터의 입에 총통을 내려놓는 장면입니다.[43]

내레이터는 영화의 마지막에서 내레이터가 정신병원에 입원하는 소설의 결말에서 갈라진 타일러 더든의 변증법을 거부함으로써 구원을 얻습니다.[11]노튼은 영화에서의 구원과 졸업생에서의 구원 사이에 유사점을 그려서, 두 영화의 주인공들이 두 개의 자아의 분열 사이에서 중간 지점을 찾는다는 것을 나타냈습니다.[14]핀처는 이 소설이 타일러 더든에게 너무 홀렸다고 생각했고, 그에게서 멀어지기 위해 결말을 바꿨습니다. "저는 사람들이 타일러를 사랑하기를 원했지만, 그의 정복에도 그들이 괜찮기를 원했습니다."[11]

촬영중

스튜디오의 경영진인 메카닉과 지스킨은 이 영화에 대한 자금을 조달하기 위해 초기 예산 2,300만 달러를 계획했지만,[25] 제작 시작과 동시에 예산은 5,000만 달러로 증가했습니다.절반은 뉴 리젠시가 부담했지만, 촬영 도중 예상 예산은 6,700만 달러로 증가했습니다.뉴 리젠시의 대표이자 Fight Club의 총괄 프로듀서인 Arnon Milchan은 Fincher에게 최소 5백만 달러의 비용 절감을 청원했습니다.핀처는 거절했고, 그래서 밀찬은 메카닉에게 뉴 리젠시가 자금 조달을 철회하겠다고 위협했습니다.메카닉은 파이트 클럽의 일간지 테이프를 밀찬에게 보내줌으로써 밀찬의 지원을 회복하려고 했습니다.3주간의 촬영을 본 후, 밀찬은 뉴 리젠시의 재정적 지원을 다시 시작했습니다.[44]최종 생산 예산은 6,300만 달러에서 6,500만 달러였습니다.[1][4]

싸움 장면은 안무가 많이 짜여졌지만, 배우들은 바람을 쐬는 것과 같은 현실적인 효과를 포착하기 위해 "풀아웃"을 해야 했습니다.[21]1997년 영화 게임에서 핀처에서 일했던 메이크업 아티스트 줄리 피어스(Julie Pearce)는 격투기 선수들을 정확하게 묘사하기 위해 종합격투기와 유료 복싱을 공부했습니다.그녀는 마이크 타이슨이 에반더 홀리필드의 귀를 물어뜯었던 복싱 경기에서 영감을 받아 연골이 빠진 추가 귀를 디자인했습니다.[45]메이크업 아티스트들은 땀을 만드는 두 가지 방법을 고안했습니다: 바셀린 코트 위에 미네랄 워터를 뿌리는 것과 "젖은 땀"을 위해 여과되지 않은 물을 사용하는 것입니다."엉덩이 가슴"을 가진 격투 클럽 회원을 연기하는 미트 로프는 큰 가슴을 주는 90파운드(40kg)의 지방 벨트를 착용했습니다.[31]그는 또한 노튼과의 장면에서 자신보다 더 키가 크기 위해 8인치 (20cm) 리프트를 착용했습니다.[13]

1998년 7월부터 12월까지 138일 동안 촬영이 진행되었으며,[46] 이 기간 동안 핀처는 할리우드 영화 평균의 3배인 1,500롤 이상의 필름을 촬영했습니다.[31]그 장소들은 로스앤젤레스와 그 주변에 있었고 센추리 시티의 스튜디오에 지어진 세트장에 있었습니다.[46]프로덕션 디자이너 알렉스 맥도웰(Alex McDowell)은 70개 이상의 세트를 제작했습니다.[31]타일러 더든의 집의 외관은 캘리포니아 윌밍턴에 지어졌고,[47] 내부는 스튜디오의 위치에 있는 음향 무대 위에 지어졌습니다.내부는 인물들의 해체된 세계를 묘사하기 위해 부패한 모습으로 만들어졌습니다.[46]말라 싱어의 아파트는 LA 시내의 아파트 사진을 바탕으로 했습니다.[16]전체적으로 300개의 장면, 200개의 장소, 그리고 복합적인 특수효과가 제작되었습니다.Fincher는 Fight Club을 그의 후속작인 덜 복잡한 영화인 패닉 룸(Panic Room)과 비교했습니다: "저는 마치 제가 세 줄의 대화를 촬영할 수 있도록 트럭이 짐을 싣고 내리는 것을 보면서 모든 시간을 보내는 것 같았습니다.너무 많은 교통수단이 운행되고 있었습니다.[48]

촬영술

Fight Club을 촬영하기 위해 Fincher는 Super 35 포맷을 사용했습니다. 왜냐하면 Fight Club은 그에게 샷을 작곡할 수 있는 최대의 유연성을 주기 때문입니다.그는 제프 크로넨웨스를 촬영 감독으로 고용했고, 아버지 조던 크로넨웨스는 핀처의 1992년 영화 에일리언 3의 촬영 감독을 맡았지만 파킨슨병으로 인해 제작 중간에 떠났습니다.Fincher는 그의 이전 영화인 Seven and The Game에서 시각적 스타일을 탐구했고, 그와 Cronenweth는 Fight Club을 위해 이러한 스타일로부터 요소들을 그렸습니다.[46]

Fincher와 Cronenweth는 사람들을 "빛나도록" 만들기로 선택하면서, Lurid 스타일을 적용했습니다.[16]타일러가 없는 내레이터의 장면들의 모습은 싱겁고 현실적이었습니다.타일러와 함께한 장면들은 핀처에 의해 "내레이터가 향하고 있는 것에 대한 시각적 은유인 찢어진, 해체된 의미에서 더 극사실적"이라고 묘사되었습니다.그 영화 제작자들은 의상, 화장, 그리고 예술 연출을 위해 심하게 포화된 색상을 사용했습니다.[46]본햄 카터는 그녀의 로맨틱한 허무주의적인 캐릭터를 "스맥-악마에 가까운 파티나"로 묘사하기 위해 유백색 화장을 했습니다.핀처와 크로넨웨스는 1973년 영화 아메리칸 그래피티에서 영향을 받았는데, 이 영화는 야간 외부에 일상적인 모습을 적용하는 동시에 다양한 색상을 포함하고 있습니다.[16]

승무원들은 자연광과 실용광을 모두 이용했습니다.Fincher는 조명 장치에 대한 다양한 접근 방법을 모색했습니다. 예를 들어, 그는 도시 조명이 사진의 배경에 미치는 영향을 위해 여러 도시 지역을 선택했습니다.승무원들은 또한 현실성의 요소를 유지하고 등장인물들의 부상을 묘사한 보철물에 불을 붙이기 위해 다른 실용적인 장소에서 형광 조명을 받아들였습니다.[46]반면에, 핀처는 또한 촬영감독 고든 윌리스의 기술을 영향으로 들면서 장면들이 너무 강하게 빛나지 않도록 하여 등장인물들의 눈이 덜 보이게 만들었습니다.[13]

Fight Club은 주로 밤에 촬영되었고, Fincher는 그늘진 장소에서 낮 촬영을 했습니다.제작진은 바의 지하실에 저렴한 작업등을 설치하여 배경광을 만들어냈습니다.Fincher는 지하실에서 초기 싸움 장면을 찍을 때 멋진 카메라 작업을 피하고 대신 카메라를 고정된 위치에 놓았습니다.나중의 싸움 장면에서 핀처는 카메라를 먼 관찰자의 시각에서 전투기의 시각으로 옮겼습니다.[46]

타일러와 함께 한 장면들은 이 캐릭터가 이름 없는 내레이터의 정신적인 투영물이라는 것을 숨기기 위해 무대에 올려졌습니다.타일러는 한 무리의 사람들과 함께 두 번의 촬영에서 촬영되지 않았고, 타일러가 내레이터에게 자신을 조종할 수 있는 구체적인 아이디어를 주는 장면에서도 어깨너머로 촬영되지 않았습니다.내레이터가 타일러를 만나기 전 장면에서, 영화 제작자들은 승화 효과를 위해 타일러의 존재를 한 프레임에 삽입했습니다.[16]타일러는 "어깨 위의 작은 악마"처럼 배경과 초점을 잃은 채 등장합니다.[13]핀처는 "우리의 영웅은 타일러 더든을 자신의 마음속에서 창조하고 있기 때문에, 이 시점에서 그는 내레이터의 의식 주변에만 존재합니다."[49]라고 승화 프레임을 설명했습니다.

Cronenweth는 일반적으로 Fight Club에서 Kodak 필름 재고를 정상적으로 평가하고 노출시켰지만, 외관을 변경하기 위해 몇 가지 다른 기술을 적용했습니다.외부 야간 촬영의 대부분에 플래싱을 실시하고, 대조가 의도적으로 보기 흉하도록 확장되었으며, 인쇄물이 노출되지 않도록 조정되었으며, 흑인들의 밀도를 높이기 위해 선택된 수의 인쇄물에 테크니컬러의 ENR 은 보존을 사용했습니다.그리고 contrast도가 높은 프린트 재고를 선택하여 더러운 패티나로 프린트에 "stepped 온" 룩을 연출했습니다.

시각효과

Fincher는 Fight Club의 시각 효과를 만들기 위해 The Game에서 일했던 시각 효과 감독관 Kevin Tod Haug을 고용했습니다.Haug는 시각 효과 예술가들과 전문가들을 CG 모델링, 애니메이션, 합성 그리고 스캔과 같은 다양한 종류의 시각 효과를 다루는 다양한 시설들에 배정했습니다.하우그는 "효과 작업의 각 측면에서 가장 적합한 사람들을 선정한 다음 그들의 노력을 조율했습니다.이런 식으로 우리는 시설의 약점을 이용할 필요가 없었습니다."Fincher는 "마음의 눈" 관점을 통해 내레이터의 관점을 시각화하고 영화 관객들을 위해 근시안적인 틀을 구성했습니다.Fincher는 또한 실제 촬영 중 실수를 하지 않기 위해 메인 유닛과 시각 효과 촬영에 도전하는 미리 설정된 영상을 문제 해결 도구로 사용했습니다.[49]

Blue and rough-looking tendrils stretch into a vanishing point in the middle; tendrils on the right side are visible, where the rest are obscured in darkness. Blue specks of matter float in the image. In front of the vanishing point are the words "Fight Club".
내레이터의 공포 충동에 의해 사고 과정이 시작되는 뇌의 신경망을 나타내는 파이트 클럽의 오프닝 장면.네트워크는 L-시스템을 이용하여 매핑되었고 의료 일러스트레이터에 의해 그려졌습니다.

이 영화의 제목 순서는 90초 분량의 시각 효과 구성으로 내레이터의 뇌 내부를 미시적 수준으로 묘사합니다; 카메라는 그의 공포 중심에서 시작하여 그의 공포 충동에 의해 시작된 사고 과정을 따라 외부로 되돌아갑니다.[50]일부는 Fincher에 의해 설계된 이 시퀀스는 처음에는 영화의 나머지 부분과 별도로 예산이 책정되었으나 1999년 1월 스튜디오에 의해 이 시퀀스가 수여되었습니다.[49]Fincher는 Digital Domain과 시각 효과 감독관 Kevin Mack을 고용했습니다. Kevin Mack은 1998년 영화 What Dreams May Come로 아카데미 시각 효과상을 수상했습니다.그 회사는 컴퓨터로 생성된 뇌를 L-시스템을 사용하여 지도를 만들었고,[51] 디자인은 의학 일러스트레이터 Katherine Jones의 렌더링을 사용하여 상세히 설명했습니다.뇌 안에서 두개골 밖으로의 인출 순서에는 뉴런, 활동전위, 모낭이 포함되었습니다.하우그는 핀처가 이 사진과 함께 찍은 예술 면허증을 설명했습니다. "그가 뇌 통로를 전자 현미경 사진처럼 보이게 하고 싶어했지만, 그 모습은 야간 잠수의 느낌과 결합되어야 했습니다. 축축하고 무섭고, 낮은 깊이의 필드입니다."얕은 깊이의 필드는 광선 추적 과정을 통해 이루어졌습니다.[49]

다른 시각적 효과로는 지하 주차장에 놓여있는 프로젝트 메이헴의 파괴적인 장비를 조사하기 위해 카메라가 도시 거리를 지나가는 초기 장면이 포함됩니다. 시퀀스는 사진작가 마이클 더글러스 미들턴의 로스앤젤레스와 센추리 시티의 거의 100장의 사진을 입체적으로 구성한 것입니다.신용카드 사무실 건물 철거의 마지막 장면은 Image Savant의 Richard Baily에 의해 설계되었습니다. Baily는 14개월 이상 현장에서 작업했습니다.[49]

영화 중간에 타일러 더든은 영화에서 "담배 화상"이라는 별명이 붙은 큐 마크를 관객들에게 지적합니다.이 장면은 영화 초반에 존재했던 '상당히 주관적인 현실'의 파열음과 반전을 예고하는 전환점을 보여줍니다.Fincher는 "갑자기 프로젝션리스트가 전환을 놓친 것처럼, 관객들은 완전히 새로운 방식으로 영화를 보기 시작해야 합니다."[49]라고 설명했습니다.

스코어

Fincher는 영화 악보를 쓰는 데 경험이 있는 밴드들이 주제를 함께 묶을 수 없을 것을 우려하여 영화를 위해 녹음한 적이 없는 밴드를 찾았습니다.그는 라디오헤드를 추구했지만,[13] 가수인 톰 요크는 1997년 앨범 OK Computer의 홍보에 대한 스트레스에서 회복하면서 거절했습니다.[52]대신 Fincher는 드럼 루프, 전자 스크래치, 컴퓨터 샘플을 포함하는 포스트모던 악보를 만든 브레이크비트 프로듀싱 듀오 Dust Brothers에게 의뢰했습니다.더스트 브라더스의 공연자 마이클 심슨(Michael Simpson)은 설정을 설명했습니다: "핀처는 영화의 모든 것으로 새로운 영역을 개척하기를 원했고, 비전통적인 점수가 그것을 달성하는 데 도움이 되었습니다."[53]클라이맥스와 엔드 크레딧에는 픽시스의 "Where Is My Mind?"라는 곡이 포함되어 있습니다.[54]

풀어주다

마케팅.

1998년 12월에 촬영이 끝났고, 핀처는 1999년 초에 Fight Club이 간부들과 함께 상영할 수 있도록 영상을 편집했습니다.그들은 영화를 긍정적으로 받지 못했고 영화를 위한 관객이 없을 것을 염려했습니다.[55]이 영화를 지원한 책임 프로듀서 아트 린슨은 "너무나 많은 파이트 클럽의 사건들은 경각심을 불러일으켰고, 어떤 책임자 그룹도 그 사건들을 좁힐 수 없었습니다"[56]라고 그 반응을 회상했습니다.그러나 파이트 클럽은 원래 1999년[57] 7월에 출시될 예정이었으나 이후 1999년 8월 6일로 변경되었습니다.스튜디오는 붐비는 여름 일정과 서둘러 제작을 마친 후의 과정을 이유로 영화의 개봉을 이번에는 가을로 더 미뤘습니다.[58]외부에서는 올해 초 발생한 컬럼바인 고등학교 대학살 사건이 이 같은 지연의 원인으로 보고 있습니다.[59]

폭스 서치라이트 픽처스의 마케팅 임원들은 파이트 클럽의 마케팅에 어려움을 겪었고, 한때 예술 영화로 마케팅을 고려하기도 했습니다.그들은 이 영화가 폭력성 때문에 주로 남성 관객들을 겨냥했고 피트조차도 여성 영화 팬들을 끌지 못할 것이라고 생각했습니다.조사 결과 이 영화는 십대들의 관심을 끌었습니다.Fincher는 포스터와 예고편이 피트에게 초점을 맞추는 것을 거부하고 스튜디오에 광고 회사인 Wieden+Kennedy를 고용하여 마케팅 계획을 세우도록 권장했습니다.이 회사는 영화의 주요 마케팅 이미지로 "파이트 클럽"이라는 제목이 양각된 분홍색 비누를 제안했습니다. 폭스사의 임원들은 이 제안을 "나쁜 농담"으로 여겼습니다.Fincher는 Pitt와 Norton이 제공한 가짜 공익광고의 형태로 두 개의 초기 예고편을 공개하기도 했습니다. 스튜디오는 예고편이 영화를 적절하게 홍보하지 않았다고 생각했습니다.대신, 그 스튜디오는 그 영화의 싸움 장면을 강조하는 TV를 위한 기자 정킷, 포스터, 광고판, 그리고 예고편을 제공하기 위해 2천만 달러의 대규모 캠페인 자금을 대주었습니다.스튜디오는 세계레슬링연맹 방송 중에 파이트 클럽을 케이블로 광고했는데, 핀처는 이 광고가 영화의 잘못된 맥락을 만들었다고 믿고 항의했습니다.[55]린슨은 마케팅 임원 로버트 하퍼의 "일차원적으로 잘못 생각한" 마케팅이 파이트 클럽의 미국 내 미온적인 흥행 성적에 크게 기여했다고 믿었습니다.[60]

극장판

이 스튜디오는 1999년 9월 10일 제56회 베니스 국제 영화제에서 파이트 클럽의 세계 초연을 열었습니다.[61][62]미국 극장 개봉을 위해 스튜디오는 국립 연구 그룹을 고용하여 영화를 시험 상영했습니다. 이 그룹은 개봉 주말에 영화가 1,300만 달러에서 1,500만 달러 사이의 수익을 올릴 것으로 예상했습니다.[63]파이트 클럽은 1999년 10월 15일에 미국과 캐나다에서 상업적으로 문을 열었고 개봉 주말 동안 1,963개의 극장에서 미화 1,100만 달러를 벌어들였습니다.[1]이 영화는 주말 박스오피스 1위를 차지했는데, 동료 주말 개봉작인 더블제퍼디와 더 스토리 오브 어스를 제쳤습니다.[64]시네마스코어가 조사한 관객들은 이 영화에 A+~F 등급으로 평균 "B-" 등급을 부여했습니다.[65]"궁극적인 데이트 반대 영화"라고 주장하는 파이트 클럽의 관객의 성별 혼합은 남성 61%, 여성 39%였으며, 관객의 58%는 21세 미만이었습니다.이 영화는 최고의 자리를 차지했음에도 불구하고, 개봉 총계는 스튜디오의 기대에 못 미쳤습니다.[66]Fight Club은 두 번째 주말 동안 매출이 42.6% 감소하여 미화 630만 달러를 벌어들였습니다.[67]이 영화는 원래 극장 상영 당시 미국과 캐나다에서 3,700만 달러의 수익을 올렸으며, 그 외 지역에서는 6,380만 달러의 수익을 올려 전 세계적으로 1억 90만 달러의 수익을 올렸습니다. (이후 재개봉으로 이 영화의 전 세계 총 수익은 1억 120만 달러로 증가했습니다.)[1]Fight Club의 압도적인 북미 공연은 20세기 폭스의 스튜디오 책임자인 Bill Mechanic과 미디어 책임자인 Rupert Murdoch 사이의 관계를 악화시켰고, 이는 2000년 6월 Mechanic의 사임에 기여했습니다.[68]

영국 영화 분류 위원회는 1999년 11월 12일 영국에서 개봉한 파이트 클럽을 검토하고 "무방위적인 남자의 얼굴을 때려 과육이 되는 흥분에 대한 면죄부"와 관련된 두 장면을 삭제했습니다.이사회는 이 영화에 18개의 인증서를 부여했고, 영국에서 성인 전용 관객으로 개봉을 제한했습니다.BBFC는 파이트 클럽이 "위험할 정도로 교훈적인 정보"를 포함하고 있고 "반사회적인 (행동)을 부추길 수 있다"는 주장을 고려하고 일축하며 더 이상 검열하지 않았습니다.이사회는 "이 영화는 전체적으로 매우 분명하게, 부분적으로 묘사하는 아마추어 파시즘의 비판적이고 날카로운 패러디입니다.남성 마키모(그리고 그로부터 흘러나오는 반사회적 행동)라는 그것의 중심 주제는 마지막 릴의 중심 인물에 의해 강력하게 거부됩니다."[69]이 장면들은 2007년 3월 영국에서 발매된 두 장의 디스크 DVD 판으로 복원되었습니다.[70]

홈미디어

Fincher는 DVD 포장의 구성을 감독했으며 영화가 홈 미디어로 전환하는 데 참여한 최초의 감독 중 한 명이었습니다.이 영화는 2000년 6월 6일 DVD로 발매되었으며, 1판과 2판으로 발매되었습니다.[71]영화 디스크에는 4개의 해설 트랙이 포함되었고 [72]보너스 디스크에는 비하인드 클립, 삭제된 장면, 예고편, 극장 안전 PSA, 홍보 뮤직 비디오 "This is Your Life", 인터넷 스팟, 스틸 갤러리, 캐스트 전기, 스토리보드 및 홍보 자료가 포함되었습니다.[73]Fincher는 영화에 대한 그의 비전을 완성하기 위한 방법으로 DVD 작업을 했습니다.20세기 폭스의 크리에이티브 개발 수석 부사장인 줄리 마켈(Julie Markell)은 DVD 포장이 핀처의 비전을 보완해 주었다고 말했습니다. "이 영화는 여러분에게 의문을 갖게 하기 위한 것입니다.패키지는 더 나아가 여러분이 직접 경험해야 할 경험을 반영하려고 노력합니다.보면 볼수록 빠져 나올 겁니다."그 스튜디오는 두 달 동안 그 포장을 개발했습니다.[74]2장짜리 스페셜 에디션 DVD는 갈색 판지 포장지에 가려진 것처럼 보이도록 포장되었습니다."Fight Club"이라는 제목은 정면을 가로질러 대각선으로 표시되어 있었고 포장은 twine으로 묶여 있었습니다.마켈은 "우리는 포장이 겉으로는 단순하기를 원해서 갈색 종이 포장의 단순함과 안에 있는 것의 강도와 혼돈 사이에 이분법이 존재할 것"이라고 말했습니다.[74]20세기 폭스사의 마케팅 부사장인 데보라 미첼(Deborah Mitchell)은 디자인에 대해 다음과 같이 설명했습니다. "소매상의 관점에서 볼 때, [DVD 케이스]는 믿을 수 없을 정도로 선반이 있습니다."[75]THX Optimode를 탑재한 최초의 DVD 출시작입니다.[76]

Fight Club은 2000년 온라인 영화 비평가 협회상에서 최고 DVD, 최고 DVD 해설, 최고 DVD 특집으로 상을 받았습니다.[77]엔터테인먼트 위클리(Entertainment Weekly)는 2001년에 발표한 50개의 필수 DVD 목록에서 이 영화의 두 디스크 판을 1위로 선정하여 DVD의 내용과 기술적인 그림과 오디오 품질에 최고 등급을 부여했습니다.[78]투디스크가 절판되자 스튜디오는 팬들의 요청으로 2004년 재발매했습니다.[79]이 영화는 처음 10년 동안 DVD와 비디오로 6백만 장 이상 팔렸고,[80] 스튜디오 역사상 가장 많이 팔린 가정용 미디어 아이템 중 하나가 되었고,[60] 비디오와 DVD 대여료로 5천 5백만 달러 이상을 벌어들였습니다.[81]파이트 클럽은 미국과 캐나다에서의 저조한 흥행 성적과 다른 지역에서의 더 나은 성적, 그리고 매우 성공적인 DVD 발매로 스튜디오에 미화 1천만 달러의 수익을 올렸습니다.[60]

Laserdisc 에디션은 2000년[82] 5월 26일 일본에서만 발매되었으며, LD로 발매된 몇 안 되는 Dolby Digital Surround EX 사운드 트랙 중 하나와 다른 커버 아트가 특징입니다.VHS 에디션은 20세기 폭스의 "프리미어 시리즈" 라인의 일부로 2000년 10월 31일에 출시되었습니다.그것은 영화 "Bhind the Brol" 이후의 장편영화를 포함합니다.[83]

파이트 클럽은 2009년 11월 17일 미국에서 블루레이 디스크 포맷으로 출시되었습니다.[84]5명의 그래피티 예술가들이 미국의 동부 해안과 서부 해안에서 발견되는 도시 미학과 유럽의 거리 예술로부터의 영향을 아우르는 30개의 포장을 위한 예술 작품을 만들도록 의뢰되었습니다.[85]블루레이 에디션은 파이트 클럽 메뉴 화면으로 연결되기 전 드류 베리모어 주연의 로맨틱 코미디 네버 비 키스드 메뉴 화면과 함께 열립니다.Fincher는 Barrymore로부터 가짜 메뉴 화면을 포함하도록 허락을 받았습니다.[86]

Tencent의 중국 온라인 공개는 마지막에 폭탄 폭발을 검열했고, Tyler Durden이 법 집행에 의해 체포되어 2012년까지 정신 이상의 망명 상태에 놓이게 되면서,[87] 원래의 Fight Club 소설의 결말을 각색하면서, 프로젝트 메이헴이 좌절되었다는 메시지로 결말을 대체된 것은 Tyler Durden이 법 집행에 의해 체포되어 2012년까지 정신 이상의 망명 상태에 놓이게 되었습니다.[88]몇 주 후, 텐센트는 이전에 끊겼던 12분 중 11분을 복원한 영화 버전을 공개했습니다.[89][90]이 소설의 작가 척 팔라뇌크는 검열된 버전이 부분적으로 책의 결말을 복원시켰다고 믿었습니다.[91][92]

중대수신

파이트 클럽이 제56회 베니스 국제 영화제에서 초연되었을 때, 이 영화는 비평가들에 의해 치열한 논쟁을 벌였습니다.한 신문은 "많은 사람들이 똑같이 좋아하고 싫어했습니다"라고 보도했습니다.일부 비평가들은 이 영화가 거의 30년 전에 어 클락워크 오렌지가 영국에서 데뷔한 이후에 보여진 것과 같은 모방 행동을 부추길 것이라고 우려를 나타냈습니다.[93]이 영화의 극장 개봉과 함께, 타임즈는 "전 세계 신문에서 논의되었던 남성 정신의 신경을 건드렸다"[94]는 반응을 보도했습니다.비록 이 영화의 제작자들이 파이트 클럽을 "1990년대 남성들의 정확한 묘사"라고 불렀지만, 일부 비평가들은 "무책임하고 끔찍하다"고 평했습니다.호주인을 위한 글에서 크리스토퍼 굿윈은 다음과 같이 말했습니다: "파이트 클럽은 스탠리 큐브릭의 시계태엽 오렌지 이후 폭력에 대한 가장 논쟁적인 할리우드 주류 명상으로 형성되고 있습니다."[95]

뉴욕타임즈의 재닛 매슬린은 영화에 대한 핀처의 연출과 편집을 칭찬했습니다.그녀는 Fight Club이 "현대 남성다움"의 메시지를 전달했으며, 가까이서 보지 않으면 이 영화가 폭력과 허무주의의 보증서로 오해 받을 수 있다고 썼습니다.[96]시카고 선타임스를 검토 중인 로저 에버트는 파이트 클럽에 4개의 별 중 2개를 부여하면서, 그것을 "본능적이고 강경한" 것뿐만 아니라 "철학으로 가장한 스릴 라이드"라고 불렀고, 그의 유망한 첫 번째 막이 마초적인 감성에 영합하는 두 번째 막과 "꼼수"라고 일축한 세 번째 막이 뒤따릅니다.[97]에버트는 나중에 이 영화가 "내가 아닌 대부분의 사람들에게 사랑받았다"는 것을 인정했습니다.[98]그는 나중에 세계 문제 회의에서 Fight Club에 대한 샷 바이 샷 분석을 요청 받았고, 그는 "일주일 동안 그것을 보면서, 저는 그것의 기술과 그것에 대한 생각이 훨씬 더 빠져들었습니다."라고 말했습니다.[99]보스턴 글로브의 제이 카(Jay Car)는 영화가 "생기를 돋우고 상상력을 자극하는 버즈"로 시작했지만 결국 "폭발적으로 우스꽝스럽다"고 말했습니다.[100]뉴스위크의 데이비드 앤슨은 파이트 클럽을 "훌륭한 기술, 유치한 철학, 참회적인 풍자와 감각적인 과부하의 말도 안 되는 혼합물"이라고 묘사하면서 결말이 너무 가식적이라고 생각했습니다.[101]타임지의 리차드 쉬켈은 미장센을 어둡고 축축한 것으로 묘사했습니다: "그것은 그의 등장인물들의 지상 생활의 무균과 지하 생활의 대조를 강요합니다.물은 오염되어도 생명의 근원이고, 피는 함부로 쏟아지더라도 생명이 온전히 살아있다는 상징입니다.그의 요점을 간단히 말하면, 마른 것보다는 젖은 것이 낫다는 것입니다."시켈은 피트와 노튼의 연기에 박수를 보냈지만, "상습적인 속임수"의 전개와 본햄 카터의 캐릭터를 재미있게 만들지 못한 것을 비판했습니다.[102]알렉산더 워커는 "나치 작품"이라는 제목으로 런던 이브닝 스탠다드에 대한 매우 비판적인 리뷰에서 이 이야기는 "히틀러 국가의 패러다임"이라고 주장했습니다.[103][104]그의 리뷰에서 두 가지 인용문("개인적인 품위에 대한 용납할 수 없는 공격입니다.")그리고 사회 자체에 대해서도." 그리고 "SA와 SS의 잔혹한 활동에 허가를 내준 선전을 반영합니다.총통 원칙을 부활시킨다.")는 2000년 DVD 발매에 수반된 책자에 수록된 여러 부정적인 비판 의견들 중 하나였습니다.

시네아스테의 게리 크라우더스는 "많은 비평가들이 파이트 클럽을 올해의 가장 흥미진진하고 독창적이며 생각을 자극하는 영화 중 하나로 칭송하며 비평적인 반응을 회고했습니다."그는 부정적인 의견에 대해 "파이트 클럽은 수많은 비평적 챔피언을 가지고 있었지만, 영화의 비평적인 공격자들은 훨씬 더 목소리가 높았고, 부정적인 코러스는 그들이 지나치게 그래픽적인 주먹질 장면이라고 느끼는 것에 대해 히스테리를 일으켰습니다...그들은 그러한 장면들이 잔인함에 대한 무분별한 미화, 도덕적으로 무책임한 묘사로만 작용한다고 느꼈는데, 그들은 감정에 민감한 젊은 남성 시청자들이 서로 분별없이 이기기 위해 그들만의 실제 싸움 클럽을 설립하도록 부추길 수도 있다고 우려했습니다."[105]

파이트 클럽은 2000년 아카데미 음향 편집상 후보에 올랐지만 매트릭스에게 패했습니다.[106]본햄 카터는 2000년 엠파이어 어워드에서 영국 여우주연상을 수상했습니다.[107]온라인 영화 비평가 협회는 파이트 클럽이 최우수 영화상, 감독상, 남우주연상(노튼), 편집상, 각색상(얼스)에도 후보로 올랐습니다.[108]비록 이 영화는 아무 상도 받지 못했지만, 이 단체는 파이트 클럽을 1999년의 상위 10개 영화 중 하나로 선정했습니다.[109]이 사운드트랙은 노팅힐에 밀려 브릿 어워드 후보에 올랐습니다.[110]

로튼 토마토에서 파이트 클럽은 181개의 리뷰를 바탕으로 79%의 지지율을 기록하고 있으며, 평균 평점은 7.4/10입니다.이 사이트의 공감대는 "탄탄한 연기, 놀라운 연출, 정교한 제작 디자인이 파이트 클럽을 열광의 도가니로 만듭니다."[111]라고 쓰여 있습니다.메타크리틱에서 이 영화는 35명의 비평가를 기준으로 100점 만점에 66점의 가중 평균 점수를 기록하고 있으며, 이는 "대체적으로 호의적인 리뷰"임을 나타냅니다.[112]CinemaScore에 의해 조사된 관객들은 영화에 A+~F 등급으로 평균 "B–" 등급을 부여했습니다.[113]

문화영향

파이트 클럽은 1990년대 가장 논란이 많고 화제가 된 영화 중 하나입니다.[21][114]그 영화는 미국 정치 생활에 새로운 분위기의 선구자로 인식되었습니다.다른 1999년 영화 매그놀리아, 비잉 존 말코비치, 그리고 세 명의 왕들처럼, 파이트 클럽은 영화 제작 기술의 새로운 발전을 이용했기 때문에 영화적 형태와 스타일에 있어서 혁신자로 인정받았습니다.[115]파이트 클럽의 극장 개봉 이후 입소문을 타고 인기가 높아졌고,[116] DVD의 긍정적인 반응으로 뉴스위크의 데이비드 앤슨이 추측한 컬트 영화로 자리 잡았습니다.[117][118]이 영화의 성공은 팔라니우크의 인지도를 세계적인 명성으로 높였습니다.[119]

파이트 클럽의 발매 이후, 몇몇 파이트 클럽들이 미국에서 시작되었다고 보도되었습니다."젠틀맨스 파이트 클럽"은 2000년 캘리포니아 멘로 파크에서 시작되었으며 주로 기술 업계 출신의 회원들이 있었습니다.[120]텍사스, 뉴저지, 워싱턴, 알래스카의 10대와 10대들 또한 격투 클럽을 시작했고, 그들의 싸움을 담은 비디오를 온라인에 게시하여, 당국이 그 클럽들을 해체하도록 이끌었습니다.2006년 텍사스주 알링턴의 한 격투 클럽에서 지역 고등학교에 다니는 원치 않는 참가자가 부상을 입었고, 이 싸움의 DVD 판매로 인해 6명의 십대들이 체포되었습니다.[121]교내에서 경기가 열리는 프린스턴 대학에서도 무허가 격투 동아리가 시작됐습니다.[122]이 영화는 2002년에 우체통에 파이프 폭탄을 심었던 대학생 루크 헬더에게 영향을 미쳤다는 의혹을 받았습니다.Holder의 목표는 건물이 외관에 미소를 갖기 위해 파손되는 Fight Club의 장면과 유사하게 미국의 지도에 미소 패턴을 만드는 것이었습니다.[123]2009년 7월 16일, 맨하탄에서 자신의 격투 클럽을 결성한 17세가 어퍼 이스트 사이드의 스타벅스 커피 가게 밖에서 사제 폭탄을 터뜨린 혐의로 기소되었습니다.뉴욕시 경찰국은 용의자가 "프로젝트 메이헴"을 모방하려 하고 있다고 보고했습니다.[124]

파이트 클럽은 복음주의 기독교에 기독교 제자도와 남성성의 영역에서 큰 영향을 미쳤습니다.다수의 교회들은 정기적으로 "살을 때리고 은혜의 복음을 믿는다"는 명시된 목적으로 그들의 세포 그룹을 "싸움 클럽"이라고 불렀습니다.[125][126]일부 교회, 특히 마크 드리스콜 목사가 이 영화에 집착했던 시애틀의 마스 힐 교회는 [127]남성성에 대한 영화의 강조와 자기 배려에 대한 거부를 선택했습니다.제시카 존슨은 드리스콜이 "프로젝트 메이헴과 다르지 않은 운동을 일으키도록 그의 형제들에게 요구하기까지 했다"고 제안했습니다.[128]

파이트 클럽 비디오 게임은 2004년 Vivendi Universal Games에 의해 플레이스테이션 2, Xbox 및 휴대폰용으로 출시되었습니다.이 게임은 중대한 상업적 실패였으며, 게임스팟, 게임 인포머, IGN과 같은 출판물과 웹사이트들에 의해 기획되었습니다.[129][130][131]2000년 세가의 드림캐스트 콘솔용으로 처음 출시된 비디오 게임 제트 세트 라디오는 이 영화의 반체제적인 주제에서 영감을 얻었습니다.[132]

2003년, Fight Club은 Men's Journal에 의해 "역대 최고의 남자 영화 50편"에 선정되었습니다.[133]2004년과 2006년, Fight Club은 엠파이어 독자들에 의해 각각 역사상 가장 위대한 영화 8위와 10위로 뽑혔습니다.[134][135]토탈 필름은 잡지 창간 10주년이 되던 2007년 파이트 클럽을 "우리 생애 가장 위대한 영화"로 선정했습니다.[136]2007년 프리미어는 타일러 더든의 대사 "파이트 클럽의 첫 번째 규칙은 당신은 격투 클럽에 대해 말하지 않는 것입니다"를 역대 27번째 위대한 영화 대사로 선정했습니다.[137]2008년, 엠파이어의 독자들은 타일러 더든을 위대한 영화 캐릭터 100인 목록에서 8위에 올렸습니다.[138]엠파이어는 또한 2008년 발행한 "역사상 가장 위대한 영화 500편"에서 "파이트 클럽"을 역사상 가장 위대한 영화 10위로 선정했습니다.[139]

2010년에는 파이트 클럽의 모습을 담은 두 개의 바이럴 매시업 비디오가 공개되었습니다.페리스 클럽은 파이트 클럽과 1986년 영화 페리스 뷸러 데이 오프의 매시업입니다.이 영화는 페리스를 타일러 더든 역으로, 카메론을 "존 휴즈의 고전 뒤에 숨겨진 진짜 심리적 진실을 보겠다고 주장하는" 내레이터 역으로 묘사했습니다.[140]두 번째 영상인 제인 오스틴의 파이트 클럽은 파이트 클럽의 격투 규칙과 19세기 소설가 제인 오스틴이 만든 캐릭터를 매쉬업해 온라인에서 인기를 얻었습니다.[141]

참고 항목

메모들

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서지학

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