러크 트랙

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웃음 트랙(또는 웃음 트랙)은 관객들의 웃음소리가 담긴 녹음된 코미디 쇼의 별도 사운드 트랙이다.일부 작품에서 웃음은 그 대신 관객들의 생생한 반응이다; 웃음은 가장 흔히 사용되는 미국에서는 보통 이 용어가 프로그램에 삽입되도록 만들어진 인위적인 웃음(캔된 웃음 또는 가짜 웃음)을 내포하고 있다.^{[citation needed]}이것은 미국의 음향 엔지니어 찰스 "찰리" 더글라스에 의해 발명되었다.

더글라스 웃음 트랙은 1950년대 후반에서 1970년대 후반까지 대부분의 프라임 타임 시트콤을 장악하며 미국의 주류 TV에서 표준이 되었다.더글라스 웃음의 사용은 1980년대에 들어서면서 경쟁사 사운드 회사들의 입체적인 웃음뿐만 아니라 싱글 카메라 시트콤의 전반적인 연습이 관객들을 완전히 제거하면서 감소했다.

미국의 역사

라디오

라디오와 텔레비전에 앞서 관객들은 다른 관객들이 보는 앞에서 코미디 라이브 공연을 경험했다.라디오와 초창기 텔레비전 제작자들은 라이브 쇼의 녹음을 사용했고 이후 스튜디오 전용 쇼는 웃음소리나 다른 군중들의 반응을 사운드 트랙에 소개함으로써 이러한 분위기를 재현하려고 시도했다.

플로리다에 있는 WWJB의 전 소유주 잭 아빠스웰은 최초의 "웃는 레코드"^[1]를 만들었다.

1946년 잭 멀린은 50렐의 테이프와 함께 라디오 프랑크푸르트에서 마그네토폰 자기 테이프 레코더를 가지고 돌아왔다. 이 녹음기는 1935년부터 BASF와 AEG가 독일에서 구축한 자기 테이프 레코더 중 하나이다.이 6.5mm 테이프는 고품질 아날로그 오디오 사운드의 릴당 20분을 녹음할 수 있다. 알렉산더 M. 포니아토프는 그 후 그의 Ampex 회사에 무선 생산에 사용할 수 있도록 개선된 버전의 마그넷소폰을 제조하라고 명령했다.^[2]빙크로스비는 결국 매주 일정 시간씩 예정되어 있던 자신의 라디오 프로그램을 사전 녹화하는 기술을 채택하여 라이브로 공연할 필요가 없고, 웨스트 코스트 관객들을 위해 두 번째 공연을 해야 하는 일도 피했다.

이 녹음 방식이 도입되면서 제작 후 소리 추가가 가능해졌다.오랜 엔지니어 겸 레코딩의 선구자 잭 멀린은 크로스비의 쇼에서 이 웃음 트랙이 어떻게 발명되었는지 설명했다.

촌스러운 만화 밥 번즈가 한 때 이 쇼에 출연했는데, 당시 극도의 흥분과 비색깔의 민요 농담 몇 편을 이 쇼에 던졌다.라이브로 녹음을 했고, 모두 엄청난 웃음을 얻었고, 계속 웃기만 했지만, 우리는 그 농담을 사용할 수 없었다.오늘날 그러한 이야기들은 비교적으로 지루해 보이겠지만, 그 당시 라디오에서는 상황이 달랐기 때문에, 각본가 빌 모로우는 우리에게 웃음을 아껴달라고 부탁했다.몇 주 후에 그는 별로 재미있지 않은 쇼를 했고, 그는 우리가 웃음을 지어야 한다고 주장했다.이리하여 웃음거리가 탄생했다.^[3]

미국 조기 생방송, 영화, "달콤한"

초창기 텔레비전에서는 생방송이 되지 않은 대부분의 쇼들이 싱글 카메라 영화 제작 기법을 사용했는데, 이 기법은 각 장면을 서로 다른 카메라 각도에서 여러 차례 촬영하여 쇼를 만들었다.^[3]배우와 제작진의 공연을 통제할 수 있는 반면, 라이브 관객들은 "정확한" 순간을 비웃을 수 없었다. 다른 때에는 관객들이 너무 크게 웃거나 너무 오랫동안 웃었다고 여겨지기도 했다.^[3]

CBS 사운드 엔지니어 찰리 더글라스는 이러한 모순을 알아차렸고, 상황을 바로잡기 위해 스스로 착수했다.^[4]농담이 원하는 킥킥을 얻지 못하면 더글라스는 웃음을 더하고, 생방송 청중이 너무 오래 킥킥거리면 더글라스는 점점 더 구파를 침묵시켰다.이 편집 기법은 감미로운 것으로 알려지게 되었는데, 이 기법은 실제 스튜디오 관객들이 원하는 만큼 강하게 반응하지 않을 경우 웃음소리를 녹음하여 반응을 높이는 데 이용된다.^[4]반대로, 이 과정은 원치 않는 큰 웃음을 줄이거나 부적절한 박수갈채를 제거하여 관객들의 반응을 "달콤하게" 하기 위해 사용될 수 있어, 제작자가 선호하는 이야기 전달방법에 따라 웃음을 더 많이 만들 수 있다.^[5]

Douglass는 CBS에서 일하는 동안, 가벼운 웃음의 녹음이 담긴 테이프 릴을 바깥 가장자리에 붙여 지름 28인치 크기의 커다란 나무 바퀴로 구성된 시제품 웃음 기계를 만들었다.이 기계는 바퀴의 또 다른 멈춤쇠에 부딪힐 때까지 작동하는 열쇠로 작동되어 완전한 웃음을 자아냈다.회사 시간에 맞춰 건설되었기 때문에, CBS는 더글라스가 그들과 함께 시간을 보내기로 결정하자 이 기계의 소유권을 요구했다.그 시제품 기계는 사용 후 몇 달 만에 산산조각이 났다.^[6]더글라스는 1953년 녹음된 라이브 사운드 트랙(주로 레드 스켈튼 쇼의 판토마임 부분에서 웃음과 박수갈채를 이끌어내기 시작했으며, 그 후 녹음된 소리를 거대한 테이프 기계에 넣었다.

이러한 녹화된 웃음은 싱글 카메라 촬영 프로그램에 추가될 수 있다.웃음 트랙을 접목시킨 첫 미국 TV 쇼는 1950년 시트콤 <행크 맥쿤 쇼>였다.The Pride of the Family (ABC, 1953–54)와 같은 다른 싱글 카메라 쇼는 곧 이어졌지만,^[7] The Trouble with Father (ABC, 1950–55)와 The Beulah Show (ABC, 1950–52) 그리고 The Goldbergs (여러 방송사, 1949–56)와 같은 여러 편의 영화들은 관객이나 웃음 트랙을 보여주지 않았다.영화 '포스타 플레이하우스'는 공동제작자인 데이비드 니븐이 "무차별적인 웃음거리"라며 "만일 그런 생각이 떠오르면 블랙홀로 만들겠다"고 말하는 등 가끔 벌어지는 코미디 에피소드에는 웃음트랙이나 관객들을 활용하지 않았다.그렇진 않을 거야.우리는 기계적인 속임수 없이 계속할 것이다."^[8]

멀티 카메라 쇼

웃음 트랙이 부상한 직후 루실 볼과 데시 아르나즈는 복수의 필름 카메라 세트를 이용해 라이브 관객과 함께 촬영하는 방법을 고안했다.이 과정은 원래 그들의 시트콤 '아이 러브 루시'에 고용되었는데, 이 시트콤은 라이브 스튜디오 청중을 이용했고 웃음 트랙은 없었다.^[4]생방송 관객이 있는 멀티 카메라 쇼는 때때로 반응을 보충하기 위해 녹음된 웃음을 사용하기도 했다.스케치 코미디와 버라이어티 쇼는 결국 생방송에서 비디오테이프로 옮겨갔는데, 이것은 프로그램이 방송되기 전에 편집을 허용했다.전자 더빙이 도착하기 전에 테이프로 녹음된 청중 쇼를 물리적으로 편집하는 것은 사운드 트랙에 요철과 틈새를 야기시켰다;^[9] 그리고 나서 더글라스는 이러한 틈새를 메우기 위해 요청되었다.

공연자와 제작자 모두 사전 녹음된 웃음 뒤에 숨겨진 힘을 점차 깨닫기 시작했다.^[5]코미디언 밀턴 베를은 초기 제작 후 편집회를 목격한 자리에서 특정 농담을 지적하며 "우리가 여기 있는 한 그 농담은 우리가 원하는 반응을 얻지 못했다"고 말한 바 있다.두글라스가 실패한 농담에 이어 진심 어린 웃음을 삽입하자 베를레는 "알겠나?내가 웃기다고 했잖아."^[3]밥 호프와 함께 텔레비전 특집 중 하나를 작업하던 중, 코미디언은 더글라스의 손을 스스로 잡고 문지르기 시작했는데, 더글라스의 손가락을 절룩거리며 "좋아, 이제 나에게 좋은 웃음을 줘"^[10]라고 말하는 효과를 만들어냈다.

1960년대

미디어가 진화하면서 생방송 TV와 관련된 제작비가 증가하였다.아이러브 루시나 에드 설리번 쇼가 그랬던 것처럼 관객과 함께 스튜디오에서 촬영하는 것에도 한계가 있었다. 절반의 관객은 그들이 앉아 있는 곳에서 쇼를 볼 수 없었다.더글라스는 전체 쇼가 진행되는 동안 처음부터 반응을 시뮬레이션하기 위해 도입되었다.^[10]제작자들은 곧 관객이 없는 상태에서 쇼를 촬영하고, 제작 후 반응을 조절하는 것이 얼마나 간단한 일인지 깨달았다.감독들은 처음에는 반응을 삽입할 공간을 허용하지 않아 감미로운 감미가 어려웠고 결국 대화가 익사되는 결과를 낳았다.웃음은 억지스럽거나 억지스럽다고 반복해서 말하는 관객 응답 카드가 돌아왔다.^[10]작가들은 점차 웃음트랙에 필요한 공간을 의식하게 되었고, 그 주위에서 대본의 타이밍을 맞추기 시작했다.감독들은 점차적으로 전례 없는 관객들의 반응을 위한 여지를 남겼다; 제작자들은 더글라스를 더 쉽게 편집할 수 있도록 사후 제작에 예산을 책정했다.^[5]

1950년대와 1960년대에 제작된 대부분의 텔레비전 시트콤은 싱글 카메라 기법을 사용했는데, 이 기법은 부재중인 시청자들을 시뮬레이션하는 웃음 트랙과 함께 사용되었다.^[7]제작자들은 멀티 카메라 형식에 환멸을 느끼게 되었다; 그 당시 합의된 것은 라이브 관객들이 긴장하고 긴장하고, 동시에 거의 웃지 않는다는 것이었다.^[11]

호건스 히어로즈

네트워크 조사 결과 싱글 카메라 쇼를 코미디로 낙인찍기 위해서는 웃음 트랙이 필수라는 주장이 나왔다.웃기는 곡으로 코미디가 더 잘 어울렸는지 알아보기 위한 실험은 CBS가 새 싱글 카메라 시트콤 호건의 히어로즈를 선보이면서 1965년 테스트되었다. 하나는 웃기는 곡이 있고 다른 하나는 없는 두 가지 버전으로 관객들을 테스트하기 위해서였다.부분적으로 쇼의 유머의 다소 뇌적인 성격 때문에, 웃음 트랙이 없는 버전은 실패했고, 웃음과 함께 하는 버전은 성공하였다.이 쇼는 웃음 트랙과 함께 방송되었고, CBS는 이후 모든 코미디를 위해 웃음 트랙을 활용했다.^[3]

시트콤은 스타일에 따라 사운드트랙으로 편집된 다양한 종류의 웃음 트랙을 가지고 있었다.허니치, 문스터즈, 아이 드림 오브 지니, 비벌리 힐빌리스와 같은 이국적인 혹은 판타지 쇼는 더글라스의 편집 기술을 가상으로 보여주는 쇼케이스였다.쇼가 이상할수록 웃음 트랙은 더 침습적이다.반대로, '앤디 그리피스 쇼', '브래디 번치', '마이 세 아들스'와 같은 가라앉은 프로그램들은 더 많은 웃음소리를 냈다.Get Smart와 같은 특정 쇼는 시리즈가 진행될수록 더욱 침습적인 웃음 트랙을 선보였고,^[10] M*A*S*H와 같은 쇼는 시리즈가 더욱 드라마틱해질수록 웃음을 누그러뜨렸다(수술실 장면에서는 전혀 없었다).

1960년대 중반까지 거의 모든 미국 시트콤이 싱글 카메라로 촬영되었고 웃음 트랙이 설치되었다.조이 비숍 쇼, 딕 반 다이크 쇼, 루시 쇼와 같은 소수의 프로그램들만이 스튜디오 관객들을 이용했고 감미료를 통해 진짜 웃음을 편집하거나 증가시키기 위해 더글라스로 눈을 돌렸다.^[5]

찰리 더글라스와 신비로운 "라프 박스"

1950년대 말부터 1970년대 초까지 찰리 더글라스는 비싸고 고통스러운 웃음 사업을 독점했다.^[12]1960년까지 미국의 거의 모든 프라임 타임 쇼가 더글라스에 의해 달콤해졌다.'웃음을 지닐 시간'이 되자 제작자는 더글라스에게 요청된 웃음의 종류와 종류를 어디에, 언제 삽입할지를 지시했다.^[13]불가피하게 더글라스와 프로듀서 사이에 이견이 생겼지만 PD는 최종 입장을 밝혔다.^[13]그의 지시를 받은 후, 더글라스는 프로듀서나 스튜디오에 있는 다른 누구에게서도 보이지 않는 관객들을 창조하기 위해 일하기 시작했다.^[13]

비평가 딕 홉슨은 1966년 7월 TV 가이드 기사에서 더글라스 가족은 "마을에서 유일한 웃음 게임"이라고 평했다.^[13]업계에서는 더글라스가 자신의 작품에 대해 비밀로 악명 높았고 ^[14]텔레비전 업계에서 가장 화제가 되는 인물 중 한 명이었기 때문에 더글라스가 그의 발명품을 사용하는 것을 본 사람은 거의 없었다.^[11]

더글라스는 1960년 8월 노스리지 일렉트로닉스(Northridge Electronics)를 설립해 더글라스 가족이 거주하던 샌 페르난도 계곡의 로스앤젤레스 교외에서 이름을 따 창고에 자물쇠가 채워진 차고에서 사업을 운영했다.^[13]그들의 서비스가 필요할 때, 그들은 그 장치를 편집실에 넣고 플러그를 꽂은 다음 일하러 갔다.^[13]제작 스튜디오는 더글라스가 제작 후 웃음을 섞기 위해 스튜디오에서 스튜디오로 밀폐하는 모습을 보는 데 익숙해졌다.^[12]

업계에서 다정하게 "라프 박스"로 알려진 이 정교한 한 종류의 기기는 자물쇠로 단단히 고정되어 있었고, 높이가 2피트 이상이었으며, 장기처럼 작동했다.내부가 실제로 어떤^[13] 모습인지 직계 가족만이 알고 있었다(한때 '라프박스'는 '세계에서 가장 많이 찾았지만 잘 짜인 상자'^[11]로 불렸다).더글라스 가족 중 한 명 이상이 편집 과정에 관여했기 때문에, 한 멤버가 다른 멤버와 다른 농담에 반응하는 것은 당연했다.찰리 더글라스는 그 중에서도 가장 보수적이어서 제작자들은 종종 찰리의 아들 밥의 웃음 선택에 있어 더 자유분방한 입찰을 하기도 했다.^[13]미묘한 텍스트 변화는 웃음 트랙에 의해 제시된 윤리적 상황에 엄청난 결과를 가져올 수 있다.^[15]

더글라스는 키보드를 사용하여 웃음의 스타일, 성별, 나이를 선택하고 반응의 시간을 재는 페달을 사용했다.기계 안에는 다양한 종류의 킥킥, 요크, 배꼽 웃음들이 녹음되어 있었다; 정확히 32개의 테이프 루프에 정확히 320개의 웃음들이 있었다.각각의 루프에는 10개의 개별 관객들의 웃음소리가 끝에서 끝까지 가미되어 있었고, 동시에 큐를 기다리며 빙글빙글 돌았다.^[13]테이프가 꼬여 있었기 때문에 웃음은 같은 순서로 반복해서 흘러나왔다.음향 기술자들은 시트콤을 시청할 수 있었고, 비록 그들이 처음으로 에피소드를 보고 있더라도 다음에 어떤 반복적인 구포가 나올지 정확히 알 수 있었다.더글라스는 길거나 짧거나 다른 웃음들을 자주 결합했다.그가 좀 더 다양한 관객의 효과를 주기 위해 함께 킥킥을 섞기로 결정했을 때, 세심한 시청자들은 주목할 수 있었다.^[11]웃는 청중의 단순한 녹음이라기 보다는 더글라스의 웃음은 조심스레 생성되고 뒤섞여 웃음을 자아내 '조기를 일찍 듣는 남자' '주부님이 낄낄 웃는다' '농담은 듣지 못했지만 어쨌든 웃고 있는 남자' 등 세부적인 정체성을 부여해 실제 청중의 환심을 자아냈다.문제의 쇼에 연연하다남자의 깊은 웃음은 새 여자의 웃음으로 바뀌거나, 고음의 여자의 킥킥거리는 소리가 남자의 킥킥거리는 소리로 바뀌곤 했다.^[11]한 프로듀서는 높은 음의 비명 때문에 "정글 아가씨"라고 부르는 한 여성의 반복되는 웃음을 알아챘다.더글라스에 정기적으로 불만을 토로한 뒤 웃음은 정규 라인업에서 물러났다.^[13]

루프에는 30초짜리 '타이틀' 트랙도 있었는데, 이 트랙은 개별 사람들이 조용히 웃고 있는 것으로 구성되었다.이 "제목" 트랙은 웃음을 가라앉히는 데 사용되었고 항상 뒤에서 연주하고 있었다.더글라스가 진심 어린 웃음을 삽입하자 티터 트랙의 볼륨을 높여 마지막 믹스를 부드럽게 했다.이 티터 트랙은 1967년에 45초로, 이후 1970년에 60초로 확대되었고, 1964년, 1967년, 1970년에 오버홀을 받았다.더글라스는 시청자들이 시간이 지남에 따라 진화했다고 믿으며 몇 달마다 사소한 변화를 일으키며 녹음을 신선하게 유지했다.^[13]더글라스는 또한 좌석에 앉아 있는 사람들(^[13]많은 프로듀서들이 끊임없이 들을 수 있다고 주장하면서)뿐만 아니라, "오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오오

더글라스는 자신이 직접 정리했듯 자신의 소재를 잘 알고 있었다.그는 수십 개의 반응을 보였고, 각 반응을 어디서 찾아야 할지 알고 있었다.더글라스는 규칙적으로 웃음의 속도를 약간 높여 효과를 높였다.그의 작품은 텔레비전 업계에서 많은 사람들에게 인정받았다.^[14]수년 동안 더글라스는 새로운 음반들을 추가했고 은퇴한 후 새로운 트랙을 은퇴했던 오래된 음반들을 되살렸다.1960년대 초 시트콤에서 들은 웃음은 몇 년 후 1970년대 후반에 다시 나타났다.^[14]한 번에 최대 40개의 서로 다른 웃음 클립을 조합하고 레이어드할 수 있어 나중에 같은 웃음소리가 개별적으로 들릴 때 더 크고 더 큰 반응의 효과를 낼 수 있다.^[16]더글라스는 또한 다른 문화권에서 온 사람들의 웃음의 예도 포함했는데, 그들의 소리는 미국인과 눈에 띄게 달랐다.^[16]

더글라스의 '라프박스'는 2010년 주인이 자신이 보관돼 있던 보관함 임대료를 내지 않아 경매에 부쳐졌다.그것은 나중에 논의되었고, 그 가치가 1만 달러로 평가된 캘리포니아 샌디에이고의 2010년 6월 앤티크 로드쇼의 에피소드에서 시연되었다.^[17]

만화와 어린이 쇼

이 웃음 트랙은 로키와 불윙클 쇼(ABC, 1959–61; NBC, 1961–64)를 시작으로 일부 프라임 타임 애니메이션 텔레비전 시리즈에도 사용되었으나, 시리즈의 첫 4회에만 사용되었다(아래 논란 참조).한나-바르베라는 플린트스톤 (ABC, 1960–66), 탑캣 (ABC, 1961–62), 더 젯슨 (ABC, 1962–63)을 포함한 1970년까지의 프라임 타임 쇼에 완전한 웃음 트랙을 사용했다.한나-바르베라의 한여름 시트콤 '허들즈는 어디 있지?'(CBS, 1970)는 물론 크레이오 크레스톤과 MCA의 칼빈과 대령(ABC, 1961–62)도 웃음 트랙을 사용했다.'바나나 스플릿 어드벤처 아워'(NBC, 1968–70)와 같은 한낮 프로그래밍이 점차 그 뒤를 이었다.1968년부터 1983년까지 토요일 아침 장르를 위해 제작된 대부분의 코미디 만화에는 1968년 영화 '더 아치쇼'를 시작으로 웃음 트랙이 설치되었다.랭킨바스, 데패티-프레렝 엔터프라이즈(DFE), 한나-바르베라가 그 뒤를 이었다.더글라스의 웃음이 텔레비전 업계에서 불필요해지자, 애니메이션 스튜디오는 결국 1980년대 초까지 웃음 트랙을 포기했다.영화 '길리건의 행성'(CBS, 1982–83)은 웃음 트랙을 포함하는 토요일 아침의 마지막 애니메이션 시리즈였다.

'바나나 스플릿'이 한낮에 상영되었기 때문에, 스쿠비-두, 어디 있니!(CBS, 1969–70)는 1969년 더글라스의 웃음 트랙을 이용한 한나-바베라의 첫 토요일 아침 쇼가 되었다.그 성공 이후, 한나-바르베라는 할렘 글로베트로터 (CBS, 1970–71)와 조시와 푸시캣 (CBS, 1970–71)을 포함한 1970-71 시즌의 거의 모든 쇼로 웃음 트랙을 확장했다.

핑크 팬더 쇼(NBC, 1969-1978; ABC, 1978-1980)는 또래들 사이에서 이례적인 일이었다.이 쇼는 일련의 30분짜리 쇼케이스로 편찬된 이전의 연극 출품작들로 구성되었는데, 여기에는 '감리관', '롤랜드'와 '랫핑크', '개미'와 '애드박', '티후아나 두꺼즈(멕시코 인종의 고정관념으로 인식되어 텔레비전의 '텍사스 두꺼즈(멕시코 인종 고정관념으로 인식되어 텔레비전의 경우 '텍사스 두꺼즈'로 축소되었다.원작의 연극판에는 웃음소리가 들어 있지 않았지만 NBC는 텔레비전 방송에 포함시킬 것을 주장했다.사운드트랙은 1982년 DFE 연극 패키지가 신디케이션에 들어가면서 원형으로 복원되었다.수년 동안 재포장을 한 결과, 이 작품들의 연극 버전과 텔레비전 버전이 모두 이용 가능하게 되었다.예외는 텔레비전을 위해 특별히 제작되었고 극적으로 다시 개봉되지 않아 웃음 전용 버전이 된 미스터조, 크레이지레그 크레인이었다.^[18]

영화 제작자 시드와 마티 크로프트가 그 뒤를 이었다.1969년 H.R. Pufnstuf에서 제작이 시작되었을 때, 집행 프로듀서 Si Rose는 웃음 트랙이 없는 어떤 코미디를 핸디캡으로 보고, Kroffts가 Pufnstuf에 하나를 포함하도록 설득했다.푸프네스푸프 이후, 크롭츠는 부갈루, 리스빌, 지그문트와 바다 몬스터, 잃어버린 받침접시, 먼 우주 견과류 등 토요일 아침 텔레비전용으로 제작된 모든 쇼에서 더글라스의 서비스를 이용했다.하이콘셉트 아동 프로그램에서 라이브 버라이어티 쇼로 전환할 때, 크롭츠는 감미료로 더글라스를 계속 고용했다.도니와 마리, 브래디 번치 버라이어티 아워, 크로프트 수퍼쇼, 크로프트 슈퍼스타 아워, 핑크 레이디와 제프, 바바라 맨드렐과 맨드렐 시스터즈, 프라이어스 플레이스, 1987년 신디케이트 시트콤 디씨 등이 출연했다. 어리석은 짓이다.

토요일 아침 시리즈에 웃음 트랙을 사용하는 것이 보편화되자, 더글라스는 결국 그의 도서관에 몇몇 아이들의 웃음을 더했다."Kiddie laughs", as they are known, first saw use for sweetening for the 1973 syndicated television special, The World of Sid and Marty Krofft at the Hollywood Bowl, but were soon heard on most Saturday morning kids' shows by 1974, such as Uncle Croc's Block, Sigmund and the Sea Monsters, The Pink Panther Show, The Lost Saucer and Far Out Space Nuts.^[3]

현재 디즈니 채널이 제작한 시트콤과 스튜디오에서 제작한 웃음 트랙은 주로 라이브 관객들 앞에서 녹화된다.^[19]디즈니의 최고 경쟁사인 니켈로디언은 라이브 관객석에 맞는 원래 스튜디오 시설을 닫은 이후 아이칼리, 빅토리우스와 같은 쇼에 웃음 트랙을 이용한다.

그들만의 것을 만드는 것

1970년까지, 더글라스의 웃음 사업은 너무 수익성이 좋아서 그는 그의 서비스에 대한 요금을 올리기로 결정했다.그러나 시트콤과 달리 만화영화는 주로 저예산으로^[20] 제작되었고 스튜디오는 비용을 줄일 수 있는 기회를 찾았다.한나-바르베라와 란킨-바스는 1971년부터 더글라스와 거리를 뒀다.그들은 여전히 웃음 트랙이 필요하다고 느꼈기 때문에 다양한 수단으로 더글라스의 킥킥 몇 개를 추출하기 시작했고 그들만의 웃음 트랙을 정리했다.이러한 관습적인 웃음소리는 논쟁의 여지가 있었고, 동시대인들과 역사가들은 이러한 노래의 사용에 대한 감성과 현실성에 의문을 제기했다.^[11]

이러한 추세에도 불구하고, 필름레이션, 드패티 프롤렝 엔터프라이즈, 시드 & 마티 크롭 텔레비전 프로덕션은 토요일 아침 콘텐츠로 더글라스의 서비스를 여전히 유지했다.^[11]

한나바르베라

Hanna-Barbera는 더글라스의 서비스를 중단한 최초의 만화 제작 스튜디오였다.그들은 플린트스톤, 탑캣, 젯슨과 같은 프라임 타임 쇼에 처음으로 웃음 트랙을 사용했다.그리고 나서 그들은 1968년 영화 'The Archies'를 모방했던 '바나나 스플릿'을 시작으로 웃음 트랙을 주간 요금으로 확대했다.1971년 이전의 성공적인 시리즈는 스쿠비-두, 어디있니!, 할렘 글로베트로터, 조시와 푸시캣은 완전한 웃음 트랙을 사용했다.이것은 1971-72 시즌이 시작되면서 바뀌었는데, 한나-바베라가 그들의 제한된 웃음 트랙을 사용했을 때, 맥켄지 리피터 기계는 회전할 때 최대 5개의 소리 효과를 반복 재생할 수 있는 테이프 기계로,^[21][22] 이것은 5개의 더글라스가 반복적으로 웃게 했다.금속성 소리와 섞여서 세 번의 가벼운 웃음과 두 번의 걷잡을 수 없는 배꼽 웃음(한 가지는 꼬리 끝에서 두드러지게 웃는 여자를 포함한다)을 포함했다.그들이 감미료로 더글라스로 잠시 눈을 돌린 <한나-바베라 해피 아워>와 같은 그들의 버라이어티 쇼를 제외하고, 한나-바베라는 토요일 아침 식사 요금의 거의 모든 것에 대해 다음 10년 동안 정기적으로 이러한 웃음을 사용했다.^[14]

Hanna-Barbera의 웃음 트랙은 또한 몇몇 텔레비전 특별 프로그램에도 영향을 미쳤는데, 그들 중 상당수는 ABC 토요 슈퍼스타 무비 (ABC, 1972–74)에서 나온 것으로 희망찬 새로운 코미디 만화 쇼의 쇼케이스 역할을 했다.^[11]때때로, 스튜디오는 더 큰 효과를 위해 웃음의 트랙을 늦췄다; 이것은 뉴 스쿠비 두 무비 영화들의 두 번째 시즌을 위해 이루어졌다.^[11]

한나-바르베라는 1972년 Wait Till Your Father Gets Home을 제작할 때도 한정된 웃음 트랙을 사용했다.배꼽을 더 웃게 한 이 웃음 트랙은 제작 과정에서 눈에 띄게 느려졌다(Wait Train Your Father Gets Home은 한나-바베라가 제작한 유일한 텔레비전 시리즈로 그 특정한 배꼽 웃음 트랙을 포함했다).^[11]

토요일 아침 한나-바베라 웃음 트랙을 보여주는 쇼들:

프라임 타임 스페셜/TV 영화:

한나-바르베라 웃음 트랙은 1981-82년 텔레비전 시즌 이후 중단되었다.

1994년, 웃음트랙 역사학자와 믹서 폴 아이버슨은 한나-바르베라 트랙의 유산에 대해 다음과 같이 논평했다.

한나 바버라 웃음 트랙은 더글라스의 작품이 할 수 있었던 것보다 더 나쁜 평판을 주기 위해 더 많은 일을 했다.10년 동안 똑같은 5회 정도의 웃음을 반복해서 사용한다고 해서 시청자가 아무리 젊다고 해도 눈에 띄지 않게 지나가지 않는다.

Iverson은 다음과 같이 덧붙였다.

우주에서 조시와 푸시캣의 에피소드를 조시와 푸시캣과 함께 보는 것 만으로도 고통스러울 정도로 명백하다.한나-바르베라처럼 강력한 회사가 토요일 아침의 대부분을 사실상 소유했다는 사실이 너무나 오랜 기간 동안 그렇게 열등한 웃음 트랙을 더빙함으로써 그들의 청중들을 그렇게 대수롭지 않게 여긴다는 것은 부끄러운 일이다.^[11]

랭킨/바스

크리스마스 특집으로 가장 잘 기억되는 애니메이션 스튜디오 랭킨/바스 또한 1971년 토요일 아침 애니메이션 시리즈인 '잭슨 파이브'에 웃음 트랙을 맞추는 실험을 했다.한나-바르베라처럼 랭킨/바스는 더글라스의 도서관에서 몇 개의 통조림 처클을 분리해 사운드 트랙에 삽입했다.웃음은 처음에는 큰 폭발로만 구성되어 있었다; 가벼운 농담은 부자연스러운 웃음소리를 내었고, 다른 때, 웃음은 중간에 터졌다.이 스튜디오는 1972년 The Osmonds에서 제작이 시작될 무렵에 더글라스의 1971–1972년 도서관에서 도태된 더 변조된 웃음을 사용하여 공정을 개선했다.웃음은 잭슨 파이브처럼 중간중간 터지지 않았고 타이밍은 랭킨/바스 사운드 엔지니어들에 의해 향상되었다.한나-바르베라의 웃음 트랙과 달리 랭킨/바스는 더 다양한 웃음을 선사했고 금속성처럼 들리지 않았다.^[11]

스튜디오는 두 시리즈의 제작이 끝나자 연습은 끝났다.^[11]

Jim Henson & Associates:머펫 쇼

이전의 두 "침묵한" 조종사들과는 달리, 머펫 쇼 시리즈는 자체적인 웃음 트랙을 쇼에 포함시켰지만 전혀 다른 방식으로; 이 버라이어티 프로그램이 보드빌을 모델로 했기 때문에, 관객들은 종종 무대 위에서 극장 관객들과 머펫의 익살스러움에 대한 그들의 반응을 엿볼 수 있었다.머펫 문자로도 구성됨).^[23]

이 쇼가 영국의 ATV 엘스트리 스튜디오에서 제작되었을 때, 짐 헨슨과 그의 머펫 제작팀은 더글라스의 익숙한 웃음을 우회했다.처음 몇 회 동안 새로운 웃음과 킥킥, 박수 소리가 녹음되어 신선하고 새로웠다.이 웃음들 중 일부는 실제 출연자들과 제작진들이 에피소드들의 일지에 반응하여 제공했고, 결국 머핏 쇼는 그들만의 독특한 웃음 트랙을 구축하면서 나중의 쇼를 위해 이 같은 웃음들을 재활용하기 시작했다.이 설득력 있는 웃음 트랙의 부산물은 시청자들이 머펫 쇼를 실제로 생방송 관객들 앞에서 녹화했다는 믿음이었고, 일부는 테이핑에 참석하기 위한 티켓을 요청하기도 했다; 헨슨의 아들 브라이언은 사람들이 생방송 관객들 앞에서 이 쇼가 촬영되었다고 믿는 것이 얼마나 이상한 일이라고 생각하는지 언급했다.헨슨 자신은 제작 복잡성(NBC 시트콤 ALF 역시 웃음 트랙만을 제작하고 활용하기 어려웠음)을 감안할 때 생방송 관객이 있는 것이 비현실적이라는 것을 알고 있었다. 또한 그는 시리즈의 베우데빌 영감 때문에 웃음소리를 내는 것이 필수적이었다고 언급하지만, 그것이 쉬운 일이 아니었다는 것을 인정한다. "나는 몇몇의 시청자들을 본다.초창기 공연 중, 정말 창피하다.감미로운 감미로운 모습은 나중에야 좋아졌지만, 잘 하는 것도, 관객들이 웃는 현실을 만들어 내는 것도 항상 어려운 일이라고 말했다.^[23]헨슨 자신은 처음에 머펫 시리즈에 웃음 트랙을 추가하는 것에 대해 걱정했고, 나중에 파일럿 에피소드가 웃음 트랙이 없는 것에 대해 언급하면서, "웃는 트랙 없이, 특별한 드라이를 한 번 해봤는데, 그 트랙에 웃음 트랙을 추가해 봤더니, 아쉽지만, 그것은 쇼를 더 재미있게 만든다."^[23]라고 말했다.

다양한 머펫 캐릭터나 게스트 스타들이 네 번째 벽을 깨고 웃음 트랙의 사용을 인정했다.시리즈 4회에서 '개구리 커밋'은 게스트 루스 버지로부터 개그나 일상이 이 쇼에 충분히 재미있다고 느끼냐는 질문을 받았는데, 루스 버지는 카메라를 향해 돌아서며 "그것은 웃음 트랙에 달렸다"고 답했다.게스트 스티브 마틴이 출연하는 시즌 2 에피소드는 새로운 연기 오디션을 위해 그 쇼가 취소되었다는 개념을 뒷받침하기 위해 웃음 트랙을 완전히 피했다; 유일하게 들리는 웃음은 머펫 연주자들의 그것들 뿐이었다.^[24]

1981년 머핏 쇼가 끝난 후, 대부분의 머핏 프로젝트는 영국에서 상업적인 ATV 프랜차이즈가 소멸되고 쇼에 자금을 댄 루 등급 경은 더 이상 텔레비전에 관여하지 않아 미국에서 제작되었다.그 후, 머펫 후 쇼의 요금은 관객들의 반응을 위해 더글라스로 돌아섰다; 판타스틱 미스 피기 쇼와 머펫: 30년의 축하와 같은 한 번의 특별 행사들은 더글라스의 아들 로버트가 그의 아버지의 은퇴를 따라 노스리지 일렉트로닉스를 운영하면서 모든 관객을 동원했다.로버트 더글라스는 또한 디즈니의 실패한 머펫 쇼 리부팅인 머펫 투나잇을 위해 관객들을 조정했다.^{[citation needed]}

1970년대; 라이브 관객의 컴백

비록 1960년대에 통조림 웃음의 사용이 최고조에 달했지만, 몇몇 쇼는 여전히 멀티 카메라의 전통을 유지했다.1967년 데시 아르나즈는 데실루 스튜디오의 라이브 관객 앞에서 녹음된 <어머니들>(NBC, 1967–69)을 제작하였으며, 이후 제작에서 감미로운 연주가 펼쳐졌다.^[25]1년 후, The Good Guys (CBS, 1968–70)는 같은 형식을 따랐다.그러나 위치의 생산 변화는 첫 시즌의 남은 기간 동안 웃음 트랙만을 사용하여 완전히 싱글 카메라로 다시 전환하게 했다.이는 시즌 2까지 이어졌고, 1970년 낮은 시청률이 취소로 이어졌다.^[26]

1970년대는 시골에 기반을 둔 쇼(예: The Beverly Hillbillies, Green Ackers, Mayberry RFD)의 감소와 사회 의식 프로그래밍(All in the Family, M*A*S*H, Maude 등)의 증가로 시작되었다.그 결과로 인해 루실 볼이 주연을 맡았고 새로운 주제에 대한 시제품 역할을 한 Here's Lucy(CBS, 1968–1974)와 궁극적으로는 The Mary Tyler Moore Show(^[27]CBS, 1970–77)를 시작으로 라이브 관객들의 복귀도 촉진되었다.이 시리즈의 파일럿 에피소드인 "Love is All Around"는 처음에 싱글 카메라 방식으로 촬영되었다.그 결과는 무어나 제작자들에게 만족스럽지 못했고, 그는 그 후 복수의 카메라로 바꾸기로 결정했다.첫 몇 회가 늦여름에 녹화되었기 때문에 단열 불량과 오디오 불량으로 조종사의 첫 테이핑이 잘 받아들여지지 않았다.그러나 두 번째 테이핑은 더 나은 에어컨과 더 좋은 음질 시스템을 무대에 제공했다.이렇게 해서 비판적인 리셉션이 향상되었고, 그 후 이 쇼는 멀티 카메라 포맷을 사용하였고, 7년 동안 공연하는 동안 큰 성공을 거두었다.^[28]

라이브 관객의 부활이 점차 자리를 잡기 시작했다.더 많은 시트콤들이 싱글 카메라, 영화 스타일의 포맷에서 벗어나 실제 웃음을 선사하는 스튜디오 관객들과 함께 멀티 카메라 포맷으로 되돌아가기 시작했는데, 제작자들은 그것이 더 나은 코믹 리듬을 가지고 있고 그들이 더 나은 농담을 쓰는 것을 도와주기 때문에 더 만족감을 느꼈다.크리에이터 노먼 리어의 올 인 더 패밀리(CBS, 1971–1979)가 1971년에 그 뒤를 이었다.라이브로 녹화되는 리어는 더욱 자발적인 모습을 보였다. 그는 스튜디오 관객들이 공연자처럼 행동하기를 원했고, 두 사람이 서로 친밀한 관계를 맺기를 희망했다.리어는 사전 녹화 관객의 팬이 아니어서, 리어가 실패한 농담을 달랠 수 있는 사치를 누릴 수 있었던 후기 제작 기간에도 웃음 트랙이 채용되지 않았다(후기 시즌에는 다소 의기양양했고, 더글라스가 가끔 웃음을 삽입할 수 있도록 허용했다.^[11]리어의 결정은 이 쇼가 큰 성공을 거두었고, 미국 시트콤 주류에 라이브 관객들이 복귀하는 계기가 되었다.그의 요지를 분명히 하기 위해 매주 폐막 크레딧에 "가족의 모든 것이 생방송 청중 앞에서 테이프에 녹화되었다"거나 생방송 시청자들이 더 이상 이 쇼의 테이핑에 참석하지 않는 마지막 시즌 동안 "가족의 모든 것이 스튜디오 관객들에게 라이브 반응을 위해 재생되었다"^[11]고 선언하였다.

잭 클루그먼과 토니 랜달은 생방송 관객 없이 웃음 트랙을 이용한 '이상한 커플'(ABC, 1970~75)의 첫 시즌에서 불쾌감을 드러냈다.공동 창작자/전임 프로듀서인 개리 마샬도 웃음 트랙을 이용하는 것을 싫어했고, 특히 연극계의 베테랑 랜달은 웃음 트랙이 삽입될 수 있는 충분한 공간을 할당하기 위해 펀치라인 사이에 몇 초를 기다려야 하는 과정을 분개했다.제작진은 '오스카의 새로운 삶' 에피소드와 함께 웃음 트랙을 아예 생략하는 실험을 했다. 웃음 트랙 없이 방영된 에피소드(이후 연속성을 유지하기 위해 신디케이션에 웃음이 추가됐다.)ABC는 2시즌이 되자 '이상한 커플'이 3대의 카메라(전 시즌 카메라 1대)로 촬영되며 스튜디오 관객 앞에서 무대극처럼 공연했다.그 변화는 또한 극장 내에 새로, 더 큰 세트를 제작할 필요가 있었다.^[29]라이브 관객이 참석한 가운데, 랜달과 클루그만은 그것과 함께 오는 자발성을 즐겼다; 놓치거나 끊어진 대사들은 멈추지 않고 지나갔다. (그 대사들은 제작 후 항상 다시 촬영될 수 있다.)게다가 극소수의 제작진만 있는 조용한 스튜디오와는 반대로 더 큰 사운드 무대에 섰기 때문에 배우들이 더 큰 대사를 전달해야 했지만, 첫 시즌에서 빠진 듯한 확실한^[who?] 우위를 보였다.^[30]이후 클루그먼은 "우리는 3일 동안 이 쇼를 리허설했다.우리는 첫날 테이블에 둘러앉았다.우리는 대본을 갈기갈기 찢었다.우리는 농담을 모두 꺼내서 성격을 띠었다.우리가 농담으로 떠나는 유일한 이유는 썩은 웃음 때문이다.나는 그것이 싫었다.나는 집에서 쇼를 보고, 오스카가 들어와서 '안녕'이라고 말하는 것을 보고, 웃음이 터져 나온다.'이봐, 내가 도대체 무슨 짓을 한 거야?'라고 나는 생각한다.나는 그것이 싫다; 그것은 청중들을 모욕한다."^[31]

시트콤 Happy Days (ABC, 1974–84)도 The Odd Couple 시나리오를 미러링했다.그것의 첫 두 시즌은 웃음 트랙만을 사용했고, 세 번째 시즌이 되자 라이브 관중으로 옮겨갔다.^[11]

그러나 이 쇼는 완전히 생방송되지는 않았다.All in the Family를 제외하고, 감미료는 관객들의 반응의 차이를 메우기 위해 여전히 필수품이었다.TV/웃음 역사학자 벤 글렌 2세는 시트콤 앨리스(CBS, 1976–85)를 본 후 감미로운 감미료의 필요성을 언급했다.물론 3, 4번째 테이크에 이르러서는 그 농담은 더 이상 재미있지 않았다.마지막 방송 버전에 더글래스 웃음이 삽입돼 보상을 받았다."^[14]

그러나 제임스 코맥과 같은 일부 프로듀서들은 리어의 접근을 따랐다.재키 쿠퍼 주연의 단명 시트콤 헤네시에 참여했던 코맥은 웃음이 너무 예측가능하고 시트콤 유머의 효과를 저해할 수 있다고 믿으며 더글라스 웃음 트랙의 오랜 비평가였다.^[32]코맥은 대신에 달콤한 웃음을 상쇄하기 위해 음악을 사용했다.그는 이 기법을 <에디의 아버지의 구애>(ABC, 1969–72)에서 실험했는데, 이 기법은 가라앉은 웃음소리가 특징이었다.치코와 맨(NBC, 1974–78), 웰컴백 코터(ABC, 1975–79) 등 코맥이 제작한 멀티카메라 쇼는 장면 전환(감미로운 감미로운 위치) 시 배경음악 신호를 활용, 제작 후 더글라스의 웃음 트랙이 간헐적으로 사용되도록 했다.이후 코맥은 "웃는 트랙 없이 쇼를 하려고 하면 엄청난 차이를 보게 될 것"이라고 평했다.[I]t flattens.웃음 트랙에서 벗어날 수 있는 유일한 방법은 어떤 것이 재미있을 때를 나타낼 수 있는 음악을 이용하는 것뿐이라고 말했다.그는 감미료에 대해 "그러면 그것은 생산자들의 취향에 따라 결정된다 - 생산자들의 도덕성에 의해...잠시 후에, 당신은 그것이 무가치하다는 것을 알게 된다.극단으로 가면 사람들은 그 말을 듣고 '왜 웃고 있지?'라고 말할 것이고, 그러면 그들은 당신의 프로그램을 끄게 될 것이다.^[32]

In addition to The Odd Couple, The Mary Tyler Moore Show and Happy Days, other live sitcoms that were sweetened by Douglass (many of which also sweetened by Pratt by the end of the 1970s) were The Paul Lynde Show (ABC, 1972–73), The Bob Newhart Show (CBS, 1972–78), Maude (CBS, 1972–78), Rhoda (CBS, 1974–78), Barney Miller (ABC, 1975–82), Laverne and Shirley (ABC, 1976–83), Soap (ABC, 1977–81), The Comedy Shop (Syndication, 1978–81), Mork & Mindy (ABC, 1978–82), Taxi (ABC, 1978–82; NBC, 1982–83), Cheers (NBC, 1982–93) and its spinoff Frasier (NBC, 1993–2004).^[11]

캐롤 버넷 쇼, 플립 윌슨 쇼, 딘 마틴 쇼와 같은 1970년대에 두드러지게 된 버라이어티 쇼도 스케치 중 더글래스의 감미로운 농담에 계속해서 더글래스의 감미로운 농담을 사용했다.^[33]

게임 쇼는 1970년대와 1980년대 초반에 달달하게 진행되었는데, 종종 참가자나 진행자가 재미있다고 생각되는 말을 할 때 생방송 청중들로부터 작은 반응만 나올 때 열렸다.척 배리스의 게임쇼(즉, 척 배리스)에서 더글라스의 웃음소리가 특히 많이 들렸다.주로 관객들을 즐겁게 하기 위해 기획된 공쇼와 신혼 게임^[34]; "프리미어"는 종종 초보적인 것이거나 조롱거리가 되었다.^[35]CBS TV 시티와 NBC 스튜디오 버뱅크에서 제작된 게임 쇼도 달달한 반응을 보였으며, 종종 Press Your Luck (Whammy" 부문 중 사용)과 같은 쇼들을 포함하여 관객들의 반응을 격화시켰다.일반적인 게임 쇼의 폐막 크레딧 동안, 이 쇼는 관객들이 크레딧 동안 듣지 못했던 라이브 스튜디오 관객들의 박수 소리를 달랠 수 있도록 환호성과 박수 소리를 사용했다.이는 CBS와 NBC의 주간 게임쇼와 1970년대부터 1990년대까지 일부 신디케이트 게임쇼에서 흔히 볼 수 있었다.NBC 스튜디오 버뱅크에서 녹화되는 게임쇼는 감미로운 감미를 위해 세 가지 다른 박수갈채 트랙을 사용했는데, 하나는 군중이 적은 것, 다른 하나는 중간 규모의 것, 그리고 다른 하나는 쾌활한 남성 관객이 배경인 것 등이다.그러나, 비록 감미로운 것이 드물지만, 많은 키즈 게임 쇼, 대부분의 ABC 게임 쇼, 그리고 "The Price Is Right," "Match Game"과 같은 대부분의 마크 굿슨 빌 토드먼 프로덕션들은 라이브 관객들로 녹화되었다.

여전히 생방송 시청자를 믿지 못하거나, 관객들이 참석하기에 너무 복잡한 쇼를 제작하거나, 싱글 카메라 방식을 선호하거나, 관객들에게 실시간으로 상영하여 반응을 이끌어낼 여유가 없는 프로듀서들이 있었다.이런 경우 더글라스는 웃음 트랙을 처음부터 조율했다.The Brady Bunch, The Partridge Family, M*A*S*H와 같은 시트콤은 전체 상영에 싱글 카메라 방식을 활용했다.^[11]'러브 보트', '8개면 충분해'와 같은 몇 시간짜리 코미디 드라마는 웃음 트랙만 사용했다.^[11]

라이브 필름으로 시작하여 비디오테이프를 통해 스튜디오에서 제작된 프로덕션으로 발전한 이후 몇 년 동안, 더글라스는 단순히 사운드 트랙을 강화하거나 수정하는 것에서 말 그대로 각 공연에 대한 전체 관객의 반응을 맞춤화하여 다시 한 번 퍼포먼스를 강화하고 수정하는 것으로 바뀌었다.라이브 관객들과 함께 녹음을 했다.^[11]

경쟁과 쇠퇴

비록 더글라스가 웃음 트랙을 독점하고 있었지만, 그는 결국 1977년에 다른 소리 엔지니어들이 더글라스의 독특한 웃음과는 다른 웃음 트랙을 제공하기 시작하면서 경쟁에 직면했다.가장 주목할 만한 것은 엔지니어 겸 더글라스 프로제 캐럴 프랫이 자신의 회사인 사운드원을 창업했다는 점이다.^[36]프랫과 그의 형은 1960년대 초부터 더글라스 밑에서 일해왔으나, 생산기술의 진보가 이루어지면서 더글래스의 기술이 뒤처지고 있다는 것을 눈치채기 시작했다.프랫은 수년 동안 계속 사용하다가 더글라스의 테이프가 닳아 없어져 웃음이 터져 나올 때 쉿 하는 소리가 들린다고 말했다.^[6]프랫은 또한 1970년대가 진행됨에 따라 관객들이 시트콤의 유머로 더 성숙하기 시작했으며, 그는 더글라스 또한 그의 침습적인 웃음을 누그러뜨리고 혼합물에 더 조용하고 가라앉은 웃음을 더해야 한다고 느꼈다고 말했다.완고하지는 않았지만, 더글라스는 기계와 기술을 너무 좋아하여 기술을 발전시켜야 한다는 절박함을 느끼지 못했다.프랫은 1976-77년 텔레비전 시즌이 끝난 후 더글라스와 헤어졌고, 더글라스의 것보다 사용이 간단하고 용량이 더 큰 새로운 "라프 박스"^[6]를 만들었다.스테레오 텔레비전의 등장으로 프랫의 스테레오 녹음은 그 오디오 포맷으로 촬영되거나 녹화되는 텔레비전 쇼의 음질과 일치하는 반면, 더글라스는 이전의 모노 아날로그 녹음을 스테레오로 전환하려고 시도했다.^[14]프랫은 좀 더 현실적인(특이하지는 않지만) 반응을 담은 혁신적인 웃음 트랙을 선보였다.프랫의 웃음 트랙은 인지할 수 있는 킥킥도 함께 했지만, 너무 친숙하고 어디서나 볼 수 있게 되어 진부하게 들렸던 더글라스보다 더 조용하고 섬세하다.1977년 M*A*S*H와 더 러브 보트(톤이 더 드라마틱했다) 등 일부 시트콤이 프랫의 웃음 트랙으로 전환하기 시작했다.10년 말까지, Laverne과 Shirley, Happy Days, Feight Is Lought와 같은 많은 라이브와 싱글 카메라 시트콤과 신시내티의 WKRP (CBS, 1978–82), 뉴하트 (CBS, 1982–90)와 같은 78년 이후의 모든 MTM 제작물들 또한 감미로운 과정을 위해 Pratt over Douglass를 선택했다.^[6][14][36]

프랫과의 경쟁은 1977-78 TV 시즌이 끝난 후 더글라스가 도서관을 개조하도록 만들었고, 그의 독특한 웃음의 대부분을 새로운 웃음으로 은퇴시켰으며, 거의 전적으로 그의 극단적인 반응을 살렸다.그의 새롭고 덜 침습적인 녹음과 혼합된 고전적인 시끄러운 구포들의 조합은 중간 정도의 결과를 낳았다.^[14]

시청자들과 텔레비전 비평가들 모두 텔레비전 코미디 시청 경험의 일부로서 웃음소리를 듣는 것이 조건화되었다.《몰리 도드의 낮과 밤》(NBC, 1987–88), 《후퍼맨》(ABC, 1987–89), 《M.D.D.》(ABC, 1989–93)와 같은 쇼는 웃음을 완전히 버린 코미디 드라마로, 그 과정에서 찬사를 받는 언론의 주목을 받았다.^[37]

싱글 카메라 코미디는 1990년대 초부터 미국에서 컴백했지만, 방송사들은 싱글 카메라 쇼의 웃음 트랙이라는 오래된 전통을 대부분 버렸다.이 혁명의 핵심 주역은 HBO로 드림온, 래리 샌더스 쇼와 같은 싱글 카메라 코미디가 웃음 트랙 없이 달릴 수 있도록 했고, 그렇게 함으로써 비판적인 찬사를 받았다.^[38]생방송 또는 웃음 트랙을 불문하고 관객이 없는 싱글 카메라 쇼는 방송망에서도 점점 더 흔해지고 있다.

애니메이션 쇼도 조용해졌는데, 통조림 웃음은 보통 시트콤의 패러디로 사용되는 드문 경우를 제외하고는 말이다.스쿠비두와 같은 웃음 트랙을 사용하던 애니메이션 쇼들은 1990년대까지 웃음 트랙을 완전히 폐기했다.하지만 That's So Raven과 같은 It's a Laugh Productions가 만든 시트콤은 웃음 트랙을 사용한다.^[39]

스위팅은 에미상, 아카데미상, MTV 비디오 뮤직 어워드 같은 라이브 시상식에서 흔히 볼 수 있는 관행이다.무대 위의 마이크는 촬영 중 벌어지는 대화의 양 때문에 생방송 시상식에서 관객이 마이크에 잡히지 않아 독백에 대한 관객들의 웃음과 반응을 제대로 파악하지 못하는 경우가 많다.웃음과 박수갈채가 대중에게 공개되기 전에 감미롭고 편집되거나, 생방송으로 방송될 경우 7초간의 지연을 통해 즉석에서 행해지는 경우가 많다(동일 제작진이 수상자들의 욕설과 논쟁의 소지가 있는 진술을 묵살하는 데도 사용된다).

사라진 공포넷에 독립적으로 제작된 멀티카메라 시트콤인 홀리스톤은 1980년대와 1990년대 인기 시트콤의 모습과 느낌을 따라하기 위해 웃음 트랙을 사용했다.크리에이터 애덤 그린도 향후 라이브 스튜디오 관객 활용에 관심을 나타냈다.^[40]

논쟁, 추세를 거스르다

관객 반응을 흉내내는 관행이 처음부터 논란이 됐다.^[41]침묵하는 소수의 프로듀서들은 미리 녹음된 관객 반응에 대한 생각을 경멸했다.^[11]더글라스는 자신의 '라프박스'가 비평가와 배우들에 의해 오인된 것을 알고 있었지만, 웃음트랙의 사용이 표준 관행이 되었다는 사실도 알고 있었다.^[41]업계 유수의 전문가들은 웃음 트랙이 황금시간대 텔레비전에 꼭 필요한 악이라고 추론했다. 즉, 웃음 통조림 없이는 쇼는 실패할 운명이었다.^[11]관객들의 반응이 전혀 없는 상황에서 미국 시청자들은 코미디나 드라마를 구분할 수 없다고 여겨졌다.^[5]그것이 몇몇이 웃음 트랙을 완전히 포기하는 것을 막지는 못했다.

• 전 아역 스타 재키 쿠퍼는 웃음 트랙이 거짓이라고 믿었다.쿠퍼의 코미디/드라마 헤네시 (CBS, 1959–62)는 3시즌 만에 1962년에 취소되었다.첫 두 시즌 동안, 이 쇼는 가벼운 웃음 트랙만을 사용했고, 세 번째 시즌과 마지막 시즌이 되자, 웃음은 완전히 없어졌다.쿠퍼는 나중에 "우리는 우리 자신의 창조물에 대한 반응을 만들고 있지만, 바깥의 사람들이 정말로 웃고 있는지 결코 알 수 없을 것"이라고 말했다.쿠퍼는 "항상 붙이는 것"^[5]이라고 말하며 결론을 내렸다.
• 1964년 9월, 데니스 위버가 주연한 코미디/드라마 켄터키 존스(NBC, 1964–65)는 웃음을 없애려고 노력했고, 모의실험을 하거나 생방송을 했다.불과 5회 만에 시청률 하락을 거듭한 더글라스는 웃음 트랙을 더하기 위해 영입됐다.켄터키 존스는 다음 4월에 취소되었다.^[42]
• 앨빈과 칩문크스 프랜차이즈를 만든 로스 바그다사리안 시니어는 1961년 더 앨빈 쇼(CBS, 1961–62)에서 제작이 시작되자 웃음 트랙 활용을 전면 거부했다.백다세리안의 추리는 만약 쇼가 재미있다면 시청자들은 자극받지 않고 웃을 것이라는 것이었다.앨빈 쇼는 한 시즌 후에 취소되었다.^[43]
• 피너츠 크리에이터 찰스 M. 슐츠는 휴일에 가장 좋아하는 영화 '찰리 브라운 크리스마스'(CBS, 1965년)의 제작 과정에서 웃음 트랙의 고용을 거절했다.Bagdasarian처럼, 슐츠는 관객들이 언제 웃을지 모르는 상태에서, 자신만의 속도로 쇼를 즐길 수 있어야 한다고 주장했다.CBS 경영진은 최종 제품을 보고 소름이 끼쳤고 특집이 실패작일 것이라고 믿었다(CBS는 슐츠가 마음을 바꿀 경우를 대비해서 웃음 트랙이 추가된 쇼의 버전을 만들었다; 이 버전은 여전히 사용할 수 없다).^{[citation needed]}1965년 12월 9일 스페셜이 처음 방영되었을 때, 그것은 기습적으로 비판적이고 상업적인 히트를 쳤다.이러한 성공으로 후속 피너츠 스페셜은 모두 웃음 트랙이 없는 상태로 방송되었다.^[44]
• 록키와 그의 친구들(ABC, 1959–61; NBC, 1961–64, The Bullwinkle Show)은 원래 ABC와 함께 웃음 트랙을 논쟁했던 크리에이터 제이 워드와 빌 스콧의 바람과는 반대로 웃음 트랙으로 방송되었다; 이 쇼의 유머의 빠른 속도를 감안할 때, 웃음 트랙은 타이밍을 늦추고 때로는 대화를 방해했다.^{[citation needed]}스폰서 General Mills로부터 지원을 받은 후, Ward와 Scott는 ABC를 설득했고, 웃음 트랙은 그것의 4회 이후에 끝났다; 이 에피소드들의 현재 신디케이트된 판화는 여전히 웃음 트랙을 유지하고 있지만, 그것은 DVD 발매에서 삭제되었다.
• 뮤지컬 시트콤 The Monkeees(NBC, 1966–68)는 첫 시즌과 두 번째 시즌의 몇 회 동안 웃음 트랙을 선보였다.시즌2 중반에 몬키즈 밴드 멤버들은 자신들의 시청자들이 농담이 어디 있는지 알 만큼 똑똑하다고 믿고 이 쇼가 웃음 트랙을 없애야 한다고 주장했다.이미 그들의 쇼에 대한 과도한 통제력을 원하는 록 그룹 때문에 짜증이 난 NBC는 두 번째 시즌이 끝난 후, 웃음 트랙의 제거를 중요한 요인으로 들며 The Monkees를 취소했다.^[11]피터 토크는 2013년 "처음부터 원하지 않았지만 NBC가 주장했다.두 번째 시즌에서 탈락했을 때 천재적인 일격이라고 생각했다고 말했다.^[45]
• 빌 코스비의 첫 시트콤 <빌 코스비 쇼>(NBC, 1969–71)는 코스비의 주장에 웃음소리 없이 제작됐다.그는 NBC가 웃음 트랙을 추가하고 싶어하는 것에 대한 그의 반대는 두 시즌 후에 이 쇼가 취소되는 결과를 초래했다고 말했다.^[11]
• 앤디 그리피스는 처음에 앤디 그리피스 쇼의 웃음 트랙 포함에 저항했다.공동 주연인 돈 노츠는 이전에 The Steve Allen Show의 앙상블 출연진 중 한 명이었다. 이 쇼가 네 번째 시즌에 라이브 관객에서 웃음 트랙으로 전환되었다.노츠는 인위적인 관객 반응이 그리피스의 의견에 영향을 준 감정인 이 쇼의 종식에 기여했다고 느꼈다.그리피스는 웃음 트랙 대신 관객 앞에서 완성된 에피소드를 상영해 반응을 녹음하고, 그것을 쇼의 사운드 트랙(앞으로 몇 년 동안 텔레비전 코미디가 더 흔해지게 된 연습)에 삽입할 것을 주장했다.초기 에피소드에는 이러한 관습적인 관객 반응이 포함되어 있다. 그러나 그리피스의 실험은 비용이 너무 많이 들었고, 방송사는 더글라스 웃음 트랙을 고집했다.그리피스는 결국 이를 아낌없이 활용한다는 이유로 타협했다.^[46]
• M*A*S*H(CBS, 1972–83)의 공동 제작자인 래리 겔바트는 처음에 이 쇼가 웃음 트랙 없이 방송되기를 원했다("실제 한국 전쟁"과 마찬가지로, 그는 건성으로 말했다.당초 CBS는 이를 거부했지만 겔바트와 공동제작자인 진 레이놀즈가 원하면 수술실 장면에서 웃음 트랙을 생략할 수 있도록 하는 절충안이 도출됐다.1998년 겔바트는 "우리는 어떤 상황에서도 의사들이 일하는 OR 장면에서 웃을 수 없다고 방송사에 말했다"고 말했다."그 안에 300명의 사람들이 누군가의 배짱이 꿰매지는 것을 비웃고 있었다는 것은 상상하기 어렵다."^[47]시즌 1-5는 더글라스의 더 침습적인 웃음 트랙을 활용했다; 캐롤 프랫의 더 조용한 웃음 트랙은 겔바트와 레이놀즈의 출발과 함께 시트콤에서 코미디 드라마로 시리즈가 전환된 시즌 6-11에 채택되었다.몇 개의 에피소드("O.R", "버스", "쿼 바디스, 캡틴 챈들러?", "인터뷰", "관점", "드림즈")는 웃음 트랙을 생략했고, 135분짜리 시리즈 피날레 "굿바이, 굿바이, 아멘"^[11]을 포함한 시즌 11의 거의 모든 에피소드가 그러했다.이 웃음 트랙은 또한 이 쇼의 일부 국제 방송과 신디케이트 방송에서도 누락되었다; 한 번은 영국에서 방영되는 동안, 이 웃음 트랙이 우연히 켜졌고, 시청자들은 불쾌감을 표시했고, 이 "기술적 어려움"에 대한 방송국의 사과가 나중에 발표되었다.한편, DVD 발매는 시청자들에게 웃음 트랙이 있든 없든 모든 에피소드를 볼 수 있는 선택권을 준다(프랑스어와 스페인 트랙에는 이 옵션이 없지만).겔바트는 1992년 인터뷰에서 "통조림된 웃음은 가장 좋은 시기에는 거슬리지만, M*A*S*H와 같은 프로그램에서는 완전히 견딜 수 없다"^[48]면서 "그들은 거짓말"이라고 말했다."존재하지 않는 사람들로부터 웃음을 자아내기 위해 언제 버튼을 눌러야 하는지 기술자에게 말하고 있는 거야.그냥 너무 부정직해.겔바트는 "우리가 방송에 출연했을 때 가장 큰 쇼는 올 인 더 패밀리(All in the Family)와 메리 타일러 무어 쇼(The Mary Tyler Moore Show)로 둘 다 라이브 스튜디오 관객들 앞에서 녹화되었으며 웃음은 이치에 맞는 것이었다"고 덧붙였다."하지만 우리 쇼는 한국 한복판에서 촬영된 것으로 추정되는 영화 쇼였다.그래서 내가 항상 방송국에 물어본 질문은 '이웃는 사람들은 누구인가?그들은 어디에서 왔는가?''' 겔바트는 CBS를 설득해 웃음 트랙이 있든 없든 비공개 상영에서 이 쇼를 시험하도록 했다.그 결과는 관객의 즐거움에서 측정 가능한 차이를 보이지 않았다."그럼 그 사람들이 뭐라고 했는지 알아?"겔바트가 말했다."차이가 없으니 그냥 두자!"웃음 자국을 옹호하는 사람들은 유머감각이 없다고 말했다.^[37]겔바트는 "항상 그게 쇼의 가치를 떨어뜨린다고 생각했다.네트워크가 잘 풀렸다.그들은 저녁 값을 지불하고 있었소."^[49]
• 경찰 절차를 패러디한 시트콤 파출소!는 6회 중 어느 회에서도 웃음 트랙을 활용하지 못했다.하나를 포함시키지 않기로 한 결정은 프로그램의 유머의 대부분이 전경이나 다양한 장면의 배경에서 일어난 사건에서 파생되었기 때문에 주커-아브라함-저커의 3인조인 그 창작자들의 지시에 따른 것이었다.^[50][51]
• 또 다른 풍자적인 경찰 시트콤인 슬릿 해머! (ABC, 1986–88)는 창작자 앨런 스펜서가 인정하지 않았던 첫 시즌의 첫 13회에 웃음 트랙을 활용했다.몇 달 동안 ABC와 싸운 후, 스펜서는 14화 "슬레지의 상태"^[52]로 시작하는 웃음을 더하는 것을 멈출 수 있었다.
• 시트콤 공룡 (ABC, 1991–94)은 처음에 웃음 트랙을 다루었다.브라이언 헨슨과 마이클 제이콥스의 공동 프로듀서들의 주장으로, 이 쇼가 인기를 끌면서 결국 중단되었다.^{[citation needed]}
• 스포츠 나이트(ABC, 1998–2000)는 쇼 크리에이터 애런 소르킨의 바람을 거스르고 웃음 트랙으로 초연되었으나 시즌이 진행될수록 웃음 트랙은 더욱 교묘해졌고 2시즌이 시작되면서 완전히 삭제되었다.^{[citation needed]}각 회의 일부를 생방송 관객 앞에서 촬영하고, 나머지는 관객이 없는 상태에서 촬영하는 등 연속성을 유지하기 위해 웃음 트랙이 필요한 경우도 있었다.
• '2020 세이브 바이 더 벨(Saved by the Bell)'의 부활은 싱글 카메라 시트콤으로, 생방송 관객과 웃음 트랙을 함께 떨어뜨린 것이 원작과 큰 차이점이다.

미국 밖.

영국

20세기 영국의 시트콤은 대부분 생방송 관객 앞에 녹화되어 자연스러운 웃음을 선사했다.전통적으로 스튜디오 작업에 앞서 녹화된 야외 촬영 장면들은 스튜디오 관객들에게 다시 재생되고 이들의 웃음은 방송 에피소드로 기록된다(가벼운 듯, 전체 쇼가 이런 식으로 녹화되었다).전통적인 시트콤의 형식이 아닌 시네마 베리테의 모드로 상영되는 '로일 패밀리'와 '오피스'와 같은 다른 코미디들은 관객들의 웃음을 전혀 특징으로 하지 않는다.^{[citation needed]}

라이브 시청자의 사용에 있어서 주목할 만한 예외는 테임즈 TV의 케니 에버렛 비디오 쇼인데, 이 쇼의 웃음 트랙은 스튜디오 제작진의 스케치에 대한 자발적인 반응으로 구성되어 있었다.이 기술은 4년 내내 유지되었는데, 비록 쇼가 더 큰 스튜디오 시설로 옮겨가고 강조점이 음악에서 코메디로 바뀌었음에도 불구하고 말이다.BBC를 위한 에버렛의 이후 시리즈는 생방송 스튜디오 관객들 앞에서 녹화되었다.^{[citation needed]}

1980년대 초에는 코미디 프로그램을 웃음 트랙으로 방송하는 것이 BBC 정책이었지만, 제작자들은 이것이 항상 그들의 프로그램에 적합하다는 것에 동의하지 않았다.^[53]그 결과, '히치하이커의 은하 가이드'의 웃음 트랙이 첫 회에 녹화되었으나, 전송 전에 떨어졌다.^[53]신사 연맹은 원래 웃음 트랙으로 방송되었지만, 이것은 프로그램의 두 번째 시리즈 이후 삭제되었다.^[54]

풍자적인 시리즈 '스피팅 이미지'의 파일럿 에피소드도 센트럴 TV의 주장으로 웃음 트랙으로 방송되었다.이 아이디어는 이 쇼의 프로듀서들이 이 쇼가 하나 없이 더 잘 작동한다고 느끼면서 포기되었다.1992년(선거 특집)과 1993년(두 편)에는 웃음 트랙이 사용되었는데, 이는 스튜디오 관객 앞에서 라이브로 공연되고 초연한 질문 시간을 포함했기 때문이다.^[55]

'바보들과 말들'의 대부분의 에피소드들은 스튜디오 관객들이 출연한다; 전혀 웃지 않는 예외는 크리스마스 특집인 "Hull and Back," "A Royal Flush," 그리고 "Miami Twice"의 2부작인 "Miami Twice"가 전부였다.그들의 DVD 발매에 있어서, 「A Royal Flash」 (20분 이상의 영상을 제거하기 위해 편집된)는, 「Miami Twice」 (1부와 합쳐져 마이애미 트와이스: 더 무비.^{[citation needed]}

21세기에는 1990년대 후반의 영국 코미디의 새로운 물결에서 영감을 받은 많은 시트콤들이 웃음 트랙이나 스튜디오 관객들을 등장시키지 못했다.그린윙은 관객들의 웃음을 특징으로 하지 않지만, 부분적으로는 초현실적인 성격 때문에 독특한 라지 기법을 특징으로 하고 있는데, 이 기법은 농담에 이어 에피소드의 영화가 즉시 느려지는 것이다.브라운 여사의 소년들과 여전히 모든 시간을 열어라 둘 다 스튜디오 청중이 등장한다.^{[citation needed]}

캐나다

시트콤 '매니아 맨션'(1990~1993)과 어린이 프로그램 '허블러셔스 하우스 오브 스포르텐슈타인'(1971) 등 일부 프로그램은 캐나다에서 방영됐음에도 불구하고 미국 내 방영을 위해 추가된 웃음 트랙이 있지만 대부분의 캐나다 현대 텔레비전 코미디는 웃음 트랙을 포함하지 않는다.^{[citation needed]}

아이들의 스케치 코미디 시리즈인 You Can't Do That on Television(1979~1990)은 국내 TV 프로그램으로서 첫 시즌 동안 웃음거리가 없었다.그러나 캐나다 네트워크 영역(Anything Turns You On)에 들어서자 거의 전적으로 어린이들의 웃음으로 구성되는 웃음 트랙이 추가되어 어른들의 웃음소리가 일부 엿보였다.쇼의 성격에 독특하고 적절한 반면, 웃음 트랙의 사용과 질은 시즌마다 다양했다.1981년 에피소드에는 다양한 웃음들이 아주 다양하게 등장하여 더욱 진실한 사운드를 선사했다.미국 케이블 채널 니켈로디언에서 제작된 시리즈의 첫 시즌이었던 1982년 시즌은 웃음은 적게 사용했지만, 해피 데이즈나 왓츠 해프닝!! 등 미국 시트콤에서 사용된 캐롤 프랫의 티터 트랙도 채용했다.1982년 마지막 6회는 티터 트랙과 함께 서로 다른 웃음을 섞음으로써 키디 트랙의 반복을 바로잡았다.1983년에는 웃음 트랙이 상당히 음소거되고 편집이 잘 되지 않는 등 눈에 띄는 하락세를 보였다.1984년까지 편집자들은 이 문제를 수정했고, 웃음은 1982년으로 되돌아갔다.1986년, 새로운 어린이 웃음 트랙이 소재에 맞게 확실히 더 젊은 소리를 내는 웃음과 함께 사용되었는데, 이것은 이전 시즌보다 더 젊은 연령층을 대상으로 한다.1989년에 이 시리즈가 돌아왔을 때, 1981년과 1986년 모두 키디 트랙을 사용했다.^{[citation needed]}

중국

중국 본토 최초의 멀티카메라 시트콤 '아이러브 마이 패밀리'는 생방송 스튜디오 청중을 동원했다.iPartment와 같은 일부 싱글 카메라 코미디는 웃음 트랙을 사용했다.^{[citation needed]}

웃음 트랙은 코믹 효과를 위해 버라이어티 쇼에서 흔히 사용된다.그 예로는 슈퍼 선데이, 캉시라이 르, 버라이어티 빅 브라더, 홈런 등이 있다.^{[citation needed]}

라틴 아메리카

아르헨티나와 같은 몇몇 중남미 국가들은 웃은 트랙을 코미디 상황이 웃을 가치가 있을 때마다 특별히 웃기 위해 돈을 지불한 스크린 밖의 사람들로 대체한다.레이도어스로 알려진, 나이든 웃음소리는 다른 모든 사람들에게 언제 웃을지를 알려준다.멕시코와 같은 다른 곳에서는 관객 반응이 없는 코미디가 관객들을 존경하기 때문에 웃음거리가 없다고 공개적으로 언급되었는데, 가장 두드러진 것은 엘 차보 델 오초 같은 체스피리토 프로그램이다.^{[citation needed]}

프랑스.

대부분의 프랑스 텔레비전 코미디는 웃음소리를 포함하고 있지 않다.한 번 눈에 띄는 시도는 쟝 뤼크 아줄레이가 제작한 AB 프로덕션 텔레비전 시리즈로, 예를 들어 핼렌 외 레즈 가르손과 다음 시리즈는 각각 이전 시리즈와 같은 스테이지나 배우를 사용할 수 있는 스핀오프였다.각 시리즈는 편집이 매우 서툴고 짧은 주체 사진(어쩌면 같은 날 촬영할 수 있는 카메라 편집 에피소드가 많으므로 20분 지속시간, 거의 단일 카메라 등 시트콤 형식의 사용을 베꼈지만 스튜디오 관객은 없었다.현실화의 질이 떨어진다는 비판과 배우들의 연극, 그리고 그들 중 많은 이들이 전문 배우가 아니라는 비판과 함께 웃음거리가 주된 불만이었던 시트콤, 비누오페라, 10대 드라마의 혼재라는 미국 시리즈 포맷을 모방하려는 시도도 있었다.^{[citation needed]}

영향들

더글라스의 웃음 트랙의 지속적 관련성을 측정하기 위해 1974년 <인성과 사회심리학 저널>에 사람들이 여전히 웃음 통조림 뒤에 나오는 농담에 더 많이 웃을 가능성이 있다는 결론을 내린 연구가 발표되었다.^[56]공동 창작자인 샘 데노프는 1978년 "웃음은 사교적이다.사람들과 함께 있으면 웃기 편해."데노프는 "영화관에서는 웃음소리가 필요 없지만, 집에서는 TV를 보면서 혼자 있거나 다른 몇 사람과 함께 있을 것"이라고 덧붙였다.^[4]

다트머스 대학의 심리학 교수인 빌 켈리는 특히 미국 시트콤에서 웃음 트랙의 필요성을 측정했다.그는 "우리는 다른 사람들이 있는 곳에서 재미있는 것을 보고 웃을 가능성이 훨씬 높다"고 말했다. 켈리의 연구는 웃음 트랙을 이용하는 사인펠드의 에피소드에 학생들의 반응을 비교했는데, 그렇지 않은 심슨 가족을 보는 사람들에 비교했다.뇌 스캔은 시청자들이 같은 것을 재미있고 다른 사람들이 웃는 소리를 들었는지 안 들었는지 그들의 뇌의 같은 부위가 밝아진다는 것을 암시했다.그럼에도 불구하고 켈리는 여전히 웃음 트랙에서 가치를 찾았다.켈리는 "잘하면 재미있는 것에 대해 조언을 해주고 잘 해 줄 수 있다"고 말했다.하지만 잘 안 되면 웃음거리가 눈에 띄고 부자연스럽고 어울리지 않는 것 같아."^[56]

레거시 및 지원

창간 이래, 사전 녹음된 웃음의 아이디어는 비난자들뿐만 아니라 지지자들의 몫도 가지고 있다.

시드와 마티 크롭트의 프로듀서인 시 로즈는 크롭츠에게 H.R. 푸프네슈프, 부갈루와 지그문트와 바다 몬스터와 같은 인형극에서 웃음 트랙을 사용하도록 설득했다.로즈는 이렇게 말했다.

웃음트랙은 큰 논쟁거리였고, [크로프츠]는 하고 싶지 않다고 했지만, 내 야간에 관한 경험으로 인해 밤샘은 웃음트랙을 사용하기 시작했고, 그것이 주식으로 되어버렸는데, 시청자가 프로그램을 시청하고 웃음트랙 때문에 매번 큰 웃음거리가 되고, 그 다음에 웃기는 쇼가 나오면 웃기고 없는 것을 보게 된다.웃음거리가 없어서 웃으면 핸디캡이 되기 때문에 나는 그들을 설득했다.좋든 나쁘든.^[57]

2000년, 시드 크롭은 "우리는 그 웃음 트랙에 약간 반대했지만, 시 로즈는 시트콤에 출연하고 있었다. 그는 이 쇼가 편성되었을 때 아이들이 언제 웃을지 모를 것이라고 느꼈다"^[58]고 말했다.마티 크롭트는 이렇게 덧붙였다.

결론은 - 슬프다. - 넌 그들에게 그것이 재미있을 때 말해야 한다.웃음소리, [로즈]가 옳았다.우리가 항상 진정한 웃음거리, 진정한 청중을 찾고 있는 만큼 그것은 필요했다.코미디에서, 만약 당신이 그것을 가지고 있지 않다면, 당신은 큰 곤경에 처하게 된다. 왜냐하면 만약 당신이 웃음소리를 듣지 않는다면, 그것은 웃기지 않기 때문이다.그리고 그것이 바로 관객들이 이 쇼들을 보도록 프로그램된 방법이다.^[59]

2006년 부갈루즈 DVD 해설 트랙의 이 쇼의 제작 기법에 대해 토론할 때, 영국 시리즈 스타 캐롤라인 엘리스와 존 필포트는 웃음 트랙을 다루었는데, 당시 이 트랙은 영국에서는 흔히 볼 수 없는 것이었고 종종 경멸을 받았다.엘리스는 "나는 결코 미국인의 웃음 통조림을 위한 사람이 아니었다. 왜냐하면 때때로 그것은 너무 심하기 때문이다"라고 말했다.그러나 그녀는 그것이 "반응을 위한 분위기"를 만드는 데 도움이 된다고 덧붙였다.필팟은 당시 미국 시청자들은 영국 시청자들과 달리 웃음소리에 익숙해졌다고 덧붙이며 "통조림된 웃음소리와 함께 웃도록 자극받으면 진심으로 더 많이 웃는 자신을 발견하게 되는 것 같다"고 말했다.^[60]브레디 번치 스타 수잔 올슨은 크롭츠의 H.R. 푸프네스터프를 처음 봤을 때 "8살이었던 기억이 나는데...그리고 '그들이 그 끔찍한 웃음소리를 없앨 수 있을까?!올슨은 "마음을 바꾸는 물질과 크롯 엔터테인먼트를 결합하려고 한 적이 없다. 웃음 트랙이 나를 나쁜 여행에 빠지게 할까봐 두렵다"고 말하며 프로그램의 어리석음을 즐기기 위해 레크리에이션 약물 사용이 필요하다고 덧붙였다.^[61]

2007년 한 인터뷰에서, 영화 제작자/창업자 루 셰이머는 이 웃음 트랙이 아치 쇼에서 사용된 것에 대해 칭찬했다."왜 우리가 웃음 트랙을 사용했을까?"셰이머가 물었다."왜냐하면 관객들은 집에서 보는 다른 모든 사람들과 함께 웃고 싶어하기 때문이다.그리고 당신은 단지 관찰자가 되는 것 보다 쇼의 일부인 것 같은 느낌을 받았지."셰이머는 더 아치쇼가 웃음 트랙을 활용한 최초의 토요일 아침 만화라고 확인했다.^[62]

텔레비전과 웃음 트랙 역사학자 벤 글렌, II는 현재 사용되는 웃음 트랙은 과거의 웃음의 "신경 쓰지 않는" 질과는 근본적으로 다르다고 평했다.

오늘날의 시트콤은 대부분 재치있는 재치있는 재치있는 재치있는 재치있는 내용을 바탕으로 하고 있으며, 더 이상 미스터 에드, 먼스터즈, 또는 홀린즈의 에피소드에서 볼 수 있는 것처럼 이국적인 상황이나 광경 개그에 의존하지 않으며, 오늘의 조용한 웃음은 그것을 반영한다.일반적으로 웃음은 이제 훨씬 덜 공격적이고 가라앉았다; 여러분은 더 이상 억제되지 않은 배꼽 웃음이나 구포 소리를 듣지 못한다.그것은 '지능적인' 웃음이다. 더 우아하고, 더 정교하다.하지만 확실히 그렇게 재미있지는 않다.그 옛날 웃음소리에는 낙천적이고 태평스러운 자질이 있었다.오늘날, 반응은 대체로 그들이 말하는 방식 그대로 "드롭"이다.과거에는 관객들이 정말 즐거운 시간을 보내고 있었다면, 그것은 빛을 발했다.관객들은 자의식이 떨어지는 것 같았고 마음껏 크게 웃을 수 있는 자유가 느껴졌다.아마도 그것은 현대 문화의 반영일 것이다.1950년대에, 더글라스는 아직 그의 구조적인 웃음 기술을 다듬지 않았기 때문에, 비록 다소 일반적이지만, 웃음은 일반적으로 부글거리고 소란스러웠다.그러나 60년대에 당신은 더 개인적인 반응들을 들을 수 있었다 - 남녀 모두에게 고함소리, 까마귀소리.반응은 훨씬 더 질서정연하고 조직적이었다.웃음소리만 들어도 쇼가 제작된 정확한 연도를 알 수 있다고 말했다.^[14]

2003년 더글라스가 사망한 지 몇 달 후 그의 아들 밥은 아버지의 발명품에 대한 찬반에 대해 다음과 같이 말했다.

몇몇 쇼에서 그것은 남용되었다.그들은 계속해서 더 많은 웃음을 더하기를 원했고, 그것은 너무 지나칠 것이다.그들은 그것이 더 재미있을 것이라고 생각했지만, 그렇지 않았다.많은 프로듀서들이 대화보다 더 큰 웃음을 가지고 있을 것이고, 그것은 그것을 망친다.도구다.음악이 그렇듯, 음향 효과처럼, 대화처럼.모든 것이 한데 어우러져 쇼가 흘러가고 페이스가 좋다.다 타이밍이야.실력과 약간의 행운으로, 잘 실행된 웃음 트랙은 더 큰 예술작품에 기여하는 예술작품이 될 수 있다.우리는 오랜 시간 동안 존재해왔고, 그것은 업계의 필요를 충족시켜준다.우리는 쇼의 주 재료가 될 것이라고 기대하지 않는다.그것은 단지 훌륭한 텔레비전을 만드는 쇼들을 한데 모으는 퍼즐의 일부일 뿐이다.^[63]

캐롤 프랫은 2002년 6월 미국 TV 아카이브(Archive of American Television)와의 인터뷰에서 프로듀서들이 정기적으로 더 크고 긴 웃음을 원한다고 말하면서 더글라스의 발언을 확인했다.

처음에는 끔찍했어!웃을수록 더 크게 웃을수록 우스갯소리가 더 웃기는 지점일 터였다.그리고 그것은 그렇지 않았다.그리고 그것이 언론, 언론, 대중들이 전반적으로 웃게 된 이유인데, 그것은 단지 너무 심했다.그리고 여전히 그것을 하기 위해 필요한 쇼들이 있지만, 지금은 적은 것이 더 낫다.아마 열정은 덜 하고, 양은 적게 생각하지 않는다.소곤소곤 소리가 날 때까지 볼륨을 낮추기 위해 몇몇 프로듀서와 몇몇 쇼에 의해 시도되어 왔고 그것은 너무 큰 소리를 내는 것보다 더 큰 짜증이 된다.농담은 농담이지만, 지금은 대중이 더 세련됐다는 것을 알게 되었다.그들은 초창기 때처럼 수육을 먹지 않는 것 같다.이제, 우리는 가벼운 접근으로 관객들의 반응으로 농담을 집으로 몰고 가려고 한다.나는 특히 생방송에서 조금 뒤로 물러서도 괜찮다고 생각한다.쇼와 함께 가서 그들이 너에게 말하게 해라.^[6]

'라프박스' 전통을 이어온 재녹음 믹서기는 거의 없다.밥 더글래스 외에도 로스앤젤레스에 본사를 둔 믹서기 밥 라 마스니, 사운드원의 잭 도나토와 존 비켈하우프트는 현재 관객 감미료를 전문으로 하고 있다.현대적인 디지털 기계들이 더글라스의 원래 기계만큼 거추장스럽지는 않지만, 비켈하우프트는 그들이 "라벨이 없는" 손잡이와 버튼을 가진 꽤 익명하다고 확인했다.우리는 약간 신비한 것으로 남기를 좋아한다. 즉, 인간 뒤에 있는 것.우리는 그것에 대해 너무 많이 얘기하는 것을 별로 좋아하지 않아."^[64]비켈하우프트는 "대부분 우리가 하는 일은 스튜디오 관객들을 재창조하는 것이 아니라 관객들의 웃음은 이미 그곳에 있다"고 덧붙였다.하지만 편집에서, 이 쇼의 섹션이 빠졌을 때, 이 쇼가 시간 간격에 맞도록 줄을 뺄 때, 우리는 웃음 기계를 사용하여 웃음과 웃음 사이의 다리를 덮어야 한다."^[37]Bickelhaupt는 '내가 네 어머니를 어떻게 만났는가'에 사용된 조용한 웃음 트랙과 관련, "제작자들은 70년대, 80년대, 90년대에 더 흔했던 그 시끄러운 소리, 즉 그 크고 꽉 찬 청중들로부터 점점 더 멀어지게 되고 있다"고 평했다.그들은 좀 더 미묘한 트랙을 원한다."^[64]비켈하우프트는 결론을 내렸다, "나는 훌륭한 직업을 가지고 있다.하루 종일 앉아서 코미디를 하면, 여러분은 아마 우울해질 수 없을 것이다.사람들이 나에게 생계를 위해 무엇을 하느냐고 물으면 나는 그들에게 '웃는다.'"^[37]

저스트 슈팅 미(Just Shoot Me!)의 제작자이자 모던 패밀리(라이브와 녹화 시청자의 웃음을 싱글 카메라 시리즈로 활용하지 않는 멀티 카메라 시리즈)의 공동 제작자인 스티븐 레비탄은 "실시간이나 녹화된 청중의 웃음을 제대로 활용하지 않으면, 이 웃음꾼의 일은 사운드 트랙을 매끄럽게 하는 것이지, 그 이상은 아니다"라고 평했다.Phil Rosenthal은 Every Loves Raymond에 대해 "끔찍하게 웃음소리를 조작했다"고 확인했다.그는 "과거 '단맛'이 묵직한 손으로 국자로 얹혀진 쇼에서 주로 산 사람의 웃음소리가 거의 없었기 때문에 작업을 했다.제작진들은 '걱정 마. 누가 그 농담을 좋아할 지 알아?미스터 스위트 맨''' 비켈하우프트는 그가 모든 관객들의 반응을 이끌어낸 많은 경우가 있다는 것을 인정하면서 이러한 관찰을 확인했다.^[64]Conversely, Lloyd J. Schwartz, son of Brady Bunch creator Sherwood Schwartz, admitted in his book, Brady, Brady, Brady, that the laugh track in his directorial debut of The Brady Bunch (S4E23 "Room at the Top") was "significantly louder than any of the other [Brady Bunch] episodes."슈워츠는 이어 "지금은 좀 당황스럽지만 제작진들이 내가 연출한 농담을 모두 받아내도록 하고 싶었다."^[65]

미네소타 대학의 미국학 및 미술사 교수인 카랄 앤 말링은 더글라스의 발명에 대해 다음과 같이 우려의 목소리를 냈다.

대부분의 비평가들은 이 웃음 곡이 대중에게 일어난 가장 나쁜 일이라고 생각한다. 왜냐하면 그것은 청중들을 마치 무언가가 재미있을 때 들을 필요가 있는 양처럼 대하기 때문이다. 사실, 그것은 별로 재미있지 않다 하더라도 말이다.그것은 아마도 변화된 코미디, 특히 상황 코미디일 것이다.내 말은, 적어도 처음 두세 번은 사람들이 뒤에서 미친 듯이 웃는다면, 어떤 것이든 아주 우스꽝스러울 정도로 우스꽝스럽게 여겨질 수 있다는 것이다.마치 드라마 쇼에서 갑자기 배경에 있는 목소리가 "오, 이거 무서워!" 또는 "오, 저 사람 유죄 같아!"라고 말하는 것 같다.웃음거리가 생긴다면 다음 단계인 것 같다.웃지 않는 트랙 쇼의 지능적인 힘에 대한 증거를 위해서는 심슨 가족보다 더 멀리 있지 않다.훌륭하게 쓰여 있다.그들은 웃음을 위해 일한다.그리고 관객들은 그곳에 앉아서 그들의 바지를 적신다.그것은 왜 웃음거리가 되지 않는지를 보여주는 좋은 예다.내가 웃음거리가 되게 해줘."^[63]

말링은 상업적인 메시지뿐만 아니라 정치적 메시지도 포함하는, 사물을 무비판적으로 받아들이려는 더 큰 사회적 의지의 증상으로 통조림된 웃음을 더 걱정한다고 덧붙였다."그것은 미국인의 기량이 감소하고 스스로 생각할 수 있는 능력입니다,"라고 그녀는 말했다."분명히 내재되어 있지만 그렇다고 해서 좋은 일이 되는 것은 아니다.우리가 일주일 내내 하는 일은 좋지 않은 일들이 많다.그리고 이것도 그 중 하나야."^[63]

참고 항목

• 인공 군중 소음
• 클라크
• 노디즈
• 스튜디오 관객

참조

외부 링크

• 인공 감미료:neatorama.com의 캔자스 웃음 이야기
• TVParty.com – The Laugh Track
• Newyorktimes.com – Charles Douglass
• 통조림 웃음: 재구성된 역사 - 텔레비전 역사학자 벤 글렌 2세와의 인터뷰
• 웃음 트랙은 실제를 대체할 수 없다.
• 찰리 더글라스 웃음 트랙 감상 페이지