브라질 예술
Brazilian art![](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/ca/Aleijadinho-anjo.jpg/250px-Aleijadinho-anjo.jpg)
현재 브라질로 알려진 지리적 지역에서 예술의 창조는 인간의 거주지에 대한 가장 초기 기록으로부터 시작된다.이 땅의 원주민 또는 원주민 이전의 원주민들은 다양한 형태의 예술을 창조했다; 마라조아라와 같은 특정한 문화는 세련된 도자기를 남겼다.이 지역은 16세기에 포르투갈에 의해 식민지화되었고 브라질이라는 현대적인 이름을 갖게 되었다.브라질 예술은 포르투갈 식민지화 이후 이 지역에서 만들어진 미술의 총칭으로 가장 흔하게 사용된다.
콜럼버스 이전의 전통
브라질에서 가장 오래된 것으로 알려진 예술은 피아우이 주의 세라 다 카피바라 국립공원에 있는 동굴 벽화인데,[1] 기원전 13,000년으로 거슬러 올라간다.보다 최근의 예는 미나스 제라이스와 고아에서 발견되어 기하학적 패턴과 동물 형태를 보여주고 있다.[2]
브라질에서 발견된 가장 정교한 종류의 사전 콜럼비아 공예품 중 하나는 마라호 섬과 산타렘 지역에서 번성하고 있는 문화에서 나온 정교한 마라호아라 도자기(AD 800–1400)로, 그림과 복잡한 인간과 동물의 구호로 장식되어 있다.무이라퀴탄이라고 불리는 작은 조각석 부적과 같은 스타튜트나 컬트 오브젝트도 이러한 문화에 속한다.[3]Maranhang과 Bahia 출신의 Mina와 Periperii 문화는 흥미롭지만 단순한 도자기와 스타튜트를 생산했다.
21세기 초에는 바디페인팅, 도자기, 컬트 스타튜트, 깃털 예술 등의 고대 인도의 전통이 아직도 남아 있는 인도 민족들에 의해 경작되고 있다.
상어 모양의 조각석, 삼바키 문화, 뮤즈 다 유니버시아드 연방 도 리오 그란데 도 술.
매장 항아리, 마라조아라 문화.미국 자연사 박물관.
산타렘 문화.무스 파라엔스 에밀리오 골디
바로크
브라질에서 활동한 최초의 서양 예술가들은 포르투갈에서 인도인들을 '문명화'하기 위해 온 로마 가톨릭 사제들이었다.예수회는 '감소'라고 불리는 많은 선교 단체들이 예술을 통해 신성한 연극, 음악, 묘지, 회화 등의 형태로 종교를 가르치면서 이 과정에서 중요한 역할을 담당했다.호세 드 안키에타는 최초의 중요한 극작가였다; 아고스티뉴 드 예수와 아고스티뉴 다 피에다데는 최초로 알려진 조각품을 제작했다; 벨치오 파울로, 주앙 펠리페 베텐도르프, 리카르도 두 필라르와 그 외 몇 사람이 첫 그림을 그렸으며, 프란시스코 데 파페타스와 페드로 다 폰세카는 유아 거주지의 음악적 삶을 정리하기 시작했다.바실리오 다 가마와 그레고리오 데 마토스는 최초의 세속적인 시인이었다.모두 19세기 초까지 브라질의 지배적 스타일인 바로크 양식의 영향을 받아 활동했다.[4][5]
17세기와 18세기를 거치면서 바로크 예술은 주로 해안을 따라 있는 바이아와 페르남부코, 그리고 일부 내륙지방에서 증가하는 풍요로움과 장인 정신으로 번성하여, 금 러시가 부유하고 교양 있는 지역사회를 육성했던 미나스 제라이스에서 독창성 최고 수준에 도달했다.미나스에는 브라질 바로크에서 가장 위대한 화가인 화가 마누엘 다 코스타 아타이에데와 조각가 건축가 알레자디뉴가 살았다.미나스는 또한 작곡가 로보 데 메스키타와 프란시스코 고메스 다 로차, 시인 토마스 안트니오 곤사가와 클라우디오 마누엘 다 코스타가 있는 원시 신고전주의 음악 문학 학교의 발상지였다.[5][6]
살바도르 상프란시스코 교회
주앙 네포무체노 코레아 e 카스트로:완전한 개념.무슈 다 컨실피덴시아
19세기:신고전주의, 낭만주의, 현실주의
19세기에 있었던 한 가지 사건은 브라질 시각예술의 완전한 갱신을 위한 씨앗을 뿌렸다: 신고전주의 양식을 강하게 강화한 1816년 프랑스 예술선교회의 도착, 이전에 브라질에서 소심한 시도에서만 볼 수 있었다.그 지도자인 요아힘 르브레톤은 미술 아카데미의 창설을 제안했고, 후에 제국 미술 아카데미로 개편되었다.아카데미는 19세기 전반을 통틀어 시각예술의 가장 중요한 중심지였다.그것은 새로운 개념의 예술 교육을 부과했고 브라질의 회화, 조각, 건축, 그래픽 예술, 공예에 혁명의 토대가 되었다.[7]몇 십 년 후, 현대화의 야심찬 국가적 사업을 벌이고 있던 페드로 2세 황제의 개인 후원 아래 아카데미는 황금기에 이르러 낭만주의 화가 1세대의 등장을 키웠다.그 중에서도 빅터 메이렐레스와 페드로 아메리코는 국가 정체성의 지속적인 시각적 상징을 생산했다.브라질에서 회화에서의 낭만주의는 독특한 형태를 취하여, 유럽판에서는 흔히 볼 수 있는 압도적 극성주의, 환상, 폭력 또는 죽음에 대한 흥미와 기이한 모습을 보여주지 못했으며, 그 학문적, 미각적 성격 때문에 모든 과잉을 피했다고 말할 수밖에 없다.[8][9][10]
한편 문학은 카시미로 데 아브레우와 마누엘 안트니오 데 알메이다의 작품으로 낭만 민족주의 학교를 향해 너무 진화했다.1850년경 바이런 경의 시에 영향을 받은 알바레스 드 아제베도를 중심으로 전환이 시작되었다.이 로만틱스의 2세대는 병적인 것과 죽음에 집착했고 곧이어 시각 예술에서는 볼 수 없었던 두 가지 특징 모두 문학에서 사회적 해설을 발견할 수 있었다.안트니오 카스트로 알베스는 노예제도의 참상을 썼고, 박해받는 인도인들은 안트니오 곤살베스 디아스와 호세 데 알렌카르 같은 시인과 소설가들에 의해 예술을 통해 구출되었다.이러한 경향은 브라질 낭만주의 시대의 가장 중요한 업적 중 하나인 인도 조상과 브라질의 풍부한 자연환경을 바탕으로 한 브라질 민족 정체성의 확립에 결합되었다.[11]
음악에서 19세기는 뛰어난 재능을 지닌 두 작곡가, 즉 신고전주의 신성한 작곡가 호세 마우리시오 누네스 가르시아를 잠시 동안 법정으로 음악감독을 맡았고, 이후 브라질 음악가 최초로 국제적인 찬사를 받은 낭만주의 운영자 카를로스 고메스를 배출했다.[12]
19세기 후반에 브라질 예술은 리얼리즘과 친숙해졌다.Descriptions of nature and of the people of Brazil's varied regions as well as psychological romances proliferated with João Simões Lopes Neto, Aluísio Azevedo, Euclides da Cunha, and, above all, Machado de Assis, while Almeida Junior, Pedro Weingärtner, Oscar Pereira da Silva, and other Realist painters depicted folk types and the distinctive col브라질의 풍경과 빛
Simplicicio de Sa: Peter I의 초상화, Ca. 1830.제국박물관
상크리스토방, 리우데자네이루
빅터 메이렐레스:1861년 브라질의 첫 미사나시오날 드 벨라스 아르테스 미술관
20세기: 모던 아트
20세기 초에는 낡은 학교와 모더니즘의 경향 사이에 투쟁이 일어났다.1922년 상파울루에서 열린 현대미술 주간 축제는 사회 보수층의 거센 비난을 받았지만 브라질 미술사의 획기적인 사건이었다.플라스틱 미술 전시회, 강연회, 콘서트, 시낭송 등이 포함됐다.일부 시와 음악의 급진주의(시대를 위한) 때문에 예술가들은 청중들로부터 격렬하게 야유와 폭행을 당했고, 일반적으로 언론과 예술 비평가들은 그들의 비난에 강했다.하지만, 그 예술가들은 현재 브라질에서 현대 미술의 창시자로 보여지고 있다.모더니즘 문학과 예술이론은 오스왈드 드 안드라드, 세르지오 밀리에트, 메노티 델 피키아, 마리오 드 안드라데 등이 대표하였는데, 그의 혁명소설 마쿠나이마(1928년)는 브라질 모더니즘의 창시문 중 하나이다.그림은 아니타 말파티, 타르실라 도 아마랄, 에밀리아노 디 카발칸티, 라사르 세갈, 비센테 도 레고 몬테이로, 빅터 브레셰레의 조각, 그리고 새로운 음악 민족주의의 리더인 헤이터 빌라-로보스의 음악으로 대표되었다.[13]
《주간》은 유럽 표현주의, 큐비즘, 초현실주의에서 파생된 보다 광범위한 대중적 현대적이고 실험적인 경향에 소개되었을 뿐만 아니라, 국가적인 민속을 사회적 인식이 강화되어 브라질 현실에 보다 관련성이 높은 예술의 토대로 삼고자 하였다.유럽인의 움직임과 진정한 브라질인의 표현으로의 변신을 보여주는 이 '캔니발화'는 1928년 오스왈드 드 안드라드가 발표한 인류애적 선언문 사이의 모토로서, 미술사와 투피족의 식인 의식 사이에 유사성을 끌어낸다.
그러나, 최초의 모더니스트들의 급진주의는 전통적인 패션에 익숙한 사회에서 오래 지속할 수 없었고, 원래의 핵심 구성원들은 1929년까지 분리되어 개인의 길을 추구했다.그 후 브라질 예술이 된 것은 엄격한 학문적 의제로부터의 자유를 의미하는 모더니즘의 몇 가지 중요한 업적들이 혼합된 것으로, 보다 전통적인 특징을 가지고, 다음 세대에 출산을 하여 온건한 모더니즘에 이르게 하는 것으로, 브라질 정부의 공식 화가 첸디도 포르티나리(Cendido Portinari)가 가장 잘 예시하고 있다.세기 중엽에 [14]끼다
브라질 작가 그룹 내에서는 치코 니데지엘스키의 예술작품이 전국으로 퍼져나갔다.그의 작품은 브라질 테마에 집중하는 경향을 깨고 보다 보편적이고 무기력한 형태의 브라질 미술품을 찾는 등 '신성한 기하학'에서 영감을 받은 것으로 알려져 있다.20세기 초 시각 예술에 있어서의 급진적인 모더니즘의 침식은 브라질 문학에 반영되지 않았다.Clarice Lispector는 실존주의 소설들을 썼고 의식의 흐름과 깨달음으로 가득 찬 매우 개인적인 스타일을 발전시켰다.주앙 기마랑스 로사는 실험적인 언어로 브라질 문학의 면모를 바꾸었고, 극작가 넬슨 로드리게스는 범죄, 편견, 열정, 성적 병리학을 다뤘다.1950년대에는 그림이나 조각이 추상주의를 통해 힘을 되찾았고, 건축도 르 꼬르뷔지에의 영향을 받아 선진적인 특징을 발휘하기 시작했다.그것의 가장 큰 업적은 도시주의자 루시오 코스타와 건축가 오스카 니메이어가 디자인한 브라질리아의 도시 중심지였다.[15]
1960년대 이후: 컨템포러리 아트
1960년대를 전후하여 소위 "모더니스트" 미술 운동은 전용, 정치 예술, 개념 예술, 팝과 같은 대부분의 현대적인 표현 수단들에 자리를 내주기 시작했다.10년이 되던 해, 일부 브라질의 콘크리트 예술가들은 보다 현상학적 접근을 선호하여 콘크리트 예술의 전통적인 "강성"을 버리고 미술 물건과 관람객 사이의 관계를 탐구하기 시작했다.이 네오콘크리트 운동의 주요 지도자들 중에는 시인 페레이라 굴라르와 시각 예술가인 헬리오 오이티카, 리자 파페, 리자 클라크 등이 있었는데, 이 마지막 지도자는 20세기의 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명으로 국제적으로 인용되었다.[16]
1964년의 쿠데타와 그에 따른 브라질의 시민권 및 표현의 자유 제한은 흔히 전환점으로 점쳐지고 있는데, 당시 킬도 메이렐레스나 루벤스 게르흐만 같은 예술가들이 노골적인 정치 예술을 창작하기 시작했다.[17]특히 군사정부가 고문을 합법화한 1968년 이후 브라질 예술은 다소 과격한 행동과 사건들로 특징지어졌다.세계에서 두 번째로 오래된 미술 비엔날레 상파울루 미술 비엔날레는 미술가들의 보이콧으로 인해 대부분의 벽이 비어있는 상태로 문을 열었다.[18]1970년에 전시회니 Corpo à 테라("인체 지구로부터")벨루 오리존치에서 그리고 Cildo Meireles에 불이 난 살아 있는 audience[19]앞에서 아르투르 Barrio 바람 맞혀강에 소포 피투성이의 인상을 풍기며 살아 있는 닭을 정하는 등 다소 충격적인 행동을 포함했다 열렸다 군 밑으로 사라졌다고 사람들이다. 아버지.이 섬뜩한 방식으로 에른션은 "유행"을 했다.[20]
![](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6d/Holy_week%2C_Ouro_Preto-MG%2C_2010._Chrome._Guy_Veloso.jpg/220px-Holy_week%2C_Ouro_Preto-MG%2C_2010._Chrome._Guy_Veloso.jpg)
브라질 팝아트에는 비판의 몫이 없어지지 않았으며, 때로는 미국 팝에 대한 양면적이고 원거리적인 비판 대신 소비자 문화에 대한 전면적인 거부감을 채택하기도 했다.발데마르 코데이로(Waldemar Cordeiro)는 60~70년대 무렵 작품에서 디지털 예술과 로보틱스를 탐구하기 시작한 가장 표현력이 풍부한 화가 중 한 명이며, 안토니오 디아스(Antonio Dias), 카를로스 베르가라는 만화책, 카드놀이, 기타 인기 있는 시각성의 미학을 작품에 접목시켰다.화려한 색채의 설치 작품인 헬리오 오이티카의 "트로피칼리아"는 리우데자네이루의 빈민가에 대한 언급들을 통합했다.이 제목은 이국적이고 "야한" 브라질의 신화에 대해 좀 더 냉철한 관점을 제공하기 위해 1920년대의 안티로포피지 매니페스토로 다시 불려온 동명의 문화 운동과 관련이 있다.
일부 예술가들은 국제무대에서 Helio Oiticica, Lygia Clark, Naza, Cildo Meireles 등이 출연했다.브라질 현대 미술과 사진술은 라틴 아메리카에서 가장 창의적인 작품 중 하나로, 매년 전시와 출판으로 국제적인 명성을 얻고 있다.브라질 현대 사진작가로는 미겔 리오 브랑코, 빅 무니즈, 세바스티앙 살가도, 가이 벨로소 등이 있다.[citation needed]
토착 예술가들
피나코테카 데 상파울루 박물관은 100여년 만에 현대 원주민 미술 전시회를 개최한 최초의 박물관이 되었다.[21]이번 전시회에는 브라질 전역의 다양한 민족 출신의 토착 작가 23명이 참가한다.벡소아 전시회는 그림, 조각, 비디오, 사진, 설치물[22] 등을 전시하고 있는데, 현재 원주민에게 영향을 미치고 있는 중요한 이슈들을 포착하여 관심을 끌려는 정치적 목표를 가지고 있으며, 이는 농업, 삼림 벌채, 불법 채굴, 기후 변화 등의 형태로 나타나고 있다.[21]
벡소아의 이름은 테레나어에서 유래되었으며 "We Know"[22]로 번역된다.이 전시회는 브라질의 원주민 사회를 둘러싼 고정관념을 깨는 것을 목표로 하고 있다.박물관의 큐레이터는 현대적이면서도 전통적인 다양한 토착 작품들을 선택했다.올린다 야와르에 따르면 이 박물관은 현재 브라질에 300개 이상의 토착민들이 거주하고 있어 토착민들이 공유하는 경험의 보편성을 강조하기 위해 다양성 정책을 포함하고 있지만 민족성이나 연대기별로 토착민 집단을 그룹화하지는 않는다.[21]이 전시회에는 토착 영화, 사진, 도자기, 자수, 천연 소재 등이 포함되어 있다.[22]
대표적인 토착 예술가이자 철학자인 아일튼 크레낙은 이번 전시회에 대해 "브라질 국가가 자신들의 권리에 반하는 정치적 폭력으로 인해 원주민들이 겪고 있는 극도로 불리한 시기를 폭로할 수 있는 기회"[21]라고 말했다.
이 전시회의 또 다른 저명한 예술가인 자이더 에스벨은 "모든 토착 미술 전시회는 주로 오늘날 일어나고 있는 모든 범죄를 폭로하는 것"이라고 믿고 있다.[21]작가는 토착 공동체에 대한 일상적인 투쟁과 폭력을 설명하기 위해 토착 문화의 다른 관점을 넓히는 데 초점을 맞추고 있다.최근 유튜브 영상에서 자이더는 토착 예술이 토착 문화와 가치의 본질적인 부분으로서 토착 예술의 중요성에 대해 언급했다.자이더는 아마존 열대우림의 파괴를 전통과 토착 공동체를 파괴하는 것으로 인정한다.[23]자이더는 상파울루 현대미술관에서 강좌를 가르친다.
바이아 출신의 토착 여성 예술가 야쿠냐 투샤가 현대 브라질의 토착 여성으로서의 도전을 반영한 여러 작품들을 내놓았다.이 예술은 토착적인 아름다움과 대도시의 토착적인 여성들이 직면하는 편견에 초점을 맞추고 있다.
갤러리
![](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/69/Florian%C3%B3polis%2C_Brazil._Photo-_Guy_Veloso%2C_2010.jpg/220px-Florian%C3%B3polis%2C_Brazil._Photo-_Guy_Veloso%2C_2010.jpg)
헬리오 오이티카:라비린토스 푸블리코스
빅터 브레셰레트:상파울루 주 올리비아 게데스 펜테도 무덤
정리, 브루노 기오르기
프란츠 크라크베르크의 조각품
바스코 프라도: 1999년 모델 휴식.리오그란데두술미술관
리우데자네이루 극장.절충학
조셉 프란츠 세라프 루첸베르거: 팔라시오 두 코메르시오, 포르토 알레그레.데코
Ruy Ohtake: 브라질리아 쇼핑.컨템포러리
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참조
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