오페라 코미크

Opéra comique
기타 용도는 오페라 코미크를 참조하십시오.

오페라 코미크() 프랑스어:ɔ페 ʁ크 ɔ미크; 복수: 오페라스 코미크)는 프랑스 오페라의 한 장르로, 구어체 대사와 아리아를 포함합니다. 그것은 기존의 대중적인 곡조와 구어 부분을 [1]결합한 성 제르맹과 성 로랑의 페어 극장(그리고 정도는 덜하지만 코메디-이탈리아엔)의 인기 있는 오페라스 코미키에서 비롯되었습니다. 같은 이름의 파리 극장과 관련하여, 오페라 코미크는 본질적으로 반드시 희극적이거나 천박하지는 않습니다; 아마도 가장 유명한 오페라 코미크인 카르멘은 비극입니다.

용어사용

카르멘 포스터, 아마도 가장 유명한 오페라 코미크일 것입니다.

opéra comique라는 용어는 의미가 복잡하고 단순히 "코믹 오페라"로 번역될 수 없습니다. 이 장르는 18세기 초 파리 박람회의 극장에서 공연된 유머러스하고 풍자적인 연극과 이미 존재하는 음악에 새로운 단어를 설정하는 것으로 시작되었습니다. 오페라 코미크 엔 보데빌 등의 표현은 이러한 초기 단계의 작품들에 자주 적용되었습니다. 18세기 중반, 작곡가들은 이탈리아 오페라의 가벼운 유형(특히 지오반니 바티스타 페르골레시의 라 서바 파드로나)의 영향을 받아 보드빌을 대체할 독창적인 음악을 작곡하기 시작했습니다. 이러한 형태의 오페라 코미크는 종종 comédie mélée d'ariets로 알려졌지만, 그것이 다루는 주제의 범위는 단순한 만화를 넘어 확장되었습니다. 19세기까지 오페라 코미크는 종종 파리 오페라 극장에서 레치타티보 전달이 있는 작품과는 달리, 오페라 코미크 극장에서 공연되는 구어 대사가 있는 작품 이상의 의미를 갖지 않았습니다. 그러므로, 아마도 모든 오페라스 만화들 중에서 가장 유명한 조르주 비제의 카르멘은 비극적인 주제에 관한 것입니다. 엘리자베스 바틀렛(Elizabeth Bartlet)과 리처드 랭햄 스미스(Richard Langham Smith)가 이 주제에 대한 그로브(Grove) 기사에서 언급한 바와 같이, 작곡가들과 자유주의자들은 더 정확한 레이블을 선호하기 위해 종종 오페라 코미크(opéra comique)라는 우산 용어의 사용을 거부했습니다.[1][2]

역사

비기닝스

오페라 코미크는 18세기 초에 두 개의 파리 박람회인 푸아르 생제르맹과 푸아르 생로랑에서 시작되었습니다. 여기 연극들은 새로운 단어들로 채워지는 기존의 대중적인 곡조였던 보드빌(vaudvilles)이라고 불리는 뮤지컬 넘버들을 포함하기 시작했습니다. 이 연극들은 유머러스했고 종종 코메디 프랑세즈와 같은 공식 공연장에 대한 풍자적인 공격을 담았습니다. 1715년에 두 개의 박람회 극장은 '오페라 코미크 극장'이라는 기관의 지원 하에 지어졌습니다. 경쟁 극장들의 격렬한 반대에도 불구하고, 그 모험은 번창했고 알랭 르네 레사지와 알렉시스 피론을 포함한 당시의 주요 극작가들이 새로운 형태로 작품을 기고했습니다.[1][3][4]

18세기 후반

프랑스와 이탈리아 음악의 옹호자들 사이의 다툼인 부폰 음악가들 (1752–54)은 오페라 코미크의 주요한 전환점이었습니다. 철학자이자 음악가인 장 자크 루소와 같은 친이탈리아파의 구성원들은 페르골레시의 라 서바 파드로나로 대표되는 이탈리아 코믹 오페라(오페라 부파)의 단순함과 "자연스러움"을 지지하며 장 필립 라모의 비극 음악으로 대표되는 심각한 프랑스 오페라를 공격했습니다. 최근 파리에서 순회공연중인 이탈리아 극단에 의해 공연된 적이 있습니다. 1752년, 루소는 음악적 단순함과 자연스러움에 대한 그의 생각을 프랑스에 소개하기 위한 시도로 페르골레시의 영향을 받은 짧은 오페라를 만들었습니다. 그것의 성공은 푸아레 극장들의 관심을 끌었습니다. 이듬해 생로랑 극장장 장 모네는 작곡가 앙투안 도베르뉴에게 라서바 파드로나 스타일의 프랑스 오페라 제작을 의뢰했습니다. 그 결과, 몽넷은 프랑스어에 능통한 비엔나에 거주하는 이탈리아 작곡가의 작품으로 유명해진 레스트로퀴르스(Lestroqueurs)를 폐사하고 이탈리아 음악의 빨치산들을 속여 따뜻한 환영을 보냈습니다. 도베르뉴의 오페라는 단순한 줄거리와 일상적인 캐릭터, 이탈리아어 멜로디를 가지고 있으며, 오래된 곡조를 재활용하기 보다는 새로운 음악을 작곡하는 패션을 설정하면서 이후의 오페라 코미크에 큰 영향을 미쳤습니다. 그러나 그것이 후대의 오페라스 코미크와 다른 점은 그것이 음성 대화를 포함하지 않았다는 것입니다. 여기서 Dauvergne은 Pergolesi의 Laserva padrona의 예를 따르고 있었습니다.[1][5]

프랑스 혁명 이전의 오페라 코미크의 가장 유명한 작곡가 앙드레 그레트리

보드빌을 대체하는 짧고 기억하기 쉬운 멜로디는 아리엣으로 알려졌고 18세기 후반에 많은 오페라스 코미케가 양식화되었습니다. 그들의 소설가들은 종종 극작가였고, 극장의 최신 트렌드를 따라가는 데 능숙했습니다. 루이 앙수메, 미셸 장 세데인, 찰스 사이먼 파바트는 이 드라마 작가들 중 가장 유명한 사람들 중 하나였습니다.[4] 1750년대와 1760년대의 유명한 오페라스 코미크 작곡가로는 에기디오 두니, 피에르 알렉상드르 몽시니, 프랑수아 앙드레 다니칸 필리도르 등이 있습니다. 파르마의 프랑코필 궁정에서 일하는 이탈리아인 두니는 1757년에 안세움의 리브레토와 함께 Le peintre a moureux de son modèle을 작곡했습니다. 그것의 성공은 그 작곡가가 영구적으로 파리로 이주하게 했고 그는 프랑스 무대를 위해 20개 이상의 작품을 썼습니다.[6] Monsigny는 심각한 사회적, 정치적 요소와 코미디를 혼합한 작품에서 Sedaine과 협력했습니다. Leoi et le fermier (1762)는 서민의 미덕과 자유와 평등의 필요성과 같은 계몽주의 주제를 담고 있습니다. 그들의 가장 큰 성공작인 Le déserteur (1769)는 군대를 떠난 것으로 사형 선고를 받은 한 군인의 이야기에 관한 것입니다.[7] 필리도르의 가장 유명한 오페라 코미크는 헨리 필딩의 1749년 동명 소설을 바탕으로 한 톰 존스(1765)였습니다. 현실적인 캐릭터와 많은 앙상블로 유명합니다.[8][9]

18세기 후반 오페라 코미크의 가장 중요하고 인기 있는 작곡가는 안드레 그레트리였습니다. 그레트리는 성공적으로 이탈리아어의 가락과 프랑스어의 세심한 설정을 혼합했습니다. 그는 동양 동화 Zémire et Azor (1772)부터 Midas의 음악 풍자 (1778) 그리고 L'amant Jaloux (1778)의 국내 익살극 (또한 1778)까지 다양한 주제를 다루도록 오페라 코미크의 범위를 확장한 다재다능한 작곡가였습니다. 그의 가장 유명한 작품은 역사적인 "구조 오페라"인 Richard Cour-de-lion (1784)으로, 1786년 런던과 1797년 보스턴에 도달하여 국제적인 인기를 얻었습니다.[10][11]

1724년에서 1762년 사이에 오페라 코미크 극장은 푸아레 생제르맹에 위치했습니다. 1762년 회사는 코메디-이탈리아인과 합병되어 호텔 드 부르고뉴로 이전했습니다. 1783년에는 이탈리아의 극장(Theétre Italien)에 더 큰 집이 지어졌습니다.

혁명과 19세기

1797년 체루비니의 메데 전집 초판 제목 페이지

프랑스 혁명은 파리의 음악 생활에 많은 변화를 가져왔습니다. 1793년, 코메디-이탈리아니엔의 이름은 오페라-코미크로 바뀌었지만, 더 이상 구어체 대사가 있는 오페라를 공연하는 데 독점권을 갖지 못했고, 오페라 코미크 양식의 작품들을 제작한 테아트르 페이도와 심각한 경쟁에 직면했습니다. 오페라 코미크는 일반적으로 더 극적이고 덜 코믹해졌으며 음악적 낭만주의의 영향을 보여주기 시작했습니다.[4] 혁명 시대의 오페라 코미크의 주요 작곡가들은 에티엔 메훌, 니콜라스 달레이락, 로돌프 크로이처, 앙리-몽탄 베르통이었습니다. 그들은 루이지 케루비니, 피에르 기보, 장 프랑수아 르 수에르, 프랑수아 데비앙을 포함했습니다.[13] 특히 Méhul (예: Stratonice, 1792; Ariodant, 1799), Cherubini (Lodo ïska, 1791; Médée, 1797; Les Deux journé, 1800), Le Sueur (La caven, 1793)의 작품들은 심각한 프랑스 오페라, 특히 Gluck의 영향과 이전에 금기시되었던 주제들을 기꺼이 맡으려는 의지를 보여줍니다. 1794년 체루비니의 유명한 메데에서 영아살해). 이전 세대의 음악보다 오케스트레이션과 조화가 더 복잡하며, 대화의 양을 줄이기 위한 시도가 이루어지고, "기억 모티프"(인물이나 아이디어를 나타내는 음악적 주제의 반복)와 같은 기술에 의해 통일성이 제공됩니다.[4]

1801년 오페라코미크와 페이도는 재정적인 이유로 합병했습니다. 나폴레옹의 통치하에서 더 안정적인 변화하는 정치적 풍토는 코미디가 오페라 코미디로 다시 스며들기 시작하면서 음악적 패션에 반영되었습니다. Boieldieu (Lecalife de Bagdad, 1800년)와 Isouard (Cendrillon, 1810년)의 더 가벼운 새로운 공물은 큰 성공을 거두었습니다.[4] 당시 파리 관객들은 또한 이탈리아 오페라를 사랑했는데, 이탈리아 극장을 방문하여 오페라 부파와 새로 유행한 벨칸토 스타일의 작품들, 특히 로시니의 명성이 유럽 전역을 휩쓸고 있었습니다. 로시니의 영향력은 프랑스 오페라 코미크에 스며들기 시작했습니다. 그 존재감은 보이디외의 가장 위대한 성공작인 '라담 블랑쉬' (1825)와 오베르 (프라 디아볼로, 1830; 르 도미노누아르, 1837), 페르디난드 헤롤드 (잠파, 1831), 아돌프 아담 (르 포스티용 드 론쥬모, 1836)의 후기 작품에서도 느껴집니다.[14]

참고 항목

참고문헌

메모들

  1. ^ a b c d M. 엘리자베스 C. 바틀렛과 리처드 랭햄 스미스. "오페라 코미크", 그로브 뮤직 온라인. Oxford Music Online. 2009년 11월 19일
  2. ^ Warrack & Temperley 2002, 862, 889쪽.
  3. ^ 파커 1994, 91-94쪽.
  4. ^ a b c d e 그로브[incomplete short citation]
  5. ^ 파커 1994, 93-94쪽.
  6. ^ 홀든, Duni에 관한 기사, 294쪽
  7. ^ 홀든, 몬시니 674쪽 기사
  8. ^ Holden, Philidor에 관한 기사, pp. 775–777
  9. ^ 파커 1994, 94-95쪽.
  10. ^ 파커 1994, 페이지 91–94, 114–18.
  11. ^ 그레트리에 관한 홀든 기사.
  12. ^ 파커 1994, 91쪽, 114쪽.
  13. ^ 파커 1994, 127쪽
  14. ^ 파커 1994, 135-37쪽.

원천

  • 홀든, 아만다 (Ed.) (2001), 뉴 펭귄 오페라 가이드, 뉴욕: 펭귄 퍼트넘. ISBN0-14-029312-4
  • Parker, Roger, ed. (1994). The Oxford Illustrated History of Opera. Oxford University Press. ISBN 978-0-19-816282-7.
  • Warrack, John; Temperley, Nicholas (2002). Alison Latham (ed.). The Oxford Companion to Music. Oxford University Press. ISBN 978-0-19-866212-9.