종교 예술

Religious art
9세기 비잔틴 모자이크(비잔틴 모자이크)는 최초의 유체이노카스틱 모자이크 중 하나인 성모 마리아와 차일드 이미지를 보여준다. 그것은 6세기의 원래 황금 바탕에 반하여 세워졌다.

종교 예술은 종교적 영감과 모티브를 이용한 예술적 형상이며, 종종 정신을 영적으로 고양시키기 위해 의도된다. 신성한 예술은 예술가의 종교적 전통 안에서 영적 실현의 경로의 의식과 컬트적 관행과 실용적이고 운영적인 측면들을 포함한다.

불교 미술

스리랑카의 불상.

불교 미술은 기원전 6~5세기 고타마 싯다르타의 역사적 삶을 따라 인도 아대륙에서 유래되었고, 이후 아시아와 전 세계로 퍼져나가면서 다른 문화와의 접촉에 의해 진화되었다.

불교 미술은 달마가 각 새로운 주최국에서 퍼져나가고 각색되고 진화하면서 신자들을 따랐다. 중앙아시아를 거쳐 북쪽으로, 동아시아로 발전하여 불교미술의 북부를 형성하였다.

불교 미술은 동남 아시아에 이르기까지 동쪽으로 이어져 불교 미술의 남부를 형성하였다.

티베트 불교 예술의 한 예: 탕카 Vajrabhairava, c. 1740

인도에서는 불교 미술이 번창하고 힌두 미술의 발전에까지 영향을 미쳤는데, 힌두교와 함께 이슬람교가 활발히 확장되면서 10세기경 인도에서는 불교가 거의 사라지게 되었다.

티베트 불교 미술

대부분의 티베트 불교 미술 형식은 금강야나 또는 불교의 탄트라와 관련이 있다. 티베트 예술탕카와 만다라를 포함하며, 종종 부처보살의 묘사를 포함한다. 불교 미술의 창조는 명상으로서뿐만 아니라 명상의 보조물로서 대상을 창조하는 것이 보통이다. 그 예로 수도승들이 모래 만달라를 만든 것이 있다; 건축기도 전후에 암송되고, 만달라의 형태는 마음을 단련하기 위해 명상된 부처의 순수한 주변환경(팔락)을 나타낸다. 그 작품은 비록 그렇더라도 작가의 서명이 있는 경우는 드물다. 다른 티베트 불교 미술은 금강이나 푸르바와 같은 금속제 의례를 포함한다.

인도의 불교 미술

서기 5세기경부터의 불교 동굴벽화의 활력이 그 어느 곳보다 생생하게 느껴지는 곳이 두 곳 있다. 하나는 1817년 발견되기 전까지 오랫동안 잊혀졌던 인도의 유적지 아잔타다. 다른 하나는 '둔황'인데, '실크로드'에 초소를 세운 위대한 오아시스 중 하나지...그림은 부처의 차분한 일탈 이미지에서부터 생동감 있고 붐비는 장면에 이르기까지 다양하며, 종종 인도 조각에서 그림보다 인도 조각에서 더 친숙한 유혹적으로 풀브레스트를 입은 여자들을 묘사한다.[1]

기독교 미술

기독교의 신성한 예술은 다른 정의는 가능하지만 기독교의 원리를 유형적인 형태로 설명, 보완, 그리고 묘사하려는 시도로 제작된다. 그것은 세상의 다른 믿음들과 그것이 어떻게 생겼는지 이미지를 만드는 것이다. 일부 기독교 단체들은 어떤 형태의 종교적인 이미지에 대해 강한 반감을 가지고 있지만, 대부분의 기독교 단체들은 예술을 사용하거나 어느 정도 사용해 왔다. 그리고 기독교 내에서는 주요 우상화 기간도 있었다.

대부분의 기독교 예술은 난해하거나 의도된 관찰자에게 익숙한 주제를 중심으로 만들어졌다. 예수의 모습과 그리스도의 삶에서 나오는 서술적 장면들이 가장 흔한 주제인데, 특히 십자가 위의 그리스도의 모습이 그렇다.

구약성서의 장면들은 대부분의 기독교 종파의 예술에 한 몫을 한다. 어린 예수를 안고 있는 성모 마리아와 성도들의 모습은 로마 가톨릭이나 동방 정교회보다 개신교 예술에서 훨씬 드물다.

문맹자의 이익을 위해, 장면을 결정적으로 식별하기 위해 정교한 형상 시스템이 개발되었다. 예를 들어, 성 아그네스는 양으로, 성 베드로와 열쇠로, 성 패트릭은 엉터리 돌로 묘사되었다. 각각의 성자는 신성한 예술에 있는 속성과 상징을 가지고 있거나 관련된다.

역사

버진 앤 차일드. 4세기 로마시대 초기의 벽화.

초기 기독교 예술은 기독교의 기원에 가까운 시대에서 살아남는다. 현존하는 가장 오래된 기독교 그림은 70년 전후의 메가도 유적지에서 나온 것이며, 가장 오래된 기독교 조각상은 2세기 초엽의 석관파기에서 나온 것이다. 콘스탄티누스 기독교 미술에 의한 기독교의 채택까지는 그 양식과 그 우상화의 상당 부분을 로마의 대중 예술에서 유래하였지만, 이때부터 황실의 후원으로 건축된 웅대한 기독교 건물들은 로마 엘리트와 공식 예술의 기독교적 버전의 필요성을 가져왔고, 그 중 로마 교회의 모자이크는 가장 두드러진 생존이다.ng의 예

비잔틴 제국(비잔틴 미술 참조)에서 초기 기독교 미술이 발달하는 동안, 보다 추상적인 미학이 이전에 헬레니즘 미술에서 확립된 자연주의를 대체했다. 이 새로운 스타일은 상형적인 것으로, 그것의 주된 목적은 물건과 사람을 정확하게 표현하기 보다는 종교적 의미를 전달하는 것이었다는 것을 의미한다. 실제적인 관점, 비율, 빛, 색상은 형태에 대한 기하학적 단순화, 역원근법 및 개인과 사건을 묘사하기 위한 표준화된 규약을 위해 무시되었다. 그라비언 이미지 사용 논란, 제2계명에 대한 해석, 비잔틴 아이코클로즘의 위기는 동방 정교회 내에서 종교적인 이미지의 표준화로 이어졌다.

산드로 보티첼리(1470)가 그린 '천사와 함께 하는 마돈나'의 예로서, 플로렌스의 르네상스 기간 중 가톨릭 교회가 의뢰한 작품(보스턴, 이사벨라 스튜어트 가드너 박물관)

르네상스는 기념비적인 세속적인 작품들이 증가했지만, 개신교 개혁 기독교 예술이 교회와 성직자들을 위해 그리고 평신도들을 위해 계속해서 대량으로 제작되기 전까지는 말이다. 이 시기에 미켈란젤로 부오나로티시스티나 성당을 그리고 유명한 피에타를 조각했는데, 지안로렌조 베르니니에서 거대한 기둥을 만들었다. 베드로 대성당레오나르도빈치최후의 만찬을 그렸다. 종교개혁은 기독교 미술에 영향을 미쳐 개신교 국가들에서 공공 기독교 미술의 생산을 급속히 중단시켰고, 이미 존재했던 미술의 대부분을 파괴시켰다.

19세기 서유럽에서 세속적이고 비종교적인 보편적인 예술 관념이 생겨나면서 세속적인 예술가들은 때때로 기독교적 주제(부게뢰, 마네)를 다루었다. 역사 캐논(루오스탠리 스펜서 같은)에 기독교 예술가가 포함된 경우는 드물었다. 그러나 에릭 길, 마크 샤갈, 앙리 마티스, 제이콥 엡스타인, 엘리자베스 프링크, 그레이엄 서덜랜드와 같은 많은 현대 예술가들이 교회를 위한 유명한 예술 작품을 제작했다.[2] 프리츠 우흐데는 기독교에 대한 사회적 해석을 통해 생활 속 평범한 장소에서 예수를 묘사함으로써, 성스러운 예술에 대한 관심도 되살렸다.

인쇄술의 등장 이후 경건한 작품의 복제품 판매는 기독교 대중문화의 주요 요소였다. 19세기에는 미할리 뮌카시 같은 장르 화가들이 여기에 포함되었다. 컬러 석판화의 발명은 성스러운 카드의 광범위한 유통을 이끌었다. 현대에는 미술계에서 키치(kitch)로 널리 인정받았지만 토마스 블랙셰어, 토마스 킨케이드 등 현대 상업 기독교 예술가를 전문으로 하는 회사들이 크게 성공했다.[3]

20세기 후반과 21세기 전반에는 그리스도에 대한 믿음을 주장하는 예술가들이 세속적인 예술계의 존경을 받을 가치가 있는 신앙, 그리스도와 하나님, 교회, 성경, 그 밖의 고전적인 기독교적 주제를 중심으로 예술을 재정립하기 위해 집중적인 노력을 기울였다. 후지무라 마코토와 같은 예술가들은 신성한 예술과 세속적인 예술 모두에서 상당한 영향력을 행사해왔다. 다른 유명한 예술가들로는 래리 D가 있다. 알렉산더, 게리 P. 베르겔, 카를로스 카자레스, 브루스 허먼, 데보라 소콜로브, 존 어거스트 스완슨.[4]

유교 예술

유교 예술공자의 글에서 영감을 받은 예술이며, 유교적 가르침이다. 유교 예술은 중국에서 시작되었고, 이후 실크로드에서 서쪽으로, 남쪽으로 중국 남부까지, 그리고 동남아시아로, 그리고 동쪽으로는 중국 북부를 거쳐 일본한국으로 퍼져나갔다. 인도네시아 내에서 여전히 강한 영향력을 유지하고 있지만 서양 미술에 대한 유교적 영향력은 제한적이었다. 유교적 주제가 중국 미술 중심지에서 대표성을 누렸지만, 도교불교의 영향을 받거나 영향을 받은 미술품의 수에 비해 적은 편이다.[5]

힌두 예술

힌두교10억 명의 추종자를 거느리고 있으며, 세계 인구의 약 15%를 차지하고 있으며, 따라서 힌두교는 예술에 의해 영향을 받는 삶의 다양한 측면들로 가득 차 있다. 음악의 고전으로 시작하여 보석 적용과 장식까지 이르는 64개의 전통 예술이 뒤따른다. 종교와 문화는 신과 그들의 환생과 같은 힌두교의 반복적인 상징과 불가분의 관계에 있기 때문에 연꽃, 여분의 팔다리는 물론 전통 예술까지도 많은 조각, 그림, 음악, 춤에 등장한다.

이슬람 예술

이슬람 신성한 예술의 표본: 튀니지 카이루앙의 대 모스크에서 미랍(기도 틈새) 윗부분을 9세기 광택기 타일로 장식하고 식물성 모티브를 서로 얽어 그렸다.

종교 예술에서 대표적 이미지를 묘사하는 것을 금지하는 것뿐만 아니라 아랍 문자의 자연 장식적인 특성 또한 서예의 최소화를 사용하게 했는데, 서예는 보통 질서와 자연의 이상을 표현하는 기하학적 패턴과 식물학적 형태(아랍어)를 반복하는 것을 포함한다. 이것들은 종교 건축, 카펫, 그리고 손으로 쓴 문서에 사용되었다.[6] 이슬람 예술은 이러한 균형 잡힌 조화로운 세계관을 반영했다. 육체적 형태보다는 정신적 본질에 초점을 맞춘다.

이슬람 역사를 통한 잠재적인 아이돌 숭배에 대한 혐오가 있었던 반면, 이는 분명히 현대 수니파 견해다. 이슬람의 무함마드와 천사에 대한 중세 묘사와 함께 페르시아미니어처들은 현대 수니파 전통과는 정반대의 두드러진 사례로 꼽힌다. 또한, 시아 이슬람교도들은 예의가 바르게 표현되는 한 예언자의 그림을 포함한 인물 묘사에 대해 훨씬 덜 혐오한다.

그림 표현

살아 있는 존재의 표현에 대한 이슬람의 저항은 궁극적으로 생물의 형성이 신에게만 고유한 것이라는 믿음에서 비롯된다. 영상과 영상 제작자의 역할이 논란이 된 것도 이 때문이다.

예술적 묘사를 주제로 한 가장 강력한 진술은 하디스(예언자의 전통)에서 이뤄지는데, 여기서 화가들은 자신의 창작물에 '생명을 불어넣어야 한다'는 도전을 받고 심판의 날에 처벌을 받게 된다.

16세기 중반의 페르시아 융단 타브리즈(Tabriz)의 아르달빌 카펫은 천국이라는 이슬람의 상징성을 반영하는 방식으로 형성된 꽃밭을 묘사하고 있다.

쿠란은 구체적이지는 않지만 우상 숭배를 비난하며 아랍어 용어인 무사위르("형태의 제작자" 또는 예술가)를 신의 대명사로 사용한다. 부분적으로 이러한 종교적 정서의 결과로 회화 속의 인물들이 양식화되고, 경우에 따라서는 조형 미술품의 파괴가 발생하기도 하였다. 이코노클라즘은 이전에 비잔틴 시대에 알려져 있었고, 비오노클라즘은 유대 세계의 특징이었기 때문에, 더 큰 맥락 안에 있는 비유적 표현에 이슬람의 반대를 두었다. 그러나, 장식으로서, 인물들은 대체로 더 큰 의미가 없었고, 따라서 아마도 덜 도전적인 모습을 보였다.[7] 다른 형태의 이슬람 장식과 마찬가지로 예술가들은 인간과 동물의 기본 형태를 자유롭게 개작하고 스타일화하여 다양한 무화학적 디자인을 탄생시켰다.

아라베스크

서예

서예는 이슬람 예술에서 높이 평가되는 요소다. 쿠란은 아랍어로 전달되었고, 아랍어 문자 안에 내재되어 있는 것은 장식적인 형태의 잠재력이다. 장식품으로 서예를 고용하는 것은 분명한 미적 매력을 지녔지만 종종 밑바탕에 있는 부적을 포함하기도 했다. 대부분의 예술 작품들이 읽을 수 있는 비문을 가지고 있지만, 모든 이슬람교도들이 비문을 읽을 수는 없었을 것이다. 그러나, 서예는 비록 장식적인 형태이긴 하지만, 주로 텍스트를 전달하는 수단이라는 것을 항상 명심해야 한다.[8] AD 5세기와 6세기의 단순하고 원시적인 초기 사례에서, 아랍 문자는 7세기 이슬람이 부상한 후 급속도로 발전하여 아름다운 예술의 형태로 발전하였다. 서예 양식의 주요 두 가구는 일반적으로 쿠픽이라고 불리는 건조한 양식과 나스키, 툴루트, 나스탈리크 등을 포함한 부드러운 필기체 양식이었다.[9]

기하학

기하학적 무늬는 이슬람 예술에서 세 가지 비구조적 형태의 장식을 구성한다. 고립되거나 비구조적 장식이나 무화과적 표현과 결합하여 사용되든 기하학적 패턴은 주로 음극적 품질 때문에 이슬람 예술과 대중적으로 연관되어 있다. 이러한 추상적인 디자인은 기념비적인 이슬람 건축의 표면을 장식할 뿐만 아니라, 모든 종류의 물체들에 주요한 장식 요소로서 기능한다.[10]

자인아트

자인 예술은 자인주의와 관련된 종교적인 예술 작품을 말한다. 비록 재인주의가 인도의 일부 지역에만 퍼졌지만, 그것은 인도의 예술과 건축에 상당한 기여를 했다.[11]

시크교 예술

시크교도들의 예술, 문화, 정체성, 사회는 서로 다른 시크교도들의 지역성과 민족성을 '아그라하리 시크교도' '다크니 시크교도' '아삼세 시크교도'와 같은 범주로 통합했지만, '정치 시크교'라고 표현할 수 있는 틈새 문화 현상이 나타났다. 아마르지엣 카우르 난드라,[12] 암리트와 라빈드라 카우르 싱(The Singh Twins)과 같은 디아스포라 시크스의 예술은 부분적으로 시크 영성과 영향력에 의해 알려진다.[13]

도교 예술

도교 예술(도교 예술이라고도 함)은 "단순하고 정직하며 자연과 조화를 이루며 살아간다"[14]는 노자(노자라고도 함)의 도교 철학과 내러티브와 관련이 있다.

참고 항목

참조

  1. ^ "History Of Buddhism". Historyworld.net. Retrieved 2013-09-06.
  2. ^ Beth Williamson, Christian Art: 매우 짧은 소개, 옥스퍼드 대학 출판부(2004), 110페이지.
  3. ^ 신시아 A. 프리랜드, 하지만 예술인가? 옥스퍼드 대학 출판부(2001), 95페이지의 미술 이론 소개
  4. ^ Buenconsejo, Clara (21 May 2015). "Contemporary Religious Art". Mozaico. Archived from the original on 29 September 2015. Retrieved 2 June 2015.
  5. ^ Karetzky, Patricia (2014). Chinese Religious Art. Lanham, MD: Lexington Books. p. 127. ISBN 9780739180587.
  6. ^ "Islamic Art – Islamic Art of Calligraphy and Arabesque". Archived from the original on 2004-02-18. Retrieved 2014-02-11.
  7. ^ "Figural Representation in Islamic Art Thematic Essay Heilbrunn Timeline of Art History". Metropolitan Museum of Art. Retrieved 2013-09-06.
  8. ^ "Calligraphy in Islamic Art Thematic Essay Heilbrunn Timeline of Art History". Metropolitan Museum of Art. Retrieved 2013-09-06.
  9. ^ "Art of Arabic Calligraphy". Sakkal. Retrieved 2013-09-06.
  10. ^ "Geometric Patterns in Islamic Art Thematic Essay Heilbrunn Timeline of Art History The Metropolitan Museum of Art". Metmuseum.org. Retrieved 2013-09-06.
  11. ^ 쿠마르 2001, 페이지 1. (
  12. ^ 섬유아티스트 아마르지트 카우르 난드라
  13. ^ 리버풀 페스티발을 시작한 싱 트윈스 아트
  14. ^ 오귀스틴, 비르기타 "도이즘과 도이스트 아트." 헤이즐브룬 미술사 연대표에서. 뉴욕: 메트로폴리탄 미술관, 2000–. http://www.metmuseum.org/toah/hd/daoi/hd_daoi.htm (2011년 12월)

추가 읽기

외부 링크