유포니움 레퍼토리

Euphonium repertoire
미국 서비스 밴드에서 일반적으로 사용되는 프로페셔널 모델인 윌슨 2900 euphonium

유포니움 레퍼토리는 독주 문학과 밴드 부분, 또는 드물게 유포니움을 위해 작곡된 오케스트라 음악으로 구성되어 있다.1843년 발명된 이래, 유포니움은 앙상블에서 항상 중요한 역할을 해왔지만, 1960년대까지 단 몇 개의 가벼운 솔로들로만 구성된 솔로 문학은 등장하기가 느렸다.하지만 그 이후 독주곡의 폭과 깊이가 급격히 늘어났다.

앙상블 레퍼토리

인밴드

이력

바이마르의 페르디난드 소머에 의해 발명되었을 때, 유포늄은 이전의 뱀과 오피클라이드에 비해 음역이 넓고 그 음역 전체에 걸쳐 일관되게 풍부하고 기분 좋은 소리를 가지고 있음이 분명했다.그것은 음질과 억양 모두에서 유연했고 다양한 앙상블과 잘 어우러져 금관악기, 특히 [1]영국에서 주요한 테너 음성의 독주 악기로 작곡가들과 지휘자들에게 즉시 인기를 얻었다.브라스 밴드를 위해 작곡을 했던 영국 작곡가들이 20세기 초에 콘서트 밴드로 관심을 돌리기 시작했을 때, 그들은 매우 비슷한 역할에 euphonium을 사용했다.예를 들어, Gustav Holst는 밴드를 위한 그의 첫 번째와 두 번째(1911) 스위트곡에서 유포니움을 위한 매우 중요한 솔로곡을 썼고, 비슷한 서정적인 솔로곡은 퍼시 그레인저와 랄프 본 윌리엄스의 1920년대와 30년대의 많은 곡들에 등장한다.

1930년대와 40년대에 미국 작곡가들도 콘서트 밴드를 위한 곡을 독자적인 예술 매체로 쓰기 시작했을 때, 그들은 유포늄을 주요한 독주곡 중 하나로 사용하는 영국의 전통을 이어갔다.1943년부터의 아놀드 쇤베르크의 주제와 변주곡과 사무엘 바버의 특공대 행진곡은 모두 유포니움을 위한 매우 두드러지고 서정적인 솔로곡을 가지고 있다; 로버트 러셀 베넷의 올드 아메리칸 댄스 모음 (1949)은 짧은 솔로곡과 매우 활발한 기술적 글을 가지고 있으며, 그리고 윌리엄 슈만의 새로운 트리만의 두 번째 악장 "예수가 눈물을 흘렸을 때"가 있다.56)는 주로 유포늄과 코넷을 위한 유포늄 솔로와 서정적인 듀엣이다.이 모든 곡들은 오늘날에도 여전히 콘서트 밴드의 핵심 레퍼토리에 있으며, 이 솔로곡들은 유포늄 발췌곡의 핵심을 이루고 있다.

오늘은

이것은 작곡가들이 그때나 지금이나 그것의 서정적인 능력 때문에 유포니움을 중시했다고 말하는 것이 아니다.실제로 많은 콘서트 밴드 문헌을 살펴보면, 유포늄은 모든 분야의 잭으로 기능하고 있으며, 때로는 옥타브로 튜바를 두 배로 늘리고, 때로는 트롬본 부분에 온기를 더하고, 때로는 호른 라인에 깊이를 더하고, 때로는 빠른 목관악 라인에 힘을 더하고 있다.일반적으로, 관용적인 유포늄 부분은 매우 활동적인 경향이 있고, 휴식을 거의 취하지 않고 넓은 범위를 커버합니다.

많은 면에서, 콘서트 밴드 작문에서 유포늄의 역할은 지난 수십 년 동안 크게 변하지 않았다; 솔로 악기로써, 그것은 여전히 작곡가들에게 인기가 있고, 여전히 다재다능한, 만능의 역할로 계속되고 있다.유포늄 작곡에서 브라스 밴드 전통의 영향은 영국 작곡가 피터 그레이엄, 존 골랜드, 마틴 엘러비, 필립 스파크, 개러스 우드의 브라스 밴드와 콘서트 밴드 곡 모두에서 많은 유포늄 솔로곡에서 뚜렷하게 나타난다; 현대 미국 밴드 작곡가들, 로버트 W. 스미스, 데이비드 마스란카, 휘트햄, 휘트햄.e와 제임스 커노우는 특히 유포늄을 독주 악기로 사용하는 것을 즐기는 것 같다.가레스 우드 협주곡은 https://archive.org/details/EuphoniumConcerto2006GarethWoodWorldPremierecompleteDr.Stephen에서 들을 수 있다.

오케스트라 내

비록 오피클라이드의 결핍이 19세기 중반에 유포늄과 튜바를 발생시켰지만, 튜바는 관현악기로 받아들여진 지 오래지만, 유포늄은 전혀 그렇지 않았다.비록 이 유포니움은 초창기부터 작곡가들과 밴드 설정에서 편곡자들에 의해 받아들여졌지만, 오케스트라 작곡가들은 일반적으로 그것의 능력을 이용하지 않았다.그럼에도 불구하고, 작곡가들이 테너 튜바, 독일 테너호른, 바그너 튜바 또는 프랑스 튜바를 C로 부르는 표준 레퍼토리에 있는 몇몇 오케스트라 작품들이 있다.

돈키호테의 충실한 동반자 산초 판자는 리하르트 스트라우스의 어명인 음색시에서 유포니움으로 묘사된다.

이 모든 경우에 작곡가가 원하는 효과는 테너 음성의 밸브드 금관악기의 효과였다. 그리고 이러한 경우 대부분의 경우, 유포늄은 악기가 구식(프랑스어 C 튜바), 사용할 수 없거나(테너 튜바), 또는 바람직하지 않을 수 있기 때문에(와그너 튜바)로 대체된다(와그너 튜바(Wagner tuba)[2]

대표적인 것이 리하르트 슈트라우스의 음색시 돈키호테(1897년)와 아인 헬덴레벤(1898년)으로, 이들은 원래 바그너 튜바를 위해 작곡되었지만, 바그너 튜바에 대한 연주가 만족스럽지 못한 것으로 판명된 후 슈트라우스의 [2]승인을 받아 유포늄으로 재작곡되었다.구스타프 말러는 그의 교향곡 7악장 (1906년)의 첫 악장에서 테너호른을 위해 매우 유명한 독주를 작곡했다.Gustav Holst는 그의 모음곡 The Planets (1914-16)의 세 악장 (화성, 목성, 천왕성)에서 테너 튜바를 사용했습니다.마지막으로 레오시 야나체크의 가장 유명한 작품인 신포니에타는 두 개의 유포늄 파트를 사용한다.야나체크의 또 다른 인기작인 카프리시오는 내내 눈에 띄는 유포늄 부분을 사용하고 있다.오늘날, 이 모든 부분들은 관습적으로 유포늄으로 연주되고, 각각의 경우에, 요구되는 악기는 독주적인 역할과 금관악기의 일부로 쓰이기 위해 쓰여집니다.

게다가 랄프 본 윌리엄스, 퍼시 그레인저, 아놀드 백스 등 제2차 세계대전 이전의 많은 영국 작곡가들이 1부가 유포늄으로 [2]연주된다는 것을 알고 두 개의 튜바 파트로 구성된 오케스트라 곡을 작곡했다.마지막으로, 표준 레퍼토리에는 없지만 작곡가가 특별히 유포니움을 요구하는 오케스트라 곡들이 몇 개 있다.그 중에는 드미트리 쇼스타코비치의 발레 '황금시대' 악보, 레너드 번스타인의 오케스트라를 위한 데베르티멘토, 영국 작곡가 헤이버갈 브라이언, 미국인 로이 해리스, 그리고 아직 살아있는 핀란드 작곡가 칼레비 아호의 [3]교향곡도 포함되어 있다.

영어 테너호른과는 달리 바리톤호른에 가깝다.

관현악 작품 목록

다음은 유포늄(독일어: "테노르투바" 또는 "테노르호른")을 사용하는 오케스트라 작품의 일부 목록입니다.

솔로 레퍼토리

관악대와 오케스트라에서 광범위한 유포늄을 사용하는 오랜 관행과는 대조적으로, 약 40년 전까지만 해도 유포늄을 위해 특별히 쓰여진 독주 문학은 문자 그대로 없었고, 유포늄 연주자들은 다른 악기의 문학을 빌려야 했다.다행히 위에서 설명한 악기의 다면적인 기능을 감안할 때, 많은 다른 악기에 대한 솔로는 유포늄의 성능에 쉽게 적응할 수 있습니다.

문자 변환

유포늄의 가장 흔한 문자 변환의 원천은 코넷, 보컬, 첼로, 바순, 트롬본 레퍼토리다.어느 경우든, 사람들은 읽기 쉽고 연주하기 쉬운 공통점을 볼 수 있다: 첼로와 바순은 둘 다 습관적으로 베이스 음질로 읽어서 쉽게 적응할 수 있게 한다; 보컬 솔로는 자연스럽게 유포늄의 노래 품질에 적합하다; 그리고 유포니스트는 코넷 연주자가 사용하는 것과 같은 손가락을 사용할 수 있다.

코넷

아마도 유포니움에서 연주된 최초의 솔로곡은 코넷 문자, 특히 장밥티스트 아르반의 코르넷을 위한 완전한 방법 뒤에 있는 것과 같은 인기 있는 곡들에 대한 변형이었다.조금 후, 20세기 초에, 미국의 코넷 연주자 허버트 L. 클라크는 유포늄에서 종종 공연되던 베니스의 카니발, 파도의 신부, 그리고 마이티 태평양의 해안에서와 같은 거장들의 솔로를 작곡했다.이러한 경우 적응이나 배열이 필요하지 않습니다. 유포니움 연주자는 B-플랫 고음 음정으로 원래의 표기법을 읽고 장음 9분의 1을 치환하여 쓰여진 대로 연주하며, 단순히 코넷보다 한 옥타브 낮게 발음합니다.

보컬

오페라 아리아, 특히 테너나 바리톤을 위한 아리아들의 큰 체구는 또한 유포니움주의자들에게 이상적인 문학의 원천을 제공한다.푸치니의 '비시 다르테'와 '네순 도르마'는 종종 유포늄으로 연주되며, 슈만의 '디크테리에베'나 브람스의 '비에르네스테 게센게'와 같은 게르만 예술곡도 라흐마니노프의 '보컬리스' Op 34번과 같이 인기 있는 곡이다.음성 전사를 수행할 때, 테시투라가 불편하게 높거나 원래의 키가 운지 또는 억양 문제를 일으킬 수 있기 때문에 약간의 적응이 필요할 수 있습니다.

유포니움에 대한 성대 표기의 보급에도 불구하고 스페인, 프랑스, 독일 오페라 아리아를 포함하여 유포니움에서 공연되는 경우는 드물지만 많은 성대 표기가 남아 있다.유포니움 앙상블에서 합창 음악을 연주할 수 있는 가능성 또한 흥미롭지만 자주 볼 수 있는 것은 아니다.

G장조 바흐첼로 1악장의 첫 악장; 6개의 바흐 첼로 1악장은 종종 유포늄으로 연주된다.

첼로와 바순

필사된 문학의 또 다른 원천은 첼로 레퍼토리에 있다.요한 세바스티안 바흐의 6개의 첼로 모음곡은 유포늄의 고급 레퍼토리의 초석이며, 한동안 그랬다. 레너드 팔코니는 그의 "레오나드 팔코니와 그의 바리톤"[4] 시리즈의 첫 번째 권에서 수십 년 전에 부르 중 두 곡을 녹음했다.유포늄으로 흔히 연주되는 두 개의 다른 첼로 작품은 바로크 시대의 베네데토 마르첼로의 소나타와 낭만 시대의 줄리어스 클렌겔의 콘체르티노이다.물론 첼로 곡을 연주할 때, 특히 여러 개의 정지음과 아르페지드 코드의 경우, 그리고 유포늄이 아닌 첼로 특정 키의 기술 용이성을 고려할 때 약간의 적응이 필요하다.몇몇 바순 곡들도 유포늄으로 정기적으로 연주되는데, 모차르트의 B-플랫 K. 191번 협주곡과 게오르그 필립 텔레만의 F단조 소나타 등이 그것이다.조셉 호로위츠의 유포니움 협주곡은 바순에서 [citation needed]종종 연주된다.

다른.

최근에는 호카조노 쇼이치로(az野'一郞)의 아스토르 피아졸라(Astor Piazzolla)의 6단고 에뛰데스(Six Tango Etudes) 녹음에서 볼 수 있듯이 유포늄에 적응하기 어려운 이국적인 곡을 연주하려는 시도가 있었다.음.

원본 문헌

프랑스 음악원

필사본과 원본 문학이 일치하는 문학의 한 영역은 대략 20세기 전반으로 거슬러 올라가며 작곡가 조셉 에두아르 바라 (1882년-1963년)에 의해 가장 잘 대표되는 "프랑스 음악원" 스타일의 작문이다.바라트의 안단테와 알레그로(1935년)와 알렉산드르 길망트의 모르소 심포니크(1937년 경)와 같은 이 학교의 작품 중 일부는 트롬보네 또는 유포늄을 위한 폴 베롱게 드 라 누스의 콘서트 곡(1900년 경)과 같은 트롬보네 또는 튜보늄을 위한 곡들 중 일부는 특별히 트롬보네를 위해 쓰여졌다.유포늄, 바라트의 Morseau de Concours(1957)에 대해 자세히 설명했습니다.

②이런 스타일의 작품들이 프랑스 국립음악원 교수들을 위해 쓰이거나 콩쿠르에서 학생들을 위한 경연대회나 지도적인 작품들로 쓰였기 때문에 그렇게 불리게 되었다.

20세기 초의 거장

아밀카레 폰키엘리, 최초의 오리지널 유포늄 솔로 작곡가

유포늄이나 색소폰 사촌들을 위해 특별히 쓰여진 현존하는 가장 오래된 독주곡은 아밀카레 폰키엘리의 협주곡이다.기술적으로 상당히 까다로운 이 작품은 이탈리아 오페라 서곡의 스타일과 19세기 주제와 변주곡의 전형적인 스타일을 혼합하고 있다.그 후 수십 년 동안 유포늄에 대해 특별히 쓰여진 유일한 문헌은 위에서 설명한 코르넷 솔로와 동일한 가상 기술 스타일이었다.조셉 들루카의 아름다운 콜로라도(1924년), 시몬 만티아의 환상곡(1909년), 에두아르도 보칼라리의 환상 협주곡(1906년)이 이 범주에 속할 것이다.1930년대에 많은 유포니움 솔로가 다양한 밴드 저널에 발표되었고, 클래식한 "테마와 변주곡"은 "형제의 노래", "신념의 노래", "공", "랜소메드" 그리고 "와이어"와 같은 고전적인 "주제와 변주곡"과 다른 많은 곡들과 함께 발표되었습니다.

새로운 스타일

영국 작곡가들이 앙상블 환경에서 유포니움을 위한 작문을 주도했을지 모르지만, 특히 유포니움을 위해 쓰여진 진지하고 예술적인 솔로 작품의 "새로운 학파" 중 첫 번째를 쓴 것은 미국인들이다.첫 번째 두 가지 예는 워너 허치슨의 소나티나(1966년)와 도널드 화이트의 리릭 스위트(1970년)이며, 그 후 영국 작곡가들은 조셉 호로비츠의 협주곡(1972년, 최초의 유포늄 협주곡 중 하나)과 고든 제이콥의 판타지아(1973년)를 따라했다.초기에 매우 어려운 두 작품은 브라이언 보먼 박사가 초연했던 사무엘 아들러의 4대화곡과 얀 바흐의 콘서트 변주곡이다.유포늄을 위한 최초의 무반주 솔로곡 중 두 곡은 초기 유포늄 거장 레오나드 팔코니의 형제인 니콜라스 팔코니의 마주르카(1964년)와 프레드 클리나드 주니어의 소나타(1978년)이다.이 모든 작품들은 유포니엄의 기본 레퍼토리로 남아있다.

오늘은

그 이후로, 유포니움을 위한 사실상 독주 레퍼토리가 폭발적으로 증가했습니다; 불과 40년 만에, 점점 더 많은 작곡가들이 악기의 독주 능력을 인식하게 되면서 독주 문학은 사실상 0곡에서 수천곡으로 확장되었습니다.

지난 30년간의 유포니움 문학은 테시투라, 인내력, 기술적 요구, 그리고 확장된 기술 측면에서 끊임없이 "봉투를 밀어부쳤다".몇 가지 예를 들자면, 현재 문학의 고전 중 하나인 제임스 커노우의 교향곡 변종(1984)은 D1과 F5를 모두 아우르는 당대의 새로운 기준을 세웠다.재즈/록 관용어로 쓰여진 Roland Szentpali의 Pearl(2000년)도 매우 높은 테시투라를 사용하며 극단적인 기술적 요구를 포함하고 있는 반면, John Stevens의 무반주곡 Soliloquies(2001년)는 음역 및 명료한 음역에서의 많은 도약을 포함하고 있다.

아방가르드 솔로 문학의 또 다른 부분은 1970년까지 거슬러 올라가는 유포니엄과 녹음된 반주로 구성되어 있으며, 바리톤 혼과 테이프를 위한 존 보다의 소나티나가 있다.그 이후로, 작곡가이자 유포니움 연주자인 닐 코웰은 오디세이(1990년)를 시작으로 합성되고 녹음된 반주로 많은 솔로곡을 추가했다.반면에, 영국 작곡가 필립 스파크는 기술적으로 어렵지만 훨씬 가벼운 성격의 수많은 유포늄 솔로를 작곡했다.전쟁 항의 작품 One of the Missing (이라크에서 잃어버린 사람들을 위한 - 2007)과 같은 독특한 작품들 또한 이 악기가 더욱 다양하고 설득력 있는 방법으로 사용될 수 있도록 발전시켰다.

(독주자가 아닌) 유포니움을 위한 실내악은 매우 부족하다.알토 색소폰과 유포니움을 위한 디아로고 소노로 아오 루아르(Diarlogo Sonoro ao Luar)는 20세기 브라질의 주요 작곡가 프란시스코 브라가(1946년 출판)가 작곡한 매우 독특한 작품이다.독특한 악기 외에도 현대 색소폰과 유포늄의 테크니컬하고 서정적인 특성을 동시에 보여준다.비록 이것이 지난 몇 년간, 더 많은 작가들이 카메라 음악을 유포늄으로 작곡한다.엘레인 파인(Elaine Fine)은 2.5옥타브의 유포늄 소나타를 작곡했으며 이스라엘 작곡가 타마라 히스키아는 선구적 기법을 떠올린 유포늄을 위한 여러 곡을 작곡했다; 트럼펫을 위한 랩소디와 푸가(2014, 2016), 트럼펫을 위한 호른, 유포늄과 투바, 파가니엘라(Campani aella)의 테마를 위한 변주곡.m과 피아노, 발라드 "천재와 운명"(2015), Bb Clarinet, Euphonium 또는 바순과 피아노 트리오(2014, 2017),구성 범위는 3(발라드)~4.5옥타브(트리오)입니다.이 모든 작품들은 높은 수준의 기교와 음악성을 필요로 한다.

오케스트라 반주를 수반하는 독주 악기로서의 유포늄의 사용은 여전히 제한적이다.이 유형의 가장 오래된 작곡물은 1948년 작 '알란 호바네스의 협주곡 3번'이다.후속곡으로는 룰 비즐리의 협주곡(1967), 호바네스의 교향곡 29번(1976), 데이비드 게인스 협주곡(1987) 등이 있다.이후 얀 바흐(1990년), 주카 린콜라(1996년), 블라디미르 코스마(1997년), 토르슈타인 아가가드 닐센(2000년), 알룬 호디노트(2002년), 쥐라즈 필라스(2003년), 울하스 풀리스(2004년) 등 유포니움과 오케스트라를 위한 전문 작곡 협주곡들이 많이 등장했다.리 브레이스거들(2007년), 팀 얀사(2009년), 칼 젠킨스(2009년).

비전통적인 설정

소수의 진취적인 사람들 덕분에, 최근 몇 년 동안 이 유포니움은 재즈, 팝, 그리고 기타 콘서트 이외의 공연 환경에 침투하기 시작했습니다.이 사람들 중 한 명은 리치 매터슨(1929–93)으로, 그는 자신을 주로 우연히 유포니움을 연주하는 재즈 뮤지션으로 여겼다.다른 두 곡의 유포늄과 세 개의 튜바, 리듬 섹션과 함께 그는 투바재즈 컨소시엄을 결성하여 재즈 클럽과 전 세계 컨퍼런스에 등장하여 [5]큰 갈채를 받았다.오늘날, 마크 딕맨과 같은 재즈 유포니엄 연주자들이 맷슨의 유산을 계승하고 있고, 재즈 유포니엄 콩쿠르가 전 세계에서 열리고 있다.

이 악기는 남미에서 전형적인 음악 장르를 발전시키는데 필수적인 부분이다.봄바르디노는 포로나 판당고 같은 콜롬비아 장르에서 진정한 스타다.콜롬비아의 전형적인 유포니움의 살아있는 주인은 라몬 베니테스이다.브라질에서 이 악기는 브라질 최초의 전형적인 음악 장르인 초로(19세기 이후)의 발전의 일부이다.초로는 경음악의 거장이자 대척점을 이루는 기악 장르로, 때때로 "스트리트 실내악"이라고도 불린다.

게다가 랜스 라듀크와 매튜 머치슨과 같은 유포니엄 연주자들은 최근 유포니엄을 전통적이지 않은 공연 상황에서 탐험하고 녹음했다.LaDuke는 그의 CD Take a Walk에서 샘 필라피안의 가차없는 그루브 녹음뿐만 아니라 다양한 준 컨트리 코미디 노래 설정에서 euphonium을 사용합니다. 미리 녹음된 반주를 사용하여 독주하는 유포늄을 거의 아르메니아 민속 악기로 취급하는 아르메니아.머치슨은 전통적인 유포니움 레퍼토리를 녹음한 뒤 부인 등과 함께 세계 음악 그룹 메인스프링을 결성했다.머치슨의 웹사이트는 "일반 콘서트는 스코틀랜드와 아일랜드의 전통 지그와 릴, 아름다운 멕시코 세레나데, 삼바스, 스페인 민속 음악 모음으로 구성될 수 있다.아르메니아인 특유의 한탄과 독창적인 음악을 즐기며 언제나 가벼운 즐거움을 만끽할 수 있습니다.[6]

레퍼런스

  1. ^ "Al's Tenor Horn Page - Euphonium History". Archived from the original on 2007-02-11. Retrieved 2007-06-22.
  2. ^ a b c "The Orchestral Euphonium and its Repertoire: A Fashionably Late Arrival" (PDF). Retrieved 2007-06-15.
  3. ^ "Orchestral Literature". Archived from the original on 2007-09-27. Retrieved 2007-06-15.
  4. ^ "Search for Euphonium Recordings". Retrieved 2007-06-15.
  5. ^ "Rich Matteson". Retrieved 2007-06-15.
  6. ^ "About :: Mainspring__Matthew Murchison :: Euphoniumist". Retrieved 2007-06-15.