아트 주얼리

Art jewelry
르네 랄리케, 브로치리스본에 있는 굴벤키안 박물관.
르네 랄리케, 공작새 브로치 스케치해리스본에 있는 굴벤키안 박물관.

아트 주얼리는 스튜디오 장인들이 만든 주얼리에 붙여진 이름 중 하나이다.이름에서 알 수 있듯이, 예술 주얼리는 창의적인 표현과 디자인을 강조하며, 종종 흔하거나 경제적인 가치가 낮은 다양한 재료를 사용하는 것이 특징이다.그런 의미에서, 그것은 물건의 가치가 그것이 만들어지는 재료의 가치와 결부되어 있는 재래식 또는 훌륭한 보석에서 "귀한 재료" (금, 은, 보석 등)의 사용에 대한 균형을 형성한다.아트 주얼리는 유리, 나무, 플라스틱, 점토와 같은 다른 매체의 스튜디오 공예와 관련이 있다. 그것은 스튜디오 공예의 더 넓은 분야와 믿음과 가치, 교육과 훈련, 제작 환경, 유통과 홍보 네트워크를 공유한다.아트 주얼리는 또한 미술과 디자인과도 연결된다.

미술 보석의 역사는 대개 1940년대 미국에서 모더니즘 보석으로 시작되며, 1950년대 독일 금세공인들의 예술적 실험으로 시작되지만, 미술 보석의 정보를 제공하는 많은 가치와 믿음은 19세기 후반의 예술과 공예 운동에서 찾을 수 있다.북미, 유럽, 오스트랄라시아, 아시아 일부 지역과 같은 많은 지역에서 미술 보석 장면이 번성하고 있는 반면, 남미나 아프리카와 같은 다른 지역에서는 미술 보석을 유지하는 교육 기관, 딜러, 작가, 수집가, 박물관의 인프라를 개발하고 있다.

용어.

라리크 엉겅퀴 펜던트

미술사학자 Liebeth den Besten은 현대, 스튜디오, 미술, 연구, 디자인, [1]작가를 포함한 미술 보석의 이름을 짓는 여섯 가지 다른 용어를 확인했는데, 가장 일반적인 세 가지는 현대, 스튜디오, 미술이다.Kelly L'Ecuyer 큐레이터는 스튜디오 주얼리를 스튜디오 공예 운동의 분파라고 정의했으며, 이것은 특정한 예술적 스타일을 말하는 것이 아니라 그 물건이 생산되는 환경을 지칭한다고 덧붙였다.그녀의 정의에 따르면, "스튜디오 보석상들은 유일무이한 혹은 제한된 생산용 주얼리를 만들기 위해 그들이 선택한 재료를 직접 다루는 독립 예술가들이다.스튜디오 보석상은 각 작품의 디자이너이자 제작자(비록 조수나 견습생이 기술적인 작업을 도울 수도 있지만)이며,[2] 작품은 공장이 아닌 작은 개인 스튜디오에서 제작됩니다.미술사학자 모니카 가스파르는 지난 40년 동안 미술 주얼리에 붙여진 다른 이름들의 시간적 의미를 탐구해 왔다.그녀는 "아반트가르드" 주얼리가 주류 아이디어보다 근본적으로 앞서 있다고 제안합니다; "모던" 혹은 "모던" 주얼리는 그것이 만들어진 시대 정신을 반영한다고 주장합니다; "스튜디오" 주얼리는 공예 공방보다 예술가 스튜디오를 강조합니다; "새로운" 주얼리는 과거에 대한 아이러니한 입장을 가정합니다; 그리고 "현대" 주얼리 c세대에 걸쳐 전해지는 [3]가보로서의 전통적인 보석의 영원한 본성과는 대조적으로 현재와 "지금"을 표현한다.

미술사학자 마리벨 코니거는 이런 종류의 보석과 관련된 물건과 관행을 구별하기 위해 미술 보석의 이름이 중요하다고 주장한다."개념적인" 보석이라는 용어의 사용은, 그녀의 말에 따르면, "상투적인 표현을 통해 스스로를 상업적인 보석 산업의 상품으로부터 분리시키고 한편으로는 대량 소비의 취향을 지향하며, 다른 한편으로는 개인주의적이고 주관적으로 순수한 공예의 심미적인 디자인이다.."[4]

소중함에 대한 비판

미술 보석상들은 종종 주얼리의 역사나 보석과 몸의 관계에 대해 비판적이거나 의식적인 방식으로 일을 하는데, 그들은 보통 전통적인 보석이나 훌륭한 보석으로 받아들여지는 "귀중함"이나 "착용성"과 같은 개념에 의문을 제기한다.이 품질은 귀중함에 대한 비판이나 미국과 유럽의 미술 보석상들이 보석의 가치가 재료의 귀중함과 동등하다고 생각하는 것에 대한 도전의 산물이다.초기 미술 보석상들은 귀중하거나 반소중한 재료로 작업했지만, 그들의 주얼리를 생체모형주의, 원시주의,[5] 타키즘과 같은 모더니즘 미술 운동과 연결시키면서 예술적 표현을 작품의 가장 중요한 특징으로 강조했다.1960년대에, 미술 보석상들은 그들의 작품에 알루미늄과 아크릴과 같은 새로운 대체 재료를 도입하기 시작했습니다. 이는 보석의 역사적 역할과 경제적 가치 또는 휴대용 [6]부의 상징을 깨는 것입니다.가치에 대한 초점이 사라지면서 다른 주제들이 보석의 소재가 되었다.1995년에 쓴 피터 도머는 소중함에 대한 비판의 효과를 다음과 같이 묘사했다: "첫째, 소재의 금전적 가치는 무관하게 된다; 둘째, 일단 신분 상징으로서의 보석의 가치가 떨어지면, 장식과 인체 사이의 관계는 다시 한번 지배적인 위치를 차지했다 - 보석은 신체 콘센트가 되었다.셋째, 주얼리는 [7]남녀노소 누구나 착용할 수 있는 한 성별이나 나이에 대한 독점성을 잃었습니다."

미술 공예 보석

목걸이 르네 쥘 랄리케

20세기의 첫 해에 등장한 예술 보석들은 빅토리아 시대의 취향에 대한 반응이었고, 무겁고 화려한 보석들, 종종 기계로 제작된 보석들은 19세기에 유행했다.Elyse Zorn Karlin에 따르면, "대부분의 보석상들에게, 예술 주얼리는 새로운 국가 정체성을 찾는 것일 뿐 아니라 개인적인 예술적 탐구였다.역사적 참고 자료, 지역 및 세계 사건에 대한 반응, 새로 구할 수 있는 자료 및 기타 요소들의 조합을 바탕으로 예술 주얼리는 한 나라의 정체성을 반영하는 동시에 디자인 [8]개혁의 더 큰 국제적 움직임의 일부였습니다.처음에는 예술적인 취향을 가진 엄선된 고객층에게 어필했지만, 상업적인 회사들에 의해 빠르게 받아들여져 널리 보급되었다.

오늘날 우리가 알고 있는 예술 주얼리의 범주에 기여한 많은 다양한 운동들이 있다.1860년에서 1920년 사이에 번성했던 영국 예술과 공예 운동의 일부로서 찰스 로버트 애쉬비와 그의 길드 그리고 공예학교는 길드 환경에서 최초의 예술과 공예 보석을 생산했습니다.1세대 미술 공예 보석상들은 산업 생산에 대한 해독제로서 그들의 작품을 제시하면서 비록 그들의 전문 교육이 부족하다는 것은 이 보석의 대부분이 매력적인 수제 [9]품질을 가지고 있다는 것을 의미하지만, 물건은 같은 사람에 의해 디자인되고 만들어져야 한다고 믿었다.패션의 변화와 빅토리아 시대의 의상, 미술 공예 보석상은 펜던트, 목걸이, 브로치, 벨트 버클, 망토 끈, 머리 빗 등을 단독으로 착용했다.예술과 공예 보석 또한 예술적 효과를 위해 사용될 수 있는 본질적인 가치가 거의 없는 재료를 선호하는 경향이 있었다.값싼 금속, 오팔, 월석, 터키석 같은 반보석, 기형 진주, 유리, 조개껍데기, 그리고 비트레우스 에나멜의 풍부한 사용은 보석상들이 창의적이고 값싼 [10]물건을 만들 수 있게 해주었다.

프랑스와 벨기에의 아르누보 주얼리 또한 미술 주얼리의 중요한 공헌자였다.파리의 데미몽의 궁정들을 포함한 부유하고 예술적으로 글을 아는 고객들이 착용한 르네 랄리케와 알퐁스 무차의 아르누보 주얼리는 상징주의 미술, 문학, 음악 그리고 로코코 시대의 곡선과 극적인 형태에서 영감을 받았습니다.Elyse Zorn Karlin이 제안했듯이, "그 결과는 놀라운 아름다움과 상상력의 보석이었고, 관능적이고, 성적이며, 매혹적이고, 때로는 심지어 무섭기까지 했다.이 보석들은 르네상스 [11]보석과 더 흡사한 대칭적이고 다소 차분한 아트 크래프트 보석과는 거리가 멀었다." 라리크나 다른 아르누보 보석상들은 귀금속과 보석들을 값싼 재료와 섞어서 고급스러운 여행과 카보촌 에나멜 기법을 선호했다.

예술 보석 생산의 다른 중요한 중심지는 비엔나의 비엔나 베르크스타트 미술관이었습니다.그곳에서는 건축가 요제프 호프만과 콜로만 모저는 은과 반소중한 보석으로 된 보석들을 디자인했고, 때로는 작업장에서 만든 옷과 함께 착용하기도 했습니다.게오르크 젠슨이 가장 유명한 예인 덴마크 스코엔비르케 운동은 은과 스칸디나비아 원주민의 돌과 아르누보와 예술과 공예의 신조 사이에 있는 미학을 선호했다.핀란드의 미술 주얼리는 1905년 스웨덴에서의 정치적 자유와 맞물려 바이킹의 부활이 특징인 반면 스페인의 모더니즘은 아르누보 보석상들의 선례를 따랐다.미술 보석 또한 이탈리아,[12] 러시아, 네덜란드에서 행해졌다.

미국에서는 도자기, 가구, 직물과 달리 도구에 약간의 투자만 하면 되고 [13]부엌에서 만들 수 있었기 때문에 미술 공예 보석들은 아마추어들에게 인기가 있었다.최초의 미국 미술 공예 보석상 중 한 명인 매들린 예일 윈은 독학으로 그녀의 주얼리를 형태와 구성으로서 기술보다는 미적 자질을 강조하며 "나는 각각의 노력을 내가 [14]그림을 그리는 것과 같이 스스로 고려합니다."라고 말했다.또 다른 미국 미술 공예 보석상인 Brainerd Bliss Traulher는 조각된 뿔과 자수정 같은 재료들을 심미적인 품질로 사용했다. 르네 랄리케는 그의 보석 속에 반시암과 귀중한 재료들을 섞었다.Janet Koplos와 Bruce Metcalf가 시사하는 바와 같이, 영국의 Arts and Crafts 운동이 예술과 노동을 재결합시키려고 노력하는 반면, Trailher와 같은 많은 상류 미국인들은 예술과 여가를 결합했다: "오락으로서의 공예의 실천은 어려운 직업의 압박에서 해방될 수 있고, 좋은 취향과 즐거움을 보여주는 것일 수 있다.진보정치의 경향, 또는 [15]노동을 만족시키는 순수한 기쁨의 표현이다."

아트 주얼리는 1920년대와 30년대에 유행에 뒤떨어졌는데, 아트 데코와 기능적이고 미적으로 도전적인 자연에 대한 관객들의 반응으로 인해 무색해졌다.하지만, 그것은 이전에 나온 것들과 중요한 결별을 의미하며, 예술이나 스튜디오 보석이라는 20세기 후반의 이상을 위한 많은 가치와 태도를 내려놓았다.Elyse Zorn Karlin이 쓴 것처럼, "아트 주얼리는 손으로 직접 만들고 소중히 여기는 혁신적인 사고와 창의적인 표현을 중시했습니다.이들 보석상은 주얼리에 내재된 가치가 없는 재료를 최초로 사용했고 주류 보석의 취향을 거부했습니다.그들은 자신들의 작품을 예술적 추구라고 생각하고 미적,[16] 개념적 가치를 공유하는 소수의 관객들을 위해 만들었습니다.

모더니즘 주얼리

"반짝반짝 소용돌이", 마크 랭의 목걸이, 2007년.티타늄, 지르코늄, 옐로우, 화이트 골드, 다이아몬드 세트.

미술 보석의 역사는 1940년대 미국 도심에 나타난 모더니즘 보석의 출현과 관련이 있다.토니 그린바움에 따르면, "1940년경부터 미국에서 혁명적인 보석 운동이 일어나기 시작했고, 이것은 2차 세계대전의 참화, 홀로코스트의 정신적 충격, 폭탄에 대한 두려움, 편견의 정치, 산업화의 무능함, 그리고 상업주의의 [17]조잡함에 의해 촉발되었다."서부 연안의Modernist 보석 가게며 스튜디오 뉴욕에 출현한(프랭크 Rebajes, 폴 Lobel, 빌 Tendler, 아트 스미스, 샘은 Kramer, 그리고 쥘 브레너가 그리니치 빌리지의;그리고 에드 위너 아이리나. Brynner[18]과 헨리 Steig 미드 타운의 맨하탄)와 BayArea(마가렛 드 Patta, 피터 마크 치아리니, 즐거운 renk, 아이리나. 브리너, 프랜시스 Spe.risen과 Bob Winston).모더니즘 주얼리의 청중은 중산층의 자유롭고 지적인 변두리였으며, 그들은 또한 현대 미술을 지지했다.미술사학자 블랑쉬 브라운은 이 작품의 매력을 다음과 같이 묘사한다: "1947년경 나는 에드 위너의 가게에 가서 그의 은색 사각 스파이럴 핀 중 하나를 샀다. 왜냐하면 그것은 훌륭해 보였고, 나는 그것을 살 수 있었고, 그것은 나를 내가 선택한 그룹과 동일시했다 - 미적으로 인식되고, 지적으로 기울고, 그리고 정치적으로 진보적이었다.그 핀은 우리의 배지였고 우리는 그것을 자랑스럽게 달았다.소재의 [19]시장 가치보다는 예술가의 손을 들어준 것입니다.

1946년 뉴욕의 현대미술관은 알렉산더 칼더, 자크 립치츠, 리처드 푸제트 [20]다트와 같은 모더니즘 예술가들의 보석과 함께 마가렛 드 파타와 폴 로벨과 같은 스튜디오 보석상들의 작품을 포함한 모던 핸드메이드 주얼리 전시회를 조직했다.이 전시회는 미국을 순회했고, [21]미니애폴리스의 워커 아트 센터에서 영향력 있는 전시회가 이어졌다.Kelly L'Cuyer는 "칼더의 보석은 이 시기의 많은 박물관과 갤러리 전시의 중심이었고, 그는 계속해서 미국 현대 [22]보석의 중요한 인물로 여겨지고 있다"고 제안한다.칼더의 보석들은 차가운 구조와 즉흥성과 창조성의 정신을 암시하는 조잡한 기술을 사용하여 공간을 묘사하거나 암시하기 위해 그의 조각의 선과 움직임을 공유하며 착용자의 몸과 함께 종종 움직이는 보석을 만듭니다.이 시기 미국 미술 주얼리의 특징은 미술 운동과 밀접한 관련이 있다.칼더가 아프리카와 고대 그리스 미술에 원시주의적 관심을 보인 반면 마가렛 드 파타는 시카고 [23]뉴 바우하우스의 라즐로 모홀리-나기에게서 배운 교훈에 따라 빛, 공간, 광학지각을 조작하는 구성주의 주얼리를 만들었다.토니 그린바움은 "그의 멘토인 화가 존 헤일리가 마티스와 피카소의 작품을 보여준 후, 밥 윈스턴은 소리쳤다: '나는 그런 종류의 쓰레기를 하고 있다!'[24]발견된 물건뿐만 아니라 유기물과 무기물이 아닌 물질인 모더니즘 주얼리의 재료는 입체파, 미래주의자, 다다이즘의 태도와 관련이 있는 반면, 초현실주의, 원시주의, 생체 형태론, 그리고 구성주의 같은 모더니즘 주얼리의 스타일도 [25]미술 운동이다.

1960년 이래의 미술 보석

전후 미국에서 보석의 성장은 손과 팔의 근육을 강화하고 눈과 손의 협응을 촉진하는 보석 제작 기술이 제2차 세계대전 참전용사들의 물리치료 프로그램에 영향을 미쳤다는 개념에 의해 뒷받침되었다.반면 복원병 원호 법 권리로 가득하공예를 공부했다 참전 용사들의 무료 대학 등록금 그 전쟁 베테랑들의 아트 센터 현대 미술 박물관에서, 빅토르 D'Amico의 미국 기능사를 위해 만들어 주고 워크숍 마가렛다고 Craver가 뉴욕 시에서 운영하는 중심 미국 군인들 돌아오는 제비의 요구에 대해 연설했다.[26][해명 필요한]Kelly L'Ecuyer가 제안하듯이, "개인의 창의성 외에도, 전쟁 중과 후에 미국에서 군인과 퇴역 군인들을 위한 공예 교육 및 치료의 확산은 모든 스튜디오 공예, 특히 보석과 금속 세공에 자극을 주었다.참전용사 공예 프로그램에 전념하는 공공 및 민간 자원은 장기간에 걸친 교육 구조의 씨앗을 심었고 공예에 대한 폭넓은 관심을 창의적이고 만족스러운 [27][clarification needed]생활양식으로 만들어냈습니다."

1960년대 초, 이 프로그램들의 졸업생들은 주얼리에 대한 전통적인 생각에 도전했을 뿐만 아니라 새로운 세대의 미국 보석상들을 보석과 [28]금속 세공 과정에서의 새로운 대학 프로그램에서 가르치고 있었다.건축 장신구들이 비슷한 시기에 개발되고 있었다.

1960~1970년대 독일 정부와 상업 보석 산업은 현대 보석 디자이너를 육성하고 지원함으로써 새로운 시장을 창출했습니다.그들은 현대적인 디자인과 전통적인 금세공과 보석 제작을 결합했다.오르페브르는 1965년 독일 뒤셀도르프에 첫 미술 보석 전시관을 열었다.

전람

"코누코피아" : 모이세이킨 주얼리 하우스의 100만달러 상당의 인테리어 시계로, 2000년대에 국제적으로 전시되었습니다.무게는 65kg이 넘고 2,000개 이상의 다이아몬드, 다른 보석, 1kg 상당의 [29]금을 포함하고 있다.

보석의 예술로서의[30] 수용은 제2차 세계대전 이후 미국에서 1940년대에 주요 미술 보석 전시회를 열었던 뉴욕의 현대미술관과 미니애폴리스의 워커 아트 센터와 같은 주요 박물관에 의해 매우 빠르게 촉진되었다.예술과 디자인 박물관 이전의 미국 공예 박물관은 1940년대 작품들로 1958년에 컬렉션을 시작했습니다.현대(미국) 보석 디자이너의 작품을 소장하고 있는 다른 박물관에는 클리블랜드 미술관, 코닝 유리 박물관, NC 샬롯의 민트 공예 디자인 박물관, 보스턴 미술관, 휴스턴 미술관, 스미스소니언 미술관 등이 있습니다.

과거에 미술 장신구를 만든 유명한 예술가로는 칼더, 피카소, 만 레이, 메레트 오펜하임, 달리, 그리고 네벨슨이 있다.그 중 일부는 1977년에 문을 닫은 뉴욕의 Sculpture to Wear Gallery에 전시되어 있었다.

로버트 리 모리스 소유의 아트웨어 갤러리는 주얼리를 예술 형태로 선보이기 위해 계속 노력했습니다.

독일 포르츠하임의 슈무크무세움에서 미술 보석 컬렉션을 찾을 수 있다.

주얼리 아티스트 목록

처음 [30]인지된 10년 동안의 목록:

1930년대

1940년대

  • 마거릿 드 파타, 1903년[32]~1964년
  • 아트 스미스, 1923년-1982년[33]

1950년대

1960년대

1970년대

1980년대

1990년대

2000년대

레퍼런스

  1. ^ Den Besten, Liesbeth, On Jewellery: A Compendium of International Contemporary Art Jewelly, Arnoldsche, 2011, 페이지 9-10 ISBN978-3897903494
  2. ^ L'Ecuyer, Kelly "소개:필드의 정의" L'Ecuyer, Kelly(ed.)의 Jewely By Artists in the Studio, MFA Publications, 2010, 페이지 17 ISBN 978-0878467501
  3. ^ Gaspar, Monica, "역사 이후의 현대 보석", Maria Christina Borgesio (ed.), Time Tales, Presiosa, 2007, 페이지 12-14
  4. ^ Maribel Koniger, Florian Hufnagl (ed.), The Fat Booty of Madness, Arnoldsche, 2008, 페이지 32 ISBN 978-3897902817, "그만의 클래스"
  5. ^ 토니의 그린바움, "스튜디오 보석 운동: 1940-80 - Roots and results" (수전 그랜트 르윈(ed.)의 "One of a Kind" :아메리칸 아트 주얼리 투데이, 에이브람스, 1994, 페이지 34-37 ISBN 978-0810931985
  6. ^ 도머, 피터, 터너, 랄프, 뉴 주얼리: Trends + Traditions, Thames & Hudson, 1985, 페이지 11
  7. ^ 도머, 피터, "The new movement", 드러트 영어, 헬렌 W, 도머, 피터, 우리 시대의 보석: 아트, 장식, 집착, 템스앤드슨, 1995, 페이지 24
  8. ^ 칼린, 엘리제 존, "20세기 초반 미술 보석", 데미안 스키너(ed.)의 라크북스, 2013, 페이지 86 ISBN 978-1-4547-0277-1
  9. ^ 칼린, 87-8페이지
  10. ^ 칼린, 페이지 89-90
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  15. ^ 코플로스와 메트카프, 페이지 65
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  17. ^ 그린바움, 토니, 모더니즘의 메신저: 아메리칸 스튜디오 주얼리 1940-1960, Flammarion, 1996, 페이지 15 ISBN 2-08013-592-9
  18. ^ Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum. "Irena Brynner". Smithsonian Institution. Retrieved 25 August 2018.
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  24. ^ 그린바움, 페이지 40
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  26. ^ 그린바움, 페이지 24-25
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  33. ^ 브루클린 박물관의 아트 스미스 보석 전시회
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  35. ^ "Biography". Museum of Arts and Design. Archived from the original on 22 February 2014. Retrieved 11 February 2014.

추가 정보