골드 그라운드

Gold ground
매우 정교한 도구로 Orcagna에 의한 십자가 처형, 1365년 경.19세기에 편곡된 제단 조각들.

금색 바탕(명사와 형용사 모두) 또는 금색 바탕(주사적)은 미술사에서 배경의 전부 또는 대부분을 금색으로 한 이미지를 일컫는 용어이다.옛날에는 보통 진짜 금박을 사용해 고급스러운 외관을 연출해 왔다.이 스타일은 여러 시기와 장소에서 사용되었지만, 특히 모자이크, 조명된 원고, 판넬 그림의 비잔틴과 중세 예술과 관련이 있으며, 수 세기 동안 아이콘과 같은 일부 유형의 이미지에서 지배적인 스타일이었다.3차원 물체의 경우 이 용어는 금도금 또는 금도금됩니다.

모자이크의 금은 기원후 1세기경 로마 모자이크로 시작되었고, 원래는 세부사항으로 사용되었고 특별한 종교적 함축이 없었지만, 초기 기독교 예술에서 그것은 기독교 종교 인물을 나타내기에 매우 적합하다고 여겨졌으며, 평이하지만 상징으로 읽힐 수 있는 빛나는 배경에 강조되었다.천국에 가거나 영적 평면에 가 있든지요전신 형상은 종종 하늘은 금빛으로 물들고 더 자연스럽게 색칠된 땅 위에 서 있지만, 일부는 완전히 금빛으로 둘러싸여 있다.그 스타일은 프레스코화에서 사용될 수 없었지만, 필사본의 미니어처와 점점 더 중요해지는 나무 위의 휴대용 아이콘에 매우 성공적으로 적용되었다.이 모든 스타일에 있어서, 상당한 고도의 기술이 필요했지만, 사용된 금박의 극도의 얇음 때문에, 사용된 금괴의 비용은 상대적으로 낮았다; 라피스 라줄리 블루는 적어도 [1]사용하기에 비용이 많이 든 것으로 보인다.

그리스도와 대천사 모자이크, 산타폴리나레 누오보, 라벤나, 7세기 이후 복원

이 스타일은 오늘날까지 동방 정교회의 아이콘으로 사용되고 있지만, 서유럽에서는 화가들이 풍경화 배경을 개발하면서 중세 후기에 인기가 떨어졌다.금박은 액자에 매우 흔하게 남아 있었다.그 후 구스타프 클림트의 소위 "황금시대"에서처럼 부흥주의자들이 많이 쓰였다.또한 일본화와 티베트 미술, 때로는 페르시아의 미니어처, 적어도 무굴의 미니어처에서는 테두리에도 사용되었습니다.

1984년에 쓴 글에서 오토 페히트는 "중세의 금색 역사는 아직 기록되지 않은 중요한 장을 형성하고 있다"[2]고 말했는데, 그 차이는 아직 부분적으로만 [3]채워졌을지도 모른다.큰 금색 배경 외에도, 다른 측면은 옷의 주름과 같은 특징을 정의하고 강조하기 위해 이미지에 금색 선을 사용하는 크라이소그래피 또는 "금색 하이라이트"였습니다.그 용어는 종종 금 글자와 선형 [4]장식을 포함하도록 확장된다.

영향들

Wilton Diptich; c. 1395–1399; 각 패널은 53 x 37 cm입니다.
두 패널 모두 다른 패턴의 공구가 적용되어 있습니다.

최근의 학회는 금 갈기 예술, 특히 금은 빛을 나타내는 것으로 가장 잘 이해되는 비잔틴 미술의 효과를 탐구했다.비잔틴 신학은 빛에 관심이 있었고, 빛의 여러 다른 종류를 구별할 수 있었다.예수의 변천에 대한 신약성서와 패트리즘적 설명은 특히 분석의 초점이었다. 예수는 신학자들에 의해 논의된 그 본성을 발산하거나 적어도 특별한 빛에 씻는 것으로 묘사되기 때문이다.보는 사람의 눈이 보는 물체에 도달하는 광선을 방출한다고 믿었던 서양의 주요 중세 광학 이론과 달리, 비잔틴 미술은 빛이 물체에서 보는 사람의 눈으로 진행된다고 믿었고, 비잔틴 미술은 예술이 [5]보이는 빛의 조건 변화에 매우 민감했다.

오토 페히트는 "중세의 금은 항상 초월적인 빛의 상징으로 해석되었다.비잔틴 모자이크의 금에 의해 전달되는 빛 속에는 비현실적이거나 심지어 초자연적으로 가장 뚜렷하게 녹아 있는 영원한 우주 공간이 있었습니다. 하지만 우리의 감각은 이 [6]빛에 의해 직접적으로 접촉됩니다."

한 학자에 따르면, "금색 바탕화에서, 예를 들어, 성모상은 그림 평면의 재료 표면에 단단히 위치해 있었다.그녀는, 이렇게 해서, 진짜였고, 그 그림은 그녀를 대표하는 만큼이나 마돈나를 표현했다...[금색 바탕화]...소재와 그 표현 사이의 구분이 모호해지면서 실제 [7]사람과 같은 신체적, 심리적 존재가 있는 것으로 여겨졌습니다.

기술.

모자이크에서는 일반적으로 도형 및 기타 색상의 영역을 먼저 추가한 다음 그 주위에 금을 배치합니다.그림을 그릴 때는 반대 순서를 사용했는데, 밑그림을 [8]그릴 때 윤곽 주위에 도형이 "예약"되어 있었다.

모자이크

금박은 약 8mm 두께의 유리 시트에 아라비아 고무로 접착된 후 내구성을 위해 그 위에 매우 얇은 유리 층을 추가했다.고대에는 "금 샌드위치 유리"를 만드는 기술이 기원전 250년경 헬레니즘 그리스에서 이미 알려져 금유리 그릇에 사용되었다.모자이크는 시트를 분말 유리로 덮고 분말을 녹여 [9]층을 융합할 수 있을 만큼 시트를 소성함으로써 상단 레이어를 적용했다.15세기 베니스에서는 방법이 바뀌어 녹은 유리의 윗층이 고온에서 다른 두 층으로 날아갔다.이것은 금이 두꺼운 [10]유리 바닥층과 결합하는 테세라의 가장 약한 부분에서 더 나은 결합을 주었습니다.

그리고 나서 유리 시트는 작은 테세레로 깨졌다.준비된 벽의 젖은 시멘트에 고정하는 두 가지 방법이 있는데, 이 방법에는 이미 여러 층의 회반죽이 있었고, 때로는 벽의 돌이나 벽돌과 유리 사이에 5cm나 되는 공간을 주기도 했다.테세레가 개별적으로 벽 위로 밀려나갔는데, 그 벽은 테세레가 다른 각도로 약간 울퉁불퉁한 표면을 만들었다.이것들은 장인에 의해 어느 정도 제어될 수 있고, 빛이 표면에 떨어졌을 때 은은한 반짝임 효과를 낼 수 있다.또 다른 방법은 수용성 접착제를 사용하여 테세레 표면을 얇은 시트로 고정하는 것이었습니다; 현대에는 이것이 종이입니다.그리고 나서 시트는 벽의 시멘트에 압착되고, 이것이 마르면 종이와 접착제를 적셔 문질러 없앤다.이렇게 하면 [11]표면이 훨씬 부드러워집니다.

페인팅

금박을 입힌 부조가 있는 로버트 캄핀, 1425년 경의 세일러른 삼각화 상세

금을 바르는 방법에는 여러 가지가 있습니다.페인트칠할 목재나 벨룸의 준비된 표면은 적어도 인물과 다른 요소의 윤곽을 가지고 밑그림을 그렸습니다.그리고 나서 (아마도 그 전에) 볼이라고 불리는 붉은 점토 혼합물이 첨가되었다.이로 인해 금빛이 짙어지고 흰색 바탕에 금빛 잎이 잘 드러나는 녹색을 띠지 않게 되었다.몇 세기 후, 이 층은 종종 [12]금박이 사라진 곳에서 드러난다.

시모네 마르티니의 14세기 마돈나와 차일드, 제단 조각의 일부, 도구 달린 할로와 모서리.

여기에 금박을 추가했다.가장 일반적으로 이것은 한번에 "잎" 전체를 물 도금하는 기술에 의해 행해졌다.그리고 나서 잎을 개나 늑대의 이빨이나 마게이트 조각으로 조심스럽게 문지르면 밝게 빛나는 표면을 만들 수 있다.대신 매염 도금을 사용했는데, 이는 연마되지 않은 잎으로 남겨야 더 조용한 효과를 볼 수 있었다.수백 년이 지난 후, 현대 시청자들에게 두 사람의 다른 모습은 종종 크게 축소된다.조개껍데기는 금가루를 안료로 한 금 페인트였다.이것은 일반적으로 그림의 색 부분 내에서 디테일과 하이라이트를 포함한 작은 영역에만 사용되었습니다.그림을 그릴 때 조개껍데기를 이용해 여러 가지 색을 섞어서 그리는 습관에서 유래한 이름이다.'길드 적용 릴리프'는 게소 또는 파스티글리아 몰드 릴리프 표면에 매염 도금을 한 미연마 금박이다.그런 다음 펀치와 라인 제작 도구로 평평한 표면을 "도구화"하여 금색 안에 패턴을 만들 수 있습니다. 매우 자주 할로 또는 다른 피쳐에 무늬를 만들 수 있지만 때로는 배경 전체에 무늬를 만들 수도 있습니다.이러한 기술들 중 몇 가지는 다양한 [13]효과를 주기 위해 한 조각에 사용될 수 있습니다.

원고

모든 금박은 그림을 그리기 전에 [14]도포되었고, 보통 광택이 났다.오토 패히트에 따르면, 서양의 조명가들이 비잔틴의 자료로부터 완전히 빛나는 금박 효과를 얻는 방법을 배운 것은 12세기에 불과하다고 한다.예를 들어, 카롤링거 필사본에는 "모래빛이 희미하게 반짝이는 모래알 모양의 금색 안료가 [15]사용되었습니다."원고화의 기법은 판넬화와 비슷하지만 규모가 작습니다.서양 작품과 이슬람 작품 모두에서 한 가지 차이점은 게소 또는 볼의 지반이 가장자리에 깊이가 줄어들어 금 부분이 매우 작은 곡선을 그리게 하고, 금은 빛을 다르게 반사하게 만든다는 것이다.원고에서는 은도 사용할 수 있지만, 현재는 일반적으로 [16]검은색으로 산화되어 있습니다.

역사

그림

서양에서, 그 스타일은 1204년 콘스탄티노플 포대 이후 유럽에 도달한 비잔틴 성화에서 영감을 받아 13세기 이후부터 이탈리아-비잔틴 성화 양식에서 흔히 볼 수 있었다.이것들은 곧 폴리픽트 나무틀의 제단으로 발전했고, 이것은 또한 보통 금색 갈은 스타일을 사용했고, 특히 이탈리아에서는 그러했다.세기가 끝날 무렵, 이탈리아 프레스코화의 수는 질량과 [17]깊이의 영향뿐만 아니라 자연주의적 배경을 발전시키고 있었다.많은 사람들이 14세기까지, 그리고 그 이후에도 특히 베니스와 시에나와 같은 보수적인 중심지와 주요 제단화를 위해 여전히 황금 배경을 사용했음에도 불구하고, 이러한 경향은 판넬 그림으로 확산되기 시작했다.1424년경에 사망한 로렌조 모나코는 "플로렌타인 [18]미술의 황금 바탕의 찬란한 마지막 숨결"을 상징한다.

초기 네덜란드 그림에서는 Robert Campin의 1425년 세일러른 트리프티치에서와 같이 처음에는 금으로 된 갈은 스타일이 사용되었지만, 몇 년 후 그의 메로데 제단화에는 잘 알려진 세밀한 자연주의적 [19]배경이 주어집니다."금 배경의 거의 제거는 1420년대 중반 무렵 초기 네덜란드 그림에서 시작되었고, 아마도 1450년 이후에 그려진 로지에 판 데르 바이덴의 메디치 알타피스와 같은 몇몇 예외들을 제외하고는 꽤 빨랐는데, 아마도 [20]이전 스타일을 요청한 이탈리아 후원자를 위한 것일 것이다.

한스 마카르트, 미켈란젤로와 함께 한 루넷, 비엔나, 1880년대, 금색 페인트.

15세기 후반까지 그 스타일은 의도적인 아케이즘을 나타냈으며, 그것은 때때로 여전히 사용되었다.그는 그의 경력의 많은 부분에 대해 비교적 지방 고객을 위한 M.에서 일했다 카를로 크리 벨리( 죽c.1495년)," 예스러운 맛과, 또한 나이 든 이미지를 해석하거나 새로운 컬트 이미지를 생성하는 페인트 칠을 다시의 전업했다"[21]로마 화가 Antoniazzo 로마노와 그의 작업장은 16세기의 첫 해에 그것을 사용하는 계속했다아크또한 스타일을 늦게 사용하여 정교한 [22]효과를 얻을 수 있습니다.Joos van Cleve는 1516-18년에 살바토르 문디를 금으로 그렸습니다.[23]알브레히트 알트도퍼의 1520년 부다페스트 십자가형은 매우 늦은 사례로, "아이코노그래픽 형식(군중과의 십자가형)"과 오래전에 [24]유행하지 않은 공간에 대한 비자연주의적 접근"을 재현하기도 한다.

유럽 미술의 후기에, 그 양식은 종종 금색 페인트로 부활했다.1762년 조지 스터브스는 백금이나 꿀 바탕에 경주마가 그려진 세 가지 작품을 그렸는데, 가장 큰 작품은 휘슬재킷(현 국립미술관)이다.모든 것은 그들의 주인인 록킹엄 후작을 위한 것이었는데, 그는 [25]이 아이디어를 제안했을지도 모른다."잔디"에 대한 그의 열정을 볼 때, 그의 말에 대한 높은 존경심에 우스갯소리가 있었을 것이다.19세기에 이 스타일은 고딕 부흥 건축에서 교회 회화에 유행하게 되었고, 큰 공공 건물이나 교회 건물에서 천장이나 작은 고층 건물로 사용되었으며, 비잔틴의 선례를 느슨하게 떠올리게 하고, 빛을 반사하여 배경을 그리는 수고를 덜었다.비엔나 쿤스트히스토리슈 박물관 계단에 있는 한스 마카트가 그린 그림들은 많은 그림들 중 하나이다.또 다른 그림은 레이튼 경이 헨리 마칸드의 맨하탄 자택을 위해 그린 천장 그림(로열 아카데미 1886년 전시)으로, 그는 인터뷰에서 "그것을 들여다보면 빛나는 표면을 발견할 수 있을 것"이라고 말하면서, 후원자가 고전 신화에서 인물들에게 원했던 "실반 배경" 대신 도색된 금색 땅을 사용하라고 주장했다.이 시점에서 사진을 보면 낮의 밝기와 같은 눈부신 효과를 얻을 수 있습니다.반대쪽에서 빛을 관찰하면, 석양의 풍부하고 따뜻한 빛으로 바뀝니다.[26]

구스타프 클림트의 "황금상"은 약 1898년과 1911년부터 지속되었고, 키스, 아델 블로흐 바우어 1세의 초상화, 팔레 스토클레의 프리즈를 포함한 그의 가장 잘 알려진 그림 몇 점을 포함합니다.마지막은 클림트가 디자인했고 금을 포함한 모자이크 작업을 많이 한 예술가 레오폴드 포스트너가 모자이크로 그렸다.클림트의 스타일에 대한 관심은 1903년 라벤나를 방문한 이후 더욱 높아졌고, 그의 동료는 "모자이크들이 그에게 거대하고 결정적인 인상을 주었다"[27]고 말했다.그는 많은 양의 금박과 금색 페인트를 [28]배경뿐만 아니라 신하들의 옷차림에 다양한 방법으로 사용했습니다.

일본화

카노 에이토쿠 편백나무 병풍 1590년경 금박

일본 아즈치모모야마 시대(1568~1600년)에는 16세기 후반까지 다이묘 가문의 시로와 성의 큰 병풍(병풍)에 사용되었다.주제에는 풍경, 새와 동물, 그리고 문학이나 일상생활의 혼잡한 장면들이 포함되어 있었다.이것들은 손님을 접대하기 위해 사용된 방들에 사용된 반면, 가족을 위한 방들은 잉크와 몇몇 색상의 스크린들을 사용하는 경향이 있었다.금박 사각형은 종이 위에 사용되었고, 때때로 가장자리가 보이는 채로 [29]남아 있었다.이 방들은 창문이 작았고 금빛이 방에 반사되어 천장도 같은 방식으로 [30]장식되어 있었다.전체 배경은 금박일 수도 있고,[31] 때로는 하늘에 있는 구름일 수도 있다.린파 학파는 [32]금을 많이 사용했다.

가노 에이토쿠의 편백나무 화면(1590년경)에서는 나무 뒤에 있는 하늘은 대부분 금색이지만, 전경이나 먼 산봉우리의 색상으로 보아 이 금색이 산안개를 나타내는 것임을 알 수 있다.바로 앞 배경 표면도 더 칙칙한 금색입니다.또는 배경을 얇은 금빛 물감으로 칠할 수 있어 [33]풍경에서 더 다양한 효과를 볼 수 있습니다.말아서 그리는 일본식 두루마리 그림에는 어울리지 않는 문체였다.몇몇 작은 나무 판넬은 [34]금박 바탕이 되어 있었다.

모자이크

13세기 베네치아 산마르코 포털 모자이크

바닥이 아닌 벽이 그리스-로마 세계에서 보편화된 것은 불과 1세기와 2세기 이후이며, 처음에는 축축한 무덤과 님페아에 사용되었고, 4세기 후반에는 종교적인 환경에서 사용되었다.처음에 그들은 주 [35]제단 뒤에 있는 첨탑과 성소에 집중되었다.조심스럽게 조명을 비추면 둘러쌓이지 않고 둘러쌓은 공간을 넓히는 것 같았다.[36]

금으로 된 모자이크의 초기 생존 그룹 중 하나는 로마의 산타 마리아 마조레에 있는 "삼각 아치"와 네이브에 있지만, 네이브에 있는 것은 너무 높아 잘 보이지 않는다.금색 배경의 양은 장면마다 다르며 종종 건축 설정, 푸른 하늘 및 기타 요소와 혼합됩니다.나중에 모자이크는 "정통교 신앙의 진실을 전하는 선택 수단"이 되었고 "황실적 중등도"[37]가 되었다.

전통적인 견해는 현재 일부 학자들이 이의를 제기하고 있는데, 콘스탄티노플의 궁정 작업장에서 모자이크 사용 패턴이 퍼져나갔고, 거기서부터 팀들이 외교적 선물로서 제국의 다른 지역이나 그 너머로 파견되었고,[38] 그들의 생산의 비교적 높은 질로부터 그들의 관여를 추론할 수 있다는 것이다.

원고

고딕 양식 도구와 함께 카탈로니아 황금 해가다에서 모세의 발견(1320–1330)

엄밀히 말하면, 일루미네이션 원고라는 용어는 페이지가 금속으로 장식된 원고들로 제한되는데, 그 중 금이 가장 흔하다.그러나 현대 사용법에서 미니어처와 이니셜을 사용한 사본은 일반적으로 다른 색상만을 사용한다.[39]

원고에서 금은 작은 글자에 대한 완전한 배경만큼이나 큰 글자와 테두리에 사용되었다.보통 몇 페이지만 그것을 많이 사용했고, 그것들은 보통 책의 앞부분에 있거나, 복음서의 각 복음의 시작과 같이 주요한 새로운 부분을 표시했다.서유럽에서 대규모로 금을 사용하는 것은 오토니아 미술과 같은 초기 시대의 가장 호화로운 왕실 또는 황실 사본이나 금을 더 널리 사용할 수 있게 된 중세 말기에 주로 발견된다.대영도서관의 14세기 골든 해가다는 금색 바탕에 14개의 성경 주제의 미니어처와 규칙적인 무늬를 가지고 있는데, 이는 이 시기의 호화 기독교 조명에서 전형적으로 볼 수 있듯이 주요 [40]표제에도 금색 글자를 사용한다.

금은 페르시아, 인도, 티벳의 필사본, 텍스트, 미니어처, [41]테두리 등에 사용되었다.페르시아에서는 보통 글자 주위에 평범한 "거품"이 남아 있는 텍스트의 배경으로 사용되었습니다.중국, 일본, 버마뿐만 아니라 티베트에서는 특히 중요하거나 호화로운 필사본, 보통 불교 경전의 경우, 좋은 대조를 위해 파란색으로 염색한 종이를 사용하는 경우가 많았다.티베트에서는 비교적 늦게 이미지의 배경색으로 사용되었고 일부 피사체에만 [42]한정되었다.인도에서 그것은 주로 국경이나 하늘과 같은 이미지의 요소에서 사용되었습니다; 이것은 특히 데칸 그림의 화려한 스타일에서 흔합니다.무굴의 미니어처는 비슷한 색의 바탕에 금색에 아름답게 그려진 풍경과 동물 테두리를 가지고 있을 수 있다.금반 또한 종이를 [43]만드는 동안 첨가될 수 있다.

갤러리

메모들

  1. ^ 누에흐테를레인 "고급품에 금을 사용한 것과 예이키 이전의 네덜란드 회화"
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  9. ^ 부스타치니, 53세
  10. ^ 부스타치니, 55세; 코너, 6세
  11. ^ 부스타치니, 56세
  12. ^ Nuechterlein, "금도금 기술 개요"; Meagher
  13. ^ Nuechterlein, "금도금 기술 개요"; Meagher
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  15. ^ Pécht, 140–141, 140 인용
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  20. ^ 누에흐테를레인, "금빛 바탕에서 묘사된 우주"
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외부 링크