익사녀

Drowning Girl
익사녀
Roy Lichtenstein Drowning Girl.jpg
아티스트로이 리히텐슈타인
연도1963
중간캔버스에 유화 및 합성 폴리머 페인트
치수171.6 cm × 169.5 cm (67+5⁄8 인치 × 66+3⁄4 인치)
위치뉴욕 현대미술관
가입685.1971

익사하는 소녀(시크릿 하트 또는 난 상관없어! I'd Better Sink)는 1963년 로이 리히텐슈타인이 캔버스에 그린 석유와 합성 고분자 페인트를 그린 작품으로, 토니 아브루조의 독창적인 예술을 바탕으로 한 작품이다.이 그림은 리히텐슈타인의 가장 중요한 작품들 중 하나로, 아마도 그의 찬사를 받은 1963년 작품인 화엄과 비슷한 수준일 것이다.팝아트 운동의 대표적인 그림 중 하나인 '익사하는 소녀'는 1971년 현대미술관에 인수되었다.

이 그림은 멜로드라마의 명작으로 묘사되어 왔으며, 1960년대 중반에 그가 자주 돌아왔던 주제인 비극적인 상황에 처한 여성들을 묘사한 화가의 초기 이미지 중 하나이다.격동의 바다 위에 눈물 젖은 여자의 모습이 담겨 있다.그녀는 겉으로 보기에 로맨스인 것 같은, 정서적으로 괴로워하고 있다.만화책 예술의 관습을 이용하여, 생각의 거품이 "나는 상관없어!차라리 가라앉는 게 낫겠어 — 브래드에게 도움을 청하는 것보다!"이 서술 요소는 진부한 멜로드라마를 강조하는 반면, 인쇄 과정의 효과를 반향하는 벤데이 점을 포함한 그것의 그래픽은 기계화된 번식을 모방하는 화가적 작업이라는 리히텐슈타인의 주제를 되풀이하고 있다.이 작품은 1962년 DC 코믹스 패널에서 파생되었다. 작품의 그래픽 요소와 서술 요소 모두 원본 이미지에서 잘려나간다.또한 가나가와 근방의 호쿠사이의 <위대한 물결>과 모더니즘 예술가 장 아르프와 조안 미로의 요소로부터도 차용된다.이 작품은 사진에서 빠진 브래드라는 인물을 언급한 여러 리히텐슈타인 작품 중 하나이다.

배경

1950년대 후반과 1960년대 초반에 많은 미국 화가들이 연재만화의 이미지와 모티브를 각색하기 시작했다.[1]로이 리히텐슈타인은 1958년에 연재만화 주인공들의 그림을 그렸다.Andy Warhol은 1960년에 그의 초기 그림을 그 스타일로 제작했다.리히텐슈타인은 워홀의 작품을 알지 못한 채 1961년 룩 미키와 뽀빠이를 제작했다.[2]비록 워홀은 만화책과 다른 팝 아트 주제들의 실크크림을 제작했지만, 그는 리히텐슈타인의 더 완성된 만화 스타일과 경쟁하는 것을 피하기 위해 당시 주제로서 캠벨 수프 캔으로 자신을 강등시켰을 것으로 추측된다.[3]그는 "리히텐슈타인이나 제임스 로젠퀴스트와는 충분히 다른 많은 영향을 미칠 수 있는 일을 해야 한다"고 말한 적이 있다. 그것은 매우 개인적인 일일 것이다. 그것은 내가 그들이 하고 있는 일을 정확히 하고 있는 것처럼 보이지 않을 것이다.[4]

A black-and-white portrait photograph of a man at bust length facing and looking at the viewer while wearing a turtleneck shirt under a blazer all in front of a painting
1961년 로이 리히텐슈타인의 만화 작품은 애니메이션 만화에서 로맨스나 전시 무장 같은 보다 진지한 주제로 발전했다.

익사소녀는 1961년 자신의 추상적 표현주의 시대에서 탈피한 리히텐슈타인의 만화 작품이 애니메이션 만화에서 로맨스, 전시 무장 등 보다 진지한 주제로 발전하는 모습을 그렸다.[5]당시 리히텐슈타인은 "이 만화 이미지들에서 사랑과 증오, 전쟁 등에 대한 고도로 감정적인 내용이지만 비인격적인 취급에 대해 매우 흥분되고 관심이 많았다"[5]고 말했다.리히텐슈타인은 1962년과 1963년 사이에 4명의 피카소를 패러디했다.[6]피카소의 눈물 흘리는 여성에 대한 묘사는 리히텐슈타인이 절망적이고 물에 빠진 소녀의 소재와 같이 눈물 흘리는 연약한 여성들의 묘사를 제작하는 데 영향을 미쳤을 것이다.[7]그가 1960년대 초중반의 괴로운 여성들을 묘사하는 데 중점을 둔 또 다른 영향은 그의 첫 결혼이 그 당시 해체되고 있다는 것이었다.[8]리히텐슈타인과 이자벨 윌슨과의 첫 결혼은 1949년부터 1965년까지 지속되었고, 그 부부는 1963년에 헤어졌다.[9][10]

리히텐슈타인이 만화를 소재로 한 작품으로 전환하자, 주제를 순응하면서 스타일을 모방하기 시작했다.그는 간결한 색채 배합과 상업적인 인쇄술 같은 기법을 적용했다.그가 채택한 스타일은 "두껍고 삭막한 경계선으로 종종 경계를 이루는 대담한 색의 견고한 필드로 이루어진 단순하고 잘 짜여진 이미지"[11]였다.차용된 기법은 "신문 인쇄에 사용되는 벤데이 도트의 반음 화면을 모방한 유색 원 무늬의 톤 변형을 나타낸다"[12]는 것이었다.PBS는 이것이 헤르게와 관련된 리그 클레어 스타일을 개작한 것이라고 주장한다.[13]리히텐슈타인은 그의 기술에 대해 "나는 진부한 표현을 쓰고 기념비적인 것으로 만들기 위해 그것의 형태를 정리하려고 노력한다"[9]고 말한 적이 있다.

'익사하는 소녀'의 소재는 리히텐슈타인이 1963년 이후 만화를 소재로 한 여성들을 예로 들 수 있는데, 이들은 "모두 같은 화장의 냄비에서 나온 것처럼 딱딱하고 바삭바삭하며, 부서지기 쉽고, 한결같이 수식해 보인다"[14]고 한다.1960년대 초, 리히텐슈타인은 사랑에 빠진 여성들이 지배하는 남성들과 사랑에 빠져 여성들을 비참하게 만드는 "Fantasy Drama" 그림을 여러 점 제작했는데, 그 중에는 "Fulse Girl", "Loople," "In the Car" 등이 있다.이 작품들은 다양한 지루한 감정 상태에 있는 순수한 "옆집 소녀"의 1964년 그림의 전주곡 역할을 했다.[15]"예를 들어, 절망적이고 익사하는 소녀에서 영웅들은 불행한 연애사건의 희생자로 등장하는데, 한 명은 무력감을 보이고 다른 한 명은 반항심(연인의 도움을 청하기보다는 익사하는 편이 낫다)"[15]물에 빠진 소녀, 앞서 말한 작품들과 오, 제프...I Love You Too...하지만... 저자를 박물관에서 인기 있는 작품들로 만드는 비극들 중 하나야.[16]

역사

1962년 11월 시크릿하츠 83호(62년 11월)의 토니 아브루초 스플래시 페이지는 익사소녀의 출처였다.

익사하는 소녀(Deaking Girl)는 DC 코믹스의 시크릿 하트 #83호 (1962년 11월)에서 토니 아브루조가 그리고 아이라 슈냅이 레터링한 "Run for Love!"의 스플래시 페이지에서 유래되었다.[17][18][19]이것은 로버티에게 영감을 준 만화책과 같은 이슈다.[20]

1963년, 리히텐슈타인은 상업적인 삽화, 코믹한 이미지, 심지어 현대적인 걸작과 같은 다양한 종류의 출처를 패러디하고 있었다.걸작들은 예술의 '캐논'이라 불릴 수 있었던 것을 대표하고 '하이 아트'로 생각되었고, '로우 아트' 주제에는 만화 속 이미지가 포함되어 있었다.그의 명작 출처에는 세잔, 몽드리안, 피카소와 같은 것들이 포함되어 있었다.이 기간 동안, 리히텐슈타인은 "내가 분명히 패러디한 것들도 내가 실제로 존경하는 것들"[21]이라고 언급했다.당시 리히텐슈타인은 '감정의 산업화'라는 주제를 탐구하고 있었다.리히텐슈타인의 부고문에서 LA 타임즈 비평가 크리스토퍼 나이트는 이 작품이 "데 쿠닝의 유명무실하게 무뚝뚝한 여성 그림에 재치있게 답례한 것"[22]이라고 말했다.그의 코믹 로맨스는 종종 좌절된 열정의 정형화된 표현들을 묘사했다.[23]비록 리히텐슈타인 재단의 웹사이트는 리히텐슈타인이 1963년 가을까지 그의 불투명한 프로젝터 기술을 사용하기 시작하지는 않았다고 주장하지만, 리히텐슈타인은 익사 소녀를 포함한 만화를 바탕으로 한 예술을 제작하기 위한 그의 과정을 다음과 같이 설명했다.[24]

가능한 한 직접적으로...만화나 사진이나 뭐 그런 것들로부터 나는 작은 그림을 그린다. 내 불투명한 프로젝터에 들어갈 크기...나는 그것을 재현하기 위해 그림을 그리는 것이 아니다. 나는 그것을 재현하기 위해 그것을 한다.나는 그림을 캔버스에 투사해서 연필로 그린 다음 그것이 나를 만족시킬 때까지 그림을 가지고 논다.

— Lichtenstein[5]

1962년 2월 리히텐슈타인이 뉴욕시 레오 카스텔리 갤러리에서 첫 단독 공연을 했을 때 개막 전 매진을 기록했다.[25][26]이 전시회에는 익사하는 소녀 외에도 룩 미키,[27] 약혼 반지, 블람, 냉장고 등이 전시되었다.[28]이 쇼는 1962년 2월 10일부터 3월 3일까지 계속되었다.[29]리히텐슈타인 재단 웹사이트에 따르면, 익사하는 소녀는 1963년 4월 1일부터 4월 27일까지 로스앤젤레스의 페러스 갤러리에서 열린 리히텐슈타인의 첫 전시회의 일부였으며, 1962년과 1963년의 걸작, 세잔 부인의 초상화, 그리고 다른 작품들이 전시되었다.1963년 9월 28일부터 10월 24일까지 레오 카스텔리 갤러리에서 열린 두 번째 단독 전시회의 일환이기도 했다...로스!, 야구 감독, 차 안, 대화, 와암![24][29]이 쇼의 마케팅 자료에는 석판화 크랙이 포함되어 있었다![30][31]현대 미술관은 1971년에 익사하는 소녀를 인수했고,[32] 이 작품의 웹사이트는 필립 존슨과 배글리 라이트 부부의 인수를 위한 크레딧을 얻었다.[33]

설명

어떤 출처에서는 리히텐슈타인의 비극적인 소녀 시리즈의 주제를 영웅(영웅들의 상대라는 의미에서)[34]으로 묘사하고, 또 어떤 출처에서는 (영웅적이지 않다는 의미에서) 그렇지 않다.[35]익사하는 소녀는 도움을 요청하는 것보다 바다의 힘에 굴복하는 것을 더 좋아하는 여성 대상을 그린 그림이다.리히텐슈타인의 이 장면에서는 바다와 피사체의 몇 가지 신체 부위, 즉 머리와 어깨, 손만 빼고 거의 물 위에 있지 않은 모든 것을 제거한다.그녀의 얼굴이 보여질 때, 그녀의 눈은 눈에서 흐르는 눈물방울로 감겨진다.리히텐슈타인은 하나의 틀만 제시하기 때문에 시청자는 이 순간 이전에 어떤 일이 일어났는지, 그 이후 어떤 일이 벌어질지 모른다.게다가 시청자는 브래드가 누구인지, 왜 그렇게 부르기를 꺼리는지 알 길이 없다.[34]

미국 미술의 그로브 백과사전에 따르면, 1960년대 초 리히텐슈타인의 절차에서 가장 중요한 요소는 "그의 근원적 자료의 확대와 통일"[12]이었다.일부 소식통에 따르면 익사하는 소녀를 제작하기 위한 변화는 그리 중요하지 않다고 여겨지지만,[15] 리히텐슈타인은 원래 출처로부터 몇 가지 주목할 만한 변화를 만들어냈다. "원래 삽화에서 익사하는 소녀의 남자친구는 뒤집힌 보트에 매달려 뒤에 나타난다.리히텐슈타인은 극적으로 이미지를 깎아내리면서 소녀 혼자 있는 모습을 보여주었고 위협적인 파도에 둘러싸여 있었다.그는 자막을 '경련이 일어나도 상관없어!'에서 '상관없어!'로, 남자친구의 이름은 말에서 브래드로 바꾸었다.[33]이전의 서술적 변화로, 리히텐슈타인은 물에 빠진 소녀가 다리에 쥐가 났다는 증거를 없앴다.[34]후자의 서술적 변화로, 리히텐슈타인은 남자친구에 대한 인식의 변화를 시도했다.다른 작업에 대해 논의할 때(I know...브래드), 리히텐슈타인은 브래드라는 이름이 그에게 영웅적으로 들렸으며 진부한 과잉 단순화를 목적으로 사용되었다고 말했다.[36]

리히텐슈타인의 방법에는 "구성상의 형식적인 측면의 강화, 모티브의 양식화, 감정과 행동의 '동결'이 수반되었다.[12]만화책 패널이 시간의 순간을 묘사하고 있지만, '익사녀'는 대부분의 순간보다 과거와 미래에 의존하는 드라마로 비교적 '예전'이 많은 순간을 만화책 패널로 묘사한 사례에서 차용된다.[37]이 작품은 또한 리히텐슈타인의 경력에 있어서 그의 작품들 중 많은 작품들이 <잠자는 소녀>, <울며 우는 소녀>, <금발 기다림>과 같은 현재 참여형 호칭을 부여받으면서 한 단면을 장식하고 있는데, 이 작품은 작품의 '프로세스와 액션에 대한 관계'를 강조한다.[37]미국미술 그로브 백과사전에 따르면, 리히텐슈타인의 경력의 이 단계 동안 "억류적이면 상수적이고 부드러운 유머 감각은 균형잡히고 완전히 조화로운 구성만큼이나 리히텐슈타인 작품의 명랑한 가벼움에 기여한다"[12]고 한다.

익사소녀의 이야기 내용

리히텐슈타인의 작품 중 많은 부분이 시청자를 사로잡기 위한 수단으로 서술적 콘텐츠가 최전선에 있었다.[38]171.6cm × 169.5cm(× 66.75인치 67.625인치)의 익사소녀는 "자신이 강물에 빠진 것 같은 젊은 여성...Janis Hendrickson에 따르면, 말 그대로 감정에 빠져있다.이 멜로드라마는 그녀가 리히텐슈타인의 영웅들 중 몇 명에게 붙여진 이름인 "브래드"에 의해 상처를 입었음을 분명히 한다.[39]비안 샤문키 보르체르트는 이 자막은 이 주제가 사실상 "눈물의 바다에서 노를 젓고 있다"는 것을 분명히 한다고 말한다.[40]

전형적인 리히텐슈타인 방식으로, 이 비극적인 여성은 "고난의 상태로" 제시된다.[34]재니스 헨드릭슨에 따르면 피험자의 머리는 마치 베개처럼 물결 위에서 쉬고 있는 것처럼 보이며 마치 침대처럼 물속에 누워 '이뇨증과 최종 안식처'[41]가 뒤섞여 있다고 한다.바다의 물결은 물체의 머리카락 파도를 빙빙 돌면서 소용돌이에 대한 인식을 만들어낸다.[34]이 그림은 리히텐슈타인이 시청자의 동일시 능력을 떨어뜨리고 감성을 추상화하는 단막극에 대한 호감을 대표한다.그가 산업적이고 기계적인 외모를 사용하는 것은 비록 화가다운 손길이 그것의 단순화를 더해주기는 하지만,[42] 그 정서를 더욱 하찮게 만든다.[43]

일반 컨텍스트

1960년대 초 리히텐슈타인의 만화 소재 작품 주제가 뜨거운 논쟁을 불러일으켰다.브라이언 오도허티는 1963년 뉴욕타임스 기고문에서 리히텐슈타인은 "미국에서 가장 나쁜 예술가 중 한 사람"이라며 "그는 소의 귀로 소의 귀를 만들려고 열심히 노력했다"[9]고 말하면서 리히텐슈타인의 작품은 예술이 아니었다"고 썼다.이것은 진정한 예술로서의 리히텐슈타인의 코믹한 폭발의 장점에 대한 광범위한 논쟁의 일부였다.1964년 1월 라이프지는 이 논란에 대해 '그는 미국에서 가장 나쁜 예술가인가'라는 제목으로 이야기를 실었다.[44]후기 평론들은 훨씬 친절했다.토드 브루스터는 1986년 라이프와의 인터뷰에서 "만화 폭파는 비평가들을 동요시켰을지 모르지만 추상적 표현주의의 엄숙함에 지친 수집가들은 만화적 안도감을 느낄 준비가 되어 있었다"고 말했다.재미있는 페이지는 왜 예술이 될 수 없었을까?"[9]원작자를 귀속시키지 않고, 저작권료를 지불하거나, 저작권자의 허락을 구하지 않고 만화에서 빌려 쓴다는 비판이 있지만, 그의 작품은 현재 널리 받아들여지고 있다.[45]데이비드 바르살루는 수십 년 동안 리히텐슈타인의 모든 원천 자료를 식별하는 데 헌신했으며, 리히텐슈타인의 인식되지 않은 출처를 상세히 설명하는 1,000개 이상의 이미지를 플리커에 게재했다.[46]

일부 비평가들은 리히텐슈타인의 예술적 능력에 의문을 제기한다.에버렛 킨슬러 박사는 리히텐슈타인과 로맨스 만화의 연관성에도 불구하고, 그의 시대에 어떤 만화 출판사도 리히텐슈타인을 고용하지 않았을 것이라고 말했다. 그는 리히텐슈타인이 얼굴 표정과 몸짓 언어를 통해 독자적으로 이야기의 감정적인 범위를 묘사하는 능력이 부족했다고 말했다.[47]

리셉션

리히텐슈타인은 이 물결이 호쿠사이(Hokusai)의 유명한 목판 인쇄물인 가나가와 앞바다의 대파(The Great Wave)에서 각색된 것임을 인정한다.[42]

익사소녀는 리히텐슈타인이 점의 확대, 자르기, 원천의 확대 등을 사용한 정점에 그려졌다.[48]1993년 솔로몬 R. 구겐하임 미술관 큐레이터 다이앤 월드먼은 리히텐슈타인이 익사하는 소녀를 자신의 경력의 초석으로 삼은 것은 "그의 비범한 조직감각, 스윕 커브를 사용하고 오버 패턴으로 조작하는 능력" 때문이라고 언급했다.[49]옥스퍼드 미술사전의 2007년 판에 따르면 이 작품은 "진부한 것, 멜로드라마, 파토스, 부조리한 것 등이 뒤섞여 있다..."[50] 1995년 미술학자 조나단 파인버그는 "놀라울 정도로 무감각한 스타일"[51]이라고 칭했다.리히텐슈타인이 상황에 대응한 코믹 피사체를 진부하게 묘사한 것이 대표적이다.[52]

리히텐슈타인이 원료를 만지작거리다가 전복된 보트, 문제 많은 남성 피사체, 일반 바다경관 등 여성의 묘사로부터 산만한 여러 요소를 제거한 후 더욱 날카로운 집중력으로 재조명하는 결과를 낳았다.그 결과는 소용돌이치며 소용돌이치고 있는 파도와 주제를 "수학적 연속체"를 형성하는 "그림 부력"으로 감싸는 "동물화 흰 거품"이라고 란치너는 썼다.[5]

익사소녀는 "아트누보의 화려한 선형주의에 대한 틀림없는 인정"을 제시한다.[53]이 파도는 원작 만화가 의도했던 것처럼 "호쿠사이뿐만 아니라 아르프와 미로의 생체모형 형태도 불러들이기 위한 것"[54]이다.[55]리히텐슈타인은 원작 만화출처 패널과 호쿠사이 감독의 가나가와 앞바다의 대파 사이에 강한 연관성을 주장해 이 작품이 두 사람의 가교 역할을 하고 있다.[56]파도무늬를 각색한 것은 그림에 장식적인 외관과 느낌을 더한다고 하는데, 그림 없이는 작품이 보는 사람에게 훨씬 더 경각심을 줄 수 있을 것이다.[42]리히텐슈타인은 심지어 익사하는 소녀의 아라베스크 파동과 "Art Nouvau 미학"[57]을 연결시켰다.이 작품에 대해 리히텐슈타인은 다음과 같이 말했다.[49][58]

물에 빠진 소녀에서 물은 아르누보뿐 아니라 호쿠사이로도 볼 수 있다.다른 참고사항이라고 해서 하는 것이 아니다.만화를 그리는 것 자체가 때때로 예술에서 다른 시대와 닮았다 – 아마도 자신도 모르게...그들은 물에 빠진 소녀에서 작은 호쿠사이 파도 같은 것을 한다.그러나 원문은 이런 점에서 그다지 명확하지 않았다. 왜 그래야 하는가?나는 그것을 보았고 그리고 나서 그것이 대부분의 사람들이 얻을 수 있는 참조가 될 때까지 조금 더 밀어붙였다...그것은 과장해서 스타일을 결정짓는 방법이다.

Töjner는 이 작품을 "리히텐슈타인이 그의 우주에서 일어나는 많은 폭발들에 대한 반격 이미지를 가장 훌륭하게 형상화한 작품"이라고 묘사하면서 비록 극의 절정기는 되어 보이지만 극의 절정은 지났다고 언급했다.[59]그는 또 주변 물에도 불구하고 "고전적인 리히텐슈타인 왁시 포만감으로 눈물을 그린다"고 언급하는데, 이는 '자연주의적 정당성'이 부재한 만큼 의미가 클 것이다.[59]1963년 11월 아트 매거진 리뷰는 이것이 카스텔리 갤러리에서 열린 1963년 전시회의 "광폭하고 강력한 그림" 중 하나라고 말했다.[29]그럼에도 불구하고 작품의 이름은 보편적으로 알려지지 않았다.아트 매거진의 1964년 카스텔리 갤러리 쇼에 대한 리뷰에서 리히텐슈타인은 아이 돈 케어, 아이 더드 싱크(드로우닝 걸)의 저자로 언급되었다.[29]2005년 현대미술관의 게리 개럴스는 이 작품이 "완전히 진부하고, 일상을 탈피한 시"라고 썼고, 이는 "시공간에서 얼어붙은 이미지"를 낳아 "아이콘적"[43]이라고 했다.가렐스는 이를 출처와 비교하면서, 리히텐슈타인은 자신의 기계적 객관성을 제쳐두고 "간단한 어휘로" 렌더링이라고 말한다.[43]미국미술 그로브백과사전(The Grove Company of American Art)에 따르면, 그의 정형화의 극단적인 예는 시청자가 모티브가 더 큰 작품의 요소라고 회상할 때 '가상 추상화'가 된다.따라서 리히텐슈타인은 연재만화와 광고에 대한 비현실적인 시각을 강화하여 최소한의 그래픽 기법으로 인공적인 이미지로 표현하였다.리히텐슈타인이 그의 원천 소재를 확대시킨 것은 기계적인 상업적 도면에 준하는 모티브의 평범함을 강조하여 현대 산업적 미국에 대한 그의 진술에 대한 함축으로 이어졌다.그럼에도 불구하고 리히텐슈타인은 미국의 자본주의 산업문화를 받아들인 것으로 보인다.[12]

2003년 사라 리치와 조이스 앙리 로빈슨은 "이 작품은 드라마와 연재만화의 멜로드라마를 만족시켜 주인공의 자살 가능성을 담은 드라마를 하이캠프 공연으로 만들었다"고 언급했다.[60]

란치너는 2009년 리히텐슈타인이 냉정하게 처리한 프레젠테이션과 함께 '고충전' 내용을 번역한 것이 두 사람의 대조를 어떻게 심화시켰는지 썼다.[5]

많은 소식통들은 Whaam!과 Filming Girl을 리히텐슈타인의 가장 유명한 작품으로 묘사하고 있다.[61][62]그것은 또한 Whaam!, Look Mikey와 함께 그의 가장 영향력 있는 작품 중 하나로 여겨진다.[63]현대미술관 수석 큐레이터인 존 엘더필드(John Elderfield)는 박물관 개보수 과정에서 열린 2004년 '베를린의 MoMA' 전시회가 '20세기 미술의 합성어 개요'라고 언급했다.뉴욕타임스(NYT)와 아트넷 등 다양한 출판물에 따른 212편 전시회의 하이라이트는 반 고흐의 별이 빛나는 밤, 마티스의 춤, 리히텐슈타인의 익사 소녀 등이었는데, 이 작품들은 모두 처음으로 미국 외 지역을 순회하고 있었다.[64][65]

익사소녀는 2012년 미국 시카고 아트 인스티튜트를 방문한 리히텐슈타인, 2012년과 2013년 워싱턴 국립미술관, 2013년 런던 테이트 모던, 2013년 센터 퐁피두 등을 회고하는 사상 최대 규모의 회고전의 일환이었다.[66]허핑턴 포스트는 2012-13년 회고전에서 익사하는 소녀를 리히텐슈타인의 "멜로극의 거장"으로 묘사했다.[67]덴마크의 미술 비평가와 루이지애나 현대미술관 소장 폴 에릭 뢰즈너는 이 작품을 리히텐슈타인의 '후기 시추' 작품들의 예로 꼽으며, 이 작품을 자신의 이런 장르의 '스타 증인'으로 묘사했다.그는 그녀가 자부심을 가지고 행동함에 따라 그 문제가 훨씬 더 깊이 파고들고 있다고 지적한다.[59]Tøjner는 이 그림에서 열린 입을 질적 특징에 비유하고 열린 입을 이용한 리히텐슈타인의 특이성에 주목하면서 에로티시즘을 감지했다.그 점을 염두에 두고 그는 눈물을 잔물을 갉아먹는 것에 비유한다.[68]

참고 항목

메모들

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참조

외부 링크