처녀를 그리는 세인트루크

처녀를 그리는 세인트루크
아티스트	로제르 판데르 바이덴
연도	c.1435–1440
치수	137.5 cm × 110.8 cm (54+1⁄8 in × 43+5⁄8 in)[1]
위치	보스턴 미술관
가입	93.153

성 루크 드로잉 더 버진(Saint Luke Drawing the Virgin)은 보통 1435년에서 1440년 사이에 그려진 참나무 판화 위에 커다란 기름과 템파(tempa)로, 초기 네덜란드 화가 로지에르 반데르 바이덴의 것으로 여겨진다.보스턴 미술관에 소장되어 있는 이 작품은 예술가의 수호성인인 에반젤리스트 루크가 성모 마리아가 어린이 예수를 간호하면서 스케치하는 모습을 보여준다.그 인물들은 안마당, 강, 마을, 풍경으로 이어지는 부르주아적인 실내에 위치한다.밀폐된 정원, 마리아 왕좌의 팔에 새겨진 아담과 이브의 환상적 조각들, 그리고 세인트 루크의 속성들은 이 그림의 많은 우상학적 상징들 중 하나이다.

반 데어 웨이든은 얀 반 아이크의 영향을 강하게 받았으며, 이 그림은 보통 1434년 경으로 거슬러 올라가는 롤린 수상의 초기 마돈나와 매우 유사하며 상당한 차이가 있다.이 인물의 포지셔닝과 색채가 역전되어 루크가 중심을 잡고, 그의 얼굴은 반 데어 웨이든의 자화상으로 받아들여진다.에르미타주 박물관의 상트페테르부르크, 알테 피나코텍, 뮌헨, 그루닝메무스움, 브루스 등 세 가지 근현대 버전이 있다.^[2]보스턴 패널은 작업량이 많고 다른 버전에서는 없는 밑그림을 그린 것으로 널리 알려져 있다.광범위한 복구와 청소에도 불구하고 여전히 남아 있는 상당한 피해를 입은 채 비교적 열악한 상태에 있다.

그 그림의 역사적 의의는 디자인 이면의 기술과 지상과 신성의 혼합에 있다.마돈나와 같은 공간에 자신을 배치하고, 묘사 행위에서 화가를 보여줌으로써, 반 데어 웨이든은 15세기 사회에서 예술적 창의성의 역할을 전면에 내세운다.이 패널은 세인트 우슐라 전설의 마스터와 휴고 반 데 고스에 의해 거의 복제된 것으로 널리 영향력을 행사하게 되었다.

커미션

로지어 판 데어 바이든의 성 루크 그리기 성당을 위해 남아있는 현대적 기록물들은 없지만, 미술 역사학자들은 브뤼셀 화가들의 길드, 성당의 예배당 등을 위해 거의 확실히 그렸다는 것에 동의한다. 마이클과 세인트 반 데어 웨이든이 묻힌 구둘라.^[2][1]브뤼셀의 도시화가로 임명된 것을 축하하기 위해 위촉되었을지도 모른다.^[2]에반젤리스트 루크는 초상화가였던 것으로 생각되었고, 북유럽 화가들의 길드는 그의 보호를 받고 있는 것으로 여겨졌다.^[3]

15세기 루크가 성모상을 그리는 모습에서 이탈리아 미술보다는 북방 미술에서 더 흔히 볼 수 있었다.^[4]루크는 엄청나게 인기 있는 이탈로-비잔틴 캄브레이 마돈나의 원작을 그린 공로를 인정받았는데, 이 작품에는 수많은 기적이 기적이라고 한다.^[5]그 작품의 원작은 1440년 로마에서 프랑스로 옮겨졌고, 4년 안에 적어도 15권의 고급 복제품이 만들어졌다.^[6]그것은 세인트 루크의 솜씨를 보여주는 사례로 여겨졌고, 현대 화가들은 마리아에 대한 그들의 묘사에서 그를 모방하기 위해 노력했다.루크의 초상화에는 성모 마리아의 본질이 찍혀 있다는 통념이 있었다.^[7]

애프터 반 아이크

반 데어 웨이든은 상당한 차이가 있지만 반 에이크의 롤린 재상 C. 1435 마돈나의 뒤를 바짝 따르고 있다.밴 데어 웨이든의 풍경은 세밀하지 않고, 그 윗부분은 반 에이크의 풍경에 비해 개방성에 대한 환상을 덜 준다.^[8]가장 명백한 유사점은 다리 위에 서 있는 두 인물인데, 그들은 특정한 신분을 가지고 있지 않을 수도 있다;^[9] 밴 데어 웨이든에 있는 인물들은 때때로 성모님의 부모인 요아힘과 앤으로 확인되기도 한다.^[10]판 에이크의 그림에서 오른손 인물은 붉은 터번을 쓰고 있는데, 이는 예술가의 자화상 지표로 널리 받아들여지는 모티브가 된다; 비슷한 이미지는 런던 초상화에서 찾을 수 있고, 캐논 판 데르 파에, 브루게스와 함께 성모 마리아와 차일드에서 기사의 방패에 비친 모습을 볼 수 있다.^[11]

반 데어 웨이든은 주요 인물들의 위치를 반대로 바꾸었다; 버진스는 왼쪽에서 나타나는데,^[8] 이것은 네덜란드 딥티치에서 지배적이 되었다.이 작품의 색상은 반 에이크의 색보다 따뜻하다.Van der Weyden은 그들의 의상의 색깔을 바꾼다; Luke는 빨간색이나 주홍색으로, Mary는 더 전형적인 따뜻한 블루스로 옷을 입었다.버진타입은 더욱 바뀌었고, 여기서 그녀는 마리아 락탄("Nursing Madonna")으로 묘사된다.이것은 그녀에 대한 표준 묘사 중 하나로, 비잔틴과 가장 관련 있는 버진타입이나 세인트 루크의 북 15세기 묘사와는 다른 것이다.메리의 모성에 대한 이러한 묘사는 "그리스도에 의한 인간으로서의 인류의 면책"을 강조한다.영적 ^[12]자양분이요

설명

판넬에는 풀로 묶인 분필 지면에 칠해진 네 개의 오크 조각이 있다.^[13]준비목재는 약 1410년으로, 1430년대 중반의 반 데어 웨이덴의 추정 연대를 제공한다.^[2]주요 색소는 납 백색(파란색 및 녹색 통로를 강조하기 위해 종종 패널에 사용됨), 숯 흑색, 울트라마린, 납-주황색, 벌디그리스, 붉은 호수 등이다.^[14]약간의 변색이 있었다 – 일부 채소들은 이제 갈색으로 변색되었고, 그 배경에서 풀을 묘사하는 데 사용되는 색소를 포함한다.^[15]

Mary는 갈색 빛깔로 칠해진, 갈색 빛깔로 칠해진, 그 이후 짙은 녹색으로 변색된, 브로케이드 캐노피나 명예의 천 아래에 앉아 있다.^[16]캐노피는 그녀의 뒤쪽 벽에 붙어 있는 나무 벤치에 매달려 있다.^[17]메리의 머리는 느슨하고 그녀는 모피로 수놓은 드레스를 입고 있다.그녀의 목 주위에는 옅은 베일이 둘러져 있고, 간병 행위에서도 드러난다.^[18]그녀의 드레스는 패널의 중심 피스로, 흰색과 진한 파란색 라피스 라줄리 하이라이트가 겹쳐진 다양한 블루스로 구성되어 있다.그녀의 옷의 안쪽 부분에는 보라색 색의 옷감이 있으며, 회색빛의 푸른색과 보라색으로 줄지어 있다.^[15]

루크는 푸른 방석 위에, 천상의 인물과 뒤의 작은 서재 사이에 자리잡고 있다.그는 무릎을 꿇은 자세에서 일어나거나 곧 일어나려고 한다.그의 눈은 그녀에게 주의 깊게 고정되어 있고,^[17] 그는 거의 최면에 걸린 것 같다.예수는 비슷하게 수혈되어 있다.^[19]홀은 루크의 손이 "천사가 백합이나 심판을 들고 있는 것과 같은 섬세함으로" 도구를 들고 자기 앞에 떠 있는 것처럼 묘사한다.메어리는 얼굴을 돌려 그녀를 거의 완전히 묘사할 수 있게 했는데, 그것은 드문 명예인 반면, 루크의 무릎 꿇은 자세는 성모님이 있는 전형적인 기증자의 초상화와 매우 유사하다.^[19]

루크는 턱수염이 없고 40대 초반으로 1430년대 중반 판 데어 웨이든의 나이에 가깝다.^[20]그의 얼굴은 이상화되지 않았다. 그는 가벼운 그루터기와 녹색 머리카락을 가진 중년이다.^[18]그의 뒤에 있는 방에는 소와 복음을 상징하는 책을 포함한 그의 속성이 담겨 있다.^[21]그는 메리보다 더 자연주의적인 색채를 띠고 있다. 특히 그의 눈은 더 사실적으로 그려져 있다.그리스도는 단순한 초승달처럼 당시 이상화된 형태에 부합한다.Mary's는 고딕 양식의 후기 이상 여성미를 특징으로 하는 곡선으로 형성되어 있다.^[22]이런 유형의 현대 그림에 비하면 작품에는 유난히 비문이 없다. 루크의 서재에 있는 물건에만 나타나며, 루크의 오른쪽에 희미하게 인식되는 것, 즉 책과 잉크병, 작은 책상 아래 소의 입에서 흘러나오는 두루마리에도 나타난다.^[23]

이 장면은 통 금고 천장과 무늬가 있는 바닥 기울기, 스테인드글라스 창문 등 ^[24]다소 좁은 실내 공간 안에 설정돼 있다.외벽은 잔디와 식물이 뭉쳐 있는 중턱으로 열려 ^[8]강이나 입구가 한눈에 들어온다.^[25]미술사학자 제프리 치프스 스미스는 그라운드 사이의 전환이 어떻게 "[반 데어 웨이든]이 본방의 정교한 건축에서 중지의 정원과 파라펫으로 거의 매끄럽게 뒤쪽의 도시와 농촌 경관으로의 이동을 달성한 복합적인 공간 공간"을 설정하는지 주목한다.^[21]

중간지대의 두 인물은 물이 내려다보이는 전투벽에 서서, 등을 돌려 시청자를 향해, 수컷이 바깥쪽을 가리키고 있다.^[26]기둥으로 액자를 짜고, 배경의 디테일한 도시와 풍경을 바라보고 있다.^[27]그 인물들은 캐롤 퍼틀이 판 데어 웨이든에게 일탈주의의 한 형태라고 믿는 "보기"에 몰두한 듯 하다; 이미지를 명상함으로써 "행동은 황홀한 수송의 환영을 경험했다."^[28]기술적 분석은 두 인물 모두 밑그림을 그리고 마지막 그림을 그리고 있는 것을 보여준다;^[29] 오른쪽 그림의 후드는 원래 빨간색이었지만, 다른 많은 차이점들 중에서 검은색으로 과도하게 칠해져 있었다.^[30]

이러한 그림의 위치는 밴 에이크 패널에 묘사된 두 사람의 위치와 매우 유사하다.그 그림에서 오른팔은 그의 동료를 향해 몸을 돌려 밖을 내다보라고 손짓한다.판데르 위덴에서 이와 동등한 인물은 여기 여성인 그의 친구를 보호해 주는 것처럼 보이는 반면, 앞의 패널에서 왼쪽 인물은 1420년대에 죽은 화가의 동생 휴버트에게 바친 공물을 나타내는 것일 수도 있다.^[31]빨간 머리 드레스는 반 에이크의 자화상을 나타내는 지표였다.^[11]반 에이크에서와 같이, 이 인물들은 이 그림의 밑바탕에 있는 주제인 이 그림의 무한한 세계를 풍경 속에서 시각화하는 능력에 우리의 관심을 끌고 있다는 점에서, ^[32]회심의 예로서 작용한다.그 그림은 파라곤의 개념을 암시할 수 있다; 남자는 아마도 조각과 달리 그것의 전경을 배경으로 제공하는 그림의 능력을 강조하면서 풍경을 가리킨다.^[33]

밑그림을 살펴본 결과, 화가가 성모마리아를 우는 반에키안 천사를 의도한 것으로 나타났으나, 이것은 마지막 그림에서 누락되었다.^[34]그는 완성이 끝나갈 무렵까지 세 주요 인물의 자리를 무겁게 고쳐 썼다.^[35]맨틀의 휘장은 처음에는 더 컸다.^[36]그리스도의 몸은 처음에는 루크를 마주 보았지만 나중에는 어머니 쪽으로 기울어져 있었다.엄마와 아이가 더 가까워졌다.루크의 머리는 처녀의 머리와 일급이었지만, 마지막 그림에서는 약간 위로 올려져 있다.^[37]그 차이는 전경에 있는 것 이상으로 확대된다.안뜰의 요새는 넓어졌고, 강 위를 내다보는 두 인물은 더 작아서 강 자체가 좁아졌다.^[36]

자화상

루크의 얼굴은 밴 데어 웨이든의 자화상으로 널리 여겨진다.그는 자신을 성자와 그림의 창시자와 결부시키고 싶었는지도 모른다.이것은 루크가 백지에 은색으로 그림을 그리는 것을 보여주는데, 이것은 고농축이 요구되는 극히 어려운 매질이며, 일반적으로 준비에만 사용된다는 사실에 의해 강화된다.^[38]이 화가는 준비 스케치로 자신의 능력과 기술을 대담하게 강조하고 있다; 현재 루브르 박물관에 있는 반 데어 웨이든의 것으로 추정되는 살아 남은 은점 그림 한 장에는 보스턴 패널에 있는 메리와 매우 유사한 여성 머리가 들어 있다.^[39]

반 데어 웨이든은 지적이고 잘생겼지만, 날씨에 굶주려 있다.^[40]그는 다른 한 작품에 자화상을 삽입했다; 잃어버린 트라얀과 헤르킨발트의 정의는 베른 역사 박물관의 태피스트리 사본을 통해 알려져 있다.^[41]후에 북부 예술가들은 루크의 자화상을 사용하면서 그의 선례를 따랐다.^[42]

어떤 전기적 세부사항을 이용할 수 있는가 하면, 12, 13세기 마그데부르크의 메칠드, 빙겐의 힐데가드 등 여성 신학자들에게 친숙한, 신비롭고 헌신적인 문헌에 깊은 영향을 받은 독실한 가톨릭 신자로서 화가가 있을 것이다.^[44]그들은 명상을 하면서 일탈적인 이미지를 사색하는 것이 시각이나 황홀한 상태를 초래할 수 있다고 믿었다.이러한 가르침에서 반 데어 웨이든은 '막달렌 리딩'과 같은 일탈적 모티브를 개발했다.기독교 미술에서 성 루크의 중요성은 "명상과 사색의 맥락 안에서 예술의 역할"^[45]을 긍정하면서 성 루크 회화에서 강조된다.

자화상은 여러 가지 목적을 달성한다.반 에이크에 대한 기량을 가늠하는 척도, 그리고 회화술의 정당성을 보여주는 사례로서 자신의 능력에 대한 찬사의 역할을 한다.^[6]드 브라이스는 자신을 그림 그리는 행위보다는 그림 그리는 행위에서 자신을 세인트 루크라고 표현함으로써 반 데어 웨이든이 "예술적 전통에 대해 언급함으로써 예술적 의식을 드러내며, 그렇게 함으로써 예술가와 그의 예술에 대한 시각적 논거를 제시하는데, 그 시기에는 여전히 종교적으로 정의되어 있다"^[12]고 믿고 있다.

스미스는 판 데어 웨이든이 성 루크의 후계자임을 주장하면서 어떤 성공한 예술가라도 숙달해야 할 필수 기술을 기록하는 것을 관찰하면서 이 패널을 "그림의 예술 전시"라고 묘사하고 있다.^[21]그는 은점(은점)에서 일하며, 따라서 그림의 용기에 구애받지 않고, 구성을 혼란스럽게 하거나, 더 중요하게 신과 지상의 영역 사이에 물리적인 장벽을 둘 수 있는 이젤, 좌석 또는 그 밖의 다른 항목들과 함께 일한다.^[46]

아이콘그래피

그 그림은 실제와 암묵적 우상이 풍부하다.반 데어 웨이든은 메리를 역병이나 기근 때 특히 인기 있는 "어머니 교회"의 상징인 마리아 락탄 처녀 타입으로 제시하는데, 이는 그녀가 모두를 돌보고 아무도 배고프지 않을 것이라는 암시가 된다.이 개념은 루크의 의사(그리고 따라서 치유자)와 예술가라는 이중적인 역할과 관련이 있다.^[47]반 데어 웨이든은 일찍이 그의 버진 앤 차일드 엔트론에서 모유 수유를 하는 메리의 모습을 그려냈는데, 이 작품은 의미심장한 의미를 담고 있지만, 크기와 등장인물의 배역이 축소되고, 보는 행위는 생략된다.^[48]

밀폐된 공간의 건축은 교회를 암시한다.성모님은 캐노피 아래에 앉아 있는데, 아마도 성스러운 공간과, 축하하는 사람과 회중 사이의 공간적 분리를 주로 루드 스크린에 의해 상징할 것이다.오른쪽에 있는 작은 방은 가득 찬 방을 상징할 수 있다.^[48]그녀의 왕좌의 팔에는 파라다이스에서 떨어지기 전에 아담, 이브, 뱀을 포함한 인물들이 새겨져 있다.^[27]그 방은 성모님의 정절을 상징하는 또 다른 상징인 밀폐된 정원을 향하고 있다.^[8]메어리는 왕좌와 캐노피 아래에 위치하여 천왕후로서의 역할을 나타내지만, 그녀는 겸손함을 나타내는 계단 위에 앉는다.^[22][49]

성모님은 성스러운 공간과 반대로 지상의 공간을 차지하지만, 냉담하다.이 접근방식은 야외에 나와 있는 2차 중간지상 인물들이 강조하는 반면 주요 인물들은 왕좌, 웅장한 아치, 나무 조각들이 들어 있는 높은 방에 배치되어 있다.반 데어 웨이든의 설정은 반 에이크보다 덜 인위적이다; 여기서 루크와 메리는 동등한 것으로 서로를 마주한다, 블럼이 묘사하는 "신성과 인간"이 서로 마주보는 반 에이크의 그림에서보다는.Van der Weyden은 성모마리아 위를 맴도는 왕관을 들고 있는 날개 달린 천사를 생략하고 있다; 그 모습은 밑그림에 포함되었지만 결국 버려졌다.교회 첨탑들이 장악하고 있는 판에이크보다 풍경이 더 세속적이다.^[50]

13세기 후반, 새로이 떠오르는 화가들의 길드들 중 다수가 루크를 수호성인으로 추대하고 있었다.^[17]판 데어 웨이든 패널은 세인트 루크가 북부 르네상스 예술에서 성모 마리아를 그린 것으로 알려진 최초의 그림들 중 하나이다.^[51] 비슷한 작품과 함께, 로버트 캠핀의 잃어버린 삼색 판넬도 있다.^[22]반 데어 웨이든은 인간화된 버진 앤 차일드(Virgin and Child)를 제시하는데, 이는 현실적인 현대적 환경,^[50] 할로스의 부족, 친밀한 공간구성이 시사하는 바 있다.그러나 그는 그 위원회를 광범위한 종교적 우상화술로 가득 채운다.^[22]

귀인 및 데이트

19세기 동안 이 그림은 때때로 Quentin Massys와 Hugo van der Gos와 연관되어 있었다.1930년대 초, X-라디오그래프를 바탕으로 한 미술사학자 앨런 버러우스는 이 보스턴 그림을 "반 데어 웨이든의 감독 아래" 디에릭 바우트에게 돌렸다.^[52]그는 나중에 판데르 바이든으로 자신의 의견을 수정했지만, 미술사학자들은 네 개의 패널 버전 중 어느 것이 원본인지, 아니면 프라임 버전인지, 어떤 것이 사본인지에 대해서는 확신이 서지 않았다.^[10]적외선 반사법을 통해 무거운 재조형과 재조립이 포함된 보스턴 버전에서 밑그림이 드러났다.이것은 보스턴 패널이 가장 유력한 증거인 다른 버전에서는 없다.^[53]밑그림을 그리는 방식은 마드리드의 '십자에서 내려온 자'나 베를린의 '미라플로레스 제단' 등 판데르 바이든의 귀속화가 성립되는 그림과 매우 유사하다.그것들은 붓과 잉크로 만들어져 있으며, 인물과 휘장의 윤곽에 가장 많은 주의를 기울인다.부화는 그림자가 깊은 지역을 나타내기 위해 사용된다.각각 밑그림이 작업 스케치인데, 그림을 시작한 뒤에도 계속 수정이 계속되었다.^[54]메리의 그림은 루브르 박물관이 그린 1464년 그의 동그라미 덕택에 그린 그림과 비슷하다.두 사람 모두 밴 데어 웨이든에 몰두한 타입으로, "매리의 젊음에 대한 지속적인 세련미와 강조를 보여준다"고 말했다.그의 작품 전반에 걸쳐 추적할 수 있다"^[39]고 말했다.

미술사학자들은 그들의 연애를 1450년에서 1435–40년으로 점차 수정하여, 화가의 경력 초기에 현재 받아들여지고 있는 1435–40으로 수정하였다.^[2]이 추정치는 롤린 마돈나의 데이트, 판 데어 웨이든의 패널 시청 기회, 그리고 그와 같은 시청 후에 자신의 작품을 제작할 수 있는 능력 등 세 가지 요인에 근거한다.그는 1432년과 1435년에 반 에이크가 자신의 작업실을 보관하고 있던 브뤼셀을 방문한 것으로 알려져 있다.에르윈 파노프스키는 가능한 가장 빠른 날짜로 c. 1434를 제안했고, 롤린 패널은 1433년 또는 1434년에 완성되었다고 한다.줄리어스 홀드는 이 이른 데이트에 대해 회의적이었다. 만약 사실이라면, 우리는 "1년 안에 로지에르가 얀의 작곡 패턴을 채택할 기회를 주는 커미션을 받았다고 가정해야 한다"고 언급하면서, 동시에 얀의 작곡 패턴을 매우 철저하고 매우 개인적인 변신을 하는 동시에, 그리고 1월 하의 브루즈에서의 이 모든 것을 그에게 맡겼다.의 바로 눈"이라고 말했다.^[55]

1955년 홀드(Hold)는 외로운 목소리와 글쓰기로서 1440년에서 1443년 사이의 날짜를 주장하면서 1430년대 중반의 화가의 다른 그림보다 더 진보된 작품으로 보고 있으며, 다른 초기 작품, 특히 c. 1434의 <아노베이션 트립티치>와 비교할 때 "고려할 만한 차이점"이 포함되어 있다고 믿고 있다.그는 더 나아가 이 그림이 큰 영향력을 지니게 되었지만, 복사는 세기 중반이 되어서야 나타났다고 관찰한다.^[56]

패널 목재의 성장고리에 대한 연감학적 조사를 보면 1410년경 목재가 떨어졌음을 알 수 있다.^[2]15세기에는 일반적으로 판넬 페인팅에 사용하기 전에 약 20년 동안 목재를 보관하여 1430년대 중후반에 가장 빠른 날짜를 제시하였다.뮌헨 버전의 분석은 판 데어 웨이든이 사망한 지 약 20년 후인 1480년대를 배경으로 하고 있다.^[57]Bruges의 패널은 최상의 상태와 뛰어난 품질을 가지고 있지만, 날짜는 c. 1491–1510이다.^[36]

입증 및 보존

그 그림이 유명하고 그 많은 사본들에도 불구하고, 19세기 이전까지 그것의 존재에 대해서는 거의 알려져 있지 않다.알브레히트 뒤러가 1520년 저국가 방문을 회고하는 일기에서 언급한 그림일 가능성이 높아 보인다.^[58]그것은 아마도 에스코리알에 보관되어 있는 필립 2세의 1574년 재고 목록에 기록된 것과 같은 작품일 것이다.^[1]이 그림은 1835년 스페인의 샤를 3세의 손자이자 화가인 세바스찬 세바스티안 가브리엘 보르본 이 브라간자의 소장품에 기록되어 있다.가브리엘의 재고 노트에는 패널에 대해 상세히 기술되어 있고, 루카스 판 레이든의 탓으로 돌리고, 더 빠른 복원을 제안했다.^[10]1889년 뉴욕 경매에서 헨리 리 히긴슨이 매입한 뒤 1893년 미술관에 기증했다.^[1]1914년의 사진들은 그것을 가브리엘의 1835년 묘사와 같은 화려하고 장식적인 틀로 보여준다.^[59]

패널은 최소 네 번의 복원에도 불구하고 프레임과 표면이 상당히^[9] 손상되어 상태가 좋지 않다.^[59]가장 일찍 기록된 복구는 미술관에 인수된 해인 1893년이었지만, 치료법에 대한 기록은 남아 있지 않다.1930년대 초 이 박물관의 그림 큐레이터 필립 헨리는 이 그림을 원래의 판데르 바이든으로 묘사했지만, 이 그림의 열악한 환경으로 인해 그 속성이 더 널리 받아들여지는 것을 방해하고 있다는 의견을 주었다.이를 근거로 1932년 독일로 보내져 보존을 받았다.그 노력은 복원가 헬무트 루헤만이 주도했는데, 그는 패널에 "구조적으로 소리 나는"이라고 묘사했고, 페인트 손실의 일부 영역을 채우는 동안 변색된 바니시와 "파래진 과도장" 층을 제거했다.^[59]루헤만은 적어도 두 번의 19세기 주요 회복의 증거를 발견했다고 믿었는데, 그 중 하나는 아마도 1893년 보스턴에서 수행되었을 것이다.루헤만의 청소와 복원은 널리 찬사를 받았고, 판데르 바이든에 의해 패널이 원작으로 인정받는 데 기여했다.^[60]

MFA는 1943년에 유약의 일부 노랑화가 수리되면서 세 번째 복구에 착수했다.^[61]가장 최근에는 1980년 소량의 그라임을 제거하고 일부 유실물을 채운 뒤 옅은 바니쉬를 입혀 청결하게 했다.^[61]

영향

만약 이 그림이 브뤼셀에 있는 세인트루크 길드 예배당에 있었다면, 그 당시 거의 참여하지 않은 많은 예술가들이 이 그림을 볼 수 있었을 것이다.반데르 바이든의 해석은 15세기 중반과 16세기 초반에 매우 큰 영향을 미쳤는데,^[34] 그 예는 브뤼셀, 카셀, 발라돌리드, 바르셀로나에 있다.^[62]이는 그 질적, 그리고 그가 예술가의 이상적인 이미지를 자화상으로서 제시하여 무역을 정당화하고 고양시키는 것을 반영한다.^[6]또한 그가 장 드 그로스의 c. 1450 딥티치에서 다시 사용했던 그의 마돈나 타입도 영향을 미쳤다.그 그림은 그의 성 루크 판넬에 직접 모델링된 '버진 앤 칠드' 날개가 그려져 있어, 그녀와 같은 판넬에 나타나는 기증자를 포함하기 위해 이단적인 측면을 확장했다.후원자와 성모 마리아를 결합하는 데 있어서, 그 예술가는 그 개인적인 헌신을 이미지의 필수적인 부분으로 만들었다.^[63]

15세기 중후반에는 루크가 성모상을 그린 그림이 인기를 끌었고, 판 데어 웨이든의 패널은 저국가에서^[64] 가장 먼저 알려졌었다 – 캄핀의 초기 치료법은 그때쯤 사라졌다.^[65]대부분은 반 데어 웨이든의 디자인을 무료로 복사한 것이었다.성 전설의 달인으로 알려진 익명의 화가. Ursula는 현재 뉴욕에 있는 그의 버진 앤 차일드(Virgin and Child)를 위해 마리아 락탄(Maria Lactans) 타입을 통합했다.반데르 바이든의 초상화에 직접적으로 영향을 받은 작품을 제작하는 다른 작가들로는 휴고 반데르 고즈, 디에릭 보츠, 데릭 배거트, 얀 고사르트 등이 있다.일부 예술가들은 성 루크 대신 그들 자신의 유사점을 배치함으로써 판 데어 웨이든을 모방했는데, 특히 사이먼 마미온과 마아텐 반 헴스커크 등이 그 예다.^[66]스스로를 루크라고 표현함으로써 예술가들은 성모에 대한 묘사를 직접 접촉에 근거하여 암시했고 따라서 성모에게 진정한 유사성을 부여했다.^[67]

Van der Gos's는 현존하는 가장 초기 자필 서명이 있는 버전이며, 가장 중요한 버전 중 하나이다.이 패널은 원래 성모 마리아와 어린이의 동반된 패널이 유실된 딥티치 날개였으며, 아마도 길드를 위해 만들어졌을 것이다.루크는 묵직한 빨간 가운을 입고 은빛으로 준비 몽타주를 그리고 우울한 표정을 짓고 있다.^[68]밴 데어 웨이든의 주제인 예술가의 역할, 연습, 공예, 판 데어 고는 숯 조각, 칼, 작은 새의 깃털을 성자 앞에 놓는다.^[69]밴 데어 웨이든과 비슷한 점이 많고 인상적이며, 도장 도구, 붉은 예복, 의사 모자와 파란색 맨틀 등이 있다.이 인물은 중년의 얼굴형이 같고, 반 데어 웨이든과 비교해서 뒤바뀌긴 했지만 초록색 쿠션에 무릎을 꿇은 그의 포즈도 똑같다.^[69]판데르 고스의 각색은 모두 후기 화가의 추종자들의 눈에 반데르 바이든의 위치를 증가시켰고, 후기 화가의 그림을 모방한 새로운 복제품들로 이어졌다.^[40]

브뤼셀 c. 1500에서 짜낸 태피스트리 버전이 지금 루브르 박물관에 있다.^[70]그것은 아마도 그림의 반전 그림을 사용하여 디자인되었을 것이다.^[71]

왼쪽 패널

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  성모마리아의 머리 너머에 있는 경치의 세부사항

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  멀리 있는 마을의 세부사항

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  먼 배경에서 걷는 그림의 세부 정보

참조

메모들

원천

외부 링크

위키미디어 커먼스는 마돈나 디 루카 관련 매체를 보유하고 있다.

• 보스턴 미술관, 처녀를 그리고 있는 세인트 루크