하이먼 블룸

Hyman Bloom
하이먼 블룸
Hyman Bloom.jpg
태어난
하이먼 멜러메드

(1913-03-29)1913년 3월 29일
라트비아 주 브루나비시
죽은2009년 8월 26일(2009-08-26) (96)
미국 NH, 나슈아
국적미국인의
교육하버드 대학교
로 알려져 있다.페인팅
배우자니나 볼렌 (1954년-1961년)
스텔라 카알리스 (1978-2009)

하이만 블룸(Hyman Bloom, 1913년 3월 29일 ~ 2009년 8월 26일)은 라트비아 태생의 미국 화가였다. 그의 작품은 알트도르퍼, 그뤼뉴발트, 카라바조, 렘브란트, 블레이크, 브레스딘, 엔소르, 사우딘 등의 예술가뿐만 아니라 그의 유대인 유산과 동양 종교의 영향을 받았다. 그는 1942년 현대 미술관 전시 "미국인 1942 - 9개 주에서 온 18명의 예술가"에 그의 작품이 포함되면서 처음으로 두각을 나타냈다. MoMA는 전시회에서 그림 2점을 구입했고, 타임지는 전시 리뷰에서 그를 "스트라이킹 디스커버리"로 선정했다.

그의 작품은 1948년과 1950년 베니스 비엔날레 전시회에 모두 선정되었고 1954년 보스턴 현대미술연구소에서 올브라이트 갤러리, 드 영 미술관으로 소급 여행한 후 1955년 휘트니 미술관에서 폐관했다. 1954년 예일대 미술학과 교수 버나드 차에와의 인터뷰에서 윌렘 드 쿠닝은 그와 잭슨 폴록 모두 블룸을 "미국 최초의 추상적 표현주의자"라고 생각했으며 블룸은 이를 부인할 것이라고 말했다. 1950년대 중반부터 그의 작품은 종이로 된 작품 쪽으로 더 많이 옮겨가기 시작했고, 그는 1971년 회화로 돌아가면서 1960년대 내내 그림 그리기에만 전념했다. 2009년 96세의 나이로 사망할 때까지 그림과 그림을 모두 이어갔다.

조기생활과 교육

1929년 하이먼 블룸의 레슬링 선수 2명

하이만 블룸(네 멜라메드)은 당시 러시아 제국의 일부였던 라트비아의 작은 유대인 마을 브루나비시치의 정통 유대인 가정에서 태어났다.[note 1] 그는 조셉과 안나 멜러메드 사이에서 태어난 여섯 아이들 중 한 명이었다. 그의 아버지는 가죽공이었다. 브루나비시치는 유대인들이 박해를 두려워하며 생활하던 민란으로 찢어진 지역의 가난한 마을이었다. 하이먼은 부모, 형 버나드와 함께 1920년 미국으로 이민을 가서 두 맏형인 새뮤얼과 모리스와 보스턴에 합류했다. 그 무렵 두 형제는 성씨를 블룸으로 바꾸고 독자적인 가죽 사업을 시작했다. 그 대가족은 보스턴 웨스트엔드에 있는 방 세 개짜리 아파트에 살았다.[1]

블룸은 어린 나이에 랍비가 될 계획을 세웠으나 그의 가족은 마땅한 선생님을 찾지 못했다.[2] 8학년 때 그는 미술 박물관에서 영재 고등학교 학생들을 위한 프로그램에 장학금을 받았다. 그는 박물관과 가까운 보스턴 상업 고등학교에 다녔다.[3] 정착촌인 웨스트엔드커뮤니티센터에서도 미술 수업을 들었다. 이 수업은 미술관 학교의 학생인 해롤드 짐머맨이 가르쳤으며 록스베리의 또 다른 정착촌에서 어린 잭 레빈도 가르쳤다. 블룸이 15살이었을 때, 그와 레빈느는 유명한 하버드 미술 교수인 덴먼 로스 교수와 함께 공부하기 시작했다. 그는 그 목적으로 스튜디오를 빌렸고, 소년들에게 가족을 부양하기 위해 직업을 갖기보다는 학업을 계속할 수 있도록 하기 위해 매주 월급을 주었다.[4] 로스는 1928년부터 1933년까지 블룸을 후원했다. 그는 또한 해롤드 짐머만을 후원했다.[5][note 2]

블룸의 짐머만과 로스 휘하의 훈련은 엄격하고 전통적이었다. 짐머만은 그림에, 로스는 그림에 집중했다. 짐머만은 학생들에게 부분적인 스케치보다는 전면적인 페이지 구성을 만들도록 격려했다. 관찰력을 키우기 위해 모델에서 직접 끌어내기보다는 기억에서 끌어낸다고도 주장했다. 그는 정착촌의 벽에 윌리엄 블레이크 판화를 걸었고, 학생들에게 여러 출처의 이미지를 합성하도록 격려했다. 그는 블룸과 레빈을 데리고 뉴욕 현대미술관으로 견학을 갔고, 블룸은 루우와 사우딘의 작품에 감명을 받아 그들의 표현력 있는 화풍을 실험하기 시작했다. 학구적인 성향이 더 강했던 로스는 블룸에게 초창기 거장들의 스타일로 페인트를 다루는 법을 가르쳤다.[note 3] 따라서 짐머만과 로스는 예술적 전통에 대한 존중을 기르면서도 예술은 단순히 베끼는 문제가 아니라 자신의 상상력을 이용하여 형식적인 디자인을 창조하는 것이라고 가르쳤다. 그것은 훗날 보스턴 표현주의라고 알려진 회화 학파에 영향을 미칠 아이디어였다.[6]

경력

조기작업

1930년대에 블룸은 공공미술프로젝트와 연방미술프로젝트 그리고 그의 형제들을 위해 산발적으로 일했다. 그는 느리고 조직적인 화가로, 한 작품을 작업하는 것을 좋아하다가 잠시 한 편을 따로 떼어놓고 신선한 시선으로 다시 그 작품으로 돌아오는 것을 좋아했다. 그 결과, 그는 정부 기한을 맞추는데 어려움을 겪었다.[7] 그는 레빈과 다른 예술가 베티 체이스와 사우스엔드에 있는 스튜디오를 공유했다.[8] 그가 동양 철학과 음악, 그리고 테오소시에 평생 관심을 갖게 된 것은 이 시기였다.[9]

그는 1942년 도로시 밀러가 큐레이팅한 미국 현대미술관(Museum of Modern Arture, MoMA) 전시회에 그의 그림 중 13점이 포함되면서 처음으로 국민적 관심을 받았다.[10][note 4] MoMA는 그의 그림들 중 두 점을 그 전시회에서 구입했고, 그는 타임지에 실렸다.[9] 전시회에서 그의 그림 제목들은 그의 반복되는 주제들을 반영한다. 두 명은 유대교 회당, 다른 한 명은 유대교인 토라와 함께라는 제목이 붙여졌다. 블룸은 실제로 한 평론가로부터 "철학적" 유대교 이미지를 포함한다는 이유로 비난을 받았다.[11] 그는 또한 "크리스마스 트리"라는 제목의 그림 두 점과 " 샹들리에"라는 제목의 그림도 가지고 있었는데, 이 두 작품 모두 반복해서 그가 되돌아온 주제였다. 또 다른, 스켈레톤 (c. 1936)은 40년대에 일련의 시체 그림이 뒤따랐고,[12] 물고기 (c. 1936)는 그가 그의 경력에 걸쳐 창조한 많은 물고기 그림들 중 하나였다.[9]

블룸은 처음에는 점점 커지는 추상적 표현주의 운동과 연관되어 있었다. MoMA 전시회에서 블룸의 작품을 처음 본 윌렘 드 쿠닝과 잭슨 폴록은 블룸을 "미국 최초의 추상적 표현주의 화가"라고 여겼다.[13] 1950년에 그는 베니스 비엔날레에서 미국을 대표하기 위해 드 쿠닝, 폴락, 아르쉬일 고키와 같은 사람들과 함께 선택되었다.[14] 같은 해에 일레인 드 쿠닝은 ART뉴스에서 블룸에 대해 썼는데, 하피와 같은 그림에서 그의 작품은 총체적 추상화에 접근했다. "모든 영향은 색소의 끓는 작용으로 전달된다."[15] 1951년 토마스 B. 헤스는 첫 번째 저서 '추상화: 배경과 미국 국면'에서 피카소, 폴록 등의 작품과 함께 블룸의 고고학적 보물을 재현했다. 드 쿠닝과 헤스 모두 '추상적 표현주의 그림'의 핵심 특징인 블룸의 표현적 페인트 취급에 대해 언급했다.[16]

추상적 표현주의가 미국 미술계를 지배하자 블룸은 이를 "지적 근거 없이 감정적인 카타르시스"라고 부르며 환멸을 느끼게 됐다.[2] 게다가, 그는 경력을 쌓기 위해 뉴욕으로 이사하는 대신 보스턴에 머무는 것을 선택했다. 그 결과 그는 비평가들의 환심을 사게 되었고 폴락 등이 했던 종류의 명성을 결코 얻지 못했다.[17] 그는 자기 선전을 싫어했고 비평가들의 찬사에 큰 가치를 두지 않았다.[9]

시체 이미지

도살된 동물 (1953년), 캔버스에 기름, 70 x 40in.

Bloom의 시체 이미지는 그의 가장 설득력 있고 논란의 여지가 있다. 이 시리즈는 1943년 화가 데이비드 아론슨이 블룸을 영안실 여행에 동행하도록 초청하면서 시작되었는데, 그곳에서 그는 그림 부활의 스케치 작업을 하고 있었다. 블룸은 부패해 가는 시체들의 광경에 의해 퇴짜를 맞기도 하고 끌리기도 했으며, 죽음을 받아들이기를 바라며 나중에 설명했다.[18] 그림의 첫 번째 그룹에는 노년의 수컷의 시체(1944년), 암컷의 시체, 전면의 모습(1945년), 암컷의 시체인 백뷰(1947년)에서, 위에서 본 것처럼 누운 시체가 수직으로 표시된다. 꼿꼿한 자세는 블룸이 가장 좋아하는 그림인 이센하임 제단편에서 그뤼뉴알드가 십자가에 못박힌 그리스도를 연상시킨다.[9] 평론가 주디스 북바인더가 지적한 대로 시신은 시청자와 대결하기 위해 "위장"한다. 블룸은 육체가 살아 있는 유기체에 의해 소비되면서 죽음은 한 형태의 생명체에서 다른 형태의 생명체로의 변화라고 믿었다. 즉 부활을 은유로 볼 수 있는 과정이다.[19]

이 그림들은 1945년 보스턴의 스튜어트 갤러리에 처음 전시되어 엇갈린 평가를 받았다. 뉴욕의 Durlacher Gallery에서, 그것들은 요청 시 볼 수 있는 뒷방에 전시되었다. 일부 비평가들은 이 작품이 "모르고 멋있다"고 불평했고, 다른 비평가들은 감상적인 반응을 보였다"고 말했다. 조셉 깁스는 "한 순간의 혐오감을 느낀 후, 예술가의 죽음과 부패에 대한 흡수가 부활, 즉 영혼의 불결함과 반대되는 도망살육의 상대적 비귀함이라는 것을 알게 된다"[20]고 썼다. 로버트 테일러는 그를 "비범한 용기의 화가"라고 불렀다."[21]

40대 후반과 50대 초반에 블룸은 아주 다른 두 번째 시체 이미지를 만들어냈다. 헐(1952년), 해부학자(1953년), 도살된 동물(1953)과 같은 그림들은 해부된 시체들과 절단된 팔다리를 묘사하고 있다.[20] 일부 비평가들은 이러한 이미지들이 블룸이 고국에서 포그롬에 노출되고 나중에 홀로코스트에 대한 보도에서 생겨났다고 제안했다.[9] 블룸에 따르면 그의 관심사는 "내부작품의 복잡성과 색채미인, 그러한 호기심이 불러일으키는 호기심, 경이로움, 경계를 넘나드는 느낌"이었다.[22] 다른 어떤 자극이 되었든 블룸은 색감과 표면 질감에 대한 예술가의 감상을 가지고 있었고, 사우딘(Carcass of Bean, 1924)이나 렘브란트(Anatomy Red of Dr. Dr. 니콜라스 툴프, 1632년; 비슷한 주제를 탐구한 도살된 황소, 1655년). 그는 영안실에서 보았던 썩어가는 시체의 색들을 '화살'이라고 불렀고, 그러면서도 '아름답다...무지개빛과 진주빛."[23]

영적 테마

블룸의 많은 그림에는 랍비들이 등장하는데, 보통 토라를 들고 있다. 블룸에 따르면, 그의 의도는 종교적이기보다는 예술적이었다고 한다. 그는 일찍부터 자신의 유대교 신앙에 의문을 품기 시작했고, 랍비 그림을 그렸다고 주장했다. 그의 경력 동안 그는 수십 점의 랍비 그림을 그렸는데, 그들 중 몇몇은 자기와 아주 비슷했다. 자화상이냐고 묻자 그는 언제 다른 그림을 그려본 적이 있느냐고 애매하게 대답했다.[2]

그는 서양에서 청소년 문화와 인연을 맺게 된 1960년대 이전부터 동양 신비주의와 음악에 관심을 가졌다. 그는 시타, 우드, 기타 악기를 연주하는 법을 스스로 터득했고, 1960년 제임스 루빈이 콘서트를 조직하고 인도 예술가들의 음반을 수집하는 단체인 판 오리엔트 예술 재단을 설립하는 것을 도왔다.[2]

1950년대에 그는 LSD가 창의성에 미치는 영향을 연구하던 의사들의 감독 아래 LSD를 복용했다. 그는 발을 헛디뎌 초현실적인 스케치와 알아들을 수 없는 낙서를 한 페이지에 걸쳐 '힌두교'라는 단어를 썼다.[9]

1950년대와 60년대의 그의 작품 대부분은 그가 신학계와 정신세계에 대한 집착을 반영한다. "The Medium"(1951년)과 그의 50년대 중반의 Séance 시리즈와 같은 그림들은 매체의 영혼을 노래하는 것을 묘사한다. 그는 그 예술가를 일종의 통로라고 여겼는데, 그 상은 "미지의 사람들과 접촉해서 생긴 혐오감"[2]이었다. 1960년대 대부분 그는 구성과 가치에 관심을 집중하기 위해 그림보다는 그림 그리기에 주력했다.[9] 아스트랄 평면 위(1966)는 알트도퍼와 브레스딘의 작품에서 영감을 받아 암울하게 초현실적인 목탄 그림의 시리즈로,[21] 죽음이나 명상을 통해 아스트랄 평면에 들어간 외톨이 인물들이 괴물에 둘러싸여 있다. 왜 무서운 생물들로 가득 찬 1단계만을 묘사하기로 선택했느냐는 질문에 블룸은 "너는 경험을 그린다"[2]고 답했다.

나중일

블룸은 90년대까지 계속 그림을 그렸다. 1970년대 후반 메인주 루빅의 유화는 비평가인 홀랜드 코터가 말한 "무서운, 황홀한 에너지"를 풍긴다. 시스케이프 1호(1974년)와 같은 그의 바다 풍경도 마찬가지라고 할 수 있었다. 그는 화려한 박과 무지개빛 아르누보 도자기를 특징으로 한 활기찬 정물화를 그렸다.[17] 그는 80년대 중반에서 2008년 사이에 적어도 20개의 랍비 그림을 그렸다.[24] 그 동안 그는 전시회를 계속했는데, 주로 보스턴 지역에서 전시회를 했다. 풀러 박물관은 1996년에 그의 작품에 대한 완전한 회고전을 열었다. 또 다른 것은 2002년 뉴욕에 있는 국립 디자인 아카데미에 의해 조직되었다.[17]

카탈로그 레이손네 프로젝트

Bloom catalogue raisonné 프로젝트가 시작되었다. 이 프로젝트에 대한 자세한 내용은 하이먼 블룸 교육 웹사이트에서 확인할 수 있다. 블룸 작업을 소유하고 있거나 나열된 "누락된" 블룸 작업에 대한 정보가 있는 경우 프로젝트 관리자에게 문의하여 정보를 제공하십시오.

사생활

블룸은 작곡가 앨런 호바네스와 그리스 신비주의 화가 헤르몬 디 지오반노의 절친한 친구였다. 세 사람은 다양한 신비로운 주제를 토론하고 인도 고전음악을 듣기 위해 자주 만났다. 블룸은 디 지오반노의 예술작품을 격려하며, 그에게 파스텔 세트를 제공했고, 그의 초기 작품들을 실행했다.[5]

1954년부터 1961년까지 니나 볼렌과 결혼하였고, 1978년부터 사망할 때까지 스텔라 칼라리스와 결혼하였다.[8] 그의 마지막 거주지는 뉴햄프셔의 내슈아였다. 그는 2009년 8월 26일 96세의 나이로 그곳에서 사망했다. 그는 그의 아내 스텔라에게 죽었다.[17]

레거시

블룸은 보스턴 지역 등지의 많은 예술가들에게 영향을 미쳤으며, 경향과 움직임에 대체로 무관심했지만 보스턴 표현주의 학파의 핵심 인물로 꼽힌다. 그는 천천히 일했기 때문에, 종종 그림을 완성하는 데 몇 년이 걸리기 때문에, 비교적 작은 작품 몸을 남겼다. 그는 "분위기가 최대한 강렬할 때"[17] 한 작품이 완성되었다고 말했다.

그의 작품은 현대미술관, 보스턴미술관, 시카고미술관, 휘트니미술관, 스미스소니언의 허쉬혼미술관, 국립디자인아카데미 등의 소장품에 포함되어 있다.[25] 하이먼 블룸: 작가의 삶과 작품을 다룬 영화 '미녀'는 2009년 10월 개봉했다.[26]

영예와 상

메모들

  1. ^ 브루나비시치는 라트비아 남부 젬갈레 지역의 바우스카 구에 있으며 바우스카 시 인근과 리투아니아 국경 부근 리가에서 남쪽으로 약 45마일 떨어진 곳에 있다.
  2. ^ Judith Bookbinder (p. 295 페이지)에 따르면, 짐머만은 41세의 나이로 죽을 때까지 미술 교사로 사는 빈약한 사람을 간신히 구해냈다.
  3. ^ 로스의 1907년 모노그래프 "순수설계론: Houghton-Mifflin에 의해 원래 출판된 Harmon, Balance, Rhythm은 현재 대중영역에 있다.
  4. ^ 13점의 그림은 다음과 같다. Skeleton (c. 1936), The Fish (c. 1936), Circus Rider (c. 1937), The Baby (c. 1938), The Stove (1938), The Christmas Tree (c. 1939), The Christmas Tree (1939), The Christmas Tree (1939), The Chandelier (c. 1940), The Synagogue (c. 1940), The Synagogue (c. 1940), Jew with the Torah (c. 1940), The Bride (1941).

참조

  1. ^ 북바인더 2005, 페이지 58-60.
  2. ^ a b c d e f 2006년 프랑스어.
  3. ^ 북바인더 2005, 페이지 62.
  4. ^ 북바인더 2005, 페이지 74.
  5. ^ a b 알리미 & 키 피플.
  6. ^ 북바인더 2005, 페이지 69–70, 86–87.
  7. ^ 북바인더 2005, 페이지 128.
  8. ^ a b c 램.
  9. ^ a b c d e f g h 알리미 & 소개.
  10. ^ 밀러 1942 페이지 123.
  11. ^ 북바인더 2005 페이지 137.
  12. ^ 북바인더 2005, 페이지 138.
  13. ^ 채트 1980, 페이지 28.
  14. ^ 맥비.
  15. ^ 드 쿠닝 1950, 페이지 30–33, 56.
  16. ^ 헤스 1951 페이지 118.
  17. ^ a b c d e 코터 2009.
  18. ^ Bookbinder 2005, 페이지 138–139.
  19. ^ Bookbinder 2005, 페이지 140, 142.
  20. ^ a b 북바인더 2005, 페이지 147.
  21. ^ a b 북바인더 2005 페이지 156-157.
  22. ^ 북바인더 2005 페이지 148.
  23. ^ 북바인더 2005 페이지 142.
  24. ^ 존슨 2013.
  25. ^ 알리미 & 홈페이지.
  26. ^ 다큐멘터리 웹사이트.

원천

  • Alimi, Robert. "Home Page". HymanBloomInfo.org.
  • Alimi, Robert. "Introduction". HymanBloomInfo.org.
  • Alimi, Robert. "Key People". HymanBloomInfo.org.
  • Bookbinder, Judith (2005). Boston Modern: Figurative Expressionism as Alternative Modernism. Durham, NH: University of New Hampshire Press. ISBN 9781584654889.
  • Capasso, Nicholas (2002). "Expressionism: Boston's Claim to Fame". Painting in Boston: 1950-2000. Amherst, MA: University of Massachusetts Press. pp. 3, 5, 13. ISBN 9781558493643.
  • Chaet, Bernard (1980). "The Boston Expressionist School: A Painter's Recollections of the Forties". Archives of American Art Journal. The Smithsonian Institution. 20 (1): 25–30. doi:10.1086/aaa.20.1.1557495. JSTOR 1557495. S2CID 192821072.
  • Cotter, Holland (August 31, 2009). "Hyman Bloom, a Painter of the Mystical, Is Dead at 96". The New York Times. Retrieved August 31, 2009.
  • de Kooning, Elaine (January 1950). "Hyman Bloom Paints a Picture". ARTnews. 48 (9): 30–33, 56.a의
  • French, Katherine (2006). "Hyman Bloom: A Spiritual Embrace". Danforth Art. {{cite journal}}: Cite 저널은 필요로 한다. journal= (도움말)
  • Hess, Thomas B. (1951). Abstract Painting. Viking Press. Hyman Bloom.
  • Johnson, Ken (August 29, 2013). "A Walk Along the Boundaries of Faith and Flesh: Hyman Bloom's Rabbi Paintings at White Box". The New York Times.
  • Lamm, Kimberly. "Hyman Bloom: Chronology". HymanBloomInfo.org.
  • McBee, Richard. "Hyman Bloom's Journey". RichardMcBee.com.
  • Miller, Dorothy C. (1942). Americans 1942: 18 Artists from 9 States. New York: The Museum of Modern Art.
  • "Hyman Bloom: The Beauty of All Things". Documentary Educational Resources.

추가 읽기

외부 링크

그림

도면

기타