장난감 극장

런던의 존 레딩턴의 토이씨어터(1845-50)는 아이작 포콕의 2막 연극 '밀러와 그의 남자'의 한 장면을 보여준다.에든버러 아동 박물관의 전시품

종이극장과 모형극장이라고도 불리는 장난감 극장은 19세기 초 유럽에서 유래한 축소형 극장의 한 형태다.장난감 극장은 종종 종이판에 인쇄되어 오페라 하우스, 연극 하우스 또는 보드빌 극장의 매점에서 키트로 팔렸다.장난감 극장은 집에서 조립되어 가족이나 손님들을 위해 공연되었고, 때로는 라이브 음악 반주로 공연되었다.장난감 극장은 19세기 후반에 유럽 무대에서 현실주의로의 전환과 함께, 그리고 제2차 세계대전 이후 텔레비전이 등장하면서 인기가 급격히 떨어졌다.^[1]장난감 극장은 최근 몇 년 동안 많은 인형극가, 작가, 영화제작자들 사이에서 부활을 경험해 왔고, 미주 대륙과 유럽 전역에서 수많은 국제 장난감 극장 축제가 열리고 있다.^[2]^[3]

역사

영국 배우 존 토마스 헤인즈가 1830년경 이반회에서 브라이언 드 보이-길버트 역을 맡아 찍은 틴셀 프린트

18세기 후반과 19세기 초반

원래의 장난감 극장은 인기 연극을 대량으로 제작하여 무대, 풍경, 캐릭터, 의상 등 사람들이 집에서 조립한 키트로 판매되었다.그것들은 종이판에 인쇄되었고, "페니 플레인 또는 2펜스 컬러"로 영국 놀이방과 상업 도서관에서 구할 수 있었다.취미로 하는 사람들은 종종 그들의 무대를 손으로 장식하는 것뿐만 아니라 그들의 장난감 극장을 천과 틴젤 조각으로 장식하는 데 많은 노력을 기울였다; 틴젤 프린트 캐릭터는 미리 봉인된 상태로 살 수도 있고, 가정용 깡통 판매를 위한 다양한 물품들을 살 수도 있었다.장난감 크기의 무대들이 연극의 규모를 줄인 것처럼, 그들의 해당 대본들은 주요 등장인물들과 줄들로 줄여서 더 짧고 덜 복잡한 프레젠테이션을 하는 경향이 있었다.

19세기 전반, 300개 이상의 런던의 가장 인기 있는 연극들이 이 문제를 장난감 극장으로 보았다.출판사들은 조지아 주와 초기 빅토리아 시대 런던의 연극 공연장에 예술가를 보내 당대 최고의 성공작들의 풍경과 의상, 극적인 태도를 기록하게 했다.극장 경영진은 장난감 극장 시트가 훌륭한 무료 광고였기 때문에 종종 이 예술가들에게 무료 좌석을 제공했다.

19세기 후반과 20세기 초반

19세기 초기의 연극은 줄거리나 인물의 깊이보다는 구경거리에 더 기반을 두었으며, 이러한 특징들은 장난감 극장의 형식에 효과적으로 반영되었다.19세기 말에 이르러 유럽의 대중 드라마는 현실주의의 경향으로 선호를 전환하여 보통의 3차원적 경치 요소를 활용한 심리적 복잡성, 인물의 동기부여, 설정 쪽으로 극적 스윙을 이루었다.이런 무대극장의 트렌드는 장난감 상대극으로 쉽게 전환되지 못했고, 50년 전의 공상적인 드라마들이 유행에 뒤떨어지면서 인쇄물 속에 남아 있던 장난감 극장은 노후화 속으로 빠져들었다.

인기 하락에도 불구하고, 장난감 극장은 부활을 옹호하는 영향력 있는 예술가들의 영역에 머물러 있었다.1884년 영국 작가 로버트 루이스 스티븐슨은 "페니 플레인, 투펜스 컬러"라는 제목의 장난감 극장의 작은 웅장함을 기리는 에세이를 썼는데, 이 에세이는 폴록스가 공급한 드라마의 장점을 극찬했다.^[4]^[5]루이스 캐롤과 한스 크리스티안 안데르센과 같은 다른 어린이 작가들도 오스카 와일드가 그랬던 것처럼 장난감 극장에 손을 댔다.잭과 윌리엄 버틀러 예이츠 형제는 둘 다 예술과 무대공예를 위해 장난감 극장을 모형물로 사용했다.20세기에 장난감 극장은 파블로 피카소뿐만 아니라 미래학자 설립자 F.T. 마리엔티에 의해 엉망이 된 아방가르드의 도구가 되었다.잉그마르 베르그만과 오슨 웰즈와 같은 영화 감독들은 장난감 극장을 그들의 영화적인 걸작들의 무대 장소로 사용했고, 로렌스 올리비에는 심지어 주인공 역에서 자신의 작은 종이 조각으로 대량 제작된 그의 영화 햄릿의 장난감 극장을 만들기도 했다.그러나 제2의 물결 붐 이후 장난감 극장은 1950년대에 라이브 운영자가 필요 없고 수 마일 떨어진 곳에서 전자적으로 촬영되어 음극선관 TV에 투영된 사람들의 좌석에 있는 다른 상자로 대체되어 제2의 불황에 빠졌다.

20세기 후반과 21세기 초반

아이네 아드리아나 마르텔리는 멕시코시티의 아르테 미술관에서 제니 엘 제펠린을 공연하고 있다.

장난감 극장은 최근 몇 십 년 동안 부흥기를 맞고 있다.수집가들과 전통주의자들은 빅토리아 시대 연극의 복원된 버전을 공연하고 실험적인 인형극가들이 이삭 바벨과 이탈로 칼비노의 작품들뿐만 아니라 불성실한 이야기꾼들, 친구, 이웃들, 친척들, 그리고 그들 자신들의 작품을 각색하면서 이 형식의 한계를 밀어붙인다.현대 장난감 극장은 이용 가능한 모든 기술을 활용할 수 있고 어떤 주제든 다룰 수 있으며, 수많은 국제 장난감 연극 축제가 아메리카와 유럽 전역에서 정기적으로 열려 유명한 배우, 음악가, 작가들을 무대로 끌어들이고 있다.

구성 및 형식

양산형 장난감 극장은 보통 인쇄된 시트로 판매되며, 원하는 대로 색칠할 수 있도록 흑백으로 판매하거나, 프로시니움, 풍경, 세트, 소품, 캐릭터 등의 풀컬러 이미지로 판매된다.얇은 판지에 시트를 붙여 잘라낸 다음 연극 재연을 위해 조립한다.그림들은 작은 막대, 전선 또는 끈의 구성에 부착되어 세트 주위를 움직일 수 있다.일부 장난감 극장과 인물은 움직이는 부품과 특수 효과로 강화되며, 라이브 또는 사전 녹음된 음향 효과와 음악이 공연에 포함되는 것이 일반적이다.

현대 매체에서

폴록 장난감 가게의 소유주였던 아담 킨은 등장인물들과 짧은 연극 각본을 가지고 로렌스 올리비에의 햄릿 영화(1948)의 장난감 극장판을 출판했다.^[6]
<철도 어린이>(1970년 영화) 말미에 장난감 극장이 등장한다.
작가/예술가 에드워드 고레이는 1977년 드라큘라 무대 제작을 위해 그의 세트 디자인을 바탕으로 대량 생산된 장난감 극장을 설계했다.^[7]
1982년 잉그마르 베르그만의 수상작인 패니와 알렉산더의 영화 시작 부분에 장난감 극장이 등장한다.^[8]
캐롤 발라드와 모리스 센닥의 1986년 영화판 호두까기 인형극장.
세트 디자이너 하이디 랜드스만은 1991년 뮤지컬 "The Secret Garden on toy stars"의 디자인을 바탕으로 했다.^[9]
줄리 타이모르는 2002년 영화 프리다의 한 장면에서 장난감 극장 인형을 사용했다.
션 메러디스의 희극 배우 단테의 인페르노(2007)는 장난감 극장의 전체 영화다.
장난감 극장은 많은 얀 슈반크마이어의 영화에서 모티브가 된다.
테리 길리엄의 2009년 영화 '파르나수스 박사의 이미지나리움'의 결말에 장난감 극장이 등장하는데, 줄거리의 특징과 최종 크레딧의 형식 둘 다이다.
2011년 공포를 주제로 한 비디오 게임인 '디저스트의 그림자'에서 플레이어들은 스크린과 같은 장난감 극장에서 악마와 격투를 벌이며 장난감 극장의 꼭두각시로 등장하는 캐릭터들과 격투를 벌인다.
2019년 일본 영화 '폭력 보이저'는 '게키메이션'(성인만가를 뜻하는 일본어 단어 '게키가'에서 따온 것)이라는 새로운 기법을 활용한다고 주장한다.하지만, "애니메이션" 스타일은 장난감 극장과 더 어울린다.