이반 올브라이트

Ivan Albright
이반 올브라이트
“Self-Portrait” by Ivan Albright (1897–1983), 1934, oil on canvas, 291⁄4 by 191⁄4 inches. Collection of New Trier High School District 203.png
자화상, 1934년, 캔버스에 기름 묻혔다. 뉴트라이어 고등학교 203번지 수집
태어난
이반 르 로레인 올브라이트

(1897-02-20) 1897년 2월 20일
죽은1983년 11월 18일 (1983-11-18) (86세)
교육시카고 미술원
국립 디자인 아카데미
펜실베이니아 미술 아카데미
로 알려져 있다.그림 그리기, 그림 그리기, 시
스타일매직 리얼리즘
배우자조세핀 메딜 패터슨

이반로레인 올브라이트(Ivan Le Lorain Albright, 1897년 2월 20일 ~ 1983년 11월 18일)는 자화상, 인물 연구, 정물화로 가장 유명한 미국의 화가, 조각가, 인쇄업자였다.[1] 그의 기술과 어두운 주제 때문에 그는 종종 마법 현실주의자들 사이에서 분류되고 때때로 "마카브르의 달인"으로 일컬어지기도 한다.[1][2]

예술가와 장인의 가족으로부터, 올브라이트는 1930년대에 미국 미술계에 등장하여 미국 현실주의자들의 가장 수수께끼 같은 인물 중 한 사람으로 명성을 쌓았다.[3] 그는 '리네만'(1928), '내가 하지 말았어야 했던 일'(The Door)(1931), '도리안 그레이'(1943) 의 작품으로 몸과 살의 허약함, 인간의 상태를 강조해 보는 대중을 충격과 경악과 분노케 했다.[1] 모든 표면의 미세한 디테일과 질감을 강조하기 위한 그의 작업은 종종 그가 그림 한 점을 그리는데 수 년 또는 수십 년을 소비해야 했다.[3]

올브라이트의 작품들은 미국 전역의 박물관에서 발견될 수 있지만, 그의 작품들 중 가장 중요한 저장소는 시카고 미술 연구소에 있다.[4]

인생

아담 에모리 올브라이트(미국, 1862–1957) , 1907년 Barnacles, 캔버스 위의 기름, 24 x 30인치, 시카고 예술 연구소. Barnacles는 이반과 Malvin을 모델로 한 아담의 그림의 예다.[5]

이반 르 로레인과 일란성 쌍둥이 형제 말빈 마르 올브라이트가 태어나기 전, 알브라이트 가문은 이미 예술작품과 장인정신으로 알려져 있었다. 이반의 친위대조인 안드레아스 알브레히트는 독일 튜링기아에서 총잡이로서 이반의 할아버지 사차랴에게 물려준 집안 장사가 있었다.[6] 마찬가지로, 이반의 아버지 아담 에모리 올브라이트인상파 화가였고, 토머스 에킨스의 제자로, 풍경화와 어린이들의 이상화를 이루었다.[7]

청소년 및 교육(1897–1925)

이반과 말빈은 1897년 일리노이주 노스 하비의 시카고 인근에서 아담 에모리 올브라이트, 클라라 윌슨 올브라이트 사이에서 태어났다. 그들의 젊음을 거쳐 두 사람이 11살이 될 때까지 그들의 아버지는 그 소년들을 그의 그림에서 모델로 삼곤 했다.[8] 아담도 마찬가지로 여덟 살에 두 사람에게 그림 그리기를 가르치기 시작했다. 여기에는 공식적인 에킨스 에스크 드로잉 레슨과 시카고 미술 연구소를 정기적으로 방문하는 것이 포함되었다. 그들의 아버지를 통해, 이 소년들은 칠드 하삼, 로버트 헨리, 윌리엄 글래킨스, 모리스 포렌더게스트, 에드먼드 타벨, 존 트왓맨을 포함한 몇몇 저명한 미국 인상주의자와 현실주의자들에게 소개되었다.[8] 이반의 전기 작가인 마이클 크로이돈은 이러한 경험들이 이반과 그의 형제의 후기 화가로서의 경력을 쌓을 수 있는 토대를 마련했다고 묘사하고 있다.[9]

이반은 젊음과 초기의 성인기에 정규 교육과 진로 전망은 비교적 불규칙했다. 그의 가족은 아버지의 경력 때문에 자주 이사를 다녔고 1910년이 되어서야 이반과 말빈이 뉴 트리어 고등학교에 다닐 수 있는 허바드 우즈에 정착했다.[9] 1915년까지 이반은 노스웨스턴 대학의 교양대학에 입학했는데, 이 대학에서는 탈락했다. 1916년에 그는 건축이나 화학 공학 분야의 직업을 고려하면서 일리노이 대학교의 우르바나에서 공부하기 시작했다. 이반은 1918년이 되어서베네수엘라 카라카스로 가족 회화 여행이 끝나고 화가가 될 가능성을 진지하게 받아들이기 시작했다. 같은 해 그는 시카고 미술 연구소 연례 수채화 전시회에서 허바드 우즈의 "The Oaks in Winter"라는 제목의 수채화 연구로 첫 작품을 공개 전시했다.[10] 미국이 제1차 세계대전에 참전하게 된 것도 그와 그의 형제가 모두 미국 원정군의병대의 일원으로 미 육군에 입대했기 때문에 그의 초기 성인 생활을 방해했다.[11] 1918년과 1919년 사이에 프랑스 낭트에 주둔하면서 올브라이트는 흑연과 수채화에서 수술과 상처를 묘사한 최소 8권의 스케치북을 제작했다. 올브라이트가 아직 뛰어난 초안가는 아니었지만, 미술사학자들과 비평가들은 종종 이러한 삽화를 고통받는 사람들을 위한 살과 인간성의 파괴한성에 대한 올브라이트의 관심의 촉매로 인용한다.[12][13][14][15]

1922년, 철학자는 24 x 18 인치나 되는 종이 위에 기름칠을 했다. 이반이 시카고 미술 학원에 다니는 동안 그림을 그렸다.

건축과 광고 분야에서 잠시 일한 후 1920년에 그와 그의 형제는 모두 시카고 미술학교에 입학했다. 말빈이 조각을 공부하는 동안, 이반은 그림을 공부했다 – 각각을 받는 기준, 학술적 훈련 – 이 연구소의 전통 철학에 따라.[16] 그는 1923년 졸업할 때까지 그곳에 머물면서 <철학자>(1922년)를 전시하고 삶과 초상화에서 교수진의 영예를 안았다.[17] 미술 학원에 이어 아버지의 모교펜실베이니아 미술 아카데미에서 조지 벨로즈에게 배울 생각으로 학업을 계속했다. 그러나 벨로즈는 당시 유럽에서 안식년을 보내고 있었고 그래서 이반은 대신 찰스 웹스터 호손 밑에서 공부하기 위해 국립 디자인 아카데미로 이사하는 것을 선택했다.[17] 정식 교육을 마친 그는 1925년 동생 말빈과 함께 필라델피아에 있는 스튜디오를 빌렸고 예술가로서의 직업적 경력은 시작되었다.[18]

초기 및 중간 경력(1925–1950)

1925년과 1926년 사이에 올브라이트의 성숙한 '바로크' 형식 스타일이 등장하기 시작했으며,[18] 많은 경우 일반 대중들은 그의 '인간의 상태에 대한 알몸이고 비타협적인 폭로'[19]에 준비가 되어 있지 않았다. 1926년 말에 올브라이트와 그의 형은 샌디에이고 근처의 남부 캘리포니아에서 3개월을 보냈다. 그 동안 올브라이트는 '문명을 통해 왔다갔다' '가 걸으면 이야기한다'(이하 '스님을 따라다니다') '모래에 그림을 그렸다' '물세척사'(Theosophist) 등 문체의 성숙도를 대표하는 작품들을 여럿 제작했다.[20] 1927년까지, 그와 말빈은 그들의 아버지 아담은 오래된 감리교 교회를 회화와 조각의 올브라이트 갤러리로 사용하기 위해 용도 변경했던 일리노이로 돌아왔다.[21] 이후 2년 동안 형제들의 근접성 때문에 말빈은 이반과의 혼동을 피하기 위해 지슬리라는 필명을 채택했다.[22] 이반의 스타일이 논란을 일으키기 시작한 것은 이 스튜디오에서 몇 년 동안이었다. 1928년 5월, 그의 그림 The Lineman은 무역 잡지 Electric Light and Power의 표지로 사용되었다. 그 잡지의 독자층은 그 라인맨의 모습이 부정확하고 우울하다고 생각했지만, 그 그림은 미술 비평가들에게 훨씬 더 성공적이었다.[23][22] 얼마 지나지 않아 올브라이트는 바로크 형태만큼이나 표면의 미세한 질을 강조한 그림 작업을 시작했는데, 이 작품은 '여자'(1928년)로 시작했다. 1929년 제17회 미국 현대미술가 선정전 톨레도 미술관에 '여인'이 전시되자 이 그림을 처음 철거한 시위대와 맞닥뜨린 데 이어 또 다른 단체가 그림 철거에 항의했다.[24]

1933-34년 파머스 키친, 캔버스에 기름 묻힌, 36 x 30.13 인치.

1931년과 대공황까지 올브라이트의 경력은 확립되어 가고 있었고, 그 해 7월 그는 시카고 미술 연구소에서 동료 예술가 조지, 마틴 배어와 함께 14점의 그림을 전시했다.[25] 기념비적인 "세상으로 영혼이 왔다"(1929–30)를 완성한 후, 그는 10년 동안 "내가 하지 말았어야 했던 일"(The Door)(1931)에 집착하기 시작했다. 올브라이트에 따르면, 우울증은 사람들이 그의 그림을 사지 않았기 때문에 그의 경력에 큰 영향을 주지 않았다. "시대가 좋든 나쁘든, 그래서 그것은 조금도 차이를 만들지 않았다.[26] 실제로 아버지의 미술품 판매와 부동산 성공으로 올브라이트는 1930년대까지 편안하게 살 수 있었다.[27][28] 그럼에도 불구하고, 그 시대의 다른 많은 예술가들이 그랬던 것처럼, 올브라이트는 일리노이에서 열린 공공 예술 프로젝트에 참여했다.[29] 그는 'A급' 아티스트로 프로그램에서 매주 38달러를 받기로 돼 있었지만, 작품 대금을 받은 적은 없다는 입장을 고수했다. 올브라이트는 이 프로젝트를 진행하는 동안 다음과 같은 두 가지 그림을 완성했다. 파머스 키친(1933–34)과 자화상(1934)이다.[30] 현재 스미스소니언 미술관에 소장되어 있는 파머스 키친은 특히 열심히 일하는 미국인들의 이미지에 대한 PWAP의 기대에 부합했으며 실제로 인기 있는 지역주의자들의 그림들과 가장 가까운 주제였다.[30][31] 그럼에도 불구하고 이 주제는 올브라이트가 여성 지치고 퇴화된 모습을 보여줌으로써 그랜트 우드도리스 리와 같은 지역주의 예술가들의 실증주의적 관점을 비평할 수 있게 했다.[27]

1940년대는 올브라이트의 삶에 일련의 변화를 가져왔다. 그의 어머니 칼라 윌슨 올브라이트는 1939년 5월 8일 세상을 떠났고, 그와 말빈, 아담은 다음 몇 여름을 메인주에서 그림을 그리며 보냈다.[32] During this period, in 1941, Albright completed work on The Door and began work on its de facto companion Poor Room – There Is No Time, No End, No Today, No Yesterday, No Tomorrow, Only the Forever and Forever and Forever Without End (The Window), which Albright would continue to work on off-and-on for the next twenty-one years.[33][34] The Window에 대한 작업은 이반과 말빈이 알버트 르윈 감독이 연출한 <도리안 그레이의 그림>의 메트로 골드윈 메이어 각색 작업을 위해 그림을 그려달라는 요청을 받았을 때 첫 번째 중단을 경험했다.[35] 자신의 초상화를 위해 올브라이트는 촬영장에서와 같은 가혹한 조명 아래에서 작업할 것을 주장했고, 그래서 보상하기 위해 1970년대까지 자신의 작품을 지속할 색깔을 중심으로 새로운 공격적인 감성을 개발했다.[36] 1946년 8월 27일 조셉틴 메딜 패터슨 리브와 결혼하면서 올브라이트의 사생활은 더욱 달라졌다. 그 후 이 커플은 잠시 몬타나주 빌링스로, 그 후 와이오밍주 슬립으로 남쪽으로 이동한 뒤 시카고로 돌아왔다.[37] 결혼과 동시에 올브라이트는 조세핀의 자녀를 입양했고 1947년 올브라이트는 아들 아담 메딜을 낳았고, 1949년에 이어 2년 만에 딸 블렌디나 반 에텐을 낳았다.[37][38]

후기 경력(1950–1983)

The Window에 대한 올브라이트의 작품의 마지막 중단은 Mary Block의 초상화(1955-57)의 위촉이었으며,[39] 실제로 초상화와 자화상은 올브라이트 경력의 마지막 부분에서 산출된 결과의 대부분을 지배하고 있다. 1962년 ' 윈도'를 완성하자 그는 즉시 WWI 시절 장교로 뉴욕데일리뉴스의 창시자인 장인인 조지프 메딜 패터슨(1962~64) 선장의 사후 초상화 작업을 시작했다.[39] 마찬가지로 1963년 그와 그의 가족이 콜로라도의 아스펜에서 휴가를 보내는 동안, 그는 아스펜 셀프 초상화를 실행해, 66세의 나이로 그 화가를 객관적으로 사로잡았다.[39]

1950년대와 1960년대의 수십 년간은 올브라이트의 대형 작품들을 거의 선보이지 않았지만, 그가 여행으로 시야를 넓히는 것을 보았다.[40] 1948년과 1964년 사이에 올브라이트는 서양 테마를 가진 많은 기름과 구치를 생산했다.[40] 이것은 부분적으로 조세핀과 그녀의 여동생 알리샤 패터슨 구겐하임을 통해 이 예술가가 와이오밍 주 두부아에 있는 목장의 일부 소유권을 취득했기 때문이다.[41] 이 목장은 명랑 포크, 와이오밍(1948년), 퓨리스트(1949년), 와일드 번치(1951년), 틴(1952년–54년), 러스틀러(1959년, 1963년–64년) 등 서양을 주제로 한 일련의 예술작품에 적합한 장소였다.[42][43] 마찬가지로 앨리샤가 1963년 세상을 떠나자 이반과 조세핀은 잭슨빌 바로 북쪽에 위치한 조지아에 있는 그녀의 농장을 물려받았고, 올브라이트는 이 늪에 대한 특별한 관심을 주제로 삼게 되었다.[44][45] 1963년에서 1965년 사이에 이반이 조지아에서 보낸 시간은 부분적으로 필요했지만 시카고 시가 쇼핑몰을 위한 길을 만들기 위해 오그덴 가에 있는 그의 스튜디오를 철거하기로 결정했기 때문이다.[44] 게다가, 올브라이트는 1964-65년 시카고 예술 연구소와 휘트니 미국 미술관에서 회고전을 갖는 영광을 누렸음에도 불구하고,[46] 시카고 예술계로부터 따돌림을 당했다고 느꼈다. 당시 현대 미술은 올브라이트의 비유적 문체와는 달리 팝아트미니멀리즘이 지배하고 있었다. 이반과 조세핀은 이 '씬(scene)'에서 벗어나기 위해 1963년 버몬트주 우드스톡으로 이주했으나 1965년 부지를 완전히 개조하면서 비로소 그곳에서 정규직으로 살 수 있었다.[47] 알브라이트가 은퇴한 단풍농부 출신이자 버몬트 하원의원 출신인 케네스 하퍼 애트우드 모델을 이용해 그의 마지막 주요 작품인 '인생이라면-죽음은 없을 것이다(The Vermontter)'(1966~77년)를 완성한 것이 바로 그곳이었다.[48]

올브라이트가 75세인 동안 백내장의 발육은 올브라이트의 시력을 점점 악화시켰다.[49] 다행히도 이것은 되돌릴 수 있었고 1977년에 그는 처음으로 각막 이식을 받았다.[22] 그 해, 그는 그의 작품의 많은 부분을 시카고 미술 연구소에 기증했고, 이듬해 마이클 크로이돈의 첫 전기가 출판되었다.[50][51] 이식이 올브라이트에게 새로운 삶의 감각을 부여했음에도 불구하고,[22] 그의 건강은 곧 악화되었다. 그의 마지막 그림 시리즈는 1981년에서 1983년 사이에 실행된 자화상이었다. 이 시리즈는 플로렌스의 갤러리아 데글리 우피지(Galleria degli Uffizi)가 400주년을 기념하여 거장들의 자화상 수집에 더하기 위한 자화상을 요청하여 시작되었다. 그 그림들 중 하나가 현재 우피지에 있는 동안, 올브라이트는 다양한 스타일과 매체에서 총 24점 이상을 제작했다. 이 중 마지막은 뇌졸중으로 쓰러지고 1983년 11월 18일 죽기 불과 며칠 전에 완성했다.[52]

스타일 및 작품

예술적 발전

I Am He of Who He Samson (샘슨), 1925년, 캔버스에 기름, 26 1/8 x 20 1/8 인치 삼손은 올브라이트에게 과도기적인 작품으로, '바로크' 스타일을 지향하는 그의 움직임을 보여주지만 아직 표면에는 세심한 관심을 보이지 않고 있기 때문이다.

올브라이트는 1930년대에 이르러서야 그의 작품에 일관된 기법을 개발했다. 그 기술에는 수많은 세부적인 그림을 만들고, 자신만의 색 팔레트를 만들고, 수백 개의 작은 붓으로 그림을 그리는 것이 포함되어 있었다. 올브라이트의 시간 소모적인 기술은 사물과 사람의 신체적 악화를 상세히 묘사할 수 있을 뿐만 아니라, 다수의 사소한 시각 변화를 통합하고 사물의 관계를 강조할 수 있게 해주었다. 올브라이트의 극단적 리얼리즘과 폭력적이고 무시무시한 색채 팔레트의 결합은 미술 비평가들로 하여금 그의 작품을 미국의 매직 리얼리스트들의 작품들과 분류하게 했다.

1950년대 후반과 1960년대에 그는 그림을 그리기 위해 금속 점을 사용했다. The Last of the Old WoodStock Inn은 1968년에 비디오미디어 종이에 은, 백금, 금, 구리, 황동점을 사용하여 그려졌다.[53]

올브라이트 작품을 통한 주제로는 죽음, 삶, 영적 대 육체적, 시간의 영향 등이 있다. 그의 작품 제목은 비슷하게 복잡했다. 그는 그림이 완성될 때까지 이름을 짓지 않으려 했는데, 그 때 그는 그림을 결정하기 전에 몇 가지 가능성을 생각해내곤 했다. 를 들어, 창 그림의 제목은 가난한 방 – 시간, 끝, 오늘, 어제, 내일, 영원히, 끝없는 영원히(창)이다. 그 그림은 일반적으로 이 마지막 두 단어로만 언급된다. 또 다른 그림인 '인간은 자신의 이미지로 신을 창조했다'는 제목의 글자가 논란을 피하기 위해 미국 남부를 순회할 때 '하나님이 자신의 이미지로 인간을 창조했다'는 제목으로 뒤집혔다.

주요 작품

세상 속으로 아이다라고 불리는 영혼이 왔다(1929–30)

이 그림은 (제목을 바탕으로) 아이다라는 이름을 가진 여성을 기괴하게 묘사하고 있다.[54] 이 그림 속에는 인간의 몸이 약하고 우리 모두가 우리의 육체적 형태 안에 갇혀 있다는 생각에 대한 몇 가지 언급이 있다. 영혼과 육체 사이에 갈등이 일어나는 것 같다.[55] 그 인물은 어수선하고 황폐한 상태에 있는 방에 앉아 있다. 그녀는 슬픈 표정으로 손거울을 들여다보고 있다. 이것의 한 가지 읽기는 그녀의 나이와 미모의 결핍 때문에 슬프다는 것이다.[54] 어떤 사람들은 그녀가 늙은 배우나 아마도 매춘부일 것이라고 믿는다.[55] 아이다는 그 인물의 죽은 모습과 썩어가는 모습, 그리고 그 안에 숨어 있는 더 깊은(그리고 종종 어두운) 뜻 때문에 올브라이트의 다른 작품들과 비슷하다.

하지 말았어야 했던 일(1931–1941)

그의 가장 유명한 그림 중 하나인 '내가 하지 말았어야 했던 일'(The Door)은 그가 완성하는데 10년이 걸렸고 1941년 뉴욕, 시카고, 필라델피아에서 열린 세 개의 주요 전시회에서 최고상을 받았다. 뉴욕 메트로폴리탄 미술관에서 받은 상으로 그는 이 그림과 영구 소장품에서의 위치에 대해 3,500달러의 구매 상을 받았지만 올브라이트는 구매 가격을 12만5,000달러로 책정했다. 대신 그는 퍼스트 메달을 획득하여 그가 그 일을 계속하도록 허락했다. 이 그림은 현재 시카고 미술 연구소에서 전시 중이다.[56]

도리안 그레이의 그림 (1943)

도리안 그레이의 그림, 1943년, 캔버스에 기름, 85 x 42인치.

1943년 올브라이트는 알버트 르윈이 오스카 와일드의 <도리안 그레이의 그림>을 각색한 영화를 위해 십일조를 제작하도록 의뢰받았다. 그의 자연주의적이고 과장된 부패 묘사는 그를 타락한 도리아인의 이미지를 창조하는데 적합하게 만들었다. 그의 형은 원래 그레이의 초기, 손상되지 않은 그림을 그리기로 선택되었다. 하지만, 마지막 영화에 사용된 그림은 헨릭 메디나에서 나온 것이다. 그레이의 몰락을 보여주기 위해 메디나의 그림에 변화가 필요했을 때, 올브라이트는 그것들을 그렸다. 그가 그린 타락한 도리안 그레이 그림은 현재 시카고 미술 연구소에 소장되어 있다.[57]

평판과 유산

올브라이트의 그림은 현대미술관,[58] 메트로폴리탄미술관,[59] 디트로이트미술관,[60] 국립미술관,[61] 휘트니미술관,[62] 솔로몬 R 등 미국의 대표적인 기관 소장품에서 찾아볼 수 있다. 구겐하임 박물관.[63] 올브라이트 미술품 및 기록 보관소 중 가장 크고 중요한 소장품이 시카고 아트 인스티튜트에서 열려 이 기관과의 특별한 관계를 증명하고 있다.[64] 그 예술가와 그의 가족, 그리고 후원자들의 기부 사이에, 그 연구소는 현재 137개의 그림, 그림, 판화, 조각품들을 보유하고 있다.[65] 그 결과, 이 연구소는 학술 카탈로그의 출판과 작품 전시회를 통해 그의 유산을 홍보하기 위해 노력한다.[64] 그의 작품에 대한 주요 회고전은 1964년과 1997년에 열렸다. 또한 1978년, 1984년, 2018년에는 소규모 전시회가 개최되었다.[66][67]

지친 자에게 노를 무거워라, 외투 무거워라, 1929년, 캔버스에 기름, 53 1/4 x 34인치. 1/4 x 34인치

시카고 미술 연구소의 소장품은 올브라이트 자신이 고급 박물관과 수집가들 사이에서 그의 명성을 확고히 하는 데 능통한 결과였다.[68] 1940년대와 1950년대에 올브라이트는 저명한 기관들이 우수한 사례로 작품을 교환하는 것을 반복적으로 허용했다: 1947년, 연구소는 '여인'(1928년)을 '아이다'라고 불리는 영혼이 왔다(1929~30년)로 교환했고, 1956년에는 기부자들로부터 자금과 함께 '아이다'를 '피곤하고 무거운 코아'로 교환했다.올브라이트의 걸작 The Door(1931–1941)를 위한 t, 헤비 바다(1929)와 오 갓, 허링, 부표, 반짝이는 바다(1940).[69] 1977년 올브라이트는 자신의 개인 소장품 중 75점을 박물관에 기증하여 이전에 거래되었던 여러 작품을 돌려주었다.[70] 올브라이트가 사망하자 그의 미망인 조세핀 패터슨 올브라이트는 20점의 자화상과 함께 현재 시카고 예술 연구소의 라이슨 & 번햄 도서관이 소장하고 있는 기록물 컬렉션을 추가로 기증했다. 이 자료실에는 사진, 스크랩북, 스케치, 노트, 영화, 그리고 그의 생애와 경력을 기록한 다른 자료들이 포함되어 있다.[70]

참조

참고 문헌 목록

  • 크로이돈, 마이클 이반 올브라이트 뉴욕: 애브빌 프레스, 1978.
  • 도넬, 코트니 그레이엄, 수잔 S. 웬닝거, 로버트 코졸리노. 이반 올브라이트 수잔 F가 편집했다. 로센. 시카고: 시카고 예술 연구소; 뉴욕: 허드슨 힐즈 프레스, 1997. 전시 카탈로그.
  • 그레이슨, 게일, 에드 그라빈 이미지: The Prints of Ivan Albright, 1931–1977. Lake Forest, IL: Lake Forest College, 1978. 전시 카탈로그.
  • 오흘러, 새라 켈리, 에드 시카고 미술 연구소의 이반 올브라이트 그림들 시카고: 2019년 시카고 미술관. 전시회 Flesh에 이어 출판됨: 시카고 미술 연구소의 이반 올브라이트(Ivan Albright)가 주최하고 시카고 미술 연구소에서 2018년 5월 4일~8월 4일에 발표한다.[1]
  • 착하지, 프레더릭 A. 이반 올브라이트(Ivan Albright): 휘트니 미술관과 공동으로 시카고 미술연구소가 마련한 회고전이다. 시카고: 1964년 시카고 미술관 전시 카탈로그.

끝 노트

  1. ^ a b c "Ivan Albright". The Art Institute of Chicago. Retrieved February 15, 2021.
  2. ^ 시카고 미술 연구소(The Art Institute of Chicago, 2019)의 이반 올브라이트 그림에서 제임스 론다우, "Foreword".
  3. ^ a b 시카고 미술 연구소(The Art Institute of Chicago, 2019)의 이반 올브라이트 그림에서 제임스 론다우, "Foreword".
  4. ^ 시카고 미술 연구소(The Art Institute of Chicago, 2019)의 이반 올브라이트 그림에서 제임스 론다우, "Foreword".
  5. ^ 시카고 미술 연구소(The Art Institute of Chicago, 2019)의 이반 올브라이트 그림에서 존 P. 머피 "플레쉬: 이반 올브라이트와 추글레스의 미학" 19절.
  6. ^ 마이클 크로이돈, 이반 올브라이트(뉴욕: 압베빌 프레스, 1978), 19–20.
  7. ^ 마이클 크로이돈, 이반 올브라이트 (뉴욕: 압베빌 프레스, 1978), 23.
  8. ^ a b 마이클 크로이돈, 이반 올브라이트 (뉴욕: 압베빌 프레스, 1978), 25.
  9. ^ a b 마이클 크로이돈, 이반 올브라이트 (뉴욕: 압베빌 프레스, 1978), 26.
  10. ^ 마이클 크로이돈, 이반 올브라이트 (뉴욕: 압베빌 프레스, 1978), 27.
  11. ^ 마이클 크로이돈, 이반 올브라이트(뉴욕: 애브빌 프레스, 1978), 27–28.
  12. ^ 마이클 크로이돈, 이반 올브라이트 (뉴욕: 압베빌 프레스, 1978), 28.
  13. ^ 로버트 코졸리노, "플리트" 이반 올브라이트, 에드. 수잔 F. 로센 (뉴욕: 허드슨 힐즈 프레스, 1997), 번호판 2.
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  28. ^ 아마도 1930년대에 추가적인 돈을 벌기 위한 방법으로, 올브라이트와 그의 형 말빈은 워렌즈빌 스튜디오 뒤에 있는 가마에서 미국 예술가 숯 회사라는 이름으로 숯을 제조하고 판매했다. 참조: Michael Croydon, Ivan Albright(뉴욕: Abbebille Press, 1978), 176–177.
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  38. ^ 이후 올브라이트는 1982년 이혼할 때까지 아들 조셉 메딜 패터슨 올브라이트의 결혼을 통해 미래의 매들린 올브라이트국무장관의 장인이 됐다.
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  66. ^ 세라 켈리 오흘러 "소개서", 시카고 미술연구소 (The Art Institute of Chicago, 2019)의 이반 올브라이트 회화 (The Art Institute of Chicago, 2019) 10항에 수록되어 있다.
  67. ^ 세라 켈리 오흘러 "소개" 시카고 미술 연구소 (The Art Institute of Chicago, 2019) 12번 단락의 이반 올브라이트 회화에서.
  68. ^ 세라 켈리 오흘러 "소개서", 시카고 미술 연구소 (The Art Institute of Chicago, 2019)의 이반 올브라이트 회화 (The Art Institute of Chicago, 2019) 3항에서.
  69. ^ 세라 켈리 오흘러 "소개서" 시카고 미술 연구소 (The Art Institute of Chicago, 2019)의 이반 올브라이트 그림에서 3–5절.
  70. ^ a b 세라 켈리 오흘러 "소개서", 시카고 미술 연구소 (The Art Institute of Chicago, 2019)의 이반 올브라이트 회화 (The Art Institute of Chicago, 2019) 2항에서.

참고 항목

외부 링크