에밀리 케임 크와리예

Emily Kame Kngwarreye
에밀리 케임 크와리예
Photo of Emily Kame Kngwarreye.jpg
태어난1910년(1910년
죽은1996년 9월 3일 (85세 ~ 86세)
앨리스 스프링스(호주, 노던 테리토리)
기타 이름에밀리 캄 응와레이, Kngwarreye, Emily Kame Kngarreye
로 알려져 있다회화, 현대 호주 원주민 미술

에밀리 케임 크누와라이(Emily Kam Ngwarray, 1910년 ~ 1996년 9월 3일)는 노던 [1]테리토리 유토피아 공동체 출신의 호주 원주민 예술가이다.그녀는 호주 [2]미술사에서 가장 유명하고 성공한 예술가 중 한 명이다.

생활과 가족

VH-ZND 보잉 787-9 드림라이너, 콴타스 항공기의 이름은 Emily Kame Kngwarreye이고, 그녀의 작품 Yam Dreaming을 바탕으로 특수 도장에 그려져 있다.

Kngwarreye는 1910년 [3][4][5]Alhalkere에서 Alice Springs에서 북동쪽으로 약 250킬로미터 떨어진 원주민 공동체인 Utopia Homelands에서 태어났다.그녀의 가족은 Anmatiere였다.그녀는 [6]친자식이 없는 3남매 중 막내였다.그녀는 화가 미니 퍼웰의[7] 시누이였고, 그의 딸인 예술가 바바라 [8]위어의 이모였다.Kngwarreye는 Wear가 혼혈아동을 동화시키는 정부 프로그램에 의해 그녀의 고국에서 강제 퇴거될 때까지 7년 동안 Wear의 부모 보호자였다.[8]Kngwarreye의 증조카는 화가 Jeannie Pwerle이다.[9]그녀의 남동생의 아이들은 글로리아 피트자나 밀스와 돌리 피트자나 [10]밀스이다.

Kngwarreye는 소 사육장에서 일하며 자랐다.1934년 6월 그녀는 [11]집에서 일하고 소를 모으기 위해 알할케레에서 동쪽으로 약 100km 떨어진 맥도날드 다운스 홈스테드로 이사했다.

Kngwarreye는 아크릴을 [4]처음 접한 1988년까지 바틱에서 일했다.그녀는 이후 8년 [12]동안 3,000점 이상의 아크릴 그림을 그렸다.

Kngwarreye는 1996년 [4]9월 Alice Springs에서 사망했다.

바틱

앙마티에르족의 연장자이자 조상 보호자로서 크와레예는 유토피아 지역에서 [13]의례적인 목적으로 수십 년 동안 그림을 그렸다.1977년, 그녀는 Ernabella 출신의 Pitjantjatjara 아티스트 Yipati와 강사 Suzanne Brice, Jenny Green, Julia [14]Murray의 초기 지도와 함께 바틱을 배우기 시작했다.브라이스에 따르면, 그 지역의 원주민 여성들은 특히 전통적인 [15]생활방식에 적합하기 때문에 수공예품을 배우기를 원했다.

브라이스와 그린은 [16][17]1974년 인도네시아에서 북방영토로 배지를 수입했다.Kngwarreye가 이 기술을 도입했을 때, 원주민 예술가들은 그들 자신의 취향에 맞게 과정의 주요 부분을 조정했습니다.예를 들어, 캔팅이라고 불리는 펜 같은 도구로 왁스를 바르는 인도네시아의 기술은 브러시로 대체되었고,[18] 이것은 종종 직물에 더 넓고 생생한 무늬를 만들어냈다.

바틱의 도입은 북부 지역의 원주민 여성들에게 새로운 시대를 알렸다.이때까지 그들의 역할은 남성 화가들을 돕는 것이었고, 소수의 여성만이 그들 자신의 [19][20]작품을 만들었다.1978년 Kngwarreye와 다른 저명한 원주민 예술가들은 유토피아 여성 바틱 그룹을 [21][22]설립했습니다.처음에는 공동 프로젝트였지만, 이 프로그램은 아티스트들이 자신만의 [3][23]스타일을 개발할 수 있는 프레임워크로 발전했습니다.20명의 다른 여성들과 함께, 그녀는 그 프로그램에서 넥타이 염색, 블록 페인팅, [24]바틱의 방법을 소개받았다.

아크릴화

Kngwarreye가 캔버스에 그림을 그리기 시작한 것은 1988년 여름 웨스트 퍼스에 있는 홈즈 아 코트 컬렉션이 유토피아 화가들을 아크릴 회화에 [3]소개하는 프로그램을 후원하면서부터다.중앙 호주 원주민 미디어 협회(CAAMA)의 관리자인 앤 마리 브로디와 로드니 구치는 유토피아에 100점의 캔버스와 페인트를 가지고 와서 예술가들에게 새로운 [16]매체를 가르쳤다.2주 동안 80명의 화가가 81점의 작품을 완성했다.Aboriginal Dreamings Gallery에 따르면, 이 그림들은 "신선하고 새로운 접근법과 생동감을 보여주었고,[16] 코디네이터들은 그들이 예술가들에게서 재능을 발견하고 풀어냈다는 것을 알고 기뻐했다"고 한다.홈즈 아 코트 컬렉션은 81점의 그림을 모두 구입해 이듬해 4월 [25][26]시드니에 있는 S.H. 에빈 갤러리에 전시했다.

Kngwarreye는 아크릴 페인팅으로의 전환에 대해 나이가 들수록 노동 집약도가 낮아진다고 말한 적이 있습니다.

처음에는 바틱을 하다가 점점 더 많이 배웠고, 나중에는 그림으로 영원히 바뀌었어요.그리고 캔버스였다.왁스를 꺼내기 위해 끓는 것을 피하기 위해...직물을 포기했다.나는 조금 게을러졌다. 너무 힘들어서 포기했다.드디어 질렸어...원단을 몇 번이고 끓이고 불을 붙이고 비누 가루를 다 써버리는 힘든 일을 계속하고 싶지 않았다.그래서 바틱을 포기하고 캔버스로 바꿨어요. 그게 더 쉬웠어요.나이가 들면서 시력이 나빠져서 실크 바틱을 포기하고 [27]그림만 그리는 게 나았어요.

그녀의 방법은 캔버스의 큰 부분을 땅에 놓고 다리를 꼬고 앉는 것이었다.그녀는 긴 붓으로 페인트를 칠하여 작품 전체에 [28][29]닿게 했다.한 설명에 따르면, 한 딜러는 특정 그림 안에 개 자국이 있는 것을 그녀의 지상 수법의 자연스러운 일부로 설명했습니다: "개는 그것을 가로질러 걸었고, 그녀는 [30]전혀 신경 쓰지 않았을 것입니다,"라고 그는 말했다.

인생의 마지막 2주 동안 Kngwarreye는 그녀의 조카 Fred Torres에게 오늘날 My Country - Final Series로 알려진 시리즈를 제작하기 위한 자료를 요청했다.신데이의 원주민 미술의 갤러리스트는 이 시기를 창작에 대한 열정적인 추진으로 묘사했다. "다른 재료 없이 그녀는 1인치 크기의 게소 붓을 페인트 항아리에 담갔다.그 후 며칠 동안 에밀리는 전에 [31]없던 24개의 캔버스를 그렸습니다.

주제

Kngwarreye의 작품들은 그녀의 부족의 고향인 알할케레의 깊은 연결고리에서 비롯되었다.호주현대미술관은 그녀의 주제를 그녀의 환경으로부터 식물, 동물, 드림타임의 인물에 대한 언급과 함께 그 지역의 "진수"로 묘사하고 있다.여기에는 다음이 포함됩니다.

  • 알라티예(연필 참마)
  • 아커르테(산악마 도마뱀)
  • Ntange(풀씨드)
  • 팅구(꿈의 시간 강아지)
  • 앙케레(emu)
  • Intekwe(에뮤스가 좋아하는 작은 식물)
  • Atnwerle (녹두)
  • 가메(야마의 씨앗 팟)[32]

참마 식물은 [33]사막 원주민들에게 중요한 식량원이었다.그녀는 이 주제에 대해 많은 작품을 그렸다; 종종 그림을 시작할 때 그녀의 첫 번째 행동은 참마 추적선을 [33]내려놓는 것이었다.이 식물은 그녀에게 특히 중요했다: 그녀의 중간 이름인 카메는 노란색 꽃과 연필 [34]참마의 씨앗을 의미한다.그녀는 자신의 그림이 참마 식물을 포함한 공동체의 삶의 모든 측면에 바탕을 둔 의미를 가지고 있다고 묘사했다.

대표 및 수수료

유토피아 [35]아트 시드니의 크리스토퍼 호지스는 1988년부터 1996년 사망할 때까지 Kngwarreye를 대표했다.

1989년 유토피아와 인접한 델모어 다운스 홈스테드에 있는 델모어 갤러리는 [36][37]크와레예로부터 1500점의 작품을 의뢰했다.델모어 다운스의 운영자인 도날드와 자넷 홀트는 Kngwarreye의 작품을 호주의 엘리트 갤러리에, 재능 있는 작품을 [36]기관에 팔았다.

1991년에는 [38]멜버른의 원주민[citation needed] 갤러리, 아델레이드의 DACOU 원주민 갤러리 등 다양한 갤러리의 작품을 제작하고 있었습니다.

Kngwarreye의 델모어 갤러리 기원이 있는 초기 작품들은 [39][40]경매에서 가장 잘 나가는 경향이 있지만, 로드니 구치와 함께 한 후기 작품들도 상당한 [39]시장 가능성을 보여주었다.

스타일.

Untitled (1992)는 120 x 150 cm 크기로, 큰 점을 사용한 아티스트의 초기 사례입니다.

Kngwarreye의 작품은 "고대의 창조 [42]시대에 육지, 바다, 하늘에 형태, 형태, 의미를 부여한 조상 영웅들"에 바탕을 둔 도덕 규범인 The [41]Dreaming에서 Anmatire 체험 기간 동안 모래와 몸에 그려진 표식에 뿌리를 두고 있다.따라서 이러한 의례적인 표시는 기본적인 시각적 디자인 이상입니다."[43]원래 원주민 신화에서 세상의 창조와 동의어인 조상들의 꿈의 시간 여행(sic)을 체계적으로 재현한 것"이다.

꿈과 관련된 시각적 요소들은 Kngwarreye가 처음으로 화가로서의 기술을 개발하기 시작한 파푸냐 툴라에서 사막 예술 운동의 중요한 부분이었다.1971년 지역 원로들에 의해 Geoffey Bardon의 [44][45]도움으로 설립된 이 학교는 화가들이 캔버스에 그림을 그릴 때 그들만의 아이디어를 개발하도록 장려했다.한 가지 친숙한 스타일은 작은 점 덩어리를 겹쳐 열광의 광학적 효과를 만들어 내는 것인데, Kngwarreye의 작품과 Johnny Warangkula [46]Tjupurrula의 작품에서 나타난다.[47] 사막 미술의 영향은 그녀가 공중 [46]투시법을 사용하는 것에서도 나타난다.

1980년대 후반의 그녀의 초기 작품들은 빨간색과 노란색 황토색, 검은색과 흰색과 같은 전통적인 색을 사용했다.1990년까지, 그녀는 팔레트를 회색, 보라색, 그리고 갈색으로 확장했고, 이것은 그녀의 [48]작품의 분위기를 증폭시켰다.

1992년, Kngwarreye는 강과 사막 [49]지형을 연상시키는 다양한 색의 평행한 수평과 수직의 줄무늬를 만들면서 그녀의 점들을 연결하기 시작했다.그녀는 또한 이 기간 동안 더 큰 붓을 사용하기 시작했고, 이것은 캔버스에 더 무겁고 덜 복잡한 점들을 만들어냈다.

1993년 Kngwarreye는 점과 함께 색상의 일부를 추가했는데, 이는 색상의 고리의 효과를 만들어냈다.예를 들어 알라쿠라 프로퓨전(Alaqura Profusion)은 그녀가 '덤프 덤프' 스타일이라고 부르는 매우 밝은 색상으로 면도용 브러시로 만들어졌다.그 기술은 「나의 어머니 나라」와「에무 나라」(1994년)에도 등장하고 있다.

선이 그녀의 많은 그림에서 또 다른 중심적인 특징이다.부족 의식 중 여성의 바디 페인트에서 영감을 받은 듯, 그녀의 예술 작품에서 짜여진 선은 중앙 사막 공동체 [50]내의 참마의 선로를 자주 참조합니다.

성공.

Kngwarreye의 그림에 대한 성공과 수요는 그녀가 개인의 정체성을 유지하려고 노력하면서 공동체 내에서 많은 문제를 일으켰다.중부 사막 바깥에 나가본 적이 없는 80대 여성이 위대한 화가가 된다는 속설도 인기 이유 중 하나였다.사실 그녀는 퍼스, 애들레이드, 시드니, 캔버라에 가봤지만, 이것은 그녀가 유명해진 후였다.백인 사회에서는 그녀가 특정한 방식으로 그림을 그리도록 압력을 많이 받았는데, 그들은 그녀의 스타일 중 하나가 다른 것들보다 더 성공적이라고 믿었다.[필요한 건]

1992년 Kngwarreye는 키팅 총리와 호주 의회로부터 호주 아티스트의 크리에이티브 펠로우쉽을 받았습니다.그녀는 샌도버 [6]지역의 다양한 곳에서 살고 일했습니다.1993년, Kngwarreye, Yvonne Koolmatrie, Judy Watson이 베니스 [6]비엔날레에서 호주를 대표하도록 선택되었습니다.

Kngwarreye의 그림 8점이 2000년 겨울 경매에서 총 507,550 호주 달러에 낙찰되었고, Awelye (1989)는 156,500 호주 달러에 낙찰되었다.

2007년 5월 23일 음반투아 갤러리 & 문화 박물관의 팀 제닝스는 Kngwarreye의 1994년 작 '지구 창조'를 경매에서 1,05만 6,000 호주 달러에 구입했다.이 판매는 호주 여성 [51][52]아티스트의 기록을 세웠다.2017년 쿠이 아트 갤러리 경매에서 다시 210만 호주달러에 팔려 기록을 [53]경신했다.

2019년 테이트 갤러리 런던은 무제(Alhalkere)(1989년), 무제(1990년) 및 에둥가(1990년)[54][55][56]를 매입했다.

이용

1990년대 원주민 작가들의 작품에 대한 시장 수요 증가는 경험이 부족한 예술가의 성장을 촉진했고, 경우에 따라서는 사기 미술상들의 성장을 촉진했다.유토피아는 토착 미술을 습득하여 빠른 돈을 찾는 외부인들에게 특히 매력적으로 다가왔다.[57]Kngwarreye는 그러한 폭리를 취하는 사람들에게 바람직한 목표였다.예를 들어, 그녀는 한 친구에게 [citation needed]"유토피아에서 대여섯 대의 '미술품 거래상'으로부터 탈출했다"고 말한 적이 있다.그녀는 나중에 원주민 미술로부터 빠른 이익을 추구한 사람들이 "나쁜 사람들을 [58]위해 나쁜 품질의 그림을 제작하는 전략"을 사용했다고 기록되었다.

그녀의 생전, 그리고 그녀가 죽은 후, 작가들과 기자들은 Kngwarreye가 그린 것으로 알려진 많은 작품들이 사실 [59]가짜였다고 보고했다.1997년, N.T.에서. 뉴스는 조직적인 화가들의 '학교'가 그녀의 [59]스타일로 작품을 만들었다는 것을 암시했다.

2018년 영국 예술가 데미안 허스트가 그의 베일 시리즈를 위해 Kngwarreye의 스타일을 모방했다는 주장이 제기되었다.유토피아 공동체의 관찰자들이 유사점을 우연이라고 보기엔 너무 가깝다고 보긴 했지만 작가는 자신의 작품에 대한 사전 지식이 없었다고 주장했다.허스트에 따르면, 이 시리즈는 점묘주의, 인상주의, 후기 인상주의에 뿌리를 두고 있다.그러나 원주민 예술가이자 예술법률센터 이사인 브론윈 밴크로프트는 "실제로 저작권 스타일은...여러모로 도덕적 저작권 [60][61]요소라고 할 수 있습니다."

전시회 및 갤러리 홀딩

Kngwarreye의 실크 바틱의 첫 공개 전시회는 1980년에 [14]헤르만스버그 출신의 예술가인 모나 번과 함께 열렸다.그 다음 해 '실크의 숲'은 실버 해리스가 큐레이터를 맡은 애들레이드 페스티벌 센터에서 초연되었다.1982년에는 시드니 공예 엑스포와 브리즈번 영연방 게임 전시회에 전시되었고, [14]1983년에는 애들레이드 페스티벌 센터와 앨리스 스프링스 공예 협의회에서 전시되었다.

Kngwarreye의 첫 개인전은 1990년 유토피아 아트 [62]시드니에서 열렸다.

그녀의 작품은 1996년 모나시 대학 갤러리에서 열린 "우먼 홀드 업 더 스카이"라는 전시회에 포함되었다. 전후 태평양 [63]지역의 예술 방향.

Kngwarreye는 1997년 베니스 비엔날레에서 Yvonne Koolmatrie, Judy [64][65]Watson과 함께 호주 대표로 참가했다."플루언트"라는 제목의 그들의 전시회는 "그 [65]당시 호주 원주민들의 경험과 예술적 실천의 스펙트럼을 강조하기 위해" 선택된 다세대 쇼였다.현대판 리뷰는 이 쇼를 "종종 가부장제로 정의되는 사회에서 원주민 모계층의 지속적인 영향력에 대한 확인"이라고 묘사했다.[66]

1998년 멜버른 빅토리아 국립미술관에서 열린 '라이키 와라: 호주 원주민과 토레스 해협에서 온 긴 옷감' 전시회에서 그녀의 작품들이 전시되었다."[67]

퀸즐랜드 미술관은 1998년 Kngwarreye의 첫 회고전을 열었다.그것은 마고 닐이 큐레이터를 맡았고 Kngwarreye가 [38][6]개막을 위해 의뢰한 작품을 선보였다.이 전시회는 뉴사우스웨일스 아트갤러리, 빅토리아 국립갤러리, 캔버라 국립갤러리를 돌며 [68]호주 원주민 예술가의 첫 전국 순회 회고전이었다.

2000년 6월부터 11월까지, 호주 국립 미술관은 "현대 세계의 원주민 예술:Kngwarreye, Nym Bandak, Rover Thomas, John Mawurndjul, Fiona Poley, Tracy Moffatt, 그리고 라밍과 Wik 커뮤니티의 아티스트들의 작품으로 구성된 World of Dreamings.캔버라에서 열리기 전에, 그 전시회는 세인트 에 있는 에르미타주 박물관에도 갔다.러시아 [69][70]페테르부르크

그녀의 두 번째 회고전 유토피아: 에밀리 케임 크와레예의 천재는 2008년에 열렸다.닐의 큐레이터이기도 한 이 작품은 도쿄의 국립아트센터와 호주 국립박물관 캔버라로 옮기기 전에 일본 오사카의 [71]국립미술관에서 개관했다.

2010년 11월부터 2011년 3월까지 독일 쾰른에 있는 루드비히 박물관은 "Remembering Forward: 1960년 이후 호주 원주민에 의한 그림"을 전시했다.이 쇼는 Kngwarreye와 패디 베드포드, 퀴니 맥켄지, 도로시 나팡가디를 [72]포함한 8명의 다른 원주민 예술가들의 작품을 선보였다.

2013년, 원주민 예술가 한 명이 등장하는 최초의 박물관인 에밀리 [73]박물관이 빅토리아 [74]주 첼튼햄에 문을 열었다.그것은 3년 후에 영구히 문을 닫았다.

와일드 얌과 에뮤 푸드(1990), 카메 얌 아웰리(1996), 알하케레(1996)는 2019년 가고시안 베벌리 힐스에서 주로 북부 [75][76]지역 출신의 다른 10명의 원주민 예술가의 작품과 함께 전시되었다.

유토피아 아트 시드니는 Kngwarreye의 경력에 대한 주요 조사를 2020년 3월에 조직했다.이 전람회의 제목은 [77]STRONG이었다.또한 2020년 초,[78] D'Lan Contemporary는 첼시의 High Line Nine 갤러리에서 그녀의 작품 전시회를 열었다.

2022년 가고시앙 파리는 멜버른의 달란 컨템포러리와의 협업을 통해 프랑스에서 첫 번째 그림 개인전을 열었다.전시회의 제목은 "에밀리:"오스트레일리아의 사막 화가"그것은 1월 21일부터 3월 [79]26일까지 운영되었다.

어워드

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레퍼런스

메모들

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원천

추가 정보

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외부 링크