십자가에 못박힌 밑바닥의 인물에 대한 세 가지 연구

십자가상 밑바닥의 형상을 위한 3가지 연구(Three Studies for Figures at the Base of a Crotifixion)는 아일랜드 태생의 영국 예술가 프랜시스 베이컨이 1944년에 그린 삼색조다.이 탐조단은 에슈틸루스의 오레스테리아의 에우메니데스 즉 후리에 바탕을 두고 있으며, 평평하게 탄 오렌지 바탕에 세 가지 의인화된 생물체를 묘사하고 있다.선데알라 섬유판에 유화 페인트와 파스텔로 실행돼 2주 만에 완성됐다.이 트립티치는 베이컨의 이전 작품에서 탐구한 주제를 요약하고 있는데, 피카소의 생체모형에 대한 그의 조사와 십자가상과 그리스 후리에 대한 해석도 포함된다.베이컨은 커다란 십자가상 장면을 그리고 그 인물들을 십자가의 기슭에 놓으려는 본래의 의도를 깨닫지^[1] 못했다.^[2]

세가지 연구는 일반적으로 베이컨의 첫 번째 성숙한 작품으로 간주된다.^[3] 그는 세가지 연구 이전의 그의 작품들은 무관하다고 여겼다. 그리고 그의 일생 동안 미술 시장에서 그들의 외모를 억누르려고 노력했다.1945년에 이 그림이 처음 전시되었을 때, 그것은 센세이션을 일으켰고 그를 전후 최고의 화가 중 한 명으로 확립시켰다.비평가 존 러셀은 1971년 '세 가지 연구'의 문화적 의미를 언급하면서 "세 가지 연구 이전에 영국에는 그림이 있었고, 그 뒤에 그림을 그렸으며, 그 누구도 두 가지를 혼동할 수 없다"고 말했다.^[4]

배경

예술가로서 프랜시스 베이컨은 늦은 선발투수였다.그는 1920년대 후반과 1930년대 초반에 실내 장식가, 가구와 양탄자 디자이너로 일하면서 산발적으로 그리고 헌신 없이 그림을 그렸다.그는 나중에 자신의 흥미를 지속시킬 주제를 찾느라 너무 오랜 시간을 보냈기 때문에 경력이 지연되었다고 인정했다.^[5]그는 1933년 당시 그의 애국자 에릭 홀이 이 주제에 근거하여 일련의 세 개의 그림을 의뢰했을 때 십자가에 못박힌 모습을 그리기 시작했다.^[6]이 추상적 조형물들은 디아프한 형태, 평평한 배경,^[7] 꽃과 우산 같은 초현실주의 소품 등 그 시대의 전형적인 형식적인 요소들을 담고 있다.예술평론가 비엘랜드 슈미드는 초기 작품들이 "추상적으로 즐거운" 반면, "긴급감이나 내면의 필요성, 아름다우나 생명력이 없다"고 지적했다.^[8]이러한 정서는 베이컨의 1933년 작품인 "표현적인 관심보다는 형식적인 것에 더 집중하는 예술가를 암시한다"^[6]고 쓴 휴 데이비스에 의해 반영된다.베이컨은 그의 초기 작품들이 성공적이지 못하다는 것을 인정했다; 그것들은 단지 장식적이고 내용이 부족했다.그는 이 기간 동안 종종 가혹하게 자기 비판적이었으며, 선거운동이 끝나기도 전에 선거운동을 포기하거나 파괴하곤 했다.그는 십자가형 테마를 버리고는 좌절감에 빠져 그림 그리는 것을 대부분 철회하고 대신 연애, 술, 도박에 몰두했다.^[8][9]

11년 후 십자가의 화제로 돌아왔을 때, 그는 지금 오레스테아에 바탕을 두고 있는 길쭉하고 탈구된 유기적 형태와 같이 일찍이 발전한 양식적 요소들 중 일부를 간직하고 있었다.^[10]그는 1933년 십자가에서 처음 보여진 이 중심 인물에서 방사되는 세 줄의 선인 그가 일생 동안 여러 번 사용할 공간 장치를 계속 통합했다.^[6]1944년 2주 동안 세 가지 연구가 그려졌는데, 당시 베이컨은 "나는 술기운이 좋지 않았고, 엄청난 숙취와 술기운 속에서 그것을 했다; 나는 때때로 내가 무엇을 하고 있는지 거의 알지 못했다.아마 그 술이 좀 더 자유로워지는 데 도움이 된 것 같소."^[11]이 그림은 런던 사우스 켄싱턴주 크롬웰 플레이스 7번지에 있는 1층 평지에서 제작되었다.건물의 큰 뒷방은 이전 거주자인 예술가 존 에버렛 밀레스에 의해 당구장으로 개조되었다.낮에는 베이컨의 스튜디오였다; 밤에는 에릭 홀과 베이컨의 유모가 있는 제시 라이트풋에 의해 불법 카지노의 역할을 했다.^[12]

그는 거의 20년 동안 그림을 그렸음에도 불구하고, 베이컨은 삼학(三學)이 그의 경력의 원천이라고 확고히 주장했다.그는 그의 이전의 많은 유세들을 파괴했고, 그의 스튜디오를 떠난 사람들을 억압하려고 노력했다.베이컨은 1944년 이전의 어떤 이미지도 그의 캐논에 인정되지 않을 것을 강조했고, 초기 예술 비평가들 대부분은 이 입장에 동의했다.존 러셀과 데이비드 실베스터의 초창기 출판물은 1944년 3부작과 함께 개봉되었고, 베이컨은 어떤 회고록도 1944년을 미리 장식한 그림을 특색있게 다루어서는 안 된다고 주장했다.^[13]

트립티치

십자가상 밑바닥의 형상을 위한 세 가지 연구 패널은 당시 베이컨이 캔버스의 값싼 대안으로 사용하고 있던 가벼운 선데알라 판에 그려져 있다.^[14]각각의 조각은 거친 주황색 바탕을 배경으로 한 단 하나의 팽팽한 조각 형태를 가지고 있다.주황색 빛깔은 탐색을 통해 일관되지 않게 표시되는데, 이는 부분적으로 페인트의 낮은 오일 레벨로 인해 보드로 흡수되는 속도가 달라졌기 때문이다.^[7]인물의 창백한 살색은 회색과 흰색 붓글씨를 덧대어 이루어졌으며, 인물의 소품은 다양한 노랑, 녹색, 흰색, 보라색을 사용하여 색칠하였다.^[7]

예술평론가 휴 데이비스는 세 인물 중 왼쪽이 인간의 모습과 가장 흡사하며 십자가에서 상인을 대표할 수도 있다고 제안했다.^[16]탁자 같은 구조물에 앉아 있는 이 사지가 없는 생물은 목이 길쭉하고, 어깨가 심하게 둥글며, 검은 털로 된 걸레를 가지고 있다.^[7]그것의 부속물들과 마찬가지로, 왼쪽의 형상은 흰색과 회색 페인트 층으로 그려진다.^[7]

중심 인물의 입은 뚜렷한 얼굴보다는 목 바로 위에 위치한다.^[17]그것은 마치 으르렁거리는 것처럼 이빨을 드러내고, 축 처진 천 붕대로 눈을 가리고 있는데, 이것은 마티아스 그뤼뉴발트 그리스도의 조롱에서 뽑은 것 같은 장치다.^[18]이 생물은 관람자와 직접 마주보고 있으며, 받침대 밑부분에서 방사되는 일련의 수렴 선에 의해 중심화되어 있다.

고립된 풀밭 위에 자리잡은 이 오른손 인물의 톱니 입은 마치 비명이라도 지르듯 벌어져 있지만, 데이빗 실베스터는 하품을 하고 있을지도 모른다고 제안했다.그것의 입은 인간의 두개골으로는 불가능한 정도로 열려 있다.^[17]이 패널의 주황색 배경은 다른 프레임에서 나타나는 색조보다 밝으며,^[7] 그림의 목은 한 줄로 늘어선 이빨로 벌어지며, 반면 아래턱에서 튀어나온 귀는 밖으로 튀어나왔다.이 판넬은 1997년에 다시 등장하기 전까지 파괴된 것으로 여겨졌던 베이컨, Untitled, c. 1943의 초기 그림과 매우 흡사하다.^[7]

적외선 검사 결과 여러 차례의 수정 작업 과정에서 패널이 심하게 재작업된 것으로 드러났다.^[19]중앙 형상의 다리는 작은 자홍모양에 둘러싸여 있는데, 적외선은 이 자홍모양에 의해 처음으로 꽃으로 징발된 것으로 보인다.머리 아래 부분은 흰색과 주황색 페인트가 두껍게 칠해져 있고, 검사 결과 경관을 구성하는 데 사용되는 일련의 굽은 붓놀림과 멀리 기대어 있는 작은 모습이 드러난다.캔버스를 풀면 배 바깥쪽 여백에 여러 가지 측정 자국이 보이는데, 이는 구성이 신중하게 구상되었음을 나타낸다.^[7]

베이컨은 1959년 편지에서 "3가지 연구의 수치는 내가 여전히 할 수 있는 큰 십자가상의 기초에서 [d]를 사용하고자 한다"고 말했다.^[20]이것에 의해 베이컨은 그 인물들이 더 큰 제단 조각에 대한 전조로 잉태되고 있음을 암시했다.^[13]전기 작가 마이클 페피아트는 패널이 단일 작품으로 등장했을 수 있으며, 이를 트리피치(triptych)로 결합하자는 아이디어는 나중에 나왔다고 제안했다.^[18]세 개의 패널의 주제나 스타일에 있어서 그것들이 원래 전체적으로 구상되었다는 것을 시사하는 것은 거의 없다.비록 그들이 같은 오렌지색 배경을 가지고 있지만, 베이컨은 이미 이 색깔을 두 개의 이전 조각으로 사용했었다; 게다가, 그의 전채는 하나의 배경색이 지배하는 기간으로 특징지어질 수 있다.베이컨은 선수 생활을 시작할 때부터 직렬로 일하는 것을 좋아했고, 그의 상상력이 시퀀스에 의해 자극된다는 것을 발견했다; 그가 표현했듯이, "이미지는 내 안에 다른 이미지를 만들어낸다."^[18]

십자가상 자체가 눈에 띄게 없고, 그 존재의 흔적이나 그림자도 패널에 없다.1996년에 쓴 글에서, 비엘랜드 슈미드는 세 명의 퓨리가 그리스도를 대신했고 두 명의 도둑이 그의 양쪽에 십자가에 못박혔다고 언급했다.^[21]후리스의 형태는 피카소의 1920년대 후반과 1930년대 중반, 특히 스페인 화가의 '바더즈'(1937년)에서 직접 빌려온 것이다.^[22]그러나 피카소 인물들의 에로티시즘과 희극은 마티아스 그뤼뉴발트 그리스도의 조롱에서 파생된 위협과 공포로 대체되었다.^[20]

테마 및 스타일

십자가에 못박힌 밑바닥의 형상을 위한 3가지 연구는 베이컨의 후기 작품의 핵심 전조로서, 그는 그의 경력 내내 형식적이고 주제적인 선점을 견지했다.^[23][24]삼행형식, 묵직하게 금박을 입힌 액자에 유리 뒤에 인물들을 배치한 것, 입을 벌린 것, 화가적 왜곡의 사용, 후리, 십자가상 주제가 모두 후기 작품에서 다시 등장하기 위해서였다.베이컨의 주된 표현 방식이 소개되는데, 주제는 해부학적으로나 육체적으로 왜곡되어 있고, 분위기는 폭력적이고 예감적이며 가차없이 육체적이다.^[25]다른 점에서는 삼두박근이 그의 작품에서 다른 그림들과 구별된다.그것은 그 영감을 직접적으로 언급하고, 그 원천 자료를 독특한 문자 그대로 해석한다.^[26]트리피치는 그것의 생명체가 외부 공간에 있다는 점에서 더욱 뚜렷하다; 1948년까지 머리와 인물에 대한 베이컨의 연구는 특히 그들이 방이나 다른 밀폐된 공간에 갇혀 있다는 것을 강조한다.^[24]

베이컨이 푸리에 있는 생물체들을 모델링했다고 말하긴 했지만,^[27] 그가 완성한 작품에서 근원에 대한 시각적 연결은 거의 감지할 수 없다.그러나 이 그림의 분위기와 어조는 푸리에스 전설의 고뇌하는 정신과 일치한다.^[28]그들은 전통적으로 폭력적인 범죄자들을 사냥하고 죽임으로써 패트리샤이드와 매트리샤이드 복수에 몰두하는 고대 신들로 묘사된다.^[29]애쉴러스의 <오레스테이아>에서는 타이틀 캐릭터가 어머니 클라이템네스트라를 살해한 것에 대한 복수로 후리스에 의해 쫓기고 있다.이 이야기는 아트리우스 줄의 소멸에 대한 이야기를 담고 있다; 클라이템네스트라는 그녀의 남편 아가멤논을 해킹하여 죽였고, 나중에 카산드라는 살인을 예견하고 이렇게 선언하였다. "더 이상 피에 취한 술 취한/ 그들을 더 대담하게 만들기 위해, 흥청망청한 대패 / 어느 누구도 쫓아낼 수 없는 방에 있다.^[30]

그러나 베이컨은 이 이야기의 서술에 대해 설명하려 하지 않았다.그는 프랑스 미술평론가 미셸 라이리스에게 "아그라멤논, 클라이템네스트라, 카산드라를 그릴 수 없었다. 그것은 단지 다른 종류의 역사화였을 것이기 때문이다.그래서 나는 그것이 내 안에서 만들어 낸 효과에 대한 이미지를 만들려고 노력했다."^[31]특히 "인간의 피냄새가 나를 향해 활짝 웃는다"는 애쉴러스의 구절, 그리고 그가 삼부자리에서 입을 다루는 것과 그 이후의 많은 그림들은 그 정서를 시각화하려는 시도였다.^[32]1985년, 그는 "가장 흥미진진한 이미지"라는 애쉴러스의 문구가 그에게서 나온 것을 관찰했다. 그리고 나는 종종 그것을 읽는다.그 폭력은 내 안의 '인간의 피냄새가 나를 향해 활짝 웃는다'는 이미지를 불러 일으킨다. 음, 그보다 더 놀라운 것은 무엇일까?"^[3]

베이컨은 T. S. 엘리엇의 1939년 희곡 "가족상봉"을 통해 애쉴러스에 소개되었는데,^[33] 주인공 해리는 "잠 못 이루는 사냥꾼들/잠 못 자게 할 것"에 시달린다.엘리엇의 희곡에서 퓨리는 어두운 가족 비밀을 간직한 해리가 누나와만 나눈 회한과 죄책감을 구현하는 역할을 한다.^[34]베이컨은 그리스어로 원본을 읽지 못한 것을 후회한다고 여러 번 말했지만, 이실루스의 희곡에 사로잡혔고, 그리스 비극에 대해 더 많이 알고 싶어했다.^[35]1942년 아일랜드의 학자 윌리엄 베델 스탠포드(William Bedell Stanford)의 'Aeschylus'를 'His Style'로 읽었고, 'The Oresteia'에서 강박적 죄책감의 주제가 크게 울려퍼지는 것을 발견했다.^[36]1984년, 베이컨은 실베스터에게 자신의 그림의 주제가 시인의 작품과 직접적인 관계를 맺지는 않았지만, 엘리엇의 작품은 "감동의 판막을 열었다"고 말했다.^[37]

트립티크의 중심 인물의 입도 영화감독 세르게이 아이젠슈타인의 <군함 포템킨>(1925년) 오데사 스텝 학살 순서에서 간호사가 비명을 지르는 데서 영감을 받았다.^[38]1984년, 방송인 멜빈 브래그는 사우스 뱅크 쇼 다큐멘터리를 촬영하는 동안 베이컨의 중앙 패널의 재현으로 맞섰고, 그의 초기 활동에서 베이컨은 인간의 입의 물리적 특성에 몰두하는 것처럼 보였다.베이컨은 비록 성공하지는 못했지만 모네 풍경의 모든 아름다움으로 입을 만들 수 있을 것이라고 늘 생각했다고 대답했다.브래그가 왜 실패했다고 생각하느냐고 묻자 베이컨은 "모든 것이 훨씬 더 색깔이어야 하고, 입 안의 모든 색깔과 함께 입의 내부를 더 많이 가졌어야 했는데, 나는 우연히 그것을 얻지 못했다"^[3]고 인정했다.

피카소의 주제 탐구 외에 20세기 그림에서는 십자가형이 두드러지게 나타나지 않았다.초현실주의자들은 그것의 충격 가치를 이용했고, 그것은 고립된 예에서 신성 모독의 수단으로 사용되었다.^[39]베이컨은 종종 시마베와 같은 노장들이 십자가형을 대하는 태도에 감탄의 뜻을 나타내기도 했지만, 피카소와 마찬가지로 세속적이고 휴머니즘적인 관점에서 이 문제를 다루는데 더 관심이 있었다.^[40]세 가지 연구를 위해, 베이컨은 십자가에 못 박히는 기독교적 이미지로 접근하지 않고 오히려 그 장면이 그가 가지고 있는 인간성에 대한 특정한 관점을 반영하고 있다는 것을 발견했다.그가 데이비드 실베스터에게 말한 대로 "그것은 단지 인간의 행동일 뿐, 다른 사람의 행동 방식이었다."^[41]

그리스도의 열정(Passion of Christ)은 베이컨 작품의 초기 전개 과정에서 중심적인 관심사가 되었고, 그는 커리어 내내 이 주제로 돌아왔다.^[8]비판가 장 클레어의 질문에 베이컨은 "살육, 도살, 절단된 고기와 살"이 주로 왜 십자가에 못박히느냐는 질문에 "그것이 십자가에 못박힌 모든 것이었잖아, 안 그래?…사실 십자가 처형보다 더 야만적인 것, 그리고 누군가를 죽이는 그런 특별한 방법은 생각할 수 없을 겁니다."^[42]'세 가지 연구'가 십자가 처형 장면을 직접 표현하기 위한 시도로 시작되었을지 모르지만, 그의 탐험은 그를 '완전히 다른 것'^[43]으로 이끌었다.베이컨은 그 장면을 인간의 행동과 감정을 표현하는 새로운 방법을 탐구하는 전기자로 간주하게 되었다.그에게 있어 그것은 일종의 자화상에 해당했다;^[40] "행동이나 삶의 방식에 대한 모든 종류의 사적인 감정들"을 작업하기 위한 수단이었다.^[44]

1944년에 온 트립티치는 종종 제2차 세계대전이 알려준다고 생각되었다.미술평론가 지바 아미샤이-마이세스는 캔버스가 베이컨 자신의 혼란과 양면성을 "폭력과 힘의 발현, 두 가지 모두 그를 동시에 끌어당기고 혐오했다"^[7]고 관측한다.

임계반응

'세 가지 연구'는 1945년 4월 런던 르페브르 갤러리에서 헨리 무어와 그레이엄 서덜랜드의 작품과 함께 공동 전시회에서 처음 선보였다.당시 베이컨은 알려지지 않았으며 당시 절친한 친구였던 ^[7]서덜랜드의 요청에 의해 그의 그림이 포함되었을 가능성이 높다.^[45][46]르페브르 전시회는 제2차 세계대전의 마지막 날과 동시에 개최되었으며, 존 러셀은 영국 역사상 전쟁 직후의 시기는 향수와 낙천주의 분위기, 즉 "모든 것이 잘 될 것이고, 방문객들은 위험의 명예에 감사하는 마음으로 르페브르 박물관에 들어갔다"는 견해를 가지고 있다.Bly suprelted."^[47]

대중과 비평가들 모두 그 작품을 보고 불안해 하지 않았다.러셀은 "너무나 참을 수 없을 정도로 끔찍한 이미지들로 인해 마음이 그들을 보자마자 닫혔다"고 설명했다.그들의 해부학은 반은 인간이고 반은 동물이었으며, 그들은 천장이 낮고 창문이 없고 이상하게 비례하는 공간에 갇혀 있었다.물고, 탐침하고, 빨 수 있고, 뱀장어 같은 목이 매우 길지만, 다른 면에서는 그들의 기능이 신비스러웠다.귀와 입이 있었지만 적어도 두 개는 보이지 않았다."^[47]허버트 퍼스트는 아폴로 잡지에 기고한 글에서 "나는, 고백해야겠지만 프랜시스 베이컨의 초현실주의에 너무 충격과 심란함이 느껴져 이번 전시회에서 탈출하게 되어 기뻤다.아마도 내가 내장을 생각나게 하는 것은 해부학이나 생체 해부학이나 생체 해부학을 떠올리게 하고 비위를 거슬리게 하는 붉은 색 배경 때문이었을 것이다."^[49]이 삼박자는 센세이션을 일으켰고, 하룻밤 사이에 베이컨을 이 나라에서 가장 논란이 많은 화가로 만들었다.^[50]

Raymond Mortimer는 뉴 스테이츠맨과 네이션(New Statesman and Nation)을 위해 검토한 결과, 패널들은 "피카소의 십자가에 못박힌 목과 단추 머리가 가방에서 튀어나오는 등 더 왜곡됐다"고 썼다. 즉, 유머가 없는 보쉬처럼 우울하게 남성적인 효과였다.이 물체들은 1930년의 피카소 작품에서와 같이, 마치 조각처럼 묘사되었다.나는 베이컨의 흔치 않은 재능에 대해 의심하지 않지만, 이 사진들은 우리가 살아 남아 있는 극악무도한 세계에 대한 그의 감각을 표현한 것으로 나에게는 예술 작품이라기 보다는 분노의 상징으로 보인다.평화가 그를 회복시켜 준다면, 그는 지금 낙담하고 있는 것처럼 기뻐할지도 모른다.'^[51]베이컨은 평론가들과 대중들의 반응을 돌이켜보며 "내 그림이 왜 끔찍하게 알려진지는 처음 알았다.나는 항상 공포로 가득 차 있지만, 공포는 절대 생각하지 않는다.즐거움은 정말 다양한 것이다.그리고 공포도 그렇다.너는 그 유명한 이센하임 제단을 공포물이라고 부를 수 있니?십자가의 가장 위대한 그림 중 하나인데, 몸에는 못과 같은 가시가 박혀 있지만, 이상하게도 형태가 너무 웅장해서 공포에서 멀어진다.그러나 그것이 매우 활력 있다는 점에서 공포다. 그것이 사람들이 위대한 비극에서 나온 방법 아닌가?사람들은 마치 행복으로, 더 완전한 존재의 현실로 숙청된 것처럼 나왔다."^[44]

아일랜드의 작가 Colm Toibin은 2006년에 트립티치가 "진짜 깜짝 놀랄 만한" 영향을 유지했다고 언급했다.^[52]매튜 키에런은 2005년 자신의 에세이에서 "이 겁에 질려 있고, 눈이 멀고, 분노에 찬 인물들은 충격에 본능적으로 작용하며, 사람을 공포, 고립, 불안감에 빠지게 한다"고 썼다.우리는 그들을 자아의식 동물로 반응하며 그들의 자세와 표현은 돌로 뒤덮인 고립, 공포, 고통, 맹목적인 혼란의 감정을 드러낸다."^[17]2007년 현재 《쓰리 스터디》는 테이트 갤러리의 영구 소장품 중 하나로, 1953년 베이컨의 연인 에릭 홀이 기증한 것이다.

제2판 트립티치 1944 (1988)

Triptych 1944의 두 번째 버전 참조

베이컨은 종종 그의 주요 그림의 두 번째 버전을 만들었다.1988년에 그는 원본 3학문의 근저작을 완성했다.각각의 패널이 78 × 58 인치(198 × 147 cm)로, 이 두 번째 버전은 원래의 크기의 두 배 이상이며, 주황색 배경은 핏빛 붉은 색으로 대체되었다.테이트 갤러리의 카탈로그에 따르면, 이 수치는 1944년 버전의 캔버스에 비해 작은 비율을 차지하고 있으며, 이 장치는 "그들을 깊은 빈 공간으로 밀어넣었다"고 한다.^[53]

비판적인 의견은 엇갈렸다; 1988년 트립티치는 그것의 더 세련된 그림 기술이 그것의 힘의 상당 부분을 강탈했다고 느끼는 사람들로부터 비판을 받았다.^[54]데니스 파르는 두 번째 버전의 큰 스케일이 "매우 효과적인 장엄한 품질"을 제공했지만, 그것의 작은 프레젠테이션은 그것의 충격 가치를 줄였다고 제안했다.^[55]비평가 조나단 미아즈는 1988년 3부작품은 좀 더 세련되고 화가적인 작품이지만 원작의 새파란성은 부족하다고 느꼈다.

베이컨의 주제 재방문 경향에 대해 미아데스 교수는 "베콘이 초상화 이외의 영역에서 자동 표절을 하는 것은 해로운 결과를 덜 초래한다"고 지적했다.그럼에도 불구하고, 1944년 위대한 십자수 트리피온의 1988년판(또는 거의 사본)은 더 작은 작품이다: 그것은 더 얇고, 더 광택이 있으며, 페인트가 더 쉽게 칠해진다.그 배경들은 이제 정교하게 다듬어지고 정의되며 1944년도의 화려한 독을 갈고 있는 오렌지를 사별하고 있다."^[56]미술 평론가 제임스 데메트리온은 이러한 차이점에도 불구하고, 두 번째 버전은 여전히 첫 번째 버전의 힘과 영향을 달성한다는 것을 발견했다.^[57]

참조

메모들

참고 문헌 목록

외부 링크

• Tate Online에서 간결한 항목
• Tate Online의 전체 카탈로그 항목
• 1988년 버전의 전체 카탈로그 항목(Tate Online)
• Tate Online의 개별 패널 이미지: 왼쪽, 중앙, 오른쪽.