앨버트 에어러

Albert Ayler
앨버트 에어러
Photograph of a man with a short afro hairstyle and short goatee playing saxophone, arching his back to raise the instrument above his head
아일러 1967-68
배경 정보
태어난(1936-07-13)1936년 7월 13일
미국 클리블랜드, 오하이오 주
죽은1970년 11월 25일 (1970-11-25) (34세)
뉴욕 시
장르재즈, 프리 재즈, 아방가르드 재즈
직업색소폰 연주자, 밴드 리더, 작곡가
계기테너 색소폰, 알토 색소폰, 소프라노 색소폰, 백파이프
년 활동1952–1970
레이블버드 노트, ESP-디스크, 임펄스! 아일러
관련 행위게리 피콕, 돈 체리, 써니 머레이, 로즈웰 러드, 앨런 실바, 도널드 에어러, 헨리 베스틴, 존 콜트레인

앨버트 아일러(Albert Ayler,/1936년 7월 13일 ~ 1970년 11월 25일)는 미국의 아방가르드 재즈 색소폰 연주자, 가수, 작곡가였다.[1]

초기 R&B와 비밥 연주 경험 후, Ayler는 1960년대 자유 재즈 시대에 음악을 녹음하기 시작했다. 그러나, 일부 비평가들은 Ayler의 스타일이 부정할 수 없이 독창적이고 비정형적이지만, 그것은 일반적으로 받아들여지는 자유 재즈의 비판적 이해에 부합하지 않는다고 주장한다.[2] 사실, Ayler의 스타일은 어떤 식으로든 분류하기 어렵고, 그것은 비평가들과 팬들로부터 믿을 수 없을 정도로 강하고 이질적인 반응을 불러일으켰다.[3] 그의 혁신은 이후의 재즈 음악가들에게 영감을 주었다.[2]

그가 1964년에 발표한 <정신적 유니티>와 <힐버섬 세션>과 같은 3중주곡과 4중주곡 레코드는 그가 존 콜트레인과 오넷 콜먼의 즉흥적인 개념을 단순히 멜로디와 조화를 이루는 것이 아닌 전체 음색이 음악의 중추인 추상적인 영역으로 발전시키는 것을 보여준다. 1965년과 1966년의 그의 황홀한 음악은 "Spirits Felie"와 "Truth Is Marching In"과 같은 비평가들에 의해 브래드 밴드의 소리에 비유되었고, 거친 그룹 즉흥 연주와 번갈아 가며 재즈의 루이 암스트롱 이전의 뿌리를 되찾는 것으로 여겨지는 단순하고 행진 같은 주제들이 포함되었다.[4]

전기

어린 시절과 경력

오하이오 주 클리블랜드에서 태어나 셰이커 하이츠에서 자란 [5]아일러는 반페셔널 색소폰 연주자 겸 바이올리니스트였던 아버지 에드워드로부터 알토 색소폰을 처음 배웠다. 에드워드와 앨버트는 교회에서 알토 색소폰 듀엣을 연주했고, 종종 스윙 시대 재즈와 당시 새로 나온 보프 앨범 등 재즈 레코드를 함께 듣곤 했다.[3] 아일러의 교회에서의 양육은 그의 삶과 음악에 큰 영향을 끼쳤으며, 그의 음악 상당부분은 '영적 통일'이라는 적절한 제목이 붙은 '영적 통일'과 성서에 대한 명상이라고 여겨지는 '고인' 솔로를 수록한 그의 영적 앨범, 그리고 일부에서는 '고인' 홈을 표현하려는 시도로 이해할 수 있다. 그의 색소폰으로 "언어로 말하기"라는 [6]점들 아일러의 교회에서의 경험과 스윙 재즈 아티스트에 대한 노출도 그의 소리에 영향을 미쳤다. 그의 넓은 비브라토는 그들의 악기로 더욱 성악적인 사운드를 추구하는 복음서 색소폰 연주자들의 그것과 비슷했다. 뉴올리언스 스윙 밴드의 브라스 연주자들의 그것과 비슷했다.[6]

Ayler는 클리블랜드 이스트 사이드의 존 애덤스 고등학교를 다녔고, 1954년에 18세의 나이로 졸업했다. 후에 그는 클리블랜드의 음악 아카데미에서 재즈 색소폰 연주자 베니 밀러와 함께 공부했다. Ayler는 또한 고등학교에서 오보에를 연주했다. 10대 때, 아일러는 비밥 스타일에 대한 이해와 표준 레퍼토리에 대한 숙달로 작은 클리블랜드 재즈계에서 찰리 '버드' 파커에 이어 '리틀 버드'라는 별명을 얻었다.[7]

1952년, 16세의 나이에, Ayler는 블루스 가수와 하모니카 연주자 Little Walter와 함께 바워킹, 경적, R&B 스타일의 테너로 연주하기 시작했으며, 월터의 밴드와 두 번의 여름 휴가를 보내기 시작했다.[8] 1958년, 고등학교를 졸업한 후, Ayler는 미 육군에 입대하여 알토에서 테너 색소폰 연주자 스탠리 터렌틴을 포함한 다른 사병 음악가들과 어울렸다. Ayler는 또한 미래의 작곡가 Harold Buddd와 함께 연대 밴드에서 연주했다.[9] 1959년 그는 프랑스에 주둔하였고, 이후 그의 작품에 핵심적인 영향을 미칠 무협음악에 더욱 노출되었다. 제대 후, Ayler는 로스앤젤레스와 클리블랜드에서 일자리를 찾으려고 노력했지만, 전통적 화합을 벗어나 점점 더 우상향적인 그의 연주는 전통주의자들의 환영을 받지 못했다.[8]

에일러는 1962년 녹음 경력이 시작된 스웨덴으로 이주해 라디오 세션에서 스웨덴과 덴마크 그룹을 이끌고 1962~63년 겨울에 세실 테일러의 밴드의 무급 멤버로 소란을 피웠다. (에일러가 테일러의 그룹과 함께 공연하는 긴 루머 테이프들은 2004년 데비넌트 레코드에 의해 10-CD 세트의 일부로 발매되었다.)[10] 앨범 My Name Is Albert Ayler는 코펜하겐 라디오 방송국에서 닐스-헤닝 외스테드 페데르센, 드러머 로니 가디너 등 현지 뮤지션과 함께 녹음된 표준 세션으로, 아일러는 '섬머타임' 등의 트랙에서 테너와 소프라노를 연주한다.

조기녹음경력

1963년, 에일러는 미국으로 돌아와 뉴욕시에 정착했는데, 그곳에서 그는 개인 스타일을 계속 발전시켰고 때때로 프리 재즈 피아니스트 세실 테일러와 함께 연주했다.[3] 1964년은 Ayler의 경력 중 가장 문서화된 해로, 그 기간 동안 그는 많은 앨범을 녹음했고, 그 중 첫 번째 앨범은 그해 3월의 Spirits (나중에 Mages and Devils로 다시 발매)이었다.[11] Ayler는 또한 1964년에 ESP-Disk Records와 풍부한 관계를 시작했으며, 그의 획기적인 앨범 (그리고 ESP의 첫 재즈 앨범) Initial Unity를 그 당시 유행했던 레코드 레이블을 위해 녹음했다. ESP-Disk는 자유 재즈를 녹음하고 보급하는 데 필수적인 역할을 하게 되었다. 영적 유니티에는 그 해 여름 에일러가 막 조립한 베이시스트 게리 피콕과 드러머 써니 머레이를 포함한 3인조 그룹이 출연했다. 영적 유니티의 라이너 노트에는 1964년 7월 10일 버라이어티 아트 레코딩 스튜디오에 있는 음악가들에 대한 간략한 설명이 포함되어 있다.[12]

오후 1시 직전에 써니 머레이가 도착했다. 크고 온화한 바다코끼리.…Gary Pocket은 다음으로 키가 크고, 말랐으며, 금욕적인 외모를 지녔으며, 부드러운 말투였다.…알버트 아일러는 꼴찌, 몸집이 작고, 경계심이 많고, 말수가 적었다.[12]

1964년 7월 17일, 트럼펫 연주자 돈 체리, 알토 색소폰 연주자 존 치카이, 트롬본 연주자 로스웰 러드와 함께 이 3인조 멤버들은 캐나다의 예술가이자 영화 제작자인 마이클 스노우에게 자유자재로 즉흥적인 사운드 트랙인 뉴욕 아이 앤 이어 컨트롤을 녹음하는 데 협력했다.[12] 이 기간 동안, Ayler는 많은 팬을 육성할 수는 없었지만, 비평가들로부터 약간의 관심을 끌기 시작했다. 그러나 이후 1964년, 아일러, 피콕, 머레이, 체리 등이 유럽으로 초청되어 스칸디나비아의 짧은 여행을 하게 되었는데, 이 역시 코펜하겐 테이프, 고스트(나중에 진동으로 다시 발매), 힐버섬 세션(The Hilversum Session) 등 몇 가지 새로운 음반들을 만들어냈다.

Ayler는 1965년 5월 1일에 Bells를 녹음했다. 군대의 행진곡에 영향을 준 그의 대표 멜로디를 담은 20분간의 즉흥연주곡이다. Spirits Faile은 1965년 9월 23일 뉴욕 주드슨 홀에서 녹음되었으며, 그의 이전 앨범인 Spiritual Unity의 희박한 3인조보다 훨씬 더 큰 밴드를 특징으로 한다. 대중음악 백과사전은 "영혼의 기쁨"을 "소음을 만들고자 하는 충동에 대한 흥분되고, 엄청나게 감정적이며, 놀랍도록 창조적인 축하"[13]라고 묘사한다. 두 앨범 모두 알베르트의 형인 트럼펫 연주자 도널드 에어러가 나와 즉흥연주에 대한 오빠의 폭넓은 접근을 번역했다. 도날드는 1967년에 쇠약해지는 신경쇠약을 경험할 때까지 알버트와 함께 놀았다.[14]

1966년, Ayler는 당시 레이블의 스타 명소였던 Coltrane의 권유로 임펄스 레코드에 계약되었다.[15] 하지만 임펄스에서도, Ayler의 근본적으로 다른 음악은 많은 청중들을 찾지 못했다. Ayler의 첫 번째 임펄스 세트는 1966년 크리스마스 몇 주 전에 기록되었고, 그리니치 빌리지의 앨버트 Ayler라는 제목이 붙여졌다. 아일러는 콜트레인이 참석한 가운데 동생 미셸 샘슨, 비버 해리스, 헨리 그라임스, 빌 폴웰과 함께 공연을 했다. "존 콜트레인을 위하여"라는 제목의 곡으로, Ayler는 몇 년 만에 처음으로 알토 색소폰으로 돌아왔다.[15]

아일러는 1966년 파리에서 공연한 '고스트스' 버전의 녹음에서 음조를 섬뜩하게 무시한 채 자신의 성악 스타일이 색소폰과 비슷한 노래를 처음 불렀다.[16] Ayler는 그의 경력 동안 보컬로 실험을 계속했지만(예를 들어, 같은 이름의 앨범에서 "Love Cry"의 끝부분 근처에 있는 말없는 보컬을 참조), New Grass와 Music Is the Healing Force of the Universe와 같은 후기 앨범에서의 그의 노래는 약간의 조롱의 대상이 되어왔다. 발 윌머는 그의 노래를 "고독스럽다"[17]고 언급했고 비평가들은 "그의 말과 성악 전달은 정말 무섭다"[18]고 진술했으며, 그를 "가장 통제할 수 있는, 훈련되지 않은 목소리"[19]라고 묘사했으며, "매니컬 통곡"으로 가사를 전달했다."[19]

1967년 존 콜트레인은 간암으로 사망했고, 에일러는 그의 상징적인 장례식에서 공연해 달라는 요청을 받았다.[20] (콜트레인의 마지막 소원 중 하나는 아일러와 오넷 콜먼이 그의 장례식에서 연주해야 한다는 것이었다.)[21] 아일러는 연주 도중 두 가지 지점에서 자신의 색소폰을 입에서 뜯었다고 한다. 하나는 번뇌의 외침을 발산하기 위해, 다른 하나는 친구이자 멘토의 천국 등승을 상징하기 위한 기쁨의 외침이었다.[15] Ayler는 나중에 회상했다: "존은 이 행성의 방문객 같았다. 그는 평화롭게 왔고 그는 평화롭게 떠났다. 그러나 그가 여기 있는 동안, 그는 평화, 영성의 새로운 차원에 도달하기 위해 계속 노력했다. 그래서 나는 그가 연주한 음악을 영적인 음악으로 간주한다 - 조물주와 점점 가까워지는 존의 방식 말이다."[22] 프랭크 코프스키는 아일러의 앨범 Love Cry의 라이너 노트에서 아일러가 콜트레인의 앨범 Medcles에 대해 다음과 같이 말했다고 썼다. 콜트레인이 거기서 말하고 있는 것은 아마도 성경적인 용어였을 것이다: 그는 아버지였고, 파로아는 아들이었으며, 나는 성령이었다. 그리고 그 사람만이 내게 그런 말을 할 수 있었다."[23]

기말년사

그 후 2년 반 동안 아일러는 대부분 즉흥적인 스타일에서 작곡에 더욱 치중하는 스타일로 옮기기 시작했다.[24] 이는 ESP-Disk와 달리 예술적 표현보다 접근성에 더 중점을 둔 임펄스로부터의 압박이 크게 작용한 결과였다.[25] 아일러는 1967년과 1968년 여자친구 메리 마리아 팍스의 가사와 보컬이 돋보이는 3개의 LP를 녹음해 규칙적인 화음 변화, 펑키 비트, 전자 악기를 선보였다.[26]

Ayler는 자신의 앨범인 New Grass에서 노래를 불렀는데, 이 앨범은 10대 때 R&B에 뿌리를 두고 있다. 하지만, 이 앨범은 Ayler 팬들과 비평가들 모두에게 경멸을 받으며 성공하지 못했다.[26] 아일러는 이 R&B와 로큰롤 방향으로 나아가고 싶었고, 단순히 임펄스와 그날의 대중음악의 압력에 굴복한 것이 아니며, 아일러가 작품의 대부분을 규정하는 듯한 영성을 강하게 강조하는 것은 사실이다.[25] (그러나 게리 기딘스에 따르면, "인터뷰에서, 아일러는 뉴 그라스의 책임자가 누구인가에 대해 의심의 여지가 없었다: '그들은 나에게 이렇게 하라고 말했다. 밥 티에일. 내가 그렇게 할 것 같아? 그는 "알베르트, 이제 젊은 세대들과 함께 해야 해"라고 말했다."[27] 뉴 그래스는 "알베르트로부터의 메시지"라는 곡에서 시작된다. 이 곡은 아이러가 그의 청취자에게 직접 말하는 것으로, 이 앨범이 이전의 앨범과는 전혀 다른 차원이었고, 그것은 "그의 삶에서 다른 차원이었습니다"라고 설명했다. 그는 "명상, 꿈, 비전을 통해 [그는] 창조주의 힘을 통해 보편적인 인간이 되었다"고 주장한다.

이 무렵 아일러가 형제의 파탄을 자책하며 정서적으로 불안정해지고 있다는 암시가 있었다.[28] 1969년, 그는 "존스 씨에게—나는 비전이 있었다"라는 제목의 열정적이고 횡설수설한 공개 편지를 크리켓 잡지에 제출했고, 그 곳에서 그는 놀라운 종말론적 영적 비전을 묘사했다.[25] 그는 "하늘에서 하나님이 지으신 새로운 지구가 나오는 것을 비전으로 봤다"면서 "이는 매우 중요하다"고 주장하며 독자들에게 '계시'의 메시지를 공유해 달라고 간청했다. 때가 지금이야."[29] 노아 하워드는 그해 여름 더위에도 불구하고 장갑과 전신 털 코트를 착용하고 바셀린으로 얼굴을 가린 아일러를 본 것을 회상하며 "나를 보호해야겠다."[30]

그의 마지막 앨범 "Music Is the Healing Force of the Universe"는 캔 히트의 헨리 베스틴과 같은 록 뮤지션들과 피아니스트 바비 리프 같은 재즈 뮤지션들이 함께 참여했다. 이것은 매우 무거운 락의 영향을 받은 블루스 루트로의 복귀였지만, 성공하지 못한 뉴 그래스보다 아일러의 특유의 음색 변주곡과 에너지 넘치는 솔로를 더 많이 특징으로 삼았다.

1970년 7월, Ayler는 프랑스의 쇼 그룹(Nouits de la Fondation Maight, 문서화된 Nuits de la Fondation Maright 포함)의 무료 재즈 관용어로 돌아왔지만, 그가 모을 수 있는 밴드(Call Cobbs, 베이시스트 Steve Tintweiss, 드러머 앨런 블레어맨)는 그의 이전 그룹들 정도의 수준으로 간주되지 않았다.[31]

아일러는 1970년 11월 5일 사라졌고, 11월 25일 뉴욕시 이스트 리버에서 숨진 채 발견돼 자살로 추정됐다.[2] 그 후 한동안은 아일러가 살해되었다는 소문이 돌았는데, 마피아군이 그를 주크박스에 묶었다는 오랜 도시 전설과 함께였다.[32]

예술성

아일러는 동요, 행진 멜로디, 복음 찬송가 등 매우 전통적인 음악적 맥락에서 그의 매우 변질되지 않은 개인 색소폰 스타일을 일상적으로 선보였다.[2] 하지만, Ayler의 거친 에너지와 강렬한 즉흥 연기는 그들을 거의 알아볼 수 없는 것으로 변화시켰다. Ayler는 자유 재즈 시대의 특징인 그의 음악에 대해 파괴적인 접근을 했다. 필 하디는 Ayler가 그의 색소폰의 "물리적 특성"을 더 깊이 탐구하기 위해 멜로디와 화음을 "dismant"했다고 말한다.[33] Ayler는 자신과 그의 밴드 동료들이 즉흥적으로 연주하고, 서로 관계를 맺고, 그들의 악기들과 좀 더 생동감 있고, "원초적인" 수준으로 관계를 맺기를 원했다.[34]

아일러 음악의 강렬한 영적 측면은 아일러 음악의 '이상한' 소리에 크게 영향을 받은 재즈 색소폰 연주자 존 콜트레인의 신념과 분명히 일치했다. 이러한 효과는 특히 콜트레인의 앨범 《Medcles》와 《Stellar Regions》[6]에서 두드러진다. (콜트레인은 아일러의 일생 동안 멘토로 활동하며 재정적이고 전문적인 지원을 제공했다.)[35] 아일러가 테너 색소폰을 가져간 극한인 이 강도는 그의 소리의 가장 결정적인 측면이다. 그의 스타일은 매우 높고 매우 낮은 레지스터에서 스퀵, 경적, 즉흥 연주 등 음색 변주곡으로 특징지어진다.[36] 그는 테너 색소폰에 빳빳한 플라스틱 피브레케인 4번 갈대를[37] 사용함으로써 얻어지는 깊은 물집 같은 음색을 가지고 있었고, 넓은 파토스가 가득 찬 비브라토를 사용했다.[34]

Ayler는 그의 즉흥 연주에서 미음성을 실험했고, 전통적인 스케일의 음표 사이에 있는 소리를 탐구하려고 했다.[36] 이 기술은 그가 자주 하던 것처럼 피아노 없이 베이스와 드럼만으로 연주할 때 가장 잘 보여졌다. 아일러도 표준 스윙 박자에 저항했고, 대신 즉흥적인 라인의 광적인 스피드를 통해 탄력이 붙었는데, 그는 그의 색소폰에서 억지로 넘겼다.[8] 재즈 역사가 테드 지오야는 아일러를 " 거칠고 변칙적인 자의 비르투오소"라고 묘사하면서, 아일러는 음을 연주하는 제약에서 벗어나 대신 "색소폰이 '소리'[38]를 창조하는 새로운 영역으로 진입하는 것을 목표로 했다"고 주장한다. Ayler는 부인할 수 없이 이것을 하는데 성공했다; 그는 그의 이전의 재즈 색소폰 연주자들이 만든 어떤 것과도 다른 소리를 만들었다. 그러나, 몇몇은 이러한 소리들 속에서 강력한 예술적 목소리, 심지어 음악적 천재성을 발견했지만, 다른 사람들은 소음만을 발견했다.

영향과 유산

그의 경력에 있어서 어느 시점도 Ayler는 꾸준한 청중들의 위안을 허락하지 않았다. 대체로 긍정적인 비판적 반응에도 불구하고, 그는 평생 가난하게 지냈고 종종 콜트레인을 포함한 그의 가족과 동료 음악가들에게 재정적 지원을 요청했다.[24]

그러나 재즈 뮤지션들 사이에서는 물론, 아일러의 영향력도 여전히 느껴진다. 그의 거친 소리는 현대적인 하드코어, 소음, 그리고 실험적인 록 스타일을 예시했다.[2] 앨버트 아일러는 선라, 세실 테일러, 존 콜트레인, 오넷 콜먼, 밀포드 그레이브스(아일러와 함께 드럼을 친)와 함께 프리 재즈 장르에서 가장 존경받는 역사적 인물 중 한 명이다. 오늘날까지 그의 앨범은 앞서 언급한 전설과 함께 "프리 재즈"라는 좁은 장르에서 가장 잘 팔리는 앨범 중 하나이다. 찰스 게일, [39]켄 밴더마크,[40] 피터 브레츠만,[41] 고(故) 데이비드 S 등 색소폰을 연주하는 21세기 프리재즈의 이른바 '타이탄'이다. 웨어는 모두 알베르트 아일러의 영향을 많이 받았다.[42] Ayler는 또한 프랭크 로위, 프랭크 라이트 목사, 찰스 타일러(Ayler의 앨범 Bells), 마리온 브라운, 프랭크 스미스(ESP-Disk-Disk Burton Greene 4중주곡)와 같은 유명한 동시대인들에게 결정적인 영향을 끼쳤다.

아일러는 존 콜트레인과 친밀한 우정을 쌓았고, 두 사람은 서로의 플레이에 영향을 주었다. 콜트레인은 "아일러가 내가 가지 못한 곳을 채웠다"고 말했다. 그가 하는 일은 음악을 훨씬 더 높은 주파수로 옮기는 것 같다."[43] Ayler는 "콜트레인이 연주를 시작했을 때, 나는 그의 말투에 귀를 기울여야 했다"고 말했다. 그의 연주를 듣는 것은 마치 내게 말하는 것과 같았다, '형님, 정신적으로 정신차리십시오. 딱 한 가지 소리 - 그게 이 사람이 얼마나 심오했던지..발 윌머는 "두 사람의 관계는 매우 특별한 관계였다"고 전했다.[23] 그들은 전화와 전보로 끊임없이 서로 이야기를 나누었고 콜트레인은 젊은 남자의 영향을 많이 받았다."[44] 콜트레인은 1962년에 처음으로 아이일러의 말을 들었고, 그 후 아이러에게 "한 번은 꿈속에서 그렇게 노는 것을 들은 적이 있다"[45]고 말했다. 이듬해 2월, 아일러는 오하이오 주 클리블랜드의 재즈 사원에서 열린 공연에서 처음으로 콜트레인의 그룹과 자리를 함께했다.[46] 그 해부터 "콜트레인과 에일러는 둘 다 뉴욕에 있을 때 같은 방에 자주 있었다. 콜트레인은 1963년 가을 웨스트 빌리지의 테이크 3 커피하우스에서 아일러와 세실 테일러를 시청하고, 그 해 중 하프노트에서 함께 아일러와 에릭 돌피를 관람하고, 1964년 3월 하피노트에서 아일러를 무대에 초대하고, 27세의 작은 공연 공간에서 아일러와 함께 하는 일행을 들었다. 1965년 초 쿠퍼 광장."[47] 콜트레인은 1965년 6월 Ascension의 녹음(Anyler가 앨범 'Ghosts and Siritual Unity'를 그에게 보낸 후)에 이어 '앨러에게 전화를 걸어 '앨범을 녹음해 보니 너처럼 연주하고 있었다'고 말했다. 알버트의 대답: '아냐, 모르겠어, 너 자신처럼 놀고 있었어. 너는 그저 내가 느끼는 것을 느끼고 영적인 단결을 외치고 있었을 뿐이잖아."[21] 한 달 뒤 안티베스에 있는 동안 콜트레인은 "기억했다... 평소처럼 연습하면서 아일러 콘서트의 테이프에 맞춰 연주하는 그의 호텔 방에서."[48]

스웨덴 영화감독 카스퍼 콜린은 아일러의 음악과 삶에 큰 영감을 받아 ESP-Disk 설립자 버나드 스톨만과의 인터뷰와 함께 아일러의 가족, 여자친구, 밴드 동료들과의 인터뷰가 담긴 다큐멘터리 '내 이름은 앨버트 아이일러'를 제작했다.[49] 이 영화는 앨버트 에어러 (1962년, 1964년, 1966년, 1970년)의 영상을 포함하고 있으며, 그의 음악과 그의 목소리의 녹음 (1963년에서 1970년 사이에 이루어진 인터뷰로부터)을 중심으로 제작된다.

영국의 기타리스트 겸 싱어송라이터 로이 하퍼는 1969년 앨범 《포크조코퍼스》에서 "코펜하겐 시절 알고 사랑했던 알버트 아일러에게 "One for All"(One for Al)이라는 곡을 헌정했다.[50][51] 하퍼는 아일러를 "당대 최고의 재즈맨 중 한 명"으로 여겼다.[52] 하퍼는 포크조코푸스 여객선 노트에 "여러 가지 면에서 그가 [에일러]가 왕이었다"고 기술하고 있다.

캐나다 예술가 스탠 더글라스의 비디오 설치 호르샹("오프 스크린"이라는 뜻)은 1960년대 자유 재즈의 정치적 맥락을 흑인 의식의 연장선으로 다루고 있다.[53] 즉흥적으로 아일러의 "Spirits Fried"를 연주하는 네 명의 미국 음악가 조지 E. 1960년대 자유 재즈 시대에 프랑스에서 살았던 루이스(트롬본), 더글러스 유와트(삭스폰), 켄트 카터(바스), 올리버 존슨(드럼스) 등이 1960년대 프랑스 텔레비전의 레크리에이션인 설치에서 공연한다.[54]

1990년 피아니스트 조르지오 개슬리니는 에일러의 작곡에 대한 독창적인 해석으로 전적으로 구성된 CD인 '에일러의 날개'[55]를 발매했다. 1999년, 라운지 리자드의 존 루리는 "알베르트 에일러의 부활"이라는 제목의 작품을 발표했다.[56] 작곡가 겸 기타리스트인 마크 리보트는 전 아일러 베이스 연주자, 자유 재즈 리더 헨리 그라임스와 함께 2005년 아일러의 영적 유니티(Synthical Unity)를 위해 헌정된 앨범을 녹음했다.[57]

아일러의 곡 '고스트스'는 게리 루카스,[58] 데이비드 모스,[59] 크레이지 백워드 알파벳,[60] 레스터 보위,[61] 유진 채드본,[62] 게리 윈도 등 다수의 음악가들이 녹음했다.[63]

알버트 아일러는 모리스 G. 단텍의 2009년 공상과학소설 Comme le fante le fantme d'un 재즈맨 dans la station Mir en deroute에 나오는 적정 '재즈맨의 유령'이다.

2018년부터 시카고 색소폰 연주자 마스 윌리엄스는 매년 시카고, 빈, 크라코프, 뉴욕에서 녹음되고 서로 얽힌 휴일 기준과 알버트 아이일러 음악을 특징으로 하는 '마스 윌리엄스가 크리스마스 선물' 시리즈로 4장의 CD를 녹음해 발매했다.[64]


음반 목록

릴리스됨[65] 녹음됨[66] 앨범 원본 문제
1963 1962 뭔가 다른 것!!!!!! (최초 녹음본 1권 2권) 버드 노트
1964 1963 내 이름은 알버트 아일러 데뷔하다.
1964 1964 정령(마녀 & 악마로 재출시) 데뷔하다.
1971 1964 스윙 로우 스위트 스피릿 스피릿 삼투증
1975 1964 예언 [라이브] ESP-디스크
1996 1964 써니와 함께 웃는 앨버트 [라이브] 존중하지 않음
1965 1964 영적 유니티 ESP
1966 1964 뉴욕 아이 앤 이어 컨트롤 ESP
2002 1964 코펜하겐 테이프 아일러
1965 1964 고스트(진동으로 재발매) 데뷔하다.
1980 1964 힐베르섬 세션 삼투증
1965 1965 벨 [라이브] ESP
1965 1965 정령들의 기쁨 ESP
1965 1965 소니의 시간 나우 (써니 머레이의 앨범)[67] 지하드
1965 1965 재즈계의 뉴웨이브 [라이브] 충동!
1982 1966 Slug's Saloon, Vol. 1, 2 [라이브] ESP
1990 1964–66 앨버트 아일러 [라이브] 언어학
2011 1966 스톡홀름, 1966년 베를린 [라이브] 모자뮤직스
1982 1966 뢰라흐 / 파리 1966년 [라이브] 모자뮤직스
1967 1965–67 그리니치 빌리지에서 [라이브] 충동!
1968 1967–68 러브 크라이 충동!
1969 1968 뉴 그래스 충동!
1970 1969 음악이 우주의 치유력이다 충동!
1971 1969 마지막 앨범 충동!
2005 1970 리비에라 라이브[라이브] ESP
1971 1970 Nuits de la Fondation Maight 제1권 [Live] 샨다르
1971 1970 Nuits de la Fondation Maight 2 [Live] 샨다르
2004 1960–70 홀리 고스트: 희귀 & 미발행 음반 (1962–70) 레벤던트

컴필레이션스

[68] (이 목록은 불완전함)

  • 전체 ESP-Disk Recordings(ESP, 2006)
  • 유럽 라디오 스튜디오 레코딩 1964(HATOLOGY, 2016)
  • 초기 앨범 모음집(Enlightenment, 2020)

메모들

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참조

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외부 링크