색소폰 기법

Saxophone technique
색소폰의 손가락은 한 악기에서 다른 악기로 바뀌지 않는다.여기서, 3층 직원의 메모는 아래 손가락에 해당된다.

색소폰 기법색소폰을 연주하는 물리적인 수단을 말한다.악기를 잡는 방법, 색전체가 형성되고 기류가 생성되는 방법, 음조 제작, 손과 운지 자세, 그 밖의 여러 가지 측면 등이 포함된다.기악 기법과 그에 상응하는 교육학은 음악가들과 교사들에게 많은 관심을 가지고 있는 주제여서, 개인적인 의견과 접근방식의 차이를 받아왔다.색소폰 연주사가 진행되는 동안 저명한 색소폰 연주자들은 색소폰 기법에 관한 문헌에 많은 기여를 했다.

엠부슈어

재즈 색소폰 연주자 찰리 파커의 색소폰 연주 사진.그의 부끄럼과 자세를 주목하라.

색소폰 엠부큐어색소폰을 연주할 때 얼굴 근육과 마우스피스에 입술이 형성되는 위치다.

색소폰 연주 기법은 의도된 스타일(클래식, 재즈, 록, 펑크 등)과 플레이어가 이상화한 사운드에서 파생될 수 있다.색소폰의 디자인은 소리 생산을 위해 매우 다양한 접근방식을 가능하게 한다.그러나 대부분의 기술에는 기본적인 기초 구조가 있다.

현대 음악에서 가장 많이 사용되는 색소폰 색소폰 색소폰 색소폰 색소폰은 싱글립 색전체의 변형인데, 마우스피스에 놓여 있는 윗니로부터 단단한 압력으로 마우스피스의 위치가 안정되는 경우도 있다(때로는 "물티패드" 또는 "입술패치"라고 알려진 얇은 고무 스트립으로 패드를 덧대기도 한다).아랫입술은 부침근과 턱근육이 받치고 아랫니와 접촉하여 쉬며 갈대와 접촉한다.마우스피스는 적어도 마주 보는 곡선끊어진 부분(테이블의 평면에서 개구부, 또는 팁 오프닝에 이르는 곡선의 시작)에 삽입되지만, 일반적으로 부리가 플레이어의 입 안으로 절반 이상 들어가지는 않는다.싱글립 엠부처리기법의 구체적인 측면은 래리 틸조셉 앨러드의 세미나의 작품에 설명되어 있다.산티 루니언은 또 다른 현대적 색소폰 기법의 영향력 있는 교육자로, 빅 밴드 시대의 최고 색소폰 연주자들과 찰리 파커, 폴 데스몬드, 해리 카니, 리 코니츠, 소니 스티트 등 최고의 재즈 음악가들을 지도했다.

주목할 만한 교육 자료에 의한 개별 접근 방식

많은 색소폰 연주자들과 교육학자들이 색소폰 색소폰 색소폰 색소폰과 음색 제작에 관한 자료를 출판했다.현대 교육에 가장 큰 영향을 미친 두 작품은 조 앨러드와 래리 틸에 의해 출판되었다.

조 앨러드

앨러드는 엠부치가 마우스피스에 부합해야 한다고 가르쳤다.알라드는 해부학을 자주 인용하면서 두개골이 내려오면 후두와 목이 수축된다고 묘사했다.그는 학생들이 놀 때 정신을 똑바로 차릴 생각을 하게 했다.알라드는 또한 색소폰주의자들은 윗니와 입술의 압력을 거의 사용하지 않고 모든 것을 자연스럽게 쉬게 할 것을 권고했다.앨러드는 "V"자를 발음할 때처럼 적절한 아랫입술 위치를 아래 이빨에 대고 약간 당겨서 쉬게 하는 것으로 묘사했다. 그것은 갈대를 지나치게 축축한 진동 없이 완충시키기 위해서였다.갈대로부터의 압력은 이완된 입술을 약간 펴는데, 안쪽은 치아 윗부분 위로 살짝 넘기고 바깥쪽은 약간 돌출되어 있다.앨러드는 갈대 통제를 유지하는 데 턱압의 역할을 강조했는데, 톤이 풍부하도록 갈대 중심을 향해 입술 압력이 약간 증가했고, 공기 흐름을 조절하는 데 혀의 위치(부드러운 '키흐흐')가 최적화되었다.종종 더글러스 스탠리의 "목소리의 과학"을 인용하면서, 그는 열린 목구멍과 편안한 목구멍을 유지하는 것은 모순이라고 말했다.[2]알라드가 색소폰에 접근하는 방법의 요지는 머리 위치, 혀 위치, 호흡, 부화 등에 간섭하지 않도록 조심하면서 가능한 한 모든 것을 자연스럽게 유지하자는 것이다.

래리 틸

틸의 <색소폰 연주의 예술>도 현대 색소폰 색소폰 색소폰 색소폰 색소폰 색소폰 색소폰 색소폰 연주 기법에서 영향력 있는 작품이었다.틸은 입꼬리에 좋은 밀봉으로 입꼬리에 '드러스트링'이나 'ooo' 엠부처를 형성해 톤 조절을 유지하는 데 입술 장력을 비교적 강조하였다.틸의 개념은 서브토닝을 위한 기술을 개발하는 데 영향을 미친다.

틸과 알라드 작품은 현대 색소폰 색소폰의 다른 측면을 설명하는데 있어서 상호 보완적이다.알라드의 접근방식은 기계학에 대해 자세히 설명되어 있는 반면, 틸의 접근방식은 느낌과 개념에 더 가깝다.교사들은 양쪽 소스의 개념을 혼합하고 일치시켜 개별적인 상황에서 최상의 결과를 얻기 때문에 "알라드 스쿨"이나 "티알 스쿨"은 존재하지 않는다.역사적 맥락에서 알라드와 틸은 악기의 완전한 톤과 역동적인 잠재력을 실현하기 위해 연주 기법이 급속도로 확장되고 있었지만 색소폰 연주자들을 위한 클라리넷에서 유래된 색소폰 연주자들의 색소폰 연주 교습의 유산이 여전히 강했던 시기에 그들의 작품을 선보였다.그들은 산티 러니언과 같은 동시대 사람들에 의해 개발되고 있는 새로운 기술들을 성문화했다.

대체 앰부셔 스타일

'클라리넷식' 엠부치는 아랫입술이 치아 위로 굴려지고 입꼬리가 뒤로 당겨지는 싱글립 엠부치의 변형이다.20세기 전반에는 갈대 악기 교육학이 거의 전적으로 클라리넷에 맞추어져 있었고 색소폰 전문가가 드물었던 표준 기법으로 여겨졌다.그것은 알토와 더 작은 색소폰, 특히 고전적인 기술에서 여전히 사용된다.테너 색소폰 연주자 스탠 게츠(Stan Getz)가 턱을 앞으로 내밀고 입꼬리를 뒤로 끌어당겨 "스위칭"하는 기법에서 서브토닝에 쓰이기도 한다.클라리넷 겸 테너 색소폰 연주자 지미 지퍼프는 목이 특별히 변형된 테너 색소폰과 함께 클라리넷 스타일의 색소폰을 사용했다.[3]그것은 여전히 일반적으로, 그리고 논쟁의 여지가 있는 것은, 색전 강도와 기술을 발전시키는 더 지속적인 노력 대신에, 합격할 수 있는 결과의 지름길으로서, 초기 학생들에게 가르친 것이다.

이중립 부치는 윗니 아래 윗입술을 굽혀 윗입술이 윗입술과 마우스피스의 부리 사이에 오도록 하고 아랫입술을 아랫니 위쪽으로 굽혀 아랫입술을 아랫입술과 갈대 사이에 오도록 하는 것을 포함한다.그것은 색소폰의 초기에는 받아들여진 기술이었지만 더 이상 흔하게 쓰이지 않는다.테너 색소폰 연주자 존 콜트레인이 연주 중 치아 통증을 완화하기 위해 사용했을 때 기법으로 어느 정도 화폐를 얻었다.[citation needed]

훨씬 더 적은 수의 색소폰 연주자들이 알고 있는 "커브드 더블립 노니 엠부치"는 아랫입술을 떼어내 작은 부분만이 치아에 닿도록 구부리고, 윗입술만 구부리고, 윗입술만 구부리고, 윗입술은 하지 않고, 입술은 갈대와 같은 입피스에 닿게 하는 것을 포함한다.마우스피스는 아직 분리되어 있다.[citation needed]

톤은 색소폰이 만들어내는 실제 소리의 특성을 가리킨다.플레이어의 '톤 컨셉트'는 그들이 만들고 싶은 사운드다.

생성되는 톤은 다음과 같은 몇 가지 요인에 의해 영향을 받는다.

  • 기류 및 공기 지지대의 압력과 속도.
  • 선수의 기관지, 목, 구강 위치
  • 그 선수의 방망이는
  • 마우스피스(챔버, 면, 팁 오프닝)의 설계와 갈대 강도
  • 기기의 설계(예: 놋쇠 또는 기타 금속, 래커)
  • 재생 중인 노트와 해당 노트의 음향 특성.같은 음조의 일부 음은 사용하는 운지에 따라 음조가 달라진다.[citation needed]
  • 동적(음량)
  • 색소폰 연주자가 사용하는 모든 고급 톤 효과(고르릉거림, 서브원, 펄럭이는 통통 등)

비브라토

색소폰 비브라토는 연주자의 손가락이나 호흡 기관 대신 턱을 사용하여 피치 변형이 이루어진다는 점을 제외하면 보컬이나 스트링 비브라토와 많이 비슷하다.비브라토에 필요한 턱의 움직임은 "와와와와" 또는 "타이와이"라는 음절로 시뮬레이션할 수 있다.클래식 비브라토는 플레이어마다 다를 수 있다(부드럽고 미묘하며 넓으며 연마성이 있거나 이들의 조합).많은 클래식 연주자들은 바이올리니스트들이 그들의 소리를 모델로 삼는다.[citation needed]이는 고전 색소폰 연주 초기 지지자 중 한 명인 파리 음악원마르셀 뮬의 예를 따른다는 의견이 제기되었다.[citation needed]독일의 중요한 색소폰 연주자인 시구르드 래셔는 마르셀 뮬스와는 정반대의 빠른 비브라토 스타일로 알려져 있었다.재즈 비브라토는 선수들 사이에 훨씬 더 다양하다.빠르고 넓은 비브라토는 스윙 음악 플레이어들이 사용하는 반면, 일부 현대 재즈 색소폰 연주자들은 느린 발라드 외에는 거의 비브라토를 사용하지 않는다.일반적으로, 더 빠른 템포에서 덜 비브라토를 사용한다.

비브라토로 막 출발한 선수들은 대개 과장된 턱 움직임으로 느리게 출발한다.그것들이 진행되면서, 비브라토는 원하는 속도에 도달할 때까지 더 빨라진다.비브라토는 또한 혀로 기류를 조절함으로써 생산될 수 있다.턱 비브라토에 대한 대체 기법은 아름다운 음질을 얻기 위해 사용될 수 있지만, 고전적인 턱 비브라토가 만들어내는 음질과도 눈에 띄게 갈릴 수 있다.

턱 비브라토와 자주 혼동되는 입술 비브라토는 입술을 "와와-와--" 모션 같은 것으로 움직여서 만들어진다.그러나 이것은 기본 부조에 더 큰 교란을 일으키기 때문에 통제가 더 어렵다.이런 종류의 맥박은 듣는 사람이 듣는 것보다 듣는 사람이 듣는 것보다 톤을 훨씬 더 많이 지배하는 경향이 있다.[4]

더 이상 거의 사용되지 않는 목구멍 비브라토는 한때 관악기 연주, 특히 금관악기 연주에 널리 쓰였다.이는 목 근육을 긴장시켜 생기는 '경련'의 일종으로 일종의 '기침'을 초래한다.이 비브라토는 여러 시기에 "휘파람새" 또는 "나니고트" 타입으로 폄하되어 왔다.[5]

때때로 "호흡 비브라토"라고 불리는 횡격막 비브라토는 주로 강도 비브라토다.갈대 기압의 변화로 유도되고, 복근을 움직여서 이루어지며, 이는 결국 "허허허---"라고 말하는 것처럼 횡격막에 압력을 가하게 된다.이 비브라토는 몇몇 경우에서 꽤 만족스러운 것으로 증명되었지만, 속도나 진폭에 대한 민감한 제어력을 얻기 어렵기 때문에 사용이 제한되어 있다.[6]

확장 기법

이 목록은 색소폰을 편안하고 쉽게 연주할 수 있는 기본 능력 밖의 기법에 적용된다.그들은 보통 기본을 숙달한 후에만 배우게 되고 비정통적인 음악 어휘에 고용된다.

  • 크롤링은 색소폰 연주자가 연주하는 동안 목 뒤쪽을 이용하여 노래하거나, 콧노래를 부르거나, 으르렁거리는 기법이다.[7]이것은 소리의 변조를 유발하고, 소리의 거칠기 또는 응고성을 초래한다.클래식이나 밴드 음악에서는 거의 찾아볼 수 없지만 재즈, 블루스, 록 'n'롤 등 대중적인 장르에 활용되는 경우가 많다.이 기법을 활용한 대표적인 음악가로는 얼 보리스터, 부츠 랜돌프, 가토 바르비에리, 벤 웹스터, 클라렌스 클레먼스, 넬슨 랜젤, 데이비드 샌본, 그레그 햄, 행크 카터, 바비 키스, 키스 크로산, 커티스 킹 등이 있다.
  • 글리산도는 색소폰 연주자가 음성을 이용하여 음의 음을 구부려 다른 운지 음으로 이동하는 피치 기법이다.조니 호지스는 특히 이 기술에 정통한 것으로 유명하다.색소폰 글리산도의 보다 현대적인 전문가는 필 우즈인데, 그는 뿔의 전 범위에서 유체 글리산도를 연주할 수 있다.[citation needed]
  • 멀티포닉스는 한 번에 한 음 이상을 연주하는 기술이다.특별한 운지 조합은 두 개의 서로 다른 투구에서 번갈아 진동하여 뒤틀리는 소리를 만들어 낸다.음을 연주하는 동안 '습기'로 비슷한 효과를 낼 수도 있다.
  • 오버톤의 사용은 한 음을 만지작거리지만 다른 음을 생산하기 위해 공기 흐름을 바꾸는 것을 포함한다. 그것은 손가락질된 음의 오버톤이다.예를 들어, 낮은 B fing을 손가락질할 경우 공기 흐름을 조작하여 위의 1 옥타브 B♭를 울릴 수 있다.이 운지법으로 얻을 수 있는 다른 개념으로는 F, B♭, D 등이 있다.오버톤의 연습은 높은 F#("알티시모 레지스터") 이상의 노트를 만드는 것을 배우는 학생들을 위한 사전 연습으로 종종 사용된다.[8][9]
  • 다양한 효과를 얻기 위해 기류를 조작하는 기술을 흔히 '보싱'이라고 한다.음성 기술은 혀와 목의 위치를 변화시켜 같은 양의 공기가 다소 밀폐된 구강 중 하나를 통과하게 하는 것을 포함한다.이것은 기류가 각각 속도를 올리거나 속도를 늦추는 원인이 된다.색소폰 연주자가 쉽게 오버톤/알티시모를 연주할 수 있도록 하고, 각 음의 억양을 교정할 수 있도록 하는 것뿐만 아니라, 적절한 음성은 색소폰 연주자가 악기의 범위 전체에 걸쳐 맑고 고르게 집중된 소리를 개발하는 데도 도움이 된다.음성 기술에 대한 자세한 설명은 도널드 신타와 데니스 다브니의 "Voiceing"을 참조하십시오.
  • 슬랩통칭은 "퍽퍽" 혹은 "퍼커플" 소리를 만들어 낸다.찰싹 때리는 것은 공음 또는 비음 중 하나로 기록될 수 있다.투구슬랩은 "닫힌" 슬랩(입술의 입을 가리킴)이라고도 하며, 그 결과 운지 피치와 동일한 톤이 된다.비음 뺨을 때리는 것을 '열린' 때리기도 하는데, 색소폰 연주자는 갈대에게서 입을 떼야 하기 때문이다.그것은 더 격렬한 "쿵쿵" 소리를 낸다.색소폰 연주자가 사용하는 공기의 양은 뺨을 때리는 양에만 영향을 미친다.열린 품종과 닫힌 품종의 찰싹 때리는 소리는 갈대가 리바운드하여 마우스피스를 쳐서 만들어진다.
  • 설렁설렁하는 소리는 연주하는 톤과 함께 구르는 R 소리를 낼 수 있다.
  • Altissimo는 정상적인 색소폰 노트 범위를 넘는 음을 재생하는 기술이다.플레이어는 정상 음이 가장 높은 F 샤프보다 높은 음을 연주할 수 있다.선수들은 과대평가하는 법을 알아야 한다.
  • 오버블로는 주로 공급된 공기의 조작(예: 운지 변경 또는 미끄럼틀 작동)을 통해 음향 피치가 더 높은 곳으로 점프하도록 하는 관악기를 연주할 때 사용되는 기법이다.
  • 원형 호흡은 선수들이 중단 없이 연속적인 톤을 연출할 수 있는 기술이다.이는 코로 숨을 들이쉬면서 동시에 볼에 저장된 공기를 이용해 입으로 공기를 밀어내는 방식으로 이뤄진다.
  • 브리디 톤은 특별한 소리를 연주하는 기술이다.선수들은 마우스피스를 덜 물어야 하고, 긴장을 풀어야 한다.선수들은 힘을 주기 위해 치아를 사용해서는 안 되며, 아랫입술의 힘만 사용해야 한다.만약 성공적으로 연주한다면 노트 필기를 할 때 숨소리가 있어야 한다.
  • 더블·트리플통칭은 혀의 끝과 뒷부분이 관여하는 기술이다.이 기술은 "ta-ca" 또는 "ti-gui"의 소리를 모방하는 것을 포함하는데, 이 둘은 혀의 끝과 뒷부분을 사용한다.이를 통해 플레이어는 단통법이 허용하는 두 배의 속도로 혀 꼬투리를 잡을 수 있다.

전자 효과

색소폰과 함께 전자적 효과의 사용은 셀머가 1965년에 도입한 바리톤 시스템과 같은 혁신으로부터 시작되었다.바리톤은 색소폰 목에 장착된 작은 마이크와 색소폰의 몸에 부착된 제어장치 세트, 캐비닛 내부에 장착된 앰프확성기 등을 포함했다.바리톤의 효과는 에코, 트레몰로, 톤 컨트롤, 옥타브 디바이다.주목할 만한 두 명의 바리톤 선수는 에디 해리스소니 스티트였다.비슷한 제품으로는 해먼드 콘도르가 포함됐다.

에디 해리스는 바리톤을 연주하는 것 외에도 1968년 앨범실버 사이클》에서 루프 테크닉을 실험했다.

David Sanborn과 Traffic의 회원 Chris Wood는 1970년대 동안 와와와와와 같은 효과와 각종 음반 지연을 채용했다.

더 최근에는 전기 기타와 연관성이 많은 다양한 효과를 사용해 온 스케릭, 봉투 팔로워를 눈에 띄게 사용한 제프 코브 등 색소폰 연주자들이 이러한 기법을 사용하는 것을 묘사하기 위해 "삭소포닉스"라는 용어가 사용되어 왔다.

참고 항목

참조

  1. ^ 오릴리, J., 윌리엄스, M. "테너 색소폰의 성취도 1권 향상"(1998년)미국 알프레드 출판사
  2. ^ McKim, Debora Jean. "The Joe Allard Project: Pedagogy". Joseph Allard: His Contributions to Saxophone Pedagogy and Performance. University of Colorado. Retrieved 29 January 2012.
  3. ^ https://cdn2.jazztimes.com/2010/01/200903_038b.jpg
  4. ^ Teal, Larry (Alfred Music, 1963). The Art of Saxophone Playing. Alfred Music. p. 55~56. {{cite book}}:날짜 값 확인: date=(도움말)
  5. ^ Teal, Larry (Alfred Music, 1963). The Art of Saxophone Playing. Alfred Music. p. 55~56. {{cite book}}:날짜 값 확인: date=(도움말)
  6. ^ Teal, Larry (Alfred Music, 1963). The Art of Saxophone Playing. Alfred Music. p. 55~56. {{cite book}}:날짜 값 확인: date=(도움말)
  7. ^ Laughter, John (2006-09-04). "Sound Effects for Saxophone 2: The Growl". Sax on the Web. Retrieved 2007-01-06.
  8. ^ 루소, 유진색소폰 하이톤.에토일 뮤직.1978.
  9. ^ 시구르드 래셔.색소폰의 탑톤.1941년 칼 피셔

추가 읽기

  • 데이비스, 벤색소폰: 종합 코스.1932년 런던, 앙리 셀머 & 코퍼레이션.(외부 링크 참조).
  • 데이비스, 벤새로운 색소폰 엠부쳐.1928년 런던
  • 오닐, 존.색소폰을 위한 재즈 메서드.쇼트앤코1992년 런던 주식회사.ISBN 0-946535-20-5
  • 헴케, 프레데릭색소폰으로 가는 스승의 안내서.1977년 셀머 컴퍼니."단일" 엠부치를 사용하는 교사.
  • 쿨, 잽.다스 색소폰.라이프치히의 J. J. 베버 1931. 1931.1987년 로렌스 고즈드(Lawrence Gwozdz)가 번역했다. (178쪽)
  • 루소, 유진색소폰 하이톤.에토일 뮤직.1978.
  • 루키, 로버트색소폰 알티시모.어드밴스 뮤직, 1993.
  • 내쉬, 테드.테너와 알토 색소폰의 고조파화에 관한 연구할 레너드, 1985년
  • 포드햄, 존.재즈, 1993년 도링 킨더슬리ISBN 0-7513-0050-0.
  • 틸, 래리.색소폰 연주의 예술.마이애미: 서미 버처드, 1963년ISBN 0-87487-057-7