무용교육

Dance education
탭댄스 수업, 1942년

무용교육은 학생들이 춤에 대한 폭넓은 이해를 예술형태로 배우거나 특정 무용장르에서 전문적으로 교육받는 관행이다.무용교육은 또한 학자들이 무용을 가르치고 배우는 방법에 대한 독창적인 연구를 수행하는 연구 영역을 포괄한다.현재 춤 자체는 예술과 음악의 연합된 형태로 여겨지고 있기 때문에 정규 교육에서의 춤은 이러한 학문들과 밀접하게 결합되어 있다.

커리큘럼

일반적으로 무용 교육 커리큘럼은 학생들에게 춤 공연 기술, 또는 춤에 대한 지식, 또는 두 가지 모두를 전수하도록 설계되어 있다.지식 지향 커리큘럼은 춤 표기법, 인체 해부학, 물리학, 춤 역사, 춤의 문화적 측면 [citation needed]및 음악을 포함한 다양한 주제를 다룰 수 있다.[1]

커리큘럼에는 발레, 볼룸, 컨템포러리, 재즈, 라틴, 탭댄스와 같은 형식 장르와 라인, 프리스타일, 시퀀스댄스와 같은 비공식적이고 사회적인 장르를 포함한 하나 이상의 댄스 장르의 연구가 포함될 수 있다.[citation needed]

전문무용교육

전문 무용과 직업 무용 교육은 공공 기관과 민간 기관에서 모두 제공한다.일반적으로 무용학교나 무용대학으로 알려진 사립학교는 대개 무용교육에 치중하는 반면, 공공기관은 대개 광범위한 주제를 다룬다.사설 학원의 예로는 로열 발레 스쿨과 아메리칸 발레 스쿨, 앨빈 에일리 아메리칸 댄스 극장(현재의 에일리 스쿨), 줄리아드 스쿨, 버클리 보스턴 음악원이 있다.

많은 공립 및 사립 대학과 대학들이 무용의 부전공 프로그램이나 무용의 학사, 미술 학사, 미술 석사 등의 학위가 있는 주요 프로그램들을 제공한다.일부 공립 중등교육기관에서는 종합적인 무용교육 커리큘럼을 제공하고 있다.예를 들어, 제퍼슨 고등학교(오레곤주 포트랜드)는 전문 댄스 회사인 제퍼슨 댄서스와 연계하여 집중적인 직업 무용 교육을 제공한다.또한, 일부 댄스 회사들은 회사 프로그램과 함께 사전 프로페셔널, 성인, 커뮤니티, 적응형 댄스 교육 및/또는 워크샵을 제공한다.[2][3][4][5][6]몇몇 예로는 조프리 발레단(일리노이주 시카고), 허버드 스트리트 댄스 시카고, 휴스턴 발레단, 보스턴 발레단, 샌프란시스코 발레단 등이 있다.

수업의 종류는 적어도 세 가지가 있다.정규 댄스 수업은 보통 몇 주 이상 진행될 것이다.어린 학생들을 위해, 많은 댄스 학교들이 지역 학교 달력을 따를 것이다.수업은 가을(학기가 시작된 직후)에 시작해 학년이 끝나기 한두 달 전쯤 끝난다.그들의 댄스 시즌은 가을에 10주 정도, 봄에 10주가 될 것이다.[7]

댄스 워크샵은 일반적으로 하루에서 일주일, 종종 여름에 있으며, 다양한 댄서들에게 그들의 기술을 연마할 기회를 제공한다.[8]

댄스 강도는 일반적으로 더 높은 수준의 댄서들을 위한 것이다.그들은 워크숍보다 더 집중적인 수업 계획을 가지고 있고, 2주에서 1개월 사이에 지속된다.[8]

셀프 티칭

춤추는 법을 스스로 터득하는 것은 어느 정도는 가능하다.한 가지 방법은 좋아하는 댄서들의 영상을 보고 그들의 동작을 따라 하는 것이다.안무가 웨이드 롭슨은 이런 식으로 춤을 배웠다.[9]또 다른 방법은 훌륭한 댄서들과 친구가 되는 것이고, 그들의 움직임을 그들에게서 배우는 것이다.한 사람은 실제로 다른 댄서들로부터 동작을 배울 수 있다.[9]춤추는 모습을 직접 촬영할 수 있어 춤추는 모습에 대한 피드백을 받을 수 있다.[10][11]

정규교육에서 춤추기

초기 정식 무용 교육은 서양 무용 양식의 영향을 많이 받았으며, 그 결과, 특정한 일상에 초점을 맞추고 정해진 단계를 필요로 하는 고도의 기술적 규율이었다.[12]그러나 1926년은 대학 교과과정에 무용과가 최초로 도입되는 계기가 되었다.[12]결과적으로, 20세기는 춤 교육과정에서 창의성과 자기표현에 대한 강조를 증가시켰다.이러한 변화는 정규 교육에 반영되었다.[12]

초등교육

초등학교 아이들은 자연스럽게 활동하며, 무용 교과과정은 이를 토대로 노력한다.초등학교를 위한 댄스 루틴과 운동은 자연스러운 동작으로 구성되어 있으며 어린 아이들의 학습 스타일에 더 잘 맞도록 멜로디보다는 리듬에 더 중점을 두고 있다.[13]일반적으로 무용교육은 극도로 경직된 틀을 가지고 있지 않지만 초등교육에서 춤은 이러한 유연성을 구현하고 창의성의 중요성을 강하게 강조한다.[14][13]

중등교육

춤은 현재 중등교육에서 그 역할을 확립하지 못하고 있는데, 이는 현대교육이 수학, 과학, 문맹과 같은 학문들에 점점 더 압도적으로 초점을 맞추고 있기 때문이다.[15]중등교육에서 댄스를 구현하기 위한 일반적인 지침은 십대들이 자신의 정체성을 확립하고 싶어하는 강한 욕구를 보이는 만큼 자기표현과 독립성의 중요성을 강조한다.[13]이 연령대의 대표들이 춤에 참여하는 것이 그들의 자아를 위협하고 있다고 느끼지 않는 것이 중요하다.[13]

고등교육

무용의 정식 교육으로의 이행은 고등교육 분야에서 처음 시작되었다.[16]고등무용교육은 전문 무용수 양성보다는 인간의 신체성을 지적으로 점검하는 데 중점을 두고 있다.[17]그 결과, 공식적인 고등 무용 교육과 대부분 민간에서 훈련하는 실제 전문 무용수 교육 사이에 갈등이 증가하고 있다.[18]

전 세계 무용 교육

춤은 세계적으로 인정받는 예술의 한 형태와 더 넓은 교육 시스템의 일부가 되는 과정에서 많은 도전에 직면해 왔다.[15]그것의 현재 교육 장소는 아직 논의 중이다.춤이 민족이라는 문화적 정체성과 밀접하게 연결돼 있어 국가마다 무용 교육에 대한 시각과 접근법이 다양하다.

미국

텍사스 대학교 알링턴 댄스교실(10004678)

미국은 공식적인 교육에 댄스를 도입한 첫 번째 국가였다.[12]미국의 댄스 교육은 대학과 대학교에서 더 널리 퍼져있다.미국의 댄스 커리큘럼은 국가의 자발적 예술 교육 기준에 기초한다.[19]미국의 댄스 프레임워크는 춤의 공연, 안무, 그리고 다른 분야와 관련된 것에 초점을 맞춘다.

미국의 무용교육사

20세기 초중반

1900년대 초까지만 해도 춤은 상류층 생활의 필수적인 부분으로 여겨졌지만, 그것은 교육의 일부로 여겨지지 않았다.[16]1910년대와 1920년대는 대학과 대학에서 춤이 발달했다.1926년 위스콘신 대학에서 마가렛 호두블러에 의해 최초의 댄스 전공이 만들어졌다.[12]이때 무용교육은 체육의 일부였다.춤은 주로 여성들에게 가르쳐졌다. 법안으로 인해 교육자들이 남녀공학 스포츠에 초점을 맞추도록 요구되기 전까지, 춤은 많은 영역으로 확대되기 시작했다.[13]20세기 초에는 춤 교습에 관한 문서화된 자원이 거의 없는 춤에 대한 통일된 표준 접근법이 결여되어 있었다.[19]

20세기 후반에서 21세기까지

1960년대에 춤은 점점 더 많은 대학과 대학들이 댄스 전공을 제공하기 시작하면서 체육에서 미술과 공연 예술의 영역으로 서서히 전환되기 시작했다.[16]1970년대는 대학과 대학교에서 춤의 붐으로 묘사되어 오늘날 우리가 알고 있는 것처럼 춤 교육을 형성했다.1996년 자발적 예술 교육 표준의 개발은 미국 전역의 무용 표준화를 시작했다.[19]새로운 세기의 시작은 춤 교육에 기술을 도입하는 것과 같은 춤 교육에 대한 새로운 도전과제의 윤곽을 그렸다.다양한 그룹을 지원하기 위해 춤을 사용하고 학제간 학습을 위한 경험을 창조한다.[19]

유럽

유럽에서 춤은 특히 초등학교에서 정규 교육의 일부로 더 널리 받아들여지고 있다.[15]예를 들어, 독일은 공립 초등학교들이 춤을 공식 교과과정의 일부로 만들 것을 요구한다.[15]포르투갈은 중등학교 학생들의 체육교육에 댄스를 도입했다.[15]하지만 나라마다 다른 도전에 직면해 있다.예를 들어 핀란드에서 춤은 독일과 포르투갈과는 반대로 민간 부문의 공식적인 교육의 일부로 더 많이 주창된다.[15]

오스트레일리아와 뉴질랜드

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오스트레일리아 교육과정, 평가 및 보고 당국은 국가적인 무용 교육과정을 시행했다.[15]호주는 또한 교습 기법의 일부로 춤을 구현하기 위해 일반 교사들의 수를 늘렸다.반면에 뉴질랜드는 대부분의 학교에서 춤추는 것을 없애고 수학과 문맹을 더 선호했다.그 나라는 여전히 교육에서 춤의 역할에 관한 많은 논쟁에 직면해 있다.[15]

남아프리카 공화국

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남아공의 경우 1994년 이전까지는 클래식 발레가 주로 이용 가능한 유일한 형태의 무용 교육이었으며, 학교 등록금 외에 추가 비용을 부과하는 몇몇 학교에서 가르쳤다.[20]그러나, 최근 국가 커리큘럼의 변화로, 웨스턴 케이프의 모든 학교들은 그들의 커리큘럼에 댄스 교육을 포함하도록 요구되고 있다.[20]현 남아공 무용교육의 독특한 면모는 춤을 통해 문화유산을 가르치는 데 역점을 두고 있다는 점이다.[20]남아프리카공화국의 다문화 정체성이 평가와 커리큘럼을 통일하는 데 어려움을 겪지만, 현 제도는 평생의 기술과 자신의 문화유산에 대한 감상을 춤으로 가르치는 것을 목표로 무용교육 제도 개선에 힘쓴다.[20]

시리아

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시리아는 문화와 전통에 접목된 오랜 무용 교육의 역사를 가지고 있다.[21]시리아의 춤은 유럽과 러시아의 영향을 많이 받았으며 가정과 지역사회의 비정형적인 환경에서 공연되었다.[21]시리아 내전이 시작되면서 무용 연습이 이어지고 있다.[21]그러나 전쟁으로 인해 많은 예술가들이 이 나라를 떠났다.[21]비록 자원과 직원 부족이 댄스를 가르치는 체계적 노력을 유지하기 어렵게 만들었지만, 여전히 댄스 교육에 종사하는 사람들은 어떻게 춤이 고국의 불확실한 시기에 어떻게 그들의 희망과 지원, 그리고 안심의 원천이 되었는지를 강조한다.[21]

싱가포르

춤은 1967년부터 싱가포르의 학교 시스템의 일부였다.[22]그러나 오늘날까지 춤은 싱가포르에서 공식적인 연구과목이 아니다.[22]무용 교육에 대한 국가적인 틀의 윤곽은 없다.[22]체육교육과정에 춤이 내재되어 있다.[22]나아가 싱가포르 국립예술위원회(National Arts Council of Singapore)에서 밝힌 바와 같이 무용교육 분야의 연구와 문서화가 심각하게 부족하다.[22]무용교육, 즉 예술교육 전반을 우선순위가 낮은 분야로 분류한 것도 국가경제 발전에 큰 중점을 둔 탓도 있다.[22]따라서 교육 시스템은 다른 예술에 대한 미적 감상을 거의 하지 않고 과학적이고 인문학적 과목에 더 초점을 맞추고 있다.[22]

대한민국.

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한국은 교육과학기술부가 수립한 국가 무용 커리큘럼을 7회 반복적으로 시행했다.[23]이번 반복은 춤을 통해 이성적 사고를 함양하고 창의적인 표현을 개발하는 데 특히 중점을 두고 있다.[23]그러나 국가 무용 커리큘럼은 무용의 창조성 발달에 대한 측정 가능한 효과가 없기 때문에 그 효과성 측면에서 의문이 제기된다.[23]댄스는 수요에 따라 학교에서 제공되며, 대다수의 한국 학교들은 댄스 강좌를 전혀 제공하지 않는다.[23]

표준 및 평가

춤은 많은 나라, 제도, 방법론에 걸쳐 다양한 방식으로 평가된다.춤을 평가하는 데는 개인 수행평가와 교수 프로그램 평가의 두 가지 단계가 있다.

한편으로는 학생들의 개별적인 성적을 평가하는 과정이다.가장 일반적인 댄스 평가 방법으로는 오디션과 무대 공연, 수업 중 직접 관찰, 자기 평가, 동료 평가, 포트폴리오, 댄스 지식 필기 시험 등이 있다.[24]무용 교육자들은 교수법을 개선하기 위해 커리큘럼과 평가의 표준화를 강력히 주장한다.[25]미국 국립무용협회는 학생들을 평가하는 7가지 기준을 공식화했다.이 표준들은 안무를 이해하고 수행할 수 있는 능력에서부터 비판적 사고와 문제 해결 능력을 응용하는 것, 춤 배우기에 이르기까지 다양한 기술을 포함한다.

반면 무용평가는 무용교습 프로그램을 평가하는 과정을 말한다.댄스 프로그램 평가는 대부분 전문가들이 만든 베스트 프랙티스의 틀에 기반을 두고 있다.그러나 무용평가 연구가 좀처럼 발표되지 않아 무용계가 통일된 국제표준에 대한 공감대를 형성하기 어렵다.[25]

그러나 춤평가는 춤이 비언어적인 예술의 한 형태인 동시에 신체 이미지, 성, 성별, 종교, 영성과 같은 개인의 정체성의 많은 부분과 밀접하게 연관되어 있기 때문에 개인의 공연과 교육 프로그램 모두에서 지극히 복잡한 과정이다.[25]개별 학생들의 공연과 프로그램 모두에서 춤을 평가하는 것은 댄스 교육에서 여전히 큰 도전이다.[25]

무용교육에 영향을 미치는 요인

정규 교육의 단계를 거쳐 나중에 진로로서 무용 교육을 추구할 수 있는 능력은 여러 가지 다른 요소들로 정의된다.

체력단련

주어진 임무의 육체적 요구를 충족시키는 능력은 춤을 출 수 있는 능력에 결정적이다.[26]전문 댄서들과 사전 전문 댄서들은 평균적인 유연성과 근력 이상의 것을 보여준다.[26]근력 생성에 직접적인 영향을 미치기 때문에 무용수들은 근육량을 유지하는 것이 필수적이다.

기억력

댄서들은 주어진 안무의 춤 동작을 떠올릴 수 있는 평균 근육 기억력보다 높은 것으로 나타났다.[26]특히 전문 댄서들은 장기 기억력이 뛰어난 것으로 알려져 있다.[26]

음악성

음악성은 리듬, 멜로디, 조화, 톤 색의 네 가지 주요 요소를 포함한다.[26]무용과 학생들은 외부의 자극에 자연스럽게 움직임으로 반응하며 일반적으로 음악에 더 민감하다.[26]

성격

성격적 특성과 성공적인 댄스 경력의 상관관계를 조사하는 연구는 평생에 걸친 댄스 재능의 발달이 극도로 부족하다. 즉, 현재 연구의 검토.댄서들을 개방성과 같은 성격적 특성과 새로운 경험 그리고 창의성을 연결시키는 발견들이 있다.[26]그러나, 특정한 성격적 특성이 댄스 교육을 추구하는 데 더 높은 성공으로 이어진다고 결론짓기에는 충분한 경험적 증거가 없다.[26]

동기

댄스 교육의 성공은 최적의 동기부여, 성장 마인드, 잘 발달된 심리력, 사회적 기술에 달려 있다.[26]의욕적인 댄서들은 그들의 교육을 지속하고 최적의 결과를 얻기 위해 그들의 능력을 갈고 닦을 가능성이 더 높다.[26]

지원

성공적인 댄스 교육의 핵심 요소는 교사, 멘토, 학부모, 재력 등 다양한 출처를 접할 수 있는 것이다.[26]유능한 강사들과 함께 여행하고 댄스 레슨을 받을 수 있는 능력이 자신의 경제적 수단과 직결되기 때문에 후자의 비중이 가장 크다.[26]

무용교육의 현안

성별 문제

춤은 역사적으로 개인의 성 역할의 일부로 인식되어 왔다.[27]그러나 춤은 서구 문화의 부산물로서 여성 예술형태로 분류되고 페미니스트적 관점이 대두되고 있다.[27]무용교육과 정식훈련에 종사하는 이들의 대다수는 여성이다.[27]

무용교육연구부족

무용교육 분야에서 이용할 수 있는 활발한 연구가 급격히 부족하다.[28]이는 대부분의 무용 교육자들이 학생회 지휘뿐만 아니라 가르치는 일, 안무, 춤에 더 몰두하고 있어 향후 연구를 위한 시간과 여지를 거의 남겨두지 않고 있기 때문이기도 하다.[28]연구형태의 해답이 필요한 주요 문제는 무용교육이 학습자에게 미치는 영향, 무용교육에 대한 평가, 교사는 물론 각 기관의 방법론 등을 중심으로 진행된다.[28]

무용교육연구의 다양성

1970년대의 무용 연구는 서양 연극 무용에 비해 서양이 아닌 형태의 춤을 열악하게 제시하는 경향이 있었다.[29]이러한 현상은 발레에서 특히 두드러지게 나타났다. 발레는 춤의 정점으로 정의되었다.[29]무용교육 연구의 서구적 편향성 문제는 여전히 남아 있지만, 무용교육 정체성을 다양성으로 풍부하게 하기 위한 노력은 상당한 지지와 투자를 받아왔다.[29]

참고 항목


참조

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외부 링크