카르멘 에레라

Carmen Herrera
카르멘 에레라
태어난(1915-05-31)1915년 5월 31일
쿠바 아바나
죽은2022년 2월 12일(2022-02-12) (만 106)
미국 뉴욕시
국적쿠바의
미국인의
로 알려져 있다.페인팅
스타일미니멀리즘
움직임추상 표현주의.

카르멘 에레라(Carmen Herrera, 1915년 5월 31일 ~ 2022년 2월 12일)는 쿠바 태생의 미국의 추상적이고 미니멀한 시각예술가 겸 화가였다.그녀는 아바나에서 태어나 1950년대 중반부터 뉴욕에서 살았다.[1]에레라의 추상적인 작품들은 그녀가 말년에 국제적인 인정을 받게 했다.[2][3]

초년기

에레라는 1915년 5월 31일 쿠바 아바나에서 태어났다.[4]그녀는 7남매 중 한 명이었다.그녀의 부모님인 안토니오 에레라 이 로페스 데 라 토레(1874~1917)와 카르멜라 니에토 데 에레라(1875~1963)는 아바나의 지식인 모임에 속해 있었다.안토니오는 스페인으로부터의 독립을 위한 전쟁(1895-98년) 동안 쿠바 군대에서 대위로 복무했었다.전후 쿠바 최초의 독립 후 신문인 1901년에 창간된 엘 문도의 편집장이 되었다.카멜라는 선구적인 언론인이자 존경받는 작가, 자선가, 페미니스트였다.[4][5]에레라는 8살 때 페데리코 에델만 이 핀토 교수로부터 미술 과외를 받기 시작했다.헤레라는 이러한 교훈이 자신의 훈육 시설과 학문적 도면의 기초가 되기 때문이라고 말했다.그녀는 1929년, 파리에서 메리마운트 학교에 다니던 14살의 나이에 훈련을 포기했다.1938년 에레라는 건축학을 공부하기 위해 하바나 대학(Universidad de la Habana)에서 교육을 계속했는데, 그곳에서 그녀는 단지 1년 동안만 머물렀는데, 왜냐하면 그녀는 건축경력에 관련된 일을 하고 싶었기 때문이다..." 항상 혁명이 일어나고, 거리에서 싸웠다.대학이 대부분 문을 닫아 학업에 영향을 줬다고 말했다.[6]올해 헤레라에게 큰 영향을 미쳤고 그녀는 "그곳에는 결코 닫히지 않는 특별한 세계가 열렸다: 바로 오늘까지 나를 흥미롭게 했던 직선의 세계"[7]라고 말한 것으로 인용되었다.

중년:(1939~1960년대 초반)

1939년 에레라는 뉴욕에서 쿠바를 방문하던 1937년 만난 영어 교사 제시 로웬탈(1902–2000)과 결혼했다.[8]그녀는 그와 함께 있기 위해 뉴욕으로 이사했고 그들은 이스트 19번가에 있는 그의 아파트에서 살았다.1943년부터 1947년까지 그녀는 장학금을 받은 뉴욕의 예술 학생 연맹에서 공부했다.[7]여기서 그녀는 존 코르비노(1905–1964)와 함께 그림을 공부했다.그녀는 1943년 자신이 코르비노로부터 할 수 있는 모든 것을 배웠다고 느꼈을 때 미술 학생 연맹을 탈퇴했다.그 후 그녀는 브루클린 박물관에서 인쇄 강좌를 듣기 시작했지만 1년 만에 그곳을 떠났다.뉴욕에서 에레라는 박물관 전시회에 포함되기 위해 고군분투했고, 하바나는 미국에서 제공되는 것보다 더 많은 기회를 그녀에게 제공했을 것이라고 느꼈다.

1948년 에레라와 루웬탈은 파리로 이주하여 5년 가까이 머물렀다.당시 도시는 바우하우스와 러시아 슈프리미즘의 영향을 받는 등 다양한 예술 스타일과 운동의 만남의 장이었다.에레라는 살롱 데 레알리테스 누벨레스에서 파리에서 테오 반 도스부르크 등 다양한 국제 예술가를 만났다.[9]이 파리 기간 동안 그녀는 또한 프랑스의 지식인이자 철학자인 시몬 드 보부아르와 장 폴 사르트르와 인연을 맺게 된다.

에레라는 휘트니 큐레이터 다나 밀러의 언급처럼 그녀의 작품은 여전히 "거의 정신적 자질"뿐만 아니라 "많은 진동과 삶"을 담고 있지만, 이 시기 동안 그녀의 딱딱한 가장자리, 비객관적인 스타일을 다듬기 시작했다.당시 그녀의 스타일은 이 시기에도 파리에서 근무하고 있었지만 훨씬 더 많은 홍보를 받았던 엘스워스 켈리의 작품과 비교해서 소급되어 왔다.

1950년, 에레라는 쿠바로 귀국하여 일련의 고도로 제스처적인 추상화를 그렸다.이번 여행에서 제작된 작품들은 현대적인 추상화 발전상을 반영하고 있으며 헤레라의 작품에서는 다시 볼 수 없는 스타일과 색채 팔레트를 가지고 있다.그녀는 1950년 12월 하바나에서 열린 Lyceum의 단독 쇼에서 이 작품들을 전시하려고 시도했지만, 관객들은 수용적이지 않았다.[7]

그녀가 파리로 돌아온 후, 재정적인 어려움과 그녀의 남편이 일자리를 확보하지 못해 1953년에 그 부부는 뉴욕으로 돌아가야 했다.그녀가 뉴욕으로 돌아올 당시 에레라 등은 이성적인 스타일을 계속 발전시켰다.이때 그녀는 "그 그림의 물리적 구조...물체가 되는 그림들."이 시기에 그녀는 리언 폴크 스미스, 마크 로스코, 바넷 뉴먼 등 다른 전후 추상주의자들과도 가까워졌다.

에레라는 뉴욕에 있는 동안 미술계의 거부를 계속 당했는데, 주로 그녀의 성별 때문이었다.에레라 자신은 "당신이 여자라는 사실이 당신에게 불리했다"고 평했다.로즈 프리드 갤러리에서 전시회를 위해 그녀의 미술품에 들어가려고 할 때, 여성 큐레이터인 로즈 프리드는 에레라가 여자였기 때문에 작품을 포함시킬 수 없다고 말했다.

에레라는 2000년대 초반부터 그녀의 말년의 발견이 시작될 때까지 인정받지 못한 채 계속 창작했다.

스타일과 진행

에레라의 스타일을 이해하는 열쇠는 그녀가 쿠바를 떠나기 전에 건축가로 훈련받았다는 것을 기억하는 것이다.[10]에레라에 따르면, 형식에 대한 그녀의 광학적이고 미니멀한 접근방식은 그녀를 "가장 간단한 화해의 질문"[11]으로 묘사했다.

"이 파운데이션은 혼란스러운 세상에서 질서 있는 예술을 만들기 위해 치수와 도구를 사용하려는 그녀의 충동에서 볼 수 있다.[12]뉴욕타임즈 평론가 테드 로스는 기사에서 "표현적인 대담한 단순함: 강한 대각선으로 종종 에너지를 받는 선명하게 묘사된 색의 블록"[10]이 특징인 카르멘 에레라의 작품의 본질을 간결하게 포착했다.에레라는 자신의 말로 "줄, 종이, 점점 더 커지는 작은 것들이 많이… 그리고 나서 사진이 떠오른다"고 생각했다.그녀는 또한 '더 적은 것이 더 많다'는 격언을 자칭하는 신봉자였고, 마음보다는 뇌로 그렸다.[12][10]이로 인해 그녀는 자신이 어떤 색깔을 좋아하는지 뿐만 아니라, 그것이 관련된 다른 색깔에 어떤 영향을 끼쳤는지, 그리고 그것을 개선하기 위해 그녀의 작업의 한 측면을 줄일 수 있는지를 고려하게 되었다.[12]

크리에이티브 프로세스

에레라의 창조적인 과정은 전문적 훈련을 받은 것으로 예상할 수 있을 만큼 비교적 간단하고 질서정연했다.1단계, 그녀는 긴 창가 옆에 앉아서 E 19th St.를 내다보며 연필과 그래프 종이를 가지고 스케치를 했다.이 과정은 매일 아침 9시 30분에 시작되었다.2단계, 그녀는 "그 아이디어를 작은 송아지 조각으로 옮기고, 아크릴 페인트 마커를 사용하여 스케치를 컬러로 한다"고 말했다.그 후 그녀의 초기 개념이 여전히 번역되고 있는지 확인하기 위해 그 작업을 더 크게 반복했다.만약 그것이 그녀의 승인을 받았다면, 그녀는 계속해서 그녀의 조수 마누엘 벨두마에게 캔버스에 테이프로 선을 긋게 했다.그러면 도장 작업이 시작될 수 있을 것이다.전형적으로, 그녀는 첫 번째 코트를 입었고 벨두마는 다음 층을 입혔다.일단 완성되면, 그녀의 배려를 위해 스튜디오 주위에 예술품을 배치했고, 그때도 그녀는 간결함을 추구하기 위해 때때로 그것을 폐기하고 처음부터 다시 시작하곤 했다.[10]벨두마는 능력 있는 일손을 제공하는 것 외에도 자료를 모으고 일상적인 스튜디오 운영을 돕는 일을 담당했다.그는 에레라의 예술적 과정에 종종 과대평가되는 공헌자였다.

일

그녀의 작품 중 일부는 브라질의 신콘크리트주의자 리자 클라크와 헬리오 오이티카와의 비교를 이끌어냈지만, 뉴욕 평론가 카렌 로젠버그에 따르면, 에레라의 스타일은 그녀의 "표현 기하학적 추상화"에 의해 정의된다.[1]그녀는 "무한한 공간적 복잡성을 담고 있는 두 가지 색상의 페이드다운 그림"을 선보였다.이러한 감성들은 처음에 그녀가 2차 세계대전 이후 6년간 파리에 머물면서 발전되었는데, 그곳에서 그녀는 카지미르 말레비치, 피에트 몬드리안, 그리고 슈프리미즘과 드 스티글의 다른 헌신적인 예술가들의 사상들을 접하게 되었다.[10]그녀는 기하학적 추상화에 대한 그녀의 공헌에 있어서만 중요한 것이 아니다; 그녀의 많은 작품들은 또한 자연계의 복잡한 표현이기도 하다.예를 들어, 그녀의 12년 시리즈인 블랑코 이 베르데(1959년)는 전통적인 풍경화를 해체한 것이다.[1]첫째, 그녀는 수평선을 이용하여 지평의 감각을 만들었다.그리고 나서 이러한 감각은 그녀의 특유의 대각선으로 고조되는데, 이것은 결합되어 많은 풍경들의 특징인 전통적인 초점을 만들어낸다.녹색에 대한 의도적인 대비는 또한 매우 추상적인 의미에서 많은 조경 색채의 본질을 포착한다.

에레라의 초기 발전의 또 다른 주목할 만한 면은 캔버스 모양을 이용한 그녀의 실험이었다.미국 추상화와 냉전의 시각 문화의 연관성을 전문으로 하는 펜실베이니아 주립대 교수 사라 리치는 에레라의 초기 작품들은 주로 캔버스의 모양을 반영하기 위해 적절한 방향을 정하는 데 초점을 맞췄다고 설명한다.처음에 리치는 에레라가 청중들에게 예를 들어, 실제 세계에서 원형 캔버스 한 대가 "굴리고 싶다"고 상기시키는 것에 근본적으로 신경을 썼다고 주장했다.그녀는 주로 화살과 다른 유사한 모양의 방향 장치를 사용하여 이것을 달성하려고 노력했다.이 탐사는 그녀를 삼각형과 캔버스와 그 가장자리 둘레에서 계속 이어지는 페인트칠한 자국이 나타내는 움직임을 고려하게 했다.에레라는 작품 추상화에서 벗어나 문맥과 관점을 제공하는 그림에서 삼각형이 종종 갖는 효과를 꾸준히 조작한 것으로 유명하다.새라 리치 역시 바넷 뉴먼이 1939년 쿠바를 떠난 후 어린 에레라의 작품에 초기의 친구였고 극히 형성적인 영향을 끼쳤다고 언급한다.[13]

말년의 발견

에레라는 19세에 첫 작품을 팔았지만 수십 년 동안 널리 인정받거나 인정받지 못했다.[10]최근 리송 갤러리와 휘트니 박물관에서 공연하기 전, 그녀는 1984년에 지금은 없어진 뉴욕의 대안 박물관에서 단 한 개의 주요 전시회를 가졌다.[1]카렌 로젠버그가 지적한 바와 같이 에레라의 첫 단독 미술 전시회는 1954년 이후 처음 뉴욕으로 이주한 지 50여 년이 지난 후에 이루어졌다.이것은 주로 예술 분야에서의 여성과 미국의 쿠바인들에 대한 지배적인 태도들의 결과인데, 이것은 둘 다 그녀가 그녀의 경력 동안 극복한 장애물들이다.이 모든 것이 마침내 2004년 에레라의 것으로 바뀌었다.그녀의 절친한 친구이자 옹호자인 화가 토니 베차라는 맨해튼의 라틴 컬렉터 갤러리 주인 프레데리코 세브와 함께 만찬에 참석했다.세브는 한 예술가가 중퇴한 여성 기하학 화가들을 주인공으로 한 대중화된 쇼를 개발하는 중이었다.[5] 베차라가 에레라를 추천했다.[5] 세베는 그녀의 그림을 보고 처음에는 리자 클라크의 작품이라고 생각했지만, 이후 에레라의 그림이 클라크의 작품보다 10년 전에 그려졌다는 사실을 알게 되었다.[5]

그녀의 인생의 많은 기간 동안 미국에서 살았음에도 불구하고, 그녀의 최근 재발견에 대해 쓴 출판물들은 종종 그녀를 쿠바계 미국인 예술가라고 불렀다.비록 그녀의 유산을 자랑스러워 하지만, 에레라는 의식적으로 그녀의 작품을 특정 민족적 또는 민족적 미학과 연관시키는 것을 피했다.1950년대 후반의 쿠바 혁명 기간과 같은 쿠바의 혼란기에도 그녀는 의식적으로 자신의 일에 대한 정치화를 피했다.[14]

스미스소니언의 라틴아트의 큐레이터 카르멘 라모스는 "많은 유럽 에미그레 예술가들이 미국으로 건너간 것과 달리 20대 초반부터 미국에 거주해온 헤레라는 좀처럼 미국 예술가로 식별되지 않았다"고 지적했다.그녀의 최근 성공은 라틴아메리카의 지위에 따른 것으로 보이며 궁극적으로 미국에 기반을 둔 예술가로서의 그녀의 시야를 흐리게 한다."[15]

전시회

에레라는 1949년에 시작된 살롱 데 레알리테스 누벨레스에서 여러 차례 전시되었다.[16]단독 전시회는 갤러리아 수다메리카나(1956년), 트래비아 갤러리(1963년), 시스네로스 갤러리(1965년), 얼터너티브 갤러리(1986년)에서 열렸다.[17]뉴욕 이스트 할렘에 있는 엘 무세오 델 바리오가 카르멘 에레라를 탔다.흑백화, 1951-1989년 에레라의 1998년 작품 전시.[4]Latincollector는 2005년에 대규모 회고전인 Carmen Herrera: Figured 50년 간의 회화 행사를 열었다.라틴콜렉터는 2007년 자신의 목조건물 몇 점의 첫 전시회인 에스트락투라스를 선보였다.2009년 7월 영국 버밍엄의 비영리 IKON 갤러리에서 회고전이 열렸으며, 2010년 독일 카이져슬라우테른에 있는 팰츠갈러리 박물관을 찾았다.[18]2016년에는 휘트니 미술관과 리슨 갤러리에서 전시회를 가졌고, 2020년에는 휴스턴 미술관에서 전시회를 가졌다.[19]에레라는 또한 현대미술관에서 열리는 그녀의 전시로 획기적인 발전을 이루었다.[20]

휘트니 미술관 전시

에레라의 작품은 2016년 9월 6일부터 2017년 1월 9일까지 휘트니 미술관의 카르멘 에레라: 시선의 선(Lines of Sight)에 전시되어 거의 20년 만에 처음으로 미술관 전시회를 열었다.[21]50여 점의 작품이 전시된 가운데, 이 쇼는 1948년부터 1978년까지 만들어진 작품들에 초점을 맞추고 그림, 종이에 그린 작품, 입체적인 프로젝트들을 포함했다.휘트니 큐레이터인 다나 밀러는 시간순으로 전시를 구성했는데, 에레라의 작품에서 중요한 시기를 전담하는 세 개의 별도 섹션이 있었다.첫 번째 섹션은 1948년부터 1958년까지 만들어진 작품들에 초점을 맞췄고, 그 기간 동안 에레라는 많은 종류의 추상화를 실험했다.두 번째 섹션은 1959년부터 1971년까지의 작품에 초점을 맞췄으며, 에레라가 자신의 생애에서 가장 중요한 작품으로 꼽은 블랑코 이 베르데라는 제목의 그림 모음집이다.마지막 부분은 1960년대와 1970년대의 작품으로 구성되었으며, 4개의 목조 조각 작품뿐만 아니라 더 많은 실험적인 작품들이 포함되어 있었다.이 작품들은 에레라의 형상/지상 관계에 대한 실험을 보여주고 있으며, 건축에 있어서 에레라의 배경으로부터 분명한 영향력을 보여준다.이 작품들 중 많은 것들이 이전에는 대중에게 전시된 적이 없었다.밀러는 전시회 설계에 대해 "이렇게 강한 재료로 큐레이터의 임무는 정말로 뒤로 물러나 작품을 빛나게 하는 것"이라고 말했다.[22]이 전시회는 2017년 2월 4일부터 4월 16일까지 웩스너 아트센터에서 열렸다.[23]

리송 갤러리 전시

2016년 5월 3일부터 2016년 6월 11일까지 에레라의 작품은 '카르멘 에레라: 최근 작품'이라는 제목의 전시회에서 리송 갤러리에 전시되었다.이번 전시회는 2014년부터 2016년까지 만들어진 주요 그림 20점과 조각 1점을 선보였다.이 쇼는 큰 규모의 기하학적 그림들로 구성되었고, 몇 개의 딥티치와 트리피치 또한 있었다.이 전시회는 에레라를 기리는 것으로 여겨졌으며, 1954년부터 그녀가 살았던 그녀의 스튜디오와 뉴욕 아파트 사진들도 전시되었다.[24][25]

에스트럭투라스 기념비목

'에스트럭투라스 기념비적목록'은 에레라의 첫 번째 주요 야외 조각 전시회로, 2019년 7월 11일부터 2019년 11월 8일까지 맨해튼 시청공원에서 전시되었다.그녀는 1960년대에 자신의 그림의 경험을 3차원으로 확장한 도식적인 스케치 그룹으로 이 시리즈를 처음 구상했지만, 작품들은 여전히 미실현 상태로 남아 있었다.Public Art Fund가 주최하고 Daniel S. Palmer가 주관하는 이번 전시회는 처음으로 그녀의 '스트루투스'를 일반 관객들과 공유했다.[26]

필름

2014년부터, 찬사를 받은 아이 웨이웨이의 감독인 앨리슨 클레이만은 다음과 같이 말했다. 네버 미안, 헤레라에 대한 다큐멘터리 작업을 시작했어.[27]제목이 붙은 이 다큐멘터리는 2015년 토론토에서 열린 핫닥스 영화제에서 초연되었다.[28]그 후 2016년 9월 18일 넷플릭스와 주문형 비메오에 발매되었다.[8]

이 다큐멘터리는 "최소주의자 선구자 카르멘 에레라가 말 그대로 일생을 걸었던 예술적 성공과 명성을 누리면서 추상적"이라고 평했다.클레이먼은 곧 다가올 100번째 생일에 집중하면서 에레라의 성장기, 말년, 그리고 지연된 유명세를 탐험한다.이 영화는 대체로 긍정적인 평을 이끌어 냈고, 에레라의 작품에 대한 관심을 더욱 북돋아 주었다.[8]

만년과 죽음

걷는 능력을 상실한 그녀는 만년에 전업 보호자들과 함께 집에서 살았다.그녀의 절친한 친구이자 이웃인 토니 베차라는 그녀에게 예술적 관심과 비평을 주었다.마누엘 벨두마도 계속해서 그녀를 도왔다.[14]

그녀는 자신을 지속시킨 것은 "직선의 아름다움"이라고 말했다.[14]

카르멘 에레라는 2022년 2월 12일 106세의 나이로 세상을 떠났다.[29]

참조

  1. ^ a b c d Rosenberg, Karen. "A 101-Year-Old Artist Finally Gets Her Due at the Whitney". The New York Times. Retrieved 2017-03-26.
  2. ^ Great Women Artists. Phaidon Press. 2019. p. 184. ISBN 978-0714878775.
  3. ^ "Overlooked But Undeterred, A 101-Year-Old Artist Finally Gets Her Due". NPR.org. Retrieved 2017-03-27.
  4. ^ a b c Espinel, Monica (2016). "Chronology". Carmen Herrera: Lines of Sight. By Miller, Dana (Exhibition catalogue). Whitney Museum of American Art. p. 195. ISBN 978-0-300-22186-2.
  5. ^ 헬레나 데 베르토다노(2010년 12월 20일), "카르멘 에레라: '꿈인가?' 데일리 텔레그래프.
  6. ^ Hattenstone, Simon (2016-12-31). "Carmen Herrera: 'Men controlled everything, not just art'". The Guardian. ISSN 0261-3077. Retrieved 2019-12-15.
  7. ^ a b c Miller, Dana (2016). "Carmen Herrera: Sometimes I Win". Carmen Herrera: Lines of Sight (Exhibition catalogue). Whitney Museum of American Art. p. 13. ISBN 978-0-300-22186-2.
  8. ^ a b c Klayman, Allison (September 18, 2016). "The 100 Years Show". Netflix. Archived from the original on 2017-04-06.
  9. ^ Irwin, Michael (13 February 2022). "Carmen Herrera". Ocula.
  10. ^ a b c d e f Loos, Ted (15 April 2016). "An Artist at 100, Thinking Big but Starting Small". The New York Times. Retrieved 2017-03-26.
  11. ^ "Carmen Herrera". Lisson Gallery. Retrieved March 27, 2020.
  12. ^ a b c Klayman, Alison (2016-09-18). "The 100 Years Show". www.the100yearsshow.com/. Archived from the original on 2017-03-28. Retrieved 2017-03-28.
  13. ^ Rich, Sara (2016). "Portfolio: Carmen Herrera". ArtForum International. 55 (2): 204.
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  15. ^ "Our America: The Latino Presence in American Art". Smithsonian American Art Museum. Retrieved 2017-03-27.
  16. ^ Brodsky, Estrellita B. (2013). Dorothy Feaver (ed.). Carmen Herrera: Works on Paper = Opere su Carta, 2010-2012. London: Lisson Gallery. ISBN 9780947830397.
  17. ^ Heller, Jules (1995). North American Women Artists of the Twentieth Century: A Biographical Dictionary. New York and London: Garland Publishing, Inc. ISBN 0-8240-6049-0.
  18. ^ "Carmen Herrera". IKON Gallery. 29 August 2013.
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  20. ^ "Carmen Herrera MoMA". The Museum of Modern Art. Retrieved 2019-12-15.
  21. ^ "Carmen Herrera: Lines of Sight". Whitney Museum of American Art.
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  23. ^ "Exhibition - Carmen Herrera: Lines of Sight". Wexner Center for the Arts. February 4, 2017. Archived from the original on 2016-12-16.
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  25. ^ "Carmen Herrera: Exhibitions". Lisson Gallery.
  26. ^ "Carmen Herrera: Estructuras Monumentales - Public Art Fund".
  27. ^ "Carmen Herrera at 99". W Magazine. 2014-05-30. Retrieved 2015-05-22.
  28. ^ Eileen Kinsella (May 31, 2015). "Artist Carmen Herrera turns 100 years old—artnet News". artnet News.
  29. ^ McFadden, Robert D. (2022-02-13). "Carmen Herrera, Cuban-Born Artist Who Won Fame at 89, Dies at 106". The New York Times. ISSN 0362-4331. Retrieved 2022-02-13.

외부 링크