해리슨 스튜디오

해리슨 스튜디오는 헬렌 메이어 해리슨 (1927–2018)과 뉴턴 해리슨 (b. 1932)으로 구성되어 있으며, 이들은 가장 초기 및 가장 잘 알려진 사회 및 환경 예술가로 알려져 있다.^[1] 흔히 간단히 "해리스온스"라고 불리는 헬렌과 뉴턴은 광범위한 분야에 걸쳐 멀티미디어 작품을 제작했다. 그들은 생물학자, 생태학자, 역사학자, 활동가, 건축가, 도시계획가, 동료 예술가들과 협력하여 대화를 시작하고 생물다양성과 지역사회 발전을 탐구하는 작품을 만든다. 헬렌과 뉴턴 해리슨은 샌타크루즈 캘리포니아 대학의 에메리티 교수와 샌디에이고의 캘리포니아 대학 교수다. 그들은 수많은 국제 단독 전시회를 가졌으며, 그들의 작품은 퐁피두 센터, 현대 미술관, 산호세 미술관, 네바다 미술관, 시카고 현대 미술관을 포함한 많은 공공 기관의 소장품들에 있다. 2013년 해리스 부부는 상상력이 풍부한 카르토그래피로 콜리스 베니테오 상의 첫 수상자가 되었다. 스탠포드 대학 도서관은 상당한 양의 시청각 자료와 출생 디지털 파일로 그들의 삶과 일을 문서화하는 광범위한 자료실인 The Helen and Newton Harrison Papers를 인수했다.

조기생활과 교육

헬렌 메이어는 1927년 7월 1일, 그녀의 부모가 학교 교사로 일했던 퀸즈 시의 가장 동쪽에 있는 뉴욕시에서 태어난 영재였다.^[2] 1943년 16세의 나이로 포레스트 힐스 고등학교를 졸업한 그녀는 코넬 대학에 입학하기 위해 등록금 전액 장학금을 받았다. 그녀는 코넬에 입학하여 2년간 심리학을 전공하였으나, 결국 1948년 퀸즈 칼리지에서 영어 학사 학위를 취득하기 위해 귀국하였다. 1952년 뉴욕대(NYU)에서 교육철학 석사학위를 취득하기도 했다.

뉴턴 애브너 해리슨은 1932년 10월 20일 브루클린 자치구의 뉴욕시에서 태어나 뉴로셸 근교에서 자랐다. 뉴턴의 할아버지 사이먼 W. 파버는 19세기 후반 미국의 번영을 위해 러시아에서 이민을 온 틴스미스였다. 그는 맨해튼의 Lower East Side에 작은 브라스웨어 가게를 열었다. 주방용품과 장식용품이 잘 팔렸다. 고객들은 유럽에서 수입된 값비싼 브라스웨어에 비해 그의 제품의 신속성과 품질을 높이 평가했다. 사이먼이 손으로 망치질을 하는 것에서 자동화 기계 선반으로 금속 회전으로 전환했을 때, 생산과 판매 모두 급격히 증가했다. 1907년 브루클린에 제조 공장을 열어 자신의 주방 용품 라인을 더욱 넓혔고, 파버웨어라는 브랜드를 붙였다. 마이어사는 1997년 파버웨어를 인수해 미국 가정용품에서 가장 오래되고 신뢰받는 브랜드로 홍보하고 있다.

15살 때 뉴턴은 그의 부모님 에스텔 파버와 하비 해리슨에게 예술가가 되고 싶다고 말했다. 그들은 그가 뉴저지에 있는 대학 준비 학교인 페디 프렙 고등학교에서 공부를 계속할 것을 요청했지만, 뉴 로셸의 유명한 조각가 마이클 랜츠와 함께 미술 도제학습을 주선했다. 뉴턴은 1948년부터 1953년까지 Lantz의 고등학교와 대학시절의 쉬는 시간 동안 그를 도왔다. 견습생에는 모델링, 석고 주조, 목공, 건축 규모 모델 제작, 건축 설계도 입안 및 열람 등의 수업이 포함되었다. 뉴턴은 오하이오 주 옐로 스프링스에 있는 안티오크 대학에 몇 년 동안 다녔고, 이후 그의 조각 연구를 공식화하기 위해 필라델피아에 있는 펜실베이니아 미술 아카데미(PAFA)로 옮겼다. PAFA 교수진과 지역 미술 수집가들은 뉴턴이 인간의 형상에 대한 로댕과 같은 접근법, 즉 점토를 이용하여 몸과 영혼의 시적 움직임을 전달하는 능력을 개발하도록 장려했다.^[3]

헬렌과 뉴턴은 1953년에 결혼했다. 스탠포드 대학 해리슨 논문에는 1957년부터 1960년까지 PAFA의 Scheidt Memorial 장학금으로부터 부분적인 자금 지원을 받아 살았던 이탈리아의 플로렌스로의 첫 해외여행에서 해리스턴스가 쓰고 받은 주목할 만한 편지들이 수록되어 있다. 플로렌스 편지는 부부가 해외에서 살면서 삶의 목적을 고민한 경험을 표현한 것이다. 글자의 초점은 전문 예술가가 되겠다는 뉴턴의 결심이지만 헬렌은 그들이 해외에서 살았던 3년 중 2년 동안 플로렌스의 국제 보육원장을 맡았다. "많은 감사"가 에스텔과 하비에게 한 통의 편지를 쓰기 시작한다. 너희 둘 다 우리 자신을 찾을 수 있게 해주었다. 화가의 길은 쉬운 것이 아니라 우리에게 주는 보상이 많고, 우리의 역량에 따라 우리 자신을 상당히 활용할 수 있다는 약속만이 우리에게 의미를 부여하고 있는 약속이라고 말했다.^[4]

해리스 부부는 1960년 플로렌스에서 번화한 뉴욕시 예술계로 돌아왔다. 뉴턴은 처음에 주거 정착 프로젝트와 근린 센터에서 아이들에게 실험 그림을 가르치는 일을 발견했다. 그 후 그는 예일 대학교 미술 건축대학원에 등록하여 미술 학사 학위를 마쳤다. 한국전쟁 초안은 그의 PAFA 학사 학위 진행을 방해했다. 1952년에 입학했으나, 그 후 1953년부터 1955년까지 2년간 미군에 복무할 의무가 있었다. 피렌체에 사는 해리스 부부는 학사 학위 완료를 더 미뤘다. 1960년대 초 뉴욕시는 초월한 그림 평면에 도포된 페인트의 자율성과 원시성을 강조하면서, 추상화의 그린버그적 기질에는 그라운드 제로였다. 피겨 모델링과 원근법에 대한 관습은 극히 일상적인 것이 되어 있었다. 이러한 영향으로 뉴턴은 조각품을 제쳐두고 화가로 자리매김하기 시작했다. Sewell Silman과 Al Holded는 예일 대학 시절 뉴턴의 두 핵심 멘토였다. 컬러 이론과 실먼의 수업, 하드에드 추상화의 수업을 홀드(Holded)와 결합한 그는 대담한 작곡을 그렸다. 그러나 그 그림들은 그들의 객관성을 유지했다. 그들은 마치 주변 건축물과 관련하여 색소를 입힌 조각상처럼 나타났다.

뉴턴은 1965년 32세의 나이로 예일대를 졸업했으며 미술학 학사 및 석사 학위를 모두 받았다. 이후 뉴멕시코 대학(UNM) 시각 기초 담당 조교수로 첫 교직원을 확보했고, 4명의 학령 자녀와 자신의 학위 세트를 갖고 헬렌은 교육 분야의 업무를 보다 폭넓게 지향했지만, 다시 UNM 교직원으로 복귀했다. 헬렌은 평등과 사회의 모든 수준에서 좋은 교육에 대한 접근에 대한 문제를 제기하고 싶었다. 그녀와 뉴턴은 고등학교 중퇴자들을 위한 예술 교육의 새로운 방향을 탐구하는 에세이를 쓰는 데 협력했다. "중퇴자와 '생계를 위한 디자인'이라는 제목의 이 에세이는 빈곤에 대한 새로운 관점에 실렸다.^[5]

해리스턴 부부는 1967년 UC 샌디에이고 시각예술부 창설의장인 추상표현주의 화가 폴 브라흐가 뉴턴을 영입해 교수진에 합류시키자 캘리포니아 주 라졸라로 이주했다.^[6]

확장된 분야의 조각

뉴턴은 자신의 세미나의 에세이 "확장된 분야의 Sculpture"에서 제시된 로잘린드 크라우스의 구조주의 이론과 주변적인 관계를 맺고 있었다.^[7] 이 에세이에서 크라우스는 모더니즘 이후의 미국 미술의 경향과 추상화의 그린버그적 기풍을 묘사하고 있다. 그녀는 1968년과 1970년 사이에 미국 예술가들이 미술품들의 존재론에 도전하기 시작했으며 미술관이 미술관과 미술관의 경계를 넘어 확장되는 것을 보기 시작했다는 것을 관찰했다. 확장된 분야에서 일하는 것은 더 이상 모더니즘으로 묘사될 수 없었다. 1979년에 출판된 이 에세이는 20세기 후반의 전위적 변혁에 대한 담론에 중요한 공헌을 했다. 뉴턴은 1967년 UC 샌디에이고에 도착한 뒤 확장된 분야에서 3년간 강도 높은 실험을 시작했다. 이 기간 동안 그는 기술자, 생물학자, 정치인, 심지어 예술 영역 밖의 기업과 직접 그리고 자유롭게 활동했다. 그는 로스앤젤레스 카운티 미술관(LACMA)에서 열린 모리스 터흐만의 미술과 기술 프로그램뿐만 아니라 빌리 클루버의 미술과 기술 실험에 참여했다. 그는 생활과 기술 시스템의 유기적이고 상호작용적인 행동을 탐구하는 예술작품에 대한 도식적인 디자인을 제작했고, 이미지와 사물보다 예술 작품으로 성장 과정과 변혁을 생각하기 시작했다.^[8]

경력 전환 중

헬렌과 뉴턴은 1967년 UC 샌디에이고에 도착한 후 다른 경로와 다른 속도로 진로를 바꾸었다. 1960년대 후반의 과학, 기술, 평등, 정의에 대한 생각을 되새기는 불온한 시기는 뉴욕 현대공예박물관에서 열리는 '모래와 깃털' 전시회를 계기로 1970년 서로 협력을 시작하기로 한 그들의 결정을 이해하는 데 핵심이다. 현대공예박물관에 출품된 '생태신경센터'라는 작품에서, 그들은 사회와 환경 변화를 알리는 지식으로서 미술의 전시와 더불어 제작에 대한 실험의 길을 열었다.

1967년 캘리포니아로 이사한 헬렌은 미국 국제대학(현재는 알리안트 국제대학으로 알려져 있다)에 등록하여 리더십과 인간 행동 대학원에 학제간 박사과정을 시작했다. 평등과 사회 정의에 대한 지속적인 관심을 가지고, 그녀는 언어, 학습, 사회 심리학 등 세 가지 전문 분야를 새롭게 하고 종합하여 모든 학생들이 잘 살 수 있는 동등한 전망을 갖도록 하는 연구에 기여할 수 있기를 바라고 있었다. 그러나 헬렌은 1969년 UC확장부에 교육프로그램 코디네이터로 입사해 1970년 이사로 승진하면서 박사과정을 그만두었다. UC확장사업부 교육프로그램국장으로 재직하는 동안, 등록과 강좌 개설은 분기당 평균 42학급에서 55학급으로 증가했다. 헬렌의 목표는 샌디에이고 카운티의 교사들에게 과목 분야에서의 전문성 수준을 높일 수 있는 과정을 제공하는 동시에 심리학과 아동 발달에 대한 더 깊은 이해를 제공하는 것이었다. 그녀는 UC확장부의 교육 프로그램 범위를 카운티 내 10개 이상의 학군으로 확장하고 전국의 참가자들을 끌어 모은 1일 2주간의 컨퍼런스를 소개했다.

헬렌은 미국 국제대학에서 공부하는 동안 여성해방운동의 선봉장이 쓴 다음과 같은 글을 수집하기도 했다. 앨리스 S. 로시의 "사회학 대학원 여성의 지위: 1968-1969"는 미국 사회학자 (1969년 가을)에서 출판 허가를 받아 샌프란시스코 컨벤션에서 미국 사회학회의 여성 코커스(Women's Caucus)를 통해, 네이가 출판한 베벌리 존스와 주디스 브라운의 "여성 해방 운동"을 통해 출판되었다.w잉글랜드 프리 프레스, 그리고 나오미 와이스슈타인의 "과학 법칙으로서의 킨데, 쿠슈, 키르체: 심리학은 여성들을 구성한다."^[9] 제2의 물결 페미니즘을 계기로, 평등과 사회 정의에 대한 헬렌의 우려는 보다 직접적인 방법으로, 자신의 능력에 따라 자신을 상당히 사용하고 공헌을 인정받을 수 있는 여성으로서의 자신의 권리를 포함하는 것으로 성장했다. 헬렌이 뉴욕 현대공예박물관에서 '생태신경센터'(1970~1971)의 개념화와 제작에서 뉴턴과 협업을 시작하게 된 것은 바로 이러한 야망과 사회적 의식의 연금술이다.

헬렌은 실제로 현대공예박물관에서 열리는 '모래와 깃털' 전시회를 위한 생태신경센터 제작에 앞장섰다. 그녀는 UC 샌디에이고의 시각예술학과 학생들을 소규모 연구팀에 소집하여, 그녀가 세계야생생물기금에 요청했던 자연 서식지와 그 파괴로 고통 받는 거주 종의 파괴에 관한 정보를 확대했다; 그들의 살찐 몸은 세계의 끊임없는 요구를 받고 있다.t 이코노미 그녀의 영향은 특히 박물관의 맥락에서 정보를 제시하는 팀의 접근방식에서 두드러진다. 1960년대 후반 뉴턴을 비롯한 예술과 기술을 실험하는 예술가들은 정보로 작업해 왔다. 그들은 (아마도 인간의 대용물로서) 기계와 주변과의 관계를 탐구하기 위해 피드백의 개념에 기초하여 구축된 자기 조절 사이버 네틱 시스템으로 조각품을 프로그램하기 위해 새로운 컴퓨터 기술을 사용해 왔다.^[10] 헬렌의 접근은 달랐다. 그녀는 학생들과 함께 멸종되고, 멸종되고, 멸종되고, 멸종되고, 이전에는 멸종되고, 과잉공급된 종에 대한 교훈적이면서도 시적인 묘사가 담긴 조각물로서 롤로덱스(Descentur Neilsen에 의해 1956년에 발명된 회전식 탁상카드지수의 단순성을 인정함)를 생산하기 위해 작업했고, 이를 허용하는 방식으로 건축되었다. 새로운 데이터가 제공됨에 따라 변화한다. 그리고 나서 그녀와 학생들은 롤로덱스 데이터를 공간적 서술로 해석하는 뉴턴이 제작한 14'x14 세계 지도와 함께 마치 그림처럼 박물관의 벽에 걸 수 있는 롤로덱스에 포함된 데이터를 4'x14' 도표로 시각화했다. 헬렌과 학생들이 안생태신경센터를 위해 제작한 작품들이 정치적으로 얽히고 설키고, 의심의 여지가 없으며, 그 때문에 강하다고 인식하는 것이 중요하다. 롤로덱스는 눈을 사로잡는 디지털 미디어 디스플레이 앞에 경외심을 품기보다는 정보를 검색하고 이해시키는 촉각적 과정에 참여하도록 사람들을 초대했다. 이 도표는 사람들이 이미 종 멸종의 중력을 처리하고 결정적인 행동을 취할 수 있는 준비가 되어 있다고 주장했다. "항상 숫자가 변한다"는 전시 카탈로그에서 뉴턴은 "연구결과에 따르면 보호가 시행될 때 멸종위기의 형태가 스스로 재생될 수 있고, 다시 라이프 사이클에서 그 역할을 맡을 수 있다"^[11]고 설명했다.

리처드 엘먼은 '모래와 깃털' 전시회에 대한 리뷰에서 "멸종 위기에 처한 종과 '멸종된' 야생동물의 종을 구별하기 위해 붉은 색과 회색으로 빽빽하게 주석을 달은 주요 출입구의 커다란 흰색 지도를 응시하고 있다"고 묘사했다. 엘먼은 "상해자 명단인 리타니(litany)가 맥빠진 목소리로 담금질했다"고 회상했다. 계속해서 아라비아 반도의 셰이크족, 바다새, 원숭이, 사자, 빈쿠냐, 그리고 거대한 아욱의 사냥에 대해 15분 정도 계속되었다."^[12]

그렇다면 왜 학생들과 함께 생태 신경 센터를 전시하기 위해 여러 달 동안 작업한 후에 헬렌의 이름이 전시 카탈로그, 엘먼의 리뷰, 그리고 다른 홍보 자료에는 눈에 띄게 없는 것일까? "모래와 깃털" 큐레이터나 비평가들 모두 그녀의 기여를 인정하지 않았다. 제2의 물결 페미니즘의 여파로 헬렌이 뉴턴과 동등한 예술가로 나서려면 아직 더 많은 시간과 헌신이 필요할 것이다. 1972년 UC확장부 교육프로그램으로 이사직에서 물러난 그녀는 미술 전업화를 추구했다. 그녀는 사직서에서 "여기서 너무 재미있었어! 하지만, 나는 노년에 예술가가 되고 있고 '진로 전환'에 관한 많은 Extension 강좌를 개설한 것을 하고 있다."^[13]

헬렌이 예술가로서의 경력을 공고히 하는 이야기의 중추적인 부분은 그녀가 성장 형태에서의 참여와 성장 활동주의에 대한 자신의 전위적 이해에 도달한 두 개의 솔로 작품이다. 첫 번째 솔로 작품인 스트로베리잼(1973년)은 1973년 2월 풀러턴 캘리포니아 주립대 미술관 소장 덱스트라 프랭켈이 헬렌을 접촉해 '병 속에'라는 제목의 대형 그룹 전시회에 솔로 가수로 참여할 의향이 있는지 문의하면서 시작됐다. 헬렌이 이 전시회를 되돌아보는 타이프 글에서 회상할 때, "나는 방금 뉴턴 해리슨의 딸기 월이라는 작품을 도운 것을 끝냈는데, 그는 내가 그의 성장 작품을 위해 잔치를 벌였으므로, 잼을 만드는 공연을 하자고 제안했고, 나는 생각했다. 잼을 제외하고는 병에 무엇이 들어 있는가를 생각했다. 뉴멕시코 대학(헬렌이 1965년부터 1967년까지 가르쳤던 곳)의 영문과(영문학과)의 낡은 메모장에서 찢어진 별도의 종이 위에 그녀는 자신의 창조적 과정을 더욱 상세히 기술한 의식의 흐름을 기록했다. "병으로 할 일 중 하나는 그것을 채우는 것이다. 병을 채우기 위한 기본적인 것 중 하나는 음식이다. 하나는 음식을 만들어 병에 보존한다. 병을 모아 음식으로 채우는 것...올해는 우리에게 먹을 음식이 없고 내년의 음식인 푸드 월(Food Wall)을 만들어 다른 사람들에게 그 수확량을 기록해야 한다고 상상하는 것-풍부한 의식이라는 일련의 잔치에서 말이다."^[14] 이에 따라 딸기잼은 헬렌이 레몬즙과 와인 등 천연재료만 사용해 6일 연속 딸기잼 15병을 만들어 혼합물을 진하게 하고, 과일 자체의 단맛을 익히기 위해 설탕을 최대한 적게 넣는 지구력 퍼포먼스가 됐다. 식물에서 따온 열매의 단맛을 바탕으로 매일 조리법이 다양했고, 헬렌이 레몬과 와인이 열매의 산성을 높여주는 방식을 감상하게 되면서 잼은 점점 시들해졌다. 공연 초창기 5일은 비공개로 진행됐다. 6일째 되는 날, 헬렌은 풀러턴에 있는 캘리포니아 주립대학의 아트 갤러리에서 청중들을 위한 딸기잼 만들기를 무대에 올렸다. 그리고 7일째 되는 날, 그녀는 휴식을 취했다.

6개월 후 헬렌은 예술적 연구 프로젝트로 딸기잼을 만들기 시작했다. 그녀는 병의 개념적 이미지와 병 보존에 대한 부수적 이념에 대해 계속 반론을 제기했었다. 그녀는 사진의 매체가 어떻게 보존이나 아마도 연속성의 도구로 작용할지 궁금했다. 과일 자체가 아니라 풍요와 희소성의 순간이 있는 재생의 주기 속에서 딸기를 심고 자라고 수확하는 데 필요한 지식과 기술이다. 스튜디오 실험으로, 헬렌은 네모난 벽걸이 선반들을 사용하여 풀러턴 전시회에서 남은 잼으로 가득 찬 항아리들을 캔버스처럼 격자 모양으로 배열했다. 그 후 그녀는 1971년 UC 샌디에이고의 시각예술학과 교수진에 합류한 개념예술가 겸 사진작가인 필립 스타인메츠에게 선반을 채울 수 있도록 모든 항아리를 제자리에 두 가지 색상을 만들어 달라고 간청했다. 그녀는 또한 잭 번햄의 '예술의 구조'를 포함한 짧은 책 무더기 위에 단 3개의 항아리만 올려놓고, 콜라주 기법을 사용하여 작곡을 수정할 수 있도록 여러 권의 사본을 인쇄하는 세 번째의 설득력 있는 이미지를 연출하기도 했다. 헬렌은 콜라주로 항아리의 양을 조절하여 소위 예술의 구조와 관련하여 여성의 성장 형태와 성장 활동성의 장점을 성찰하는 방법으로 다른 누적형식으로 쌓을 수 있었다.

헬렌의 두 번째 독주 작품인 오프 스트로베리 월(1974년)은 페미니스트 미술사학자 알렌 라벤이 헬렌을 로스앤젤레스 여성 빌딩의 전시 프로그램에 참여하도록 초청하면서 시작됐다. 헬렌은 조이스 쇼와 짝을 지어 여성 빌딩 안의 그랜드뷰 원 갤러리에서 3주간 전시회를 가졌다. 그녀가 이 쇼를 위해 제작한 예술가들의 진술은 시간, 노동, 문화, 예술, 보존, 삶의 연속성에 대한 그녀의 생각의 유동성을 더 잘 보여준다. 그녀는 이 성명에서 두 딸기 작품 모두 "내가 다른 맥락에서 해온 잔치와 공연에서 나오는 오락과 오락"이라고 설명했다. 나는 생활과 성장과 요리에서 일어나는 형태와 변혁과 우리가 예술이라고 부르는 변혁의 관계에 관심이 있다. 나는 특히 공정을 상징하는 물체를 만드는 의도적인 변형에 관심이 있다. 시간, 자연, 인공의 놀이는 내 작품에서 중요한 요소인데, 나는 딸기의 실제 성장, 잼의 선반 수명, 카메라와 콜라주의 순간적인 변형에 흥미를 느낀다."^[14] 그랜드뷰 원 갤러리의 가장 큰 벽에 헬렌은 예술의 구조와 관련하여 여성의 일의 장점을 의문시하는 탐구 콜라주와 함께 스타인메츠 사진을 걸었다. 인접한 벽에는 뉴턴이 서바이벌 피스를 위해 설계한 모듈식 용기 형태의 저층 수평 목초지를 설치했다. 그러나 1974년 3월 23일 전시회의 폐막은 페미니스트 여성 보건소의 산부인과 자조 슬라이드쇼, 카렌 이와후치의 가라테와 자위시위, Com의 생존과 권력에 관한 공개 포럼 등 일련의 행사들을 포함하는 "A Woman Made Day"라는 명시적으로 불리는 특별한 기념식과 일치할 것이다.'강간 반대 미션', 페미니스트 스튜디오 워크샵(여성 빌딩을 설립한 단체)의 창설에 대한 발표, 헬렌의 방해공연을 들려준다.

헬렌은 딸기잼(1973)과 오프 스트로베리 월(1974년)을 통해 참가자들이 그들의 식재료와 배우고, 감지하고, 심지어 유대감을 가질 수 있는 열린 공간으로서, 그리고 다시 지구를 비하하지 않고 사회에 이익을 주는 선택과 성장을 할 수 있는 가능성을 자신들에게 재확인했다. 이 두 딸기 작품은 또한 헬렌과 뉴턴 해리슨이 공해와 지구 온난화와 같은 환경 문제에 대한 과학적인 연구와 자기 비판적 자기 성찰, 혼합 미디어 기술, 그리고 에너지 공급을 위한 공연 예술의 라이브 액션을 결합하기 시작함으로써 새로운 지식 정치, 즉 긍정 정치로의 전환점을 예고했다.학계와 시민생활의 인식과 존재론.^[15]

10년이나 20년 후, 해리스 부부는 둘 다 UC 샌디에이고의 시각 예술부에서 종신 교수진이 되었다.

협업 스튜디오 실습

헬렌과 뉴턴은 1993년 막내아들 가브리엘 해리슨과 베라 웨스테르가드를 영입해 해리슨 스튜디오를 설립했다. The Studio는 2004년에 La Jolla에서 Santa Cruz로 이전했다. 해리슨 스튜디오의 주제는 많은 분야에 걸쳐 있지만, 항상 장소와 공동체의 생태적 사회 복지를 핵심으로 하고 있다. 도시와 그 주변지역에서의 수역의 매립, 재림개조, 또는 소박한 프로젝트를 다루든, 전체 시스템 사고는 연구의 개념적 과정을 안내한다. 그들은 비판적이고 명제적인 사고를 가진 다양한 매체를 사용한 대규모 설치로 광범위하고 국제적으로 전시했다. 그들은 그들의 제안이 벽에서 벗어나고, 계획 과정에 착지하고, 궁극적으로는 사회 및 환경 정의에 대한 개입을 초래하는 것을 볼 목적으로, 종종 마을 회의의 의미에서 전시 형식을 여러 가지 방법으로 사용한다.^[16]

해리슨 스튜디오는 그들의 작품을 예술과 과학의 영역 안에 위치시킨다. 해리스온들은 예술의 영역에서 활동함으로써 인간 상태의 생태학적 차원을 과학의 영역에서 일할 때보다 더 잘 가르친다. 스튜디오는 생태적 콘텐츠로 예술을 함으로써 인류가 지구를 하나의 조각으로 취급해야 한다는 것을 암시한다. 헬렌과 뉴턴이 1970년대 초에 제작한 첫 번째 주요 협력 작품은 총칭적으로 서바이벌 피스(Survival Pieces)로 알려져 있는데, 그 이유는 각 설치물이 생산적이고 지속 가능한 식품 시스템(예: 돼지 목초지, 메기 농장, 감귤류 및 아보카도 과수원)의 설계에 기여하도록 하기 위해 시리즈에서 각 설치를 의도했기 때문에 붙여진 이름이다. 서바이벌 작품들은 주요 박물관이 의뢰하고 영향력 있는 비평가들이 찬사를 보내며 철학자뿐 아니라 역사가들이 연구한 명성 있는 갤러리에 전시되었다. 이 작품은 바이오아트의 미래사와 윤리성, 온톨로지, 비인간적 또는 후생적 삶의 영향에 대한 논쟁을 예고했다. Harrisons는 살아있는 실체들과 예술 매체로 일했고, 낭비, 생식, 성장, 진화, 죽음, 부패와 같은 생물학적 기능을 예술 과정으로 채택했다. 헬렌과 뉴턴은 1970년대 후반 "The Launge Cycle"이라고 불리는 직업 정의 작업의 결과로 지구 온난화와 함께 일하기 시작했다. 해리슨 스튜디오가 이 문제와 관련된 모든 작업은 세계의 바다가 정말로 상승하고 지구를 다시 만들고 있다는 것을 가정한다. 그들 역시 조각가들이다. 이 시적 사상은 해리슨 스튜디오의 진행 중인 시리즈 "마주력"(2007– 현재)에서 특히 두드러진다.

Helen과 Newton Harrison이 UC Santa Cruz에 설립한 불가항력 연구 센터는 "우리는 종족으로서 매우 다른 세계에 적응해야 한다...점점 따뜻해지는 환경의 극한 변화에 적응하는 대규모 시스템이 집단 생존을 위해 필요하며, 따라서 개발되어야 한다는 우리의 주장에 따라 진행되었다. 은유적으로 볼 때, 두 개의 프론티어가 출현하고 기하급수적으로 진화하고 있다. 하나는 바다에 닿는 모든 대륙의 가장자리에서 전진하는 물의 전면이고, 다른 하나는 점점 더 (명백히 느리지만 사실 기하급수적으로) 지구 전체와 그 위에 있는 생명들을 덮고, 만지고, 영향을 미치는 폭염이다. 이것들은 인간의 경험의 일부였던 다른 모든 프런티어, 우리가 진격해 온 프런티어들과는 다르며, 가장 흔히 우리 자신의 이익을 위해 정복하거나 착취하는 것이다. 이러한 새로운 개척자들이 우리를 향해 나아가고, 생산과 소비, 이익을 위해 자원을 착취하는 우리의 습관적인 대응은 더 이상 의미 있는 행동이 아니다. 오히려 이 두 프런티어를 운용하는 규모에서 만날 수 있도록 적응해야 한다.

1993년의 해리슨 스튜디오 프로젝트 중 하나는 Serpentine Lattice라는 제목의 꽤 성공적이었다. 그것은 10'x36㎝ 크기의 설치물로, 사라져가는 북미 태평양 연안 온대우림의 녹는 슬라이드 벽화로 구성되었다. 설치에는 또한 12'x36인치 손으로 그린 지도, 텍스트 및 숲 이미지 사진 패널도 포함되었다. 그 당시, 오래된 숲 성장의 95%가 수확되었고, 나무의 절단은 약 7만 5천 마일의 강과 개울의 방해를 남겼다. 스튜디오는 샌프란시스코 만에서 알래스카의 야쿠타트 만까지 높은 지대를 통제해야 하는 디자인을 만들었다. 이것은 태평양 북서쪽 온대 해안 우림의 지속가능한 개간을 위한 발판을 만들 것이다. 사회보장제도와 크게 다르지 않은 친환경 보안시스템을 만들고, 국민총생산의 1%를 활용해 끝없이 펼쳐지는 환경 파괴에 맞서 싸우자는 게 골자다. 이 설치물에는 그들의 생각과 추론을 더 잘 설명하기 위한 글이 포함되어 있었다. 이 프로젝트는 오리건주 포틀랜드에 있는 리드 칼리지에서 이루어졌다. 수잔 필린-예는 이 노력에서 해리스톤을 지지했다. 더글러스 F. 이 대학의 메모리얼 아트 갤러리에서 온 쿨리는 이 프로젝트를 의뢰했다. 서펜틴 라티스는 현재 산호세 미술관의 영구 소장품이다.

해리슨 스튜디오의 작품은 주로 초대와 커미션에 의해 이루어진다. 연구를 시작하고, 아이디어를 제안하고, 그 지역의 지도자들과 의논하여 변화를 시도하라는 요청을 받을 때 종종 온다. 그들은 자신의 일이 끝났다고 느끼거나, 할 수 있는 모든 것을 했을 때 떠난다.^[17]

표현

Harrisons는 캘리포니아주 로스앤젤레스의 다양한 작은 화재와 뉴욕시의 Ronald Feldman 갤러리로 대표된다.

참조

외부 링크

• 해리슨 스튜디오
• 해리스 가족, 다양한 작은 화재들
• 불가항력연구중심

컬렉션

• 스탠포드 대학의 해리슨 논문 257.85 리니어 피트는 스탠포드 대학 도서관에 소장되어 있다.