메리 맥피

메리 맥피
태어난	1953 캐나다 앨버타 에드먼턴
국적	캐나다계 미국인
교육	노바스코샤 예술 디자인 대학
로 알려져 있다.	그림 그리기, 그림 그리기
배우자	해럴드 크룩스
수상	구겐하임 펠로우십, 폴록-크라스너 재단, 익명의 여성, 미국 예술원 및 편지, 국립 예술 기부금
웹사이트	메리 맥피

메드리 맥피(Medrie MacPhee, 1953년 출생)는 뉴욕에 본사를 둔 캐나다계 미국인 화가다.^[1][2]그녀는 추상화와 표현, 건축, 기계, 기술과 인간의 진화 사이의 관계, 유동성과 변혁의 상태를 탐구한 뚜렷한 회화와 그림 시리즈에 종사한다.^[3][4][5][6]1990년대와 2000년대에 그녀는 산업적인 주제와 유기 기계와 생명공학적인 형태를 은유적으로 그린 그림으로 주목을 받았다.^{[7][8][9][10]}이후 작품에서 그녀는 반투명적으로 밀도가 높은 캔버스에 색깔 구획과 조각들이 퍼즐처럼 잘 어울리는 캔버스로 눈을 돌리기 전에 건축의 불안정성을 탐구했는데, 뉴욕 타임즈 비평가 로버타 스미스는 이를 "강력하게 평평하고 추상적이기보다는 문자 그대로"라고 표현하며 "확실하고 재치 있는 신체성"이라고 평했다.^[11][12][13]

맥피는 구겐하임 펠로우십과^[14] 폴록-크라스너 재단으로부터 상을 받았고,^[15] 익명의 여성,^[16] 국립 예술 기부금, 미국 예술 및 편지 아카데미 등에서 상을 받았다.^[17][18]그녀의 작품은 메트로폴리탄 미술관,^[19] 캐나다 국립 미술관,^[20] 동시대의 미술관 등 공공 미술관에 속한다.^[21]그녀는 컬럼비아 대학의 바드 칼리지, 쿠퍼 유니언, 로드아일랜드 디자인 스쿨, 사라 로렌스 칼리지에서 가르쳤다.^[22][17]

어린 시절과 경력

맥피는 1953년 앨버타 에드먼턴에서 태어나 노바스코샤 예술디자인대학에서 미술을 공부했다.^[17][23]1976년 뉴욕으로 수학여행을 갔을 때, 그녀는 도시의 여성 예술가 수와 악화되고 있는 도시 환경에 끌렸고 곧 교환 프로그램을 통해 그곳에서 공부하기로 계획했다.^[24][25]그 해 말에 BFA를 획득한 후, 그녀는 1990년부터 2013년까지 바워리 로프트 스튜디오에 정착하기 전에 맨해튼에 있는 여러 스튜디오에서 미술을 제작하면서 일련의 이상한 일을 하면서 뉴욕으로 영구 이주했다.^[24][1][22]

뉴욕에서, 그녀의 그림의 주제는 초상화에서 구조, 신체, 그리고 인간의 진화 사이의 관계를 탐구하는 산업 건축물로 바뀌었다.^[23][24]그녀는 1980년대 후반부터 뉴욕,^[7] 콩코디아 대학,^[29] 미라 고다드 갤러리(토론토, 1988, 1990년)에서 49도선(1988년)^[3][26] 필립 다베리오 갤러리(1991년)^[27][28]와 파올로 발다치 갤러리(1992년–7년)에서 열리는 단독 전시회를 통해 이러한 도시 회화에 대해 비판적인 관심을 받았다.^[30][23]

업무 및 접수

맥피(MacPhe)의 작품은 표현, 추상화, 생물학, 기술의 혼합을 통해 은유적인 산업과 상상의 풍경에서 실제의 물체와 암시를 통합한 보다 추상적인 작품으로 옮겨갔다.^{[26][31][32][33]}그녀의 작품 범위에도 불구하고, 비평가들은 몇 가지 통일된 주제를 확인했는데, 그것은 빌드된 세계와 기계적인 세계가 심리 상태를 어떻게 반영하는지 조사하는 의인화 충동, 분해, 변태 또는 진화의 과정에 대한 관심, 미래를 향한 포인터로서의 과거 탐구, 개방적인 의미, 그리고 유머 등이다.^{[3][34][35][36]}형식적인 용어로, 이러한 주제들은 그녀가 콜라주를 사용하는 것으로, 재료와 페인트칠된 표면의 표현적 특성에 대한 주의로, 그리고 종종 공간과 스케일의 사용 방향을 혼란스럽게 하는 것으로 해석된다.^[2][37][24]

"산업" 시리즈

맥피가 그린 초기 산업 그림은 뉴욕과 몬트리올 항구의 쇠퇴하는 산업 환경에서 끌어온 버려진 구조물들과 낡은 기계들의 수수께끼 같은, 때로는 환상적인 퇴치물들을 보여주었다: 사일로, 수도탑, 홀딩 탱크, 고로, 컨베이어, 도관, 컨테이너 부두.^[27][23][3]이 그림들은 선과 단단한 모서리가 큰 모형 볼륨을 정의하며, 건조하고 긁힌 부위의 다양한 표면, 얇은 터펜타인 세제와 바느질한 캔버스, 클로즈업과 광활한 광경 사이의 극적인 변화, 그리고 가슴 아프고 외로운 질을 자아내는 치아로스쿠로 조명을 강조하였다.^{[30][3][23][27]}아트포럼의 로니 코헨은 맥피 접근법을 "사물의 변형을 촉진하고, 그들에게 필수적인 의인화주의를 주입시키는" 상상력으로 일부 객관적이고 부분적으로 낭만적이라고 묘사했다.^[27][23][3]

비평가들은 조르지오 데 치리코와 에드워드 호퍼의 침울한 형이상학적 작품들과 피라네시의 공상적인 장면들을 비교하면서, 이 그림들을 여성 신체, 자연 또는 인간발달을 위한 은유로서(예: 산속의 자화상, 1986년; 프리다의 정원, 1990년) 인간과 기계의 관계를 고찰한 그림들을 읽었다.ce,^{[23][27][30][28]} 생존과 모더니즘 유토피아주의의 고갈미국의 로버트 베린드 예술은 맥피가 "추상적이고 기계적인 형성의 후기 쿠비스트 전통을 뒤집고" 산업 유물에서 생명, 성, 그리고 "멸종의 병"을 발견했다고 썼다(예: 공룡과 샴 트윈스, 1987).^[3]

그림 시리즈(1992~2011년)

1990년대에 MacPhee는 수중 환경, 조각난 유기-기계적 구성품의 회오리바람, 그리고 상상 속의 미래 종들을 번갈아 불러일으키는 작업 체계에 유머와 더불어 표현과 추상화의 더 까다로운 조합을 채용했다.^{[4][38][39][9]}'떠다니는 세상' 시리즈(1992–3)는 애매한 내부 구조 내에서 성장과 갱신을 암시하는 장면에서 자연, 기계, 신체의 경계를 녹이는 것을 탐구했다.^[4][7][34]그들은 수직으로 상승하고 재조립된 형태를 산업 작품에서 사용했는데, 이는 기계적인 것과 유기적인 것, 즉 기어와 백합 패드, 와이어와 덩굴, 스프링과 힘줄 사이에서 혼란스럽게 전환되었다(예: The Music of Perse, 1992).^[4][8][35]미국의 예술 비평가 켄 존슨은 "인상주의적 자연주의"와 "다른 세상에서는 아주 무수한 품질"을 투영하는 "물밑 숲"을 조명했고,^[4] 캐나다 예술은 그들을 "마일의 높은 첨탑과 원반 같은 제트콥터 패드를 가진 미래 도시"라고 묘사했다. 캐나다 예술은 시각적, 시적 효과가 "연하고 이상하게도 나른했다."^[7]

맥피는 "Flight in the Variable Zone" 시리즈(1995–7)에서 캔버스에 콜라보레이션되어 탑재된 오버사이즈 구아체 및 숯 그림으로 눈을 돌렸다.그것의 패치워크는 가스켓, 기어, 펌프, 도르래 등 자유 낙하, 특유한 요소들이 회오리바람이나 소용돌이에 의해 새로운 형태로 다시 작동되고 있는 모습을 묘사했다.^[39][8][9]"떠다니는" 작품처럼, 그들은 축소판과 기념비적인 사이의 조용한 광채와 공간적 변화를 이용한다.^[8][39]비평가들은 이 시리즈가 새로운 가능성뿐만 아니라 사회적 붕괴와 모호한 기능성을 전달한다고 제안했다;^[39][40][37] 카렌 윌킨은 그것의 취약성과 서정성을 공학, 해부학, 식물학적 요소들을 혼합한 다빈치의 도해적인 기계 도면에 비유했다.^[8]

맥피는 "Unnatural Selection" 시리즈(1997–2001)를 통해 탈바꿈에 대한 관심을 넓혔고, 기술과 생물학을 결합하여 인류에게 이상하고, 어쩌면 공학적 성공자들을 상상했다.^[9][24][41]이 시리즈는 혈관을 암시하는 관들 사이에서 종종 모호하고 화려한 색의 vista로 설정된 벨로우즈, 리벳 콘, 스핀들, 후프, 장기 등과 같은 복합적인 형태로 그녀의 어휘를 재조합한다(예: Hot Spot and Chop Suey, 1998).^{[5][37][31][42]}그녀는 그녀의 초기 대기에서 이탈리아 프레스코화의 영향을 받은 더 직접적으로 경험하는 그림 공간으로 변화하기 위해 그것의 단단함과 무광 불투명도, 인공적인 색상을 이용하여 그것들을 비닐 폴리머로 칠했다.^[37][9][24]이러한 직접성은 인간의 감정과 성격, 상황에 부담을 느끼는 캐릭터처럼 기능한 그녀의 구성형식으로 시청자들의 감정적 정체성으로까지 확대되었다.^[43][31][42]리뷰들은 때때로 시리즈의 공간을 초현실주의 작품과 비교했는데, 그 영향, 즉 취약성, 탈진, 에로틱스, 암울한 유머와 현대적인 삶의 단편화를 반영하는 생존이 혼합된 불합리주의적인 작품이었다.^{[10][5][42][31]}

2000년대에 맥피의 그림은 더 탈구되고, 건축적인 성격을 띠며, 그녀는 마치 우주에서 떠다니거나 폭발하는 것처럼 위치와 거주지에 대한 시각적 신호를 증가시켰다. 재난이나 우주 재주문의 희생자들.^[6][2][22]비평가들은 그것들이 의미가 불명확한 현실의 불안정하고 비이성적이며 혼합된 근사치라고 묘사했다. 예를 들어, 보물섬(2006)은 수영장이나 반쯤 지어진 구조물들의 호수 위를 맴돌고 설명할 수 없는 스풀, 판자, 틀, 천의 뭉텅이들을 플랫폼과 같은 것을 제안한다.^[6][36]맥피는 자신의 전시회 '왓 잇 잇 이스'(2010)에서 크리스티나 키(Christina Key)가 간신히 통제된 추상적/구성적 풍요로움(예: Float 2009; Big Bang 20)을 충돌, 겹치는 장면이라고 표현한 크고 밀도 높은 작품들의 모양과 미래지향적 종들을 대거 그림으로 쌓아 올렸다.10).^[11] 그녀는 "이 작품들을 구성하는 겉보기에는 별개의 부분들은 분명하고 구체적인 특징을 가지고 있지만, 그림의 세계 밖에서 알려진 어떤 물체로서도 식별할 수 없는 상태로 남아 있다"고 썼다.그녀는 맥피의 초기 작품에 대한 실험실 같은 실험이 "구축, 불안, 추진력, 붕괴라는 인간 스케일의 문제에 대한 강력한 대응"^[11]에 자리를 내줬다고 결론지었다.

콜라주 의류 작업(2012– )

2012년 맥피는 분해된 옷 조각들을 콜라보레이션하여 기름 탐사선에 올려놓음으로써 중요한 출발을 했다.^[22][44]이 전략은 그녀가 캐주얼하게 버려진 옷 조각으로부터 친구들을 위해 함께 꿰맨 맞춤형 모자와 의복으로부터 발전했다.^[2][33][1]이 그림들은 한 색조의 넓고 막힌 부분들 즉, 대체적으로 견고하고, 무뚝뚝하거나, 옅은 투명도로 닦여진, 촉감이 좋고, 울퉁불퉁한 표면을 사용한다.^[12][13][1]색구획은 추상적이고 인지할 수 있는 물체와 신체에 대한 참조로서 기능하는 일반적인 의복 디테일(포켓, 지퍼, 부은 솔기, 단추)에 의해 구두점이 찍혀 있다.^[13][1][12]

그녀는 티보르 드 나기 갤러리에서 열린 2015년 그룹 쇼와 전시회에서 이 작품을 선보였다("Scavenge," 2017; "Words Fail Me," 2021, 뉴욕)와 니콜라스 메티비에 갤러리(토론토, 2020).^[22][45][13]'스캐빈지'에는 빅 블루와 아웃 오브 포켓(Out of Pocket, 2016년 둘 다) 같은 과도기적인 그림이 포함돼 있었는데, 이 그림은 그녀의 초기 건축적으로 불안정한 형태와 콜라겐 원소가 만든 아첨하고 열성적인 공간을 결합했다.^[12]이 작품들은 컬러 블록과 불규칙한 퍼즐 조각과 같은 콜라주된 의복에 어울리는 타우터 작품들로 자리를 잡았고, 그녀는 흰색으로 칠해진 웰티드 솔기, 파이프 또는 벨트 러프 허리 밴드로 음모를 꾸몄다(예: A Dream of Peace, 2017).^[1][45]Take Me to the River(2020)에서 해양 푸른색 표면 위에 준 지형적 흰색 선이 겹쳐져 있는 것은 조각난 회로나 위에서 바라본 희박한 불빛의 밤 지형을 암시한다; 파벨라는 사다리와 같은 하얀 수직 허리띠로 나누어진 겨자, 진홍색, 버건디, 파란색을 통해 그러한 혼란스러운 건축물을 환기시킨다.^[46][1][13]

스티븐 메인 같은 비평가들은 이 후기 그림들을 성별, 미술사, 2차원 패턴의 옷의 기원, 캔버스의 섬유성 등에 대한 언급이 빽빽하게 들어차 있다고 묘사했다.^[12][33][46]예를 들어, 장난기 많고 리스퀘어적인 작품인 "A New Shape in Town(2020)"은 짙은 청색의 중앙 데님 캐비티에 착안한 분홍색 장방형의 형태를 묘사하고 있으며, 섹스를 암시하고 있으며, 아마도 성적 포식일 것이다.^[46][1]샤론 버틀러는 이 그림들이 순전히 형식적이고 추상적인 형태와 선에 대한 조사로 보일 수 있지만, 맥피의 심미적 선택과 한때 유용했던 물건들의 창조적 파괴는 불안정성, 위험성, 집단적 절망이라는 사회적 주제를 드러냈다고 썼다.^[44]

인식

맥피는 구겐하임 펠로우십(2009년),^[14] 미국예술문학원(2020년, 2015년),^[18][22] 익명여성이 여자였다(2016년),^[16] 폴록크라스너 재단(2018년),^[15] 캐나다평의회, 예술진흥원, 뉴욕문화재단의 예술분야 지원금을 받았다.^[22][17]그녀는 보글리아스코 재단(이탈리아),바우 인스티튜트(프랑스),버몬트 스튜디오 센터,로마의 아메리칸 아카데미,맥도웰 등 기관에서예술가로서 활동해왔다.[47][48][49][17]그녀의 작품은 개인 그리고 공공의 예술 기부하는 메트로폴리탄 박물관 Art,[19]국립 미술관 Canada,[20]박물관의 d'art가 아빕월 contemporain 드 Montréal,[21]미술관의 앨버타, 미술관의 온타리오 미술관의 그레이터 Victoria,[50]주의 에쉬빌 미술관, 캐나다 이사회 미술 Bank,[51]국립 아카데미의 미술, 드.사인 가인 파머는 박물관 미술관,^[52] 워즈워스 무공해 미술관.^[53][17]

참조

외부 링크

• 메드리 맥피 공식 웹사이트
• Medrie MacPhee가 Artcritical, 2017년 레슬리 웨인과 대화 중
• 메드리 맥피와의 인터뷰, 2016년 두 번의 페인트 코팅
• 메리 맥피, 티보르 드 나기
• 메리 맥피, 니콜라스 메티비에