게리 루저

게리 루저
2013년 마크 하나워의 게리루수
태어난	(1960-09-27) 1960년 9월 27일 (61) 캘리포니아 주 로스앤젤레스
국적	미국인의
주목할 만한 작품	스승의 애완동물, 크랜리움
수상	에미상, BAFTA상
http://www.garybaseman.com

개리루수(Gary Louser, 1960년 9월 27일 출생)는 미국의 예술가, 만화가, 애니메이터로, 역사, 유산, 인간의 상태(특히 사랑, 그리움, 상실)를 조사한다. '삶의 달콤함'을 기념하는 아이콘그래피와 시각적 서사를 통해 그의 작품은 대중문화와 미술의 세계를 한데 모은다.^[1]

Louser의 경력은 The New York Times, Rolling Stone, The Wall Street Journal과 베스트셀러 보드 게임 Cranium을 포함한 고객들을 위한 일러스트레이션과 Emy와 BAFTA 수상 시리즈인 "Teacher's Pet"의 애니메이션 그리고 ABC/Disney의 후속 장편 영화들을 포함한다. 그는 그래픽과 다학제 예술과 시각 커뮤니케이션에 관한 국제 회의에서 자주 연설한다. 최근 프로젝트에는 코치와 함께한 공동 작업, 가족 유산에 관한 다큐멘터리 신화 속의 생물^[2], 수백 점의 그림, 사진, 비디오, 장난감 및 의상 디자인을 담은 여행 회고전이 포함되어 있다.

조기생활과 교육

게리루수는 캘리포니아 로스앤젤레스에서 태어나고 자랐다. 그는 벤과 나오미루수 사이에서 4명의 미국 태생으로 태어난 첫 아이로, 둘 다 원래 동폴란드(현 우크라이나)에서 홀로코스트 생존자였다. 그의 부모는 '아메리칸 드림'을 강하게 믿었고, 아들에게 민주적 이상을 심어주었으며, 투표권을 행사하고, 연합하며, 그들에게 반향을 불러일으킨 이슈를 옹호했다. 끔찍한 역사를 경험한 그들은 아들이 자신에게 진실할 뿐 아니라 다른 사람들에 대한 공감과 연민을 보이도록 격려했다.

미디어와 할리우드의 영향력은 LA의 영향력 있는 예술 장면과 어우러져 루저스가 예술을 어떻게 인지하고 제작할 것인가로 이어졌다.

"이민자들의 아들인 도시의 중심에서 자라났고, 다른 배경을 가진 아이들을 데리고 공립학교에 다녔다. 우리 집은 CBS 텔레비전 시티에서 한 블록 떨어져 있었다. 엄마는 페어팩스 구역에 있는 캔터스에서 일하셨는데 거기서 업계 사람들과 로큰롤러들이 종종 착륙하곤 하셨죠. 나는 부모가 자주 일을 하고, 형제가 혼자 밖에 나가 있는 걸쇠 아이였다. 텔레비전은 나의 베이비시터 같았다. 일찍이 오빠는 내가 함께 놀 수 있도록 한나-바르베라 스튜디오에서 애니메이션 셀을 집으로 가지고 왔다. 거실에 있는 커피 테이블에 앉아서 그림을 그리면서 만화나 코미디, 드라마를 몇 시간씩 보곤 했다."^[3]

루저는 제1차 수정헌법(자유언어, 종교, 언론, 집회, 청원권)에서 영감을 받아 UCLA를 우등으로 졸업하고 효과적인 시각적 문제 해결사 및 메시지 작성자로 발전했다.^{[citation needed]}

퍼베이시브 아트

루저스는 로스앤젤레스 미술계의 인물이지만 주류와 언더그라운드 아티스트를 모두 포함하는 국제적인 문화 운동에도 참여하고 있다. 루저는 요시토모 나라, 무라카미 다카시, 일러스트레이터 윌리엄 조이스 등을 동시대인으로 꼽는다.^[4]

루저스는 저브라우저 아트 레이블의 대안으로 퍼베이시브 아트라는 용어를 만들었다.^[5] 루수는 자신과 다른 사람들의 작품에서 예술 제작의 보다 가시적인 방법으로의 광범위한 변화를 설명하기 위해 실제로 이 용어를 사용한다. 그는 자신의 목표가 "미술과 상업 예술 사이의 선을 긋는 것"^[6]이라고 말했다. 루저에 따르면, 퍼베이시브 아트는 어떤 매체든 취할 수 있으며, "갤러리 세계든, 편집 세계든, 아트 장난감 세계든, 하나의 세계에 한정될 필요는 없다."^[7]

오늘날, 루저스가 퍼베이시브라고 할 수 있는 예술가들은 인지할 수 있는 "팝" 감각을 지닌 더 큰 운동의 일부분이지만, 반드시 공유된 예술적 사명은 아니다. 그러나, 이러한 예술가들이 어디에서 보여지고 어떤 방식으로 대중의 관심을 받느냐에 따라, 모든 만연하는 예술가들이 어떤 식으로든 높은 예술과 낮은 예술의 경계를 가지고 논다고 말할 수 있다.

예술적 동료들, 비평가들, 그리고 루저 추종자들 사이에서 퍼베이시브 아트는 최근까지 앨범 아트, 만화책, 만화, 그래피티, 그리고 특별 갤러리의 매개로 제한되었던 미학을 언급하였다. 이제, 퍼베이시브 아트는 패션 디자인, 광고, 그래픽 디자인에서부터 장난감 디자인, 영화, 음악 협력자, 뮤직 비디오에 이르기까지 여러 매체와 산업 전반에 걸쳐 크게 실현되고 있다. 뱅크시와 같은 컬트적인 스트리트 아티스트, 게리 팬터 같은 신파 만화 일러스트레이터, 일본의 팝 아티스트, 포스트 펑크와 힙합 아티스트, 셰퍼드 페어리 같은 그래픽 아티스트들은 모두 현대 문화에서 사실상 어디서나 볼 수 있는 매우 눈에 띄는 미학에 기여한다.

루저 자신은 상업적으로 일하고 있으며 독립적인 미술가로 남아 있다는 점에서 만연된 예술을 보여주고 있다.^[8] 그는 대중시장에 팔리는 제품을 만드는 동안 박물관과 미술관에서도 전시하며 수집가들에게 오리지널 미술품을 판매한다. 루저는 회화, 인쇄, 조각, 드로잉, 콜라주 등의 전통 예술 관행을 채용하고 있다. 루저에게 있어서, 퍼베이시브 아티스트가 되는 것은 미디어가 고용된 것에 상관없이 특정한 메시지와 미적 감각을 유지하는 것을 의미한다.^[9]

경력

삽화

톰 테이콜즈가 2013년 인터뷰에서 지적했듯이,

"UCLA 졸업 후, 루저스는 상업적인 미술 경력을 추구하면서 "옆에" 예술을 계속 제작했다. 그는 광고 대행사에서 짧은 시간 동안 일을 했지만, 그것은 그의 말에 별로 맞지 않아 상업적인 일러스트레이터로서의 일을 추구하기 시작했다. 아메리칸 드림을 실현하기 위해 그리고 부모님의 초기 반대에도 불구하고 루저스는 1986년 뉴욕으로 이적했다.^[10]

"광고, 출판, 미술계는 모두 뉴욕에 있었다. 모든 주요 예술가는 뉴욕에 있었고, 만약 당신이 L.A.에 산다면 당신은 수준 이하의 지역 예술가였습니다. 당신은 거기에 가야만 했다"고 루저스는 말했다.^[11]

1986년부터 1996년까지 루저스는 뉴욕에서 일러스트레이터로 일했다. 그는 이 기간 동안 독특한 시각적 감각과 날카롭고 재치 있는 메시지를 만들어내는 능력을 갖춘 주문형 아티스트로 자리매김했다. 그는 American Illustration, Art Directors Club and Communication Arts로부터 여러 개의 상을 받았다. Louser는 그의 일러스트 작업과 그의 일반적인 과정을 메시지 제작이라고 말한다. 루저스의 그림은 <뉴요커>, <아틀란틱 월간지>, <타임>, <롤링스톤>, <뉴욕 타임스>, <로스앤젤레스 타임스>에 실렸다. 그는 AT&T, 게토레이, 나이키, 그리고 메르세데스-벤츠와 같은 주요 독립 및 기업 고객을 보유하고 있다. 루저는 가장 잘 팔리는 보드 게임 크랜리움의 시각적 아이덴티티를 만들었다. 뉴욕에서 10년을 보낸 후, 루수는 예술과 오락의 기회를 탐색하기 위해 로스앤젤레스로 돌아왔다.

미술

1990년대 말까지, 루수는 자신의 창의성이 삽화의 세계를 넘어 확장될 수 있다는 것을 깨달았다. 다른 예술 분야를 배우고 탐구하려는 그의 열망은 그가 다음과 같이 설명하면서 대사를 흐릿하게 하고 관객들을 확대시키는 폭발적인 창작 기간을 초래할 것이다.

"나는 여러 가지 일에 대한 갈망이 있었다. 나는 나의 유산을 보고 '내가 무엇을 남기고 가는가'를 생각하기 시작했다. 나는 그 편집 작업이 마음에 들었지만, 충분히 부유해 보이지는 않았다. 나만의 작업체를 만들어 세상에 내놓는 것이 두려웠다. 항상 실패에 대한 두려움이나 사람들이 관심을 갖지 않을 것이라는 두려움에서 비롯된다. 하지만 나는 그것이 나를 멈추게 하지 않았다. 편집 작업을 하는 동안에도 과제가 있다고 해도 내 자신의 물건으로 실험하고 미친 듯이 그림을 그리는 것을 멈출 수는 없었지만, 그래도 언제나 내 직업적인 마감일을 확실하게 맞추었다. 동시에, 나도 TV를 하고 싶었다; 나는 결국 결코 만들어지지 않은 니켈로디언을 위해 두 명의 파일럿을 만들었다. 장난감 세계에서 몸집이 커지고 전시회에 참가하는 등 다양한 방식으로 확장하고 있었다. 당시는 점차 편집 업무를 포기하고 있었기 때문에 더 쉬운 전환이었다고 말했다.^[12]

1999년, Loussu는 로스앤젤레스의 Mendenhall 갤러리에서 "Dumb Luck and Other Prints About Control Lisk"를 전시했다. 이 전시회는 그의 예술가 친구들인 마크 라이든, 클레이튼 브라더스, 에릭 화이트와 같은 많은 사람들이 비슷한 움직임을 보이던 시기에 루저스가 일러스트레이션에서 미술로 전환하도록 만들었다.

이후 루저스는 미국, 브라질, 캐나다, 중국, 프랑스, 독일, 홍콩, 이스라엘, 이탈리아, 멕시코, 뉴질랜드, 필리핀, 러시아, 스페인, 대만, 태국, 영국 전역의 박물관과 갤러리에서 전시되었다. 루저스의 작품은 라구나 미술관, 로스앤젤레스 카운티 미술관, 워싱턴 D.C.의 국립 초상화 갤러리, 로마의 현대 미술관의 상설 소장품들에 소개되어 있다. 루저에게는 그의 첫 번째 주요 미술관 회고전인 "가리 루저: The Door is Always Open"은 2013년 캘리포니아 주 로스앤젤레스에 있는 스키볼 문화 센터에서 열렸다. 이번 전시회는 300여 점의 미술품(그림, 사진, 장난감, 스케치북, 영상 등)을 소파나 식당 테이블에 초대해 둘러보고 참여하고 방문하는 체험형 가정환경으로 선보였다. The Door is Always Open은 이후 대만 MOCA 타이페이(2014년 여름)와 상하이 K11 미술관(2015년 겨울)을 여행했다.

토비

토비는 루저에서 가장 인지도가 높은 캐릭터 중 하나로 무조건 사랑하는 모험적인 고양이다. 루저의 어릴 적 친구 중 한 명의 이름을 딴 토비는 당신의 가장 친한 친구고 당신의 비밀을 지키는 사람이다.

2005년 토비는 캘리포니아 컬버시티의 빌리 샤이어 미술관에서 열린 '토비의 사랑을 위하여' 전시회에 그림, 그림, 플러시 완구 등에 처음 등장해 토비의 공식적인 시작을 캐릭터 개발과 장난감 문화, 미술의 가교로 표시했다. 대중문화와 생활양식이 예술에 큰 영향을 미친 결정적인 순간에 데뷔한 토비는 21세기 예술의 중요한 측면을 대표한다. 즉, 도처에 있는 예술, 여러 매체와 플랫폼에서 말이다.

2015년 여름, 루저스는 토비의 10주년을 기념하여 미술과 장난감 문화의 선을 흐리게 했다. 홍콩 타임스퀘어에서 열린 해피 토비 투 유(HAPPY Toby TO YOU!)에서는 제1회 토비 미술 전시회의 작품, 토비의 모험적인 세계 여행의 사진과 영상, 토비를 비롯한 루저 캐릭터들의 생일파티 조각 설치 등을 선보였다. 이 전시회는 루저에 의해 개념화되고 뉴욕 소재 디자인 회사인 칼슨윌커의 Hjalti Karlsson이 공동 디자인한 또 다른 체험적 환경에 수용되었다.^[13]

패션과 장난감

루저스는 그의 캐릭터들 중 많은 부분을 장난감, 조각상, 옷, 핸드백, 그리고 다른 액세서리들로 번역했다. 대표적인 캐릭터로는 토비, 하치차차차, '후광을 훔치는 작은 악마', '미움과 공포를 발산하고, 배꼽에서 크리미 구이 러브가 흘러나온다'^[14]는 츄우초우 등이 있다.

장난감, 피규어, 한정판 프로젝트를 위해, Louser는 Critterbox, Toy2R, Kidrobot, Featty in Plastic, The Principle Tubjects, 3DRetro와 협력했다. 패션 콜라보레이션으로는 스와치, 홉스 & 켄트, 하비즈, 포케토, 프라우 블라우 등이 있다.

2015년, Louser는 Louser x COCH 2015 Spring Collection을 위해 Coach's Creative Director인 Stuart Vevers와 협력했다. 이 컬렉션은 루저 캐릭터(버스터 르 포브, 에마뉘엘 헤어 레이, 키키, 버디 보이, 부치)의 오리지널 시리즈를 소개하며 뉴욕시의 태도를 포착하고 코치 걸을 염두에 두고 발전했다.^[15] 2015년 여름, 코치는 핸드백, 의복, 그리고 루저로 재구성한 동물 프린트가 돋보이는 '루수 x 코치 와일드 비스트' 컬렉션을 출시했다.

텔레비전

1998년, Loussuer는 학교에 가고 싶어하기 때문에 소년으로 옷을 입는 개에 관한 이야기인 디즈니 애니메이션 시리즈 "Teacher's Pet"를 만들었다. Louser는 Spot이라는 캐릭터가 당시 그의 개 Hubcaps를 기반으로 했다고 주장한다. 이 시리즈는 2000~2002년 ABC에서 방영되었으며, 2004년 동명의 장편 영화가 나왔다.^[16]

이 만화에는 네이선 레인, 데브라 조 럽, 제리 스틸러, 데이비드 오그든 스타이어스, 매 휘트먼, 월리스 숀의 목소리 재능들이 포함되어 있었다. 이 영화에는 켈시 그래머, 폴 루벤스, 에스텔 해리스가 출연했다.^[17]

Louser는 2003년에 애니메이션 에미 제작 디자인 부문 우수상을 수상하였다. 이 쇼는 또한 두 개의 에미상을 수상했다. 우수 스페셜 클래스 애니메이션 프로그램 2001 및 2002; 애니메이션 프로그램의 우수 연기자: 2001년에는 Nathan Lane, 2001년에는 BAFTA Emmy for Best International Children's Program이었다.

루저 또한 니켈로디언 텔레비전 시리즈인 카블람의 애니메이션 줄임말 작업을 했다. 이 단편은 햄스터와 카멜레온 둘 다 루이라는 이름의 모험을 따라 루이&루이 쇼라고 불렸다. 루저는 몽타주를 애니메이션으로 만들었고, 톰 맥그래스가 감독을 맡았다. 그 단편은 한 번밖에 방영되지 않았다.

퍼포먼스

루저스는 2009년 문화를 융합하고 현실의 선을 흐림으로써 존재의 달콤함을 축하하는 신화적인 명절 축제인 '라 노슈 데 라 퓨전'으로 자신의 작품에 퍼포먼스 아트를 더했다. 2009년 컬버시티의 코리 헬포드 갤러리에서 상영된 이 행사는 토비, 츄우쵸우, 하치차차, 스켈레톤 걸, 히키 배트 걸, 버블 걸, 버터플라이 걸 등 루저 캐릭터들의 게임, 라이브 음악, 댄서, 라이브 모델들이 선보였다.^[18]

2010년 6월, Louser는 LA 카운티 미술관에서 "Giggle and Pop!"을 선보였다. 라이브 액션은 La Brea Tar Pits에서 Louse's WildGirls 복장을 한 연주자들과 함께 ChouchChouse가 연기했는데, 이 공연으로 "Tar Pit Girls"로 이름이 바뀌었다. 등장인물들은 사라 엘가트가 안무를 맡고 관객들은 싱어송라이터 캐리나 라운드와 함께 이 행사를 위해 자신이 작곡한 곡을 공연했다.^[19]

2013년 7월, 엘가트의 안무와 스윈다 레이첼트의 의상, 스콧 해크위드의 LA와 아이슬란드 카세트 레코딩 컬렉티브의 음악으로 만들어진 화려한 예술 공연인 '비밀과 진실'에서 토비의 시크릿 소사이어티가 살아났다. 스키볼 문화원에서 열린 '루수의 문은 언제나 열려 있다' 전시회와 연계해 만들어진 이번 공연에서는 베리타스, 꿈의 여신, 비밀의 공주, 신성한 마기, 와일드걸스가 '비밀과 진실'을 공개하는 특별한 의식을 치렀다.^[20]

2015년 2월, 루저 x 코치 2015 스프링 컬렉션을 기념하는 런던 서펜타인 갤러리에 현장별 설치 및 공연 공간인 '카멜리아스의 비밀 순서'를 만들었다. 비밀을 지키고 충성심과 우정을 상징하는 야수 캐릭터를 선보이며, 손님들은 버스터 르 파우브 신사에서 가장 깊은 어두운 꿈을 선사하며 비밀의 질서에 들어가는 특별한 통과의례에 참여했다. 삶에 대한 놀라움과 열정을 고무시킨, 루저는 그들의 두려움과 욕망에 직면하는 모험적인 소수를 시작했다.^[21]

필름

2014년 7월, 루저와 감독 데이비드 찰스는 '신화적 창조물'이라는 다큐멘터리 특집인 루저의 개인적인 의미 있는 창작 프로젝트 중 하나를 후원하기 위해 킥스타터 캠페인을 시작했다.^[22]

이 프로젝트는 2012년 루저스가 풀브라이트 펠로우십을 통해 처음으로 동유럽을 여행하면서 시작되었는데, 60년 넘게 가족 단 한 명도 방문하지 않았던 부모의 고향을 우회했다. 신화 속의 창조물들은 제2차 세계대전 중 루저 부모의 어두운 경험을 통해 홀로코스트의 이야기들을 완전히 새로운 세대와 연결시키는 것을 목표로 하고 있다. 이 영화는 라이브 액션 다큐멘터리 요소와 함께 광범위한 애니메이션 시퀀스, 그리고 다른 스토리텔링 기법이 결합되어 있다. 루저스는 "이것은 정말로 내가 들은 신화의 모든 다른 이야기들을 가져다가 내 등장인물들과 섞어서 내 진리를 찾으려고 노력하는 것"이라고 말한다. "우리는 솔직한 역사적 방법으로 하는 것이 아니다. 정말 내 정신의 탐구야."^[23]

신화 속의 생명체들은 선댄스 연구소의 뉴프런티어 스토리 랩과 로스앤젤레스에 있는 홀로코스트 박물관의 지원을 받는다.^[24]

선정된 개인전

• 상상 속의 친구들, 타우랑가 미술관, 뉴질랜드 푸르 룸, 2019년

• 2018년 영국 런던, 기타 미술 박람회 푸르 룸

• The Purr Room, The Other Art Fair Los Angeles, Santa Monica, CA, 2018년

• 해피 토비 투 유! 홍콩, 홍콩, 중국, 2015년

• The Door is Always Open, Shanghai Chi K11 미술관, 2014년 중국 상하이

• The Door is Always Open, Taipei, Taipei, 2014년 현대미술관

• 2013년 미국 캘리포니아 주 베니스 슐라밋 갤러리 신화 속의 고향

• The Door is Always Open, Skirball Cultural Center, Los Angeles, CA, 2013

• 악랄함, 안토니오 콜롬보 아르테 동시대나, 이탈리아 밀라노, 2012년

• 뉴욕, 뉴욕, 조나단 르바인 갤러리의 벽을 거닐며, 2011년

• Culver City, Corey Helford Gallery, CA, 2009년 노체 데 라 푸시온

• 2009년 이스라엘의 Tel Aviv, Urbanix의 케이크 희생

• 지식은 2008년 스페인 바르셀로나 이구아팝 갤러리 가스 릴리즈에서 나온다.

• Chuchou, Billy Shire Fine Arts, Los Angele, CA, 2007, Chuchou의 숲에서 숨어서 찾다

• I Melt in your Presence, Modernism, San Francisco, CA, 2007

• 2006년 스페인 바르셀로나 메르카도 갤러리 베니슨

• 욕망의 표현, 2006년 미니애폴리스 OX-OP 갤러리

• 2005년 버지니아 샬러츠빌의 2번가 갤러리 토비의 취침 시간

• A Moment About, Everything About, Pasadena Museum of California Art, Pasadena, CA, 2005.

• 뉴욕, 뉴욕, 조나단 르바인 갤러리, 2005년 자연스런 기쁨의 정원

• Toby의 사랑을 위하여, 2005년 로스앤젤레스, CA, Billy Shire Fine Arts

• 뉴욕, 뉴욕, 맥그래스 갤러리 백작 맥그래스 갤러리, 2004년 이룰 수 없는 아름다움에 대한 해피 바보와 다른 그림들

• 2003년 미니애폴리스 OX-OP 갤러리의 열린 상처 및 취약성에 대한 기타 그림

• 나는 당신의 피냐타와 사랑과 희생에 관한 다른 그림들, La Luz de Jesus, Los Angeles, 2002.

• 통제력 부족에 대한 Dumb Luck and Other Prints About Control States, Mendenhall Gallery, Los Angeles, CA, 1999년

참고 문헌 목록

2015

문은 항상 열려 있다(상하이치 K11 미술관 카탈로그)

문은 항상 열려 있다(MOCA 타이페이 카탈로그)

2014

픽토플라즈마 문자 초상화

일러스트레이터 100명

2013

게리 루저: 문은 항상 열려 있다

모노루수

2011

La Luz de Jesus 25: 할 수 있는 작은 갤러리

히어로즈 & 악당

망상: 조나단 르바인 갤러리의 이야기

3D 아트북

2010

그래픽: 세계 위대한 그래픽 디자이너의 스케치북 내부

나도 플라스틱: 차세대 장난감

토이 디자인

2009

픽토피아 준비

스케치북

2008

드레싱 오브 갈증

화가 난 젊은 현대 미술

지식은 가스 방출과 함께 제공됨

2007

베니슨에 대한 나의 갈증

2006

도트 점 대시

일러스트 지금!

풀비닐: 디자이너 완구의 파괴적 예술

2005

강력한 기능: 헤라클레스와 그의 노동자들

지금 일러스트레이션!

2004

덤 럭

참조

외부 링크

• 공식 웹사이트
• IMDb의 게리 루저