AA 라 푸페

À la poupée
루이-레오폴드 보일리(Louis-Léopold Boomly), L'Optique(광학 뷰어), c. 1793 식각 및 세척 방식, 잉크 처리된 검은색, 갈색, 녹색의 푸페에 추가적인 손 색상을 입혔다.혁명가 조르주 단톤과 그의 16살 된 계모의 아들이다.[1]

AHA la pupée는 볼 모양의 천을 사용하여 한 장의 인쇄판에 다른 잉크 색상을 입혀 컬러 프린트를 만드는 기법으로, 색상에 따라 한 장씩 제작하는 것이 매우 역사적인 인타글리오 인쇄 기술이다.그 종이는 단지 한 번 인쇄된 후에 잉크를 조심스럽게 다시 칠해야 한다.각각의 인상은 보통 최소한 약간씩 그리고 때로는 매우 현저하게 달라질 것이다.[2]

훨씬 더 일찍 발명되었지만, 이 기술은 17세기 후반부터 19세기 초까지 보편화되었다.그것은 항상 수채화와 브러시를 대체하는 것이었고, 종종 수채화와 브러시를 결합하는 것이었다.[3]풍경화 속의 하늘과 같은 넓은 지역들은 손으로 색칠한 좀 더 디테일한 부분들로 만들어질 수 있다.[4]다양한 인타글리오 인쇄 기법과 함께 사용되었으나, "밝고 깔끔한 느낌을 준다"[5]는 스티플 판화가 가장 효과적인 경향이 있었다.

"아 라 푸페"라는 용어는 프랑스어로 "인형과 함께"라는 뜻이며, "도롱"은 공 모양의 헝겊 뭉치다.[6]이 용어는 1900년경 이후에야 사용되었고, 다양한 현대 용어들이 다른 언어로 사용되고 있다.사실 기술적인 설명은 잉크에 적어도 "돌기"만큼 "스텀프 브러쉬"를 적용했다는 것을 분명히 한다.[7]영어로 '돌리 방법'이라고 할 수도 있다.[8]

테크닉

Amor와 Psyche의 세부 사항, Simon Vuet의 뒤를 이어 잉크로 잉크를 새기고 추가 수채화(살색, 겉옷의 분홍색, 아모르의 노란 머리), 테일러 워크샵, 1688–98.[9]

인타글리오 기법(판화, 식각, 메조틴트, 아쿠아틴트 등)의 단색 인쇄와 마찬가지로, 잉크를 판(보통 구리)에 뿌린 다음 표면을 닦아, 판의 주요 수준 이하의 라인이나 다른 부분에만 잉크를 남겼다.이것은 훨씬 더 어려웠고, 다른 색의 잉크가 다른 영역에 적용되었을 때, 우리가 오늘날 우리가 스퀴지라고 부르는 것으로 접시 전체에 한 가지 색상을 퍼뜨리기 보다는, 사실상 도장 과정을 필요로 하는 것이 훨씬 더 어려웠다.'표면톤'을 원했던 곳에서는 판의 얼굴에서 잉크가 모두 지워지지는 않았다.고압압박은 약간 축축한 종이를 이들 틈새로 밀어 잉크를 모아 이미지를 인쇄했다.다음 인상에 대비하기 위해 접시를 깨끗이 닦고 전 과정을 반복했다.아마도 프린터는 보통 수채화 모델에서 작동했을 것이다.[10]

유명한 예술가로서 이례적으로 메리 카사트는 1891년 자신의 유명한 그룹의 잉크를 직접 맡았고 전문 프린터의 도움을 받아 10장의 인쇄물 25인상을 인쇄하는 것을 발견했다. "훌륭한 작품...때로는 하루 종일(8시간) 일을 할 수 있는 만큼 열심히 했고 하루에도 교정쇄를 여덟 장, 열 장만 찍어냈다.[11]

이 기술은 다소 다양했다; 19세기 파리 관습에 근거한 한 계정은 살 부분을 제외한 모든 곳에 상당히 가벼운 "갈색 또는 회색"이 먼저 적용되어 "그림에 지배적인" 가벼운 톤을 주었다고 말했다.[12]그러나 대표적인 초기 개업자인 요하네스 테일러는 이렇게 하지 않고 순전히 다른 색깔의 선형 판을 박았다. 안토니우스 그리피스에 따르면, 그 결과는 "매우 이상하게 보인다"[13]고 한다.후기 인쇄업자들은 일반적으로 스티플 판화, 메조틴트, 아쿠아틴트와 같은 단순한 선보다는 톤을 주는 기법으로 ape 잉킹을 사용했다.일반적으로 이것을 위장하기 위해 닳아 없어지기 시작한 메조틴트 판과 함께 사용되었는데(그들이 오히려 빨리 했듯이) 일부 증빙 인상에 사용되기 때문에 항상 그렇지는 않다.[14]

역사

엘리사 커칼, 히어로 스톰 풍경, 메조틴트와 식각은 1724년 얀 반 후이섬의 뒤를 이어 두 가지 색상으로 인쇄되었다.

이 기법의 가장 먼저 알려진 예는 1525년경 아고스티노 베네치아노의 종교 판화에 대한 인상인데, 그곳에서는 성모 마리아와 차일드가 붉은색으로 인쇄되어 있고, 주변 성자와 배경은 파란색으로 인쇄되어 있다.이것은 언제 인쇄되었는지 확실하지 않다.그 기술의 다른 초기 사용들은 수십 년이 지난 후에, 달리 흑백으로 삽화가 된 책들의 제목 페이지에 색을 칠하는 것이다.이것을 사용한 가장 초기 타이틀 페이지는 웬델 디테틀린의 건축가로서 1593년부터 1598년까지 다양한 뉘른베르크 판을 가지고 있었다; 이것은 건축 장식에 대한 매우 강조되고 영향력 있는 책이었다.[15]

약 1세기 후에 이 기술에 관심을 갖게 된 것은 네덜란드의 예술가(다양한 다른 직업들 중) 요하네스 테일러 덕분이었는데, 그는 1688년에 이 기술에 대한 특허를 받고 이 기술에 대한 판화를 제작하기 위해 네덜란드 워크숍에 자금을 조달했다.[16]이것은 그리 오래 지속되지는 않았다; 약 10년 동안, 워크숍은 최대 8가지 색상을 사용하여 800개 이상의 다른 인쇄물을 생산했다.이것들은 대부분 그날의 모든 종류의 장식적인 주제들이었지만, 네덜란드어나 이탈리아어보다 프랑스어인 노장들의 생식 지문이 더 많이 포함되어 있었다.[17]이 기술은 다른 사람들, 특히 네덜란드와 후에 프랑스에서 곧 채택되었다.1695년경부터, 많은 암스테르담 출판사들이 이 기술에 인쇄물을 내기 시작했다.[18]

이 기술의 첫 번째 출판된 설명은 프랑스 화가 아브라함 보세의 식각 매뉴얼 제3판 1745년에 나온 것으로, 한 세기 전에 처음 출판된 드라 마니에르 드 그레이터다.[19]

18세기 후반에 이 기술은 단색화로 발행된 보다 정교한 인쇄물에 색칠을 하기 위해 사용되기 시작했으며,[20] 색감 인상은 훨씬 더 비싸고 아마도 골격을 위해 의도된 것일 것이다.[21]일부 인쇄물의 서로 다른 인상들에 걸쳐 상당히 다른 색상 체계는 때때로 특정한 주문에 대해 색상이 있는 버전을 개별적으로 당겼음을 시사한다.[22]영국에서는 1720년대 메조틴트의 초기 사용자 엘리샤 커칼이 있었고, 세기의 후반에 지도와 다른 주제를 새긴 로버트 로리는 사용된 색상의 수를 늘려서 그 기술을 다시 유행시키는 데 도움을 주었다.[23]세기말 무렵 이탈리아인 프란체스코 바르톨로찌와 그의 추종자들은 그것을 많이 이용했고, 프랑스에서는 그의 레스로즈(1817–24)와 같은 식물 일러스트레이터 피에르-조셉 레두테의 삽화로 절정을 이루면서 고급 과학 서적에 대한 삽화로 사용되었다.[24]레두테는 그의 수채화로 작업하는 많은 예술가들에게 인킹 라 푸페와 함께 프린트하고 필요한 경우 수채화 세부사항들을 수채화하도록 했다.[25]

19세기 중반에 다른 값싼 컬러 프린팅 방법이 개발되었듯이, 아 라 푸페의 사용은 감소하였다.그러나 세기 말에 메리 카사트의 10개의 판화 세트는 도색된 모형을 따르는 인쇄소 일꾼보다는 중요한 예술가가 그 기법을 개별적으로 응용한 초기 사례였다.그녀는 드라이포인트, 에칭, 아쿠아틴트를 사용했고, 색상을 바랐다.지문은 일본의 목판화, 특히 복잡한 여러 블록을 사용하여 만든 우타마루 판화의 영향을 받았다.[26]피터 일스테드도 이 기술을 사용했는데, 주로 메조틴트를 사용했다.[27]프랑스 인쇄업자 마누엘 로베가 아쿠아틴트와 함께 [28]사용했답니다여러 후기 예술가들은 때때로 이 기술을 사용해 왔다.

메모들

  1. ^ Rijksmuseum의 인상
  2. ^ 가스코인, 26a, 그리피스, 117
  3. ^ 가스코인, 26a, 그리피스, 117
  4. ^ 가스코인, 26a
  5. ^ 가스코인, 26a
  6. ^ "Colorful impressions: Techniques". National Gallery of Art. Archived from the original on February 21, 2015. Retrieved March 25, 2015.
  7. ^ 스틴만과 새비지, 46-47
  8. ^ 포틀랜드 미술관, 용어집
  9. ^ 전체 인쇄물.프시케의 머리에는 옅은 검정색이나 회색빛 세탁물도 보인다.
  10. ^ 램버트(88세), 97세 그리피스(31~34세), "정상적" 인타글리오 인쇄
  11. ^ 이브스, 45-46
  12. ^ 램버트, 88세 (추정), 97세
  13. ^ 그리피스119번길
  14. ^ 그리피스, 119, 램버트, 102
  15. ^ 스틴만과 새비지, 43세
  16. ^ 스틴만과 새비지, 43세
  17. ^ 요하네스 테일러, 인하, 파리
  18. ^ 스틴만과 새비지, 45-46
  19. ^ 스틴만과 새비지, 43세
  20. ^ Lambert, 101세, 그녀의 82A와 B는 같은 프린트의 모노콤과 컬러인상을 보여준다.
  21. ^ 그리피스로118번길
  22. ^ 램버트로102번길
  23. ^ 그리피스로118번길
  24. ^ 그로브로557번길
  25. ^ Grove; "Redoute, Les Roses, Anticy Prints, Paris, 1817–24", George Glazer Gallery
  26. ^ 이브스, 45-54
  27. ^ 국립 서양 미술관, 1917년 리젤룬드 식당
  28. ^ 갤러리 막시밀리언 "마누엘 로베"

참조

  • 가스코인, 뱀버인쇄물 식별 방법: 목판화에서 잉크젯, 1986년(2차판, 2004년), 템즈 앤 허드슨, ISBN 050023454X에 이르는 수동 및 기계적 프로세스에 대한 전체 가이드.페이지 번호 대신 섹션 번호를 사용한다.
  • 그리피스, 안토니우스, 인쇄 및 인쇄, 영국 박물관 출판부(영국), 제2부, 1996 ISBN 071412608X
  • "Grove" , The Grove Classic of Materials and Technologies in Art, Ed.제럴드 W. R. 워드, 2008, 옥스퍼드 대학 출판부, ISBN 0195313917, 9780195313918, 구글 북스
  • Ives, Colta Feller, The Great Wave: 일본 목재가 프랑스 판화에 미친 영향, 1974년 메트로폴리탄 미술관 ISBN 0-87099-098-5
  • 램버트, 수잔, 이미지 곱하기; 5세기 동안 인쇄된 그림과 그림 복제품, 1987, 런던 트레포일 출판사, ISBN 0862940966
  • Stijnman, Ad, Savage, Elizabeth, 인쇄 색상 1400–1700: 역사, 기술, 기능 및 수용, 2015 BRILL, ISBN 9004290117, 9789004290112, 구글북