에드가 브란트

Edgar Brandt
1925년 에드거 브란트, 예술가-블랙스미스, 그의 제도 테이블에서

에드가 윌리엄 브란트(Edgar William Brandt, 1880년 12월 24일 ~ 1960년 5월 8일)는 프랑스의 철공이자 다작 무기 디자이너였다. 1901년 그는 파리에서 열린 제16회 아르론디션에서 76루 미켈-앙지에 작은 작업장을 차려놓고 그곳에서 보석, 십자가, 브로치와 같은 작은 물건들을 디자인하고 은색화하며 위조하기 시작했다. 브뤼셀 주재 프랑스 대사관의 문, 루브르 박물관의 에스컬레이터 몰리엔 계단, 낸시 대극장의 계단 및 발코니 난간 등의 특별 수수료로 그의 사업이 도약하기 시작했다.

1914년 제1차 세계대전이 시작될 때 브랜트는 징집되었다. 참호전에서 박격포의 필요성을 관찰하면서, 그는 60mm, 81mm, 120mm 버전을 설계했는데, 이 버전은 2차 세계 대전 이후 내내 매우 널리 복제되었다. 그는 또한 폐사봇 포탄을[citation needed] 발명했고 열화탄 수류탄 개발을 통해 보병 대전차용 효과적인 HEAT-warhead 무기 개발에 크게 기여했다.[citation needed]

1923년 101번가 무라트의 브란트 쇼룸

전쟁 이후 브랜트는 디자이너로서 가장 생산적인 생활을 시작했으며, 매년 살롱 도톰에서 작품을 선보이기 시작했다. 1919년 그는 건축가 파비에를 끌어들여 부로 무라트와 루 얼랑거의 모퉁이에 새 건물을 짓는 등 사업을 확장하기로 결심했다. 그 안에서 그는 철기 작품의 물리적 목록을 유지했다. 그는 또한 개념에서부터 생산에 이르는 전문화된 임무를 가진 거의 150명의 직원을 추가했다. [1]

브란트의 경력은 1920년대에 절정에 달하기 시작했다. 파리의 상점들을 위한 세련된 입구와 조명은 그의 생산에서 중요한 부분이었다. 덧붙여 가정에서 라디에이터가 등장하면서, 그는 우아하게 디자인된 커버로 그들의 길을 주목 받았다.[2] 그의 경력의 나머지 기간 동안 그의 작품은 철문과 벽난로 그릴에서부터 식탁까지 그리고 위로까지 확장되었다.

브란트의 작품은 1929년 미국건축가협회가 그를 명예회원으로 만들면서 인정받았다.[3]

브랜드는 이제 국제적으로 더 많이 알려지자 다시 사업을 확장하고 파리 근교 차틸론수스바그누스에 최첨단 공장을 열었는데, 이 공장에서는 3,000명 이상의 노동자들이 자신의 이름으로 장식적인 금속공예와 군비를 모두 조작했다.[4] 그의 회사는 1936년에 국유화되었다. 몇 년 후 제2차 세계대전이 그를 가족과 함께 스위스로 피신하도록 강요했다. 1945년 전쟁이 끝날 무렵 브란트는 프랑스로 돌아왔지만 그의 스튜디오를 다시 열지 않기로 결정했다. 대신 그는 1960년에 죽을 때까지 작은 프로젝트에서 일했다.

오늘날 브랜트사는 가전제품 제조업체인 파고르브란트로 여러 번의 합병을 통해 살아가고 있다.

초년기

브랜트별 펜던트(1903-1906)

에드거 브랜트는 1880년 크리스마스 이브에 프랑스 파리에서 태어났다. 브란트는 벳시 엠마 바스와 찰스 해그 브란트가 낳은 두 아이 중 첫 번째 아이다. 브란트와 그의 남동생 모두 "보호되고 애정이 넘치는 분위기에 빠져들었고, 어머니의 업무 습관과 아버지의 문제 분석과 대면하는 방법 모두에 강한 영향을 받았다"(카흐르, 14세)고 했다. 브란트는 13세의 어린 나이에 파리에서 70마일 정도 떨어진 기술학교인 에콜 국립 전문학교 비에르손의 명문 기숙학교에 합격했다. 강사들이 '숙련 노동자와 산업디자이너, 공장감독자, 선장'을 배출하는 임무를 맡았기 때문에, 그 교육과정은 예술학교와 반대되는 무역학교였다(카흐르, 15). 학교는 철공방과 목공방이라는 두 개의 작업장으로 나뉘었다. 브란트는 철공소 아틀리에에 배치되어 처음으로 전통적인 단조 기술을 배웠다. 브란트는 워크샵에서 뛰어났고 "15살 때, 그는 학교에서 가장 뛰어난 철기공이었다." (카흐르, 18세) 에드가르는 1898년 에콜 내셔널 프로페셔널 드 비어존을 졸업했고 졸업 후 군대에서 2년간 복무했다. 브란트는 군대 의무 후 얼마 지나지 않아 자신의 작고 겸손한 아틀리에를 열었고, 그곳에서 고리, 십자가, 펜던트, 브로치 같은 작은 규모의 아이템을 디자인함으로써 금속공예에 대한 경력을 쌓기 시작했다. 일부 학자들은 "브란트의 정밀도와 정확도로 표시된 작은 조각들이 그를 철로 된 대형 작품들로 서서히 이어지게 하는 디자인-프로세스 공식의 출발점이었다"고 말했다(카흐르, 23).

초기 경력

1907년 Euville 호텔 계단

브란트의 직업 시작 당시에는 아르누보 운동이 절정에 달했고, 아르누보 운동 당시 프랑스 가구 디자이너였던 루이 마조렐레의 작품을 본 후 브란트는 가구 제작 과정에 대한 노력을 시작했다. 당시의 디자인 움직임으로 인해 브란트의 가구 작품들은 목공예와 철공예품을 혼합하여 사용되었는데, 전체 작품은 철, 강철, 청동과 같은 금속으로 장식된 액센트가 있는 나무로 제작되었다. 1903년 브란트는 살롱 데 아티스트스 장식가스에서 작품을 전시하며 미술계에 데뷔했다. 그 후 2년 동안 브랜트의 작품은 장식 예술 비평가들에 의해 더욱 진지하게 검토되고 있었다. 그 결과 브랜트는 더 큰 규모의 프로젝트에서 일하기 위해 커미션을 받기 시작했다. 대규모 작품에서 그의 경력의 시작은 에우빌에 있는 호텔 드 빌의 웅장한 계단에서 시작된다. 더 큰 작품에 대한 취향을 얻은 후, "위조 보석과 작은 조각들로 일찍 성공을 거둔 에드가르는 더 큰 규모의 프로젝트에 투자하고 더 많은 일꾼들을 고용할 수 있게 되었다."(카흐르, 30세) 결국 소규모 작품보다 건축위원회가 우선하기 시작했다.

아르데코 시대

프랑스에서는 양식 온건이라고도 불리는 아트 데코 운동은 1910년경 유럽에서 시작되었지만, 아트 데코가 정점에 도달한 것은 1920년대에 이르러서였다. 이러한 디자인 운동은 현대성의 발흥과 기계로 만들어진 물체 안에서 발견되는 특성들로 특징지어질 수 있다. 그러나 에드가 브란트가 활동을 시작한 프랑스를 구체적으로 살펴보면 아트 데코 시대는 "새로운 것을 창조하기 위한 출발의 지적 지점으로 국가적 과거를 포용함으로써" 특징지어질 수 있다. 다른 곳의 디자이너들은 종종 이전의 미학, 재료, 제조 기법을 거부했지만, 프랑스 디자이너들은 역사를 수용함으로써 혁신을 추구했다."(Goss, 3) 아트 데코는 아르누보 운동에 대한 반발로 만들어졌다. 아르누보 운동 당시 디자이너들의 작품들은 예술적 사케를 창조했다는 비판을 받았다. 그들은 기능, 재료, 기술보다는 미학에 더 관심이 있었다. 게다가, 수공예 기술이 기계 생산으로 대체되기 시작함에 따라, 산업혁명의 상승은 아트 데코 운동에 박차를 가했다. 따라서 "아르누보 사물의 질 낮은 대량 생산은 1900년 이후 이 경이로운 독창적인 스타일의 종말을 재촉했다"(고스, 4) 그 결과 금속 산업은 값싸고 효율적으로 대량 생산되는 주철에 의해 지배되고 있었다. 불행히도, 이것은 또한 기술적으로나 예술적으로 할 수 있는 것에 제한이 있다는 것을 의미했다. 이 때문에 프랑스에서는 장인정신과 디자인에 대한 새로운 관심이 시작되었다. 전쟁이 끝난 후 "설계자들은 국가적 자부심과 프랑스 경제에 대한 중요한 공헌에 대해 프랑스를 명품 무역의 국제 지도자로 재설립해야 한다는 절박감을 느꼈다"(고스, 4)고 했다.

방법

산업혁명이 일어나면서 기계 생산이 수공예술을 대체하고 있었다. 따라서 금속 산업은 주철에 의해 지배되었는데, 이것은 값싸고 효율적으로 대량 생산되었고, 그것은 기술적으로도 예술적으로도 제한되었다는 것을 의미했다. 이를 염두에 두고 브랜트는 일찍부터 아티스트와 제작사가 두 가지 다른 시각에서 활동하고 있다는 것을 깨달았다. 아티스트들의 눈으로 보면 제조사들은 공정이나 기술보다는 판매 대수에 더 관심이 많았다. 따라서 제조업체는 가장 생산하기 쉬운 부품이나 상업적 잠재력이 가장 높은 제품을 선택할 것이다. 한편, 제작자들의 시각에서 예술가는 너무 복잡하고 재현하기 어려운 작품을 만들었다. 결과적으로, 예술과 산업을 조화시켜 잘 실현된 디자인을 만드는 것이 브랜트의 임무였지만, 재생산을 위한 비용은 아니었다. 브란트는 "예술가는 과학이 자기 마음대로 할 수 있는 수단을 활용해야 한다"고 말한 바 있다. 따라서 그는 당시 흔히 사용되던 대량생산을 계속하는 대신 자신의 작업장에서 직렬생산 아이디어를 구현했다. 궁극적으로 이것은 브랜트가 기계를 사용하여 준비와 부품, 조립을 단순화시켰지만, 그 후 들어가서 자신의 손놀림과 손마감을 각 요소에 자신의 개인적인 손놀림을 추가했다는 것을 의미한다.

Shift in Technology

M용 연철 계단 난간철비엔, 1908년

브란트는 기술과 디자인의 변화하는 본질에 항상 익숙했다. 따라서, 금속 업계가 새로운 용접 방법을 도입했을 때, 브랜트가 그 기술을 숙지하고 그것을 그의 작품에 구현했다는 것은 놀라운 일이 아니다. 1903년에 프랑스 기술자들은 옥시아세틸렌 용접 토치를 설계했다. 이 횃불은 제철 노동자들이 두 개의 금속 조각을 빨리 결합할 수 있게 했다. 이 토치는 금속의 작은 부분을 가열할 수 있으며, 금속을 자체 접합 재료로 만들어 충돌이나 리벳팅과 같은 전통적인 접합 방법을 없앨 수 있다. 출시 직후 브랜트는 이 새로운 기술을 숙달할 수 있었고 용접 건의 초기 챔피언 중 한 명이 되었다. 옥시아세틸렌 용접 토치 등 위조 수법을 숙달한 결과 브랜트는 자신만의 개인 스타일을 개발할 수 있었다. 1908년 브란트는 M. Bardedienne을 위해 아르누보 연철 계단 레일을 설계할 때 이 새로운 용접 방법을 시험대에 올려놓았다. 계단 난간에서 브란트는 개별 조각들을 만들었고, 이 조각들은 모두 함께 용접되어 전체적인 구성을 만들었다. 브란트의 많은 동료들은 이 새로운 기술에 대한 생각에 반대했다; 그들은 "고대적인 방법을 사용하는 한 명의 장인이 한 가지 가치 있는 철기 작업을 하는 것"이라고 느꼈다. 그러나 이 새로운 기법은 브란트의 많은 디자인들이 이 새로운 용접법이 아니라면 제작될 수 없다는 사실 때문에 큰 성공을 거둘 수 있었다.

개인 스타일

봄베 모양의 불막, 1921년 '감자 껍질' 꽃
연철 라디에이터 커버, "감자 껍질" 꽃, 1921년

20세기 초, 디자인 스타일은 아르 누보에서 아트 데코로 바뀌기 시작했다. 아르누보 운동은 꽃과 식물의 영향을 많이 받았다. 브랜트는 어릴 때부터 자신이 사랑하고 존중하는 자연(아마추어 정원사였던 브란트의 아버지의 결과일 것이다)에 관심을 갖고 있었다. 추상화가 장식예술의 세계로 진출하기 시작하면서 브란트는 "자연에 기초한 양식화된 전통화된 디자인의 레퍼토리"(Kahr, 84)를 개발함으로써 자연에 대한 사랑을 유지할 수 있었다. 1921년 브란트는 다소 추상적인 버전의 양배추 장미를 만들어냄으로써 자신만의 개인 스타일을 개발하기 시작했다. 철의 성질이 한정되어 있는 결과, 그림과 그림이 화가를 주는 것과 같은 방식으로 취급할 수 없었다. 철은 완벽한 모양이나 불규칙한 나선형으로 만들어질 수 있다. 그 결과 브랜트는 웨이브 라인을 하나의 나선운동으로 사용하는 '감자 껍질' 꽃을 개발했다. 차례로 물결치는 선들은 꽃의 시각적 긴장을 발산한다. 브란트는 남은 생애 동안 내내 '감자 껍질' 기법을 계속 사용했지만 1920년대에 뚜렷하고 역동적인 개인 스타일을 개발하면서 경력이 절정에 달하기 시작했다. 자연에 대한 사랑을 그대로 간직하고 있는 브란트의 개인적인 스타일은 "풍요하고 정교하게 디테일한 꽃과 식물 모티브가 풍부한 밀도로 특징지어질 수 있으며, 때로는 동물이나 인간의 형상과 금도금 영역으로 상쇄되기도 한다"(고스, 36)고 할 수 있다. 브란트의 개인적인 스타일에 대한 예는 라에이지도어, 라 페르세우스, 포티체 등 수많은 다른 것에서도 볼 수 있다.

  • 라 페르세우스, 그릴, 1923년

  • 플라워 모티브

  • 플라워 모티브

다음 및 Favier Collaboration

라 텐션, 서펜트 토슈레, 1920-1926
코브라, 테이블 램프, 1925년

브란트의 에스컬리어 몰리엔 커미션의 결과, 홍보와 장식예술계 중 브란트의 영향력이 커졌다. 그는 차례로 존재감을 넓히기 시작했고 건축가, 다음 프레레스 유리공장과 대리석 및 석고판 공급업자들과 협업하기 시작했다. 브란트는 다음에서 특히 램프와 샹들리에를 디자인할 때 많은 작업을 했다. 다음과 함께 특별히 설계된 브랜트 램프 두 개는 라 텐션과 코브라 램프다. 두 램프 모두 뱀이 베이스에서 솟아올라 알라바스터 다음 유리 그늘을 덮고 있는 모습을 묘사하고 있다. 파비에르는 1919년 브란트가 브란트 회사를 수용하기 위한 새로운 빌딩 세트를 만들기 위해 그를 찾았을 때 브란트와 함께 일하기 시작했다. 그 때부터 파비에르는 브랜트의 디자인 스태프들을 이끌고 1927년에 사임할 때까지 일했다. 파비에르는 1925년 박람회에서 브랜트의 작품을 포함하여 브랜트와 함께 많은 작품을 작업했다.

모티브

브란트가 받은 철공 커미션의 역동적인 성격으로 인해 그의 디자인의 주제는 매우 다양했다. 때때로 그의 작품들은 일본, 고대 그리스, 르네상스, 이집트, 아프리카 그리고 현대의 기하학적 형태와 같은 다른 문화에 대한 언급들을 포함하고 있었다. 브란트의 교육은 물론 당시의 대중문화적 언급도 그의 작품에 영향을 미쳤다.

레 마르그리트, 1922년

브란트는 학교에 다니는 동안 "프랑스인들은 고대 그리스인들처럼 예술에 뛰어나다"는 지시를 받았다. 따라서 브란트의 많은 디자인에서는 이오닉 기둥, 그리스 신과 같은 고대 그리스어 참고문헌과 황금비율 같은 그리스어 원리를 볼 수 있을 것이다. 이것의 예는 1922년식 라디에이터 커버인 레스 마거리츠에서 볼 수 있다. 브란트는 이오닉 기둥 위에 놓인 데이지로 가득 찬 그릇을 그린다. 또한 브랜트는 황금 부분의 원리를 계단 난간 설계뿐만 아니라 다른 물체에도 적용할 것이다. 브란트의 초기 경력에서 그는 "이런 식으로 기하학적으로 비례한 디자인은 눈에 훨씬 더 즐겁고 따라서 영혼에 더 만족감을 준다"고 믿었다(카흐르, 17).

1922년 그릴의 레 시고그네스 달사이스

19세기 말과 20세기 초에는 디자인계 내에서 자포니즘의 영향이 컸다. 1922년 지그프리드 빙은 에콜 데 보-아츠(Meech-Pekarik, 99년)에서 방대한 일본 판화 컬렉션을 선보였다. 그 결과, 일본 문화는 프랑스 사회 전반에 퍼지기 시작했다. 이에 브란트는 일본 모티브를 작품에 구현하기 시작했다. 특히 브란트가 언급한 한 모티브는 일본 새였다. 브란트는 연철 그릴에서 18세기 일본 직물로 대표되는 일본 황새를 모방했다. Kahr에 따르면, 에드가 브란트: 아트 데코 철공예의 달인에서, 판넬은 "세 마리의 금동황새가 두루마리 가득한 태양 앞에서 날고 있는 중심 모티브를 포함하고 있다. 태양 광선은 "감자 껍질 벗기기" 형태의 변형과 섞인다. 구름 위의 망치질, 광선을 쪼아 넣은 절개선은 그릴의 2차원적 품질을 강조한다. 황새의 팔각형 뼈대는 광선과 두루마리에 맞닿아 있어 모양과 색깔이 대조적이다."(카흐르, 93)

출구 문 에밀 자크 루엘만 호텔 달 콜렉션너 1925 엑스포시턴

1922년 11월 4일 이집트 왕가의 계곡에서 투탕카멘 왕의 무덤이 발견되었다. 이 발견으로, 무덤 안에서 발견된 보물들을 묘사하는 사진들이 대중에게 공개되었다. 브란트는 이 발견에 이어 자신의 작품에서 이집트 모티브를 구현하기 시작했는데, 특히 "투탄카멘의 왕좌, 꽃병, 상자, 심지어 신발 버클까지 장식한 연꽃, 백합, 파피루스 양식" (카흐르, 121)이 그것이다. 이러한 모티브가 브란트의 여러 작품에 등장하지만, 이것이 나타나는 한 예는 1925년 박람회에서 에밀-자크 루엘만의 "호텔둔 콜렉션"의 출구 관문이다. 이 패널에서 브랜트는 길쭉한 두루마리로 설정된 작고 큰 형태의 이집트 선풍기를 번갈아 사용한다. 이 패널의 비슷한 버전은 1925년 파리 박람회의 포르테 드호뉴르 중앙문에서 볼 수 있다.

1923년 그리일 라이지도르

1923년 브란트는 조각가 맥스 블론다트와 협력하여 살롱 d'Automnes 장식미술관 입구에 전시된 5개 패널의 홀 대문을 완성할 수 있었다. 패널의 중심에는 블론다트가 디자인한 5개의 인물들이 있다. 이 인물들은 그리스 신화를 참조하는 금동을 사용하여 만들어졌다. 가운데 패널에는 측면 패널에 수성과 금성의 형상이 측면에 있는 세 개의 그래스가 있다. 패널의 인물들과 산드로 보티첼리의 프리마베라 사이의 뚜렷한 유사성으로부터, 두 디자이너가 르네상스의 '황금시대'를 참조하고 있다는 결론이 내려졌다. 또한 각 인물 주변의 팔각형 틀은 르네상스 시대의 참조를 더욱 강조한다. 인물 주위에 배치된 액자는 로마에 있는 빌라 파르네시나의 살라 디 갈라테아에 있는 발다사레 페루찌와 같은 르네상스 천장 프레스코스와 유사할 수 있다. (카흐르, 107). 피겨 주변에는 브란트가 디자인한 기어 모양의 꽃과 가리비 모양의 원이 둘러져 있다. 추상적인 표현주의 꽃으로 상쇄되는 고전적인 인물들의 조합은 고전적인 우상화와 현대적인 예술 데코 미학을 결합한 호소력 있는 이중성을 제공한다. 이 디자인을 사용하면서, "브란트는 자신의 시대의 예술적 재탄생을 과거의 것과 동일시했다." (카흐르, 107)

브란트가 아프리카의 영향력을 이용하기 전에, 아프리카는 거의 20년 동안 파리 예술계의 핵심 매료였다. 파블로 피카소, 앙리 마티스, 안드레 데레인, 모리스 블라민크와 같은 많은 예술가들은 그들의 작품에 영향을 끼치면서 아프리카 토착 미술을 사용했다. 게다가 20세기 초까지 프랑스는 서아프리카에 식민지를 건설하여 아프리카 문화를 파리 주민들의 눈에 띄게 했다. 특히 아프리카의 이국주의를 캡슐화한 한 작품은 1924년 브란트가 디자인한 로아시스다. 이 작품은 큰 크로톤 잎을 사용함으로써 열대적인 분위기를 묘사하고 있다.

1925년 박람회

제1차 세계대전이 끝나면서 서부전선 분쟁의 중심에 서 있던 프랑스는 여러모로 어려움을 겪었다. 따라서 프랑스는 "최근의 괴로운 과거가 아니라 더 밝고 낙관적인 미래를 보는 것"(피에더, 1)을 찾으려고 한다. 결과적으로, 프랑스는 1925년 박람회 국제 예술 장식가 등 산업체 모데인을 주최하기로 결정한다. 이 박람회 이용을 통해 프랑스 정부는 이 박람회가 대중의 사기를 높여주길 바랐다. 파리는 이전에 세계의 디자인 중심지였다. 그녀는 다시 한번 세상에 자신을 증명할 수 있다는 것을 느꼈다."(카흐르, 119). 박람회는 독창성과 새로운 사고방식을 장려하는 엄격한 지침을 가지고 있었다; 이전의 디자인 스타일의 복제품, 모조품 또는 위조품들은 없어야 했다. 결국, 이 전시회는 새로운 국제 스타일인 아트 데코에 자리를 내주었다. 그 박람회는 파리 한복판에 57에이커에 걸쳐 펼쳐졌으며, 프랑스 정자를 위한 토지의 3분의 2가량이 보존되어 있었다. 따라서, 에드가 브란트가 박람회에 자신의 스탠드를 전시했을 뿐만 아니라 다른 공간에서도 수많은 다른 작품들을 전시했다는 것은 놀라운 일이 아니다.

라 포르테 도뇌르, 1925년
1925년 파리 박람회 포르테 혼누르의 중심 가스

관람객들이 박람회 현관으로 걸어가자 곧바로 브란트의 디자인 작품을 맞았다. 브란트는 건축가 앙리 파비에르, 안드레 벤트르와 손잡고 라 포르테 다호뉴르 출입문을 설계하고 만들었다. 기계에 경의를 표하며 주제를 고수하면서 브랜트는 그릴에 있는 물의 분수의 반복적인 패턴을 묘사했다. 또한 수평 차도문에는 주름이 잡힌 팬 모티브로 고정된 반복적인 스크롤 패턴이 포함되어 있었다. 브란트의 출입문 위촉은 그의 명성을 증명하는 역할을 한다. 게다가 보그지는 성문을 이렇게 묘사하고 있다. "이 박람회에 들어가는 문에는 어떤 귀족이 있는가! 새로운 것이 눈앞에 서성거린다는 것을 알고 있다. 18세기의 모든 은총이 깃든 팔레 드 정의의 석쇠는 그 당시 장식 예술의 풍부함을 이해하게 한다; 국제 박람회 입구의 문들은 1925년의 장식적인 프랑스 예술의 출현을 파리에 선포한다."(카흐르, 126).

Brandt는 1925년 파리 Décoratifs et Industriels Modernes 박람회에 참석했다.
콘솔 테이블, 1925. 브랜트 스탠드에 전시
샹들리에, 1925년 브랜트 스탠드에 전시
1925년 포티체 브랜트 스탠드에 전시

1925년 박람회에서 전시된 브란트의 전시실도 있었다. 브란트는 건축가 파비오르와 협업해 입구 홀로 착상된 팔각형의 방의 인테리어를 설계했다. 이 내부 공간은 박람회에 전시된 다른 공간들과 큰 대조를 이루었다. 다른 디자이너들은 유리, 금속, 대리석으로 악센트를 칠한 목재 가구로 구성된 공간을 주로 전시했다. 반대로 브란트의 방 안에 놓인 가구는 대리석과 유리로 악센트를 낸 금속으로만 만들어져 있었다. 파비오르는 브란트의 메탈워크를 보완할 색상을 세심하게 고르면서 벽과 천장에 큰 중점을 두었다. 따라서 벽과 천장은 마치 금속으로 만든 것처럼 보이게 하기 위해 은금색과 은회색으로 칠한 석고로 마감하였다. 이 벽들에는 이집트 문화에서 따온 모티브의 수직적 구성이 들어 있었다. 비록 이전의 디자인 스타일을 모방하지 말라고 명시적으로 규정되어 있지만, 이 벽은 "브란트가 자신의 작품에서 과거를 이끌어내는 능력을 보여주며, 동시에 그것을 신선하고 최신으로 보이게 할 정도의 독창적인 영감을 더한다." (Kahr, 138) 게다가, 그 공간에 위치한 긴 벽들 중 하나는 거울에 비친 방의 이미지를 주는 유리로 만들어졌다. 벽과 천장, 심지어 방에 있는 가구들의 은색과 금색 톤이 반짝이고 반짝반짝 빛나면서 이 공간이 얼마나 고급스러웠을지 상상만 할 수 있을 뿐이다.

로아시스, 1924년 화면

브란트의 전시실에도 그의 가장 유명한 작품인 로아시스(L'Oasis)가 전시되어 있었다. 이 5개 패널 스크린은 장 뒤낭의 고대 일본 옻칠 스크린에서 영감을 얻었다. 조안 카에 따르면, "화면과 작은 두루마기의 형식적인 대칭은 브랜트의 초기, 고전적으로 여성적인 레퍼토리를 반영하는 반면, 다양한 새로운 요소들은 떠오르는 스타일의 온건함을 암시한다. 떨어지는 물의 잔물결과 진드기 모양의 꽃들도 움직임과 속도를 강조하면서 기계에 영감을 받은 미학의 영향을 보여준다."(카흐르, 143) 브란트는 양식화된 반복 형태를 사용함으로써 고대의 장식 모티브를 기계에 현대적인 초점을 맞출 수 있다. 아마추어의 눈에는 화면이 그렇게 복잡해 보이지는 않지만, 그 조립품의 기술적 우수성은 브란트가 철공인으로서 정교함을 증명해 준다. 1925년, 로아시스(L'Oasis)는 그 시기 동안 다른 장식 예술에 참고되었던 유명한 시각적 실체가 되었다. 예를 들어, 스크린에 전시된 중앙 분수는 물론 나뭇잎들이 극장 세트, 향수 라벨, 벽지 같은 다른 작품들에 복제되었다.

1925년 "Salon de l'Ambassade Francaise", 콘솔 테이블
1925년 문, Musiciens et Danseurs, door, 1925년

브란트의 작품은 박람회 내내 다른 공간들의 내·외부에서 찾아볼 수 있다. 그의 작품은 문, 대문, 계단 난간, 탁자, 샹들리에, 램프, 스콘스, 표지판 등을 포함한다. 브란트가 1925년 박람회 국제 데스 아트 데코라티프스 등 인더스트리얼스 모데인에 참가하기 전에 성공적인 경력을 쌓았지만, 이 박람회가 브란트에게 철공법으로 국제적인 명성을 안겨준 것은 바로 이 박람회였다.

퍼블릭 워크스

영원한 불꽃, 무명 용사의 무덤, 개선문, 파리
1920-1921년 베르둔 티아오몬트 고원의 바요넷 참호 기념비
1927년 레톤데스의 알사시엔스-로렌스 기념비

브란트가 보석 디자이너로 초라한 출발부터 대형 작품에서의 성공은 민간 프로젝트에서 공공 커미션으로 빠르게 이어졌다. 제1차 세계대전이 브랜트의 경력의 절정기를 코앞에 두고 끝나면서, 그는 프랑스 전역에 놓여진 여러 개의 전쟁 기념물들을 디자인하도록 위임받았다.

1921년 브란트는 프랑스 개선문 아래에 위치한 무명 병사의 무덤 맨 앞에 있을 불타는 원과 주변 청동을 위한 금속공예 설계를 의뢰받았다. 그 기념비는 "반성적이고 위엄 있는" 것으로 묘사될 수 있다. 관의 머리에는 네모난 청동 현판이 월계수 잎과 열매로 덮인 청동 원을 일으켜 세운다. 원 위에 24개의 검이 배치되어 주변을 휘감고 있다. 톱으로 자른 대포 머리에서 뿜어져 나오는 영원한 불꽃이 이 원의 중앙에 위치한다. 이 대포 머리 둘레를 달리는 것은 브란트의 상징인 가리비 모양의 청동띠다.

다시, 1921년 브란트는 베르둔의 티아오몬트 고원에 있는 바요넷 참호 기념비에서 출입문을 설계하도록 선택되었다. 이 기념비는 독일군의 폭격으로 참호 속에 굴을 파고 사람들을 생매장해 목숨을 잃은 30만 명의 군인들을 기리는 것이다. 전투가 끝날 무렵 눈에 띄는 것은 지상에서 튀어나온 총검들뿐이었다고 한다. 브란트는 이 전투를 기억하기 위해 나무 앞에 '중세의 긴 양날 넓은 말뚝이 아래쪽을 가리키는' 월계수 나무가 특징인 문을 디자인했다. 문 위와 아래쪽에 위치하면 깊이 박혀 있는 총검의 테두리를 볼 수 있다.

7년 후 브란트는 또 다른 전쟁 기념비를 헌납하는 데 기여했다. 이 기념비는 독일군이 서명한 휴전협정을 헌납하기 위한 것이었다. 브란트는 석비 중앙에서 독일 민족의 상징인 청동독수리의 몸을 꿰뚫고 있는 듯한 검으로 연철 그릴을 디자인했다. 브란트는 전쟁 기념비에 관한 신문기사를 잘못 인쇄한 결과, 국가에 환원하는 방법으로 기념관에 쓸 금속공사의 비용을 충당하기로 결정했다.

파리 루브르 박물관 에스컬레이터 몰리엔 계단

아마도 브랜트의 가장 중요한 커미션 중 하나는 1914년에 공개된 루브르 박물관의 에스컬레이터 몰리엔 계단의 디자인일 것이다. 18세기 계단의 현대판과 비슷하게, 난간과 난간은 로제트를 둘러싸고 금박으로 된 아칸투스가 있는 S와 C자 모양의 두루마리로 구성되어 있다. "브란트는 이 주 위원회를 정당하게 자랑스럽게 여겼으며, 1920년대 초 광고 책자에 에스컬레이터 몰리엔의 삽화를 사용했다고 한다."(카흐르, 41)

후기 작업

광택이 나는 강철 및 대리석 라디에이터 커버, 1927년

세월이 흐르면서 파리의 아트 데코 양식은 변하기 시작한다; "조화와 비례는 비유적인 장식과 색깔보다 더 중요해졌다. 여기에 표준화와 대량생산을 향한 움직임이 더해졌다."(카흐르, 194). 브랜트는 예년과 같이 주변의 변화를 의식하면서 디자인 미학을 적응시키고 변화시키기 시작한다. 그의 후기 작품에서 브랜트의 작품이 새로운 모더니스트 미학을 반영하려는 노력의 결과로 추상화를 향한 진보를 어떻게 보여주는지 알 수 있다. 브랜트의 새로운 추상적 미학의 가장 효과적인 예 중 하나는 1927년 라디에이터 커버에서 볼 수 있다. 이 표지는 일련의 삼각형, 직사각형, 선들을 사용하여 구성을 만들고 추상화한다. 굵은 선에 표시된 해머링은 "예전에는 레이스 같은 C 두루마리가 제공했던 시각적인 장난감을 발산했다"(카흐르, 200)고 한다.

상품들

브랜트의 회사와 그 후계자가 설계하고 제작한 제품으로는 다음과 같은 것들이 있다.

외부 링크

참조

  1. ^ 고스로36번길
  2. ^ 고스로36번길
  3. ^ 고스로37번길
  4. ^ 고스로37번길
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4. 크리스티아스, 에드. "로트 콘텐츠." 에드가 브랜트, 1880-1960. 2021년 2월 24일에 접속. https://www.christies.com/en/lot/lot-4717096.

5. 멕-페카릭, 줄리아. "일본을 수집하는 초기 수집가들과 메트로폴리탄 미술관." 메트로폴리탄 박물관 저널, 1982년 제 17권, 페이지 93–118, doi:10.2307/1512790.

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7. 피더러, 루크. "AD 클래식: 국제 데스 아트 데코라티프 등 산업계 모데인즈 / 다양한 건축가" 박람회" ArchDaily, ArchDaily, 2016년 8월 19일 www.archdaily.com/793367/ad-classics-exposition-internationale-des-arts-decoratifs-et-industriels-modernes.

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