티모 사르파네바

Timo Sarpaneva
티모 사르파네바
Timo-Sarpaneva-1950s.jpg
1950년대 사르파네바(왼쪽)
태어난
티모 타파니 사르파네바

(1926-10-31)1926년 10월 31일
핀란드 헬싱키
죽은2006년 10월 6일(2006-10-06) (79세)
핀란드 헬싱키
휴게소헬싱키 히에타니에미묘지
모교아알토대학교 예술디자인대학
직업
  • 아티스트
  • 산업디자이너
  • 교육자
배우자
  • 앤 마리 파이, 네인 홀른베르크
    (m. 1954 – 1970)
  • 마르자타 네 스벤네비그
아이들.4
수상
  • 실버 메달 – 트리엔날레 디 밀라노
    1951년 국코
  • 루닝상
    1956
  • 그랑프리 – 트리엔날레 디 밀라노
    1957년 전시건축
  • 그랑프리 – 트리엔날레 디 밀라노
    1957년 유리 컬렉션
  • 금메달 – 콩코르소 인테르나치오날레 델라 세라마카 다레타세라네아, 펜자
    1976년 수오미

Timo Tapani Sarpaneva(1926년 10월 31일 ~ 2006년 10월 6일)[1][2]는 유리에서의 혁신적인 작업으로 미술계에서 가장 잘 알려진 영향력 있는 핀란드의 디자이너, 조각가, 교육자로, 디스플레이 미술품의 속성을 공리주의적인 설계와 결합시키는 경우가 많았다. 유리가 가장 흔히 말하는 매개체로 남아 있는 동안, 그는 금속, 나무, 직물, 도자기(중국)로 일했다. 사르파네바는 주철 조리 기구와 도자기 식기류 등 예술적으로 착안한 고급 아이템의 산업 디자인을 통해 전 세계 가정에 진출했다. 그의 작품은 핀란드가 디자인의 선구자로서 명성을 떨치는데 도움을 준 핵심 요소들 중 하나이다.

전기

일찍

헬싱키에 있는 디자인 박물관에서 열린 2002년 회고전을 방문객들에게 소개하기 위해 그의 할아버지의 안벽과 마찬가지로, 티모 사르파네바는 그의 가족 유산을 장인의 것으로 묘사했다.[3] 그는 자신의 직업인 사르파네바가 "수백 년 동안" 가족의 전통이라고 주장한 대장장이인 외할아버지를 언급할 것이고, 다른 사람들은 그의 어머니가 차 코지를 만들 때 사용했던 것에 주목하는 섬유 예술가라고[4] 말했다. 그의 한 살배기 형 펜티는 그래픽 디자이너로 청동과 은 장신구를 만들었다. 과장을 한 티모 사르파네바는 자신이 장인이 될 것을 이미 자궁에서 알고 있다고 말했다.[3] 유리에 대한 그의 전문적인 반응은 할아버지의 작업장에서 용해된 금속의 초기 기억과 관련이 있었다.[5] 유리의 물체에 대한 혁신적인 접근에 영감을 주는 것으로서 그가 나중에 주기적으로 되풀이할 유년시절의 감각은 투명성과 공간을 말해주었다.

여덟 살인가 아홉 살 때 따뜻한 손가락으로 그 속에 구멍을 낼 때까지 손에 얼음 조각을 들고 있었다.[4]

그 후 유리 몸체에 생긴 사르파네바의 유기적인 구멍은 헨리 무어가 인간 조각품에서 콘크리트를 사용하기 시작했을 때와 거의 동시에 나타났고, 유리를 사용한 그의 다른 작품들 중 일부는 그러한 경험을 암시한다.[6]

고용

사르파네바는 1948년 헬싱키에 있는 산업예술연구소(예술디자인대학 전신)를 졸업하고 이후 박사학위를 받았다.[7] 유리로 일을 시작한 지 얼마 되지 않아 그는 [8]조각된 유리로 이티탈라 대회에서 우승했고 1951년[9](다른 소식통들에서는 전년도 언급) 회사에 디자이너 겸 전시감독으로 채용됐다. 그는 1954년 밀라노 트리엔날레에서 열린 첫 그랑프리에서 투명한 유리 시리즈로 우승했는데, 이 시리즈는 이미 잘 자리를 잡은 이이트랄라, 타피오 위르칼라에서 동료에게 돌아갔다. 1956년 사르파네바는 이티탈라의 새로운 고급형 아이린자(i-linja, i-line) 시리즈를 개발하면서 색유리를 받아들였다. 그 시간에 급진적이란 건 그의 개입 포장과 저명한, 흰색, 소문자로 된 편지와 함께 Iittala의 이름의 설계를 연장했다 나는 후 회사는 그것의 보편적인 로고는 21세기 연구하여를 입양한 새로운 라인의 상표,으로 붉은 원 안에.[10]i-linja 그가 1957년 밀라노 트리엔날레, 그가 als에 그의 두번째 그랑프리 우승을 차지했다.o는 핀란드 전시회의 디자인으로 그랑프리를 받았다.

그 사이 1950년대 후반 새로 개업한 베를리츠 인터내셔널 헬싱키 지사에서 영어 공부를 하였고,[11] 곧 모교에서 직물 디자인 학생들을 위한 리놀륨 블록 인쇄 과정 등 강의를 시작했으며,[12] 1976년 정식 교수가 되었다.[10] 이미 섬유 협회 PMK의 1950년대( 태어나 어린 인식에서 기성의 패션 산업 art[13]로 감상되기 시작했다 Marimekko에 대한 결국 취소해 1957년 트리엔날레 옷 쇼를 계획했다)에서 일을 했기 때문에, 그는 1960년대에 Tampella 옷감 디자인으로는에 대한 예술 감독으로서 행동했다 계속했다그 1964년에서 1972년 사이에 스웨덴의 섬유 회사인 키나산드는 그 후 독일의 도자기 생산업체 로젠탈과 그의 협회를 시작했다. 그는 1990년대 헬싱키와 무라노(이탈리아 베니스)를 6년간 통근하면서 베니니니 유리 제조업자, 유명한 장인 피노 시뇨레토와 함께 조각품을 주로 만들었다. 내내, 이이트탈라가 유리 생산 기법의 일부를 취소하려 했던 1970년대의 공백에도 불구하고, 사르파네바는 생산적인 삶의 대부분을 그의 첫 고용주와 창조적인 관계를 유지 관계를 유지했다. 그는 4성인 아이들과 9살 된 그의 아내, Marjatta née Svennevig, 그는 헬싱키 대성당에서 1997[14]에 살together[15]의 30년 후, Hietaniemi Cemetery,[16]지금 더 많은 사람들 핀란드 hist에 영향력 있는의 마지막 안식처 burials,[17]에 문을 닫은 그의 비석을 설계했다 결혼에 의해 보살폈다.ory, 정치, 그리고 문화.

Manntyniemi silverware (1992년)는 새 대통령 관저로 설계되었다.

프로 핀란디아

오랜 기간 동안 일해 온 우르호 케코넨 핀란드 대통령과 친분이 두터운 사이인 우르호 케코넨 핀란드 대통령으로부터 사르파네바는 1958년 밀라노 트리엔날레에서의 성공으로 핀란드 사자 훈장 프로 핀란디아 훈장을 받았고, 국제적으로 시판된 그의 작품 중 일부의 이름은 '바크 글라스(bark glas)'로 핀란드였다.식기류 디자인에는 s" 꽃병 시리즈와 수오미("핀란드")가 있다. 그는 1993년에 문을 연 대통령 관저인 만티니에미를 위해 유리병과 은 식기류를 디자인했다. 핀란드가 디자인의 선구자라는 이미지는 오래 전부터 제2차 세계대전 이후의 성공과 사르파네바와 소수의 다른 "디자이너 영웅들"의 명성에 바탕을 두고 있었다.[18]

일

역사적으로 "정말 맛있는 스튜"로 현대적인 주철 냄비(1959년).

Sarpaneva(솥, 캐서롤)는 핀란드 우표에 1998,[19]에, 이 주철 냄비 1959년(1960년부터 생산)으로 설계되었으며, 그의 창작적인 접근 –는 지나치게 참신함에 기대지 했던 방법으로 현대, rethought 전통적인 작품을 넣고 인류 역사와 다시 산업 디자인에, 만들어서."페니 상징이 되었습니다amn 그 과정에서 좋은 순록 찌개."[20] 2003년 시장에 재도입한 이티탈라는 시대를 초월한 기발한 디자인이 식탁에서 어필하는 만큼 주방에서도 기능적이라고 여긴다.[21][22] 사르파네바와 같은 작품은 예술가의 창조적 상상력에 의해 형성되는 가장 기본적이고 감각적인 본질로 감소된 재료의 본질적인 품질이 세상의 모든 키치들을 능가한다는 것을 증명했다.[23]

사르파네바는 22세의 나이에 리히메키 유리 디자인 콘테스트에서 최우수상을 받은 아르투 브룸머 대학 교수에 이어 2등을 하면서 그의 경력에 전환점이 왔다고 생각했다.[3] 사르파네바는 금속, 목재, 직물, 도자기, 도자기(중국) 등과 간헐적으로 작업을 하였고, 유리는 산업 디자인과 전시 예술품 모두에서 그의 생애의 상당 부분 동안 그의 초기 상으로부터 그의 주된 매개체로 남아 있었다.[24] 그래픽 디자이너로 훈련을 받은 그는 자신을 디자이너라기보다는 예술가로 보는 한편 대부분의 인생을 산업 디자인에 보냈다.[25] 그러나 앤디 워홀이 사르파네바의 직물을 그림으로 액자에 넣을 준비가 된 마스터 스트로크라고 제안했다는 루머에 직면했을 때 그는 농담으로 그 옵션을 평가절하했다.[3] 그럼에도 사르파네바의 국제 경력은 1951년 밀라노 트리엔날레에서 새의 톱니 모양의 붉은 빗을 손잡이로 하여 닭(핀란드 이름)으로 아늑하게 수놓은 차인 국코(Kuko)를 제출하여 은메달을 수상하면서 섬유 디자인에서 비견할 만한 위업을 이루게 되었다.al hat.[26]

직물

1950~1960년대 사르파네바는 PMK(Puuvilatehtaitten Myyntkontori, "Cotton Mills's Sales Office")와 연관된 많은 회사들을 위해 직물 디자인을 만들었다.

앰비언트

1960년대 중반 탐펠라의[27] 린넨 부문을 위해 고안된 그의 급진적이고 화가적인 암반데 시리즈는 천 패턴 제작에 로봇화를 가져왔다. 사르파네바가 "산업적인 단색형"이라고 부르는 2,000개에 가까운 자동화된 기계 설정은 강렬한 진홍색, 터키옥색에서 미묘한 완두색, 크림색, 검은색에 이르기까지 색 구성의 광범위한 변화를 가능하게 했다. 흐릿, 병합, 왜곡으로 인해 유동적인 사이키델릭 패턴이 발생했으며, 수정된 양면 회전 인쇄가 제조업체와 마케터에게 개방된 옵션의 수에 또 다른 층을 추가했다.[12]

이 제작은 사르파네바가 포장지 제조업체를 방문했을 때 만든 발명품을 바탕으로 한 것인데, 인쇄기가 오작동을 일으켜 종이에 색이 섞이고 블러드되도록 했다. 사르파네바는 천에 대해 의도적으로 같은 효과를 얻는 것은 정확히 같은 패턴이 반복되지 않는 다양하고 유동적인 패턴을 만들어 낼 것이라고 생각했다. 암베인은 앤디 워홀이 사르파네바에게 이 선을 독특한 예술품으로 팔아야 한다고 농담조로 제안하면서 "당신은 백만장자가 될 것"[28]이라고 말해 국제적인 관심을 끌었다.

도자기

수오미

사르파네바의 산업디자인 작업은 그가 4년간[29] 일했던 자기(중국) 풀라인 디너 서비스 수오미("핀란드")로 가장 높은 평가를 받았다(일부 소식통에 따르면 3, 2명). 개념을 너무 단순하게 생각한 독일 로젠탈사가 의뢰해 1976년 '스튜디오 라인'으로 출범했다. 모서리[30] 부분이 완만하게 둥근 원래 올 화이트 모던 클래식은 현대 디자인의[31] 예로서 파리 조르주 퐁피두 센터 상설 컬렉션의 일부로 제작되어 2010년대까지 제작에 머물러 왔다. 사르파네바는 그의 영감은 움직이는 물에 의해 둥글고 윤이 나는 바위 형태에서 왔다고 말했다. 그것은 원과 광장을 결합했고, 공예 전통의 유기적 형태와 현대 산업과 관련된 직선의 결합이었다. 칩 저항성 서비스의 조각들은 눈뿐만 아니라 손에도 어필했다. 크고 편안한 손잡이는 컵을 튼튼하고 쉽게 잡아주었고, 접시의 테두리는 유출을 막았으며, 차와 커피 화분은 물이 떨어지지 않게 부었다.[32]

여전히 1970년대에 로젠탈은 수미를 살바도르 달리, 빅터 바사렐리 등 당시 유명한 예술가들이 운영하는 500세트에 한정된 첨단 표면 디자인을 위한 캠페인으로 만들었다.[33] 수오미도 자기표현을 원하는 고객을 위해 조정했다. 수오미를 병렬형 뽀샤라인 누아르 시리즈로 제작해 고객이 원하는 대비 조합으로 야광 화이트와 비범한 블랙 포르셀랭 조각을 믹스·구매할 수 있도록 했다. 이와는 별도로 제작자는 금과 백금 트림을 한 수오미 시리즈로 더욱 풍성함을 추구하는 사람들을 위해 음식을 제공했다.[34] 이러한 마케팅은 여러 종류의 장식된 버전이 사르파네바의 세련된 모양과 잘 연관되어 있지 않으며, 수오미가 흰색으로만 비범하다는 주장과 함께 심미적인 이유로 항상 높이 평가되지는 않았다.[32]

리미티드 시리즈

런던을 배경으로 한 포레스트 컵과 소쿠르에서 태양을 발사할 때 사르파네바는 그의 형태는 때때로 소리에 의해 영감을 받았다고 말했다.

아주 깊은 숲 속으로 들어가면 모든 감각이 경각심을 갖게 된다. 그때 나는 눈으로 들을 수 있다.[35]

이미지로 번역된 소리에 대한 직접적인 언급도 그의 머그 앤 소커 콤보 '트롤의 노래'와 함께 프로모션 자료에 동반되었다.[36]

유리

랜세티, 1954년 밀라노 트리엔날레 그랑프리 우승자 중
카작키, 1954년 밀라노 트리엔날레 그랑프리 우승자 중

사르파네바는 조각과 기능적인 물체 둘 다인 유리 예술의 확산적인 디자이너였다. 그는 이티탈라 유리공장의 유리블로워와 함께 유리공장에서 많은 새로운 방법을 개척했다. 새롭게 개발된 방법으로는 유리 안의 구형 공간을 불어 내는 것이 아니라 유리 덩어리에 젖은 막대기를 돌출시켜 만들어 내는 습식봉법이 있었다. 뜨거운 질량과 접촉하면 물이 증발하고, 증기가 유리 속으로 충치를 내뿜는다. 이티탈라의 유리 제조업자들은 사과나무의 떨어진 가지들을 줍는 습관을 기르는데, 이것은 특히 목적에 잘 맞는 나무의 일종이다. 이 방법은 카작키나 오키드 같은 사르파네바의 유리 예술 시리즈 중 많은 것의 중심이다.[28]

란셋, 카작키, 오키드

사르파네바가 유리 작품에 처음으로 국제적인 인정을 받은 것은 1954년[37] 밀라노 트리엔날레의 그랑프리로 사르파네바의 시리즈 오르키데아("Orchid"), 카작키("Kayak"), 랜세티("Lancet") 등이 이티탈라의 제작에 채택된 작품이었다. 그는 자신이 좋아하는 자료에 대해 다음과 같이 말했다.

유리는 매우 신비롭다. 항상 변하고 있다. 그래서 마법이 [38]된 거야 그것은 나를 관습과 3차원으로부터 해방시켰다. 그것은 나에게 가장 깊은 곳을 열어주었고, 나를 4차원으로 가는 여행에 데려갔다. 투명하고 투명한 유리가 예술가나 디자이너에게 주는 기회를 이해했다.[5]

속이 빈 가운데 부분만 메아리치는 비대칭 투명 유리 꽃병인 후기 시리즈의 아메보이드 추상화[39] '란체트 II'는 미국 잡지 '하우스 뷰티풀(House Beautiful)'이 1954년 '올해의 가장 아름다운 디자인 대상'으로 선정했다.[40] 그의 손에서는 순수 예술과 응용 미술 사이의 구분이 점차적으로 줄어들게 되었다 – 그가 1950년대에 만든 유리 꽃병들은 1964년에 형태로서 그 그릇과의 연결을 끊고 유리로 순수한 조각품을 만들기로 결정하기 훨씬 전에 분명한 조각적 특성을 보였다.[41] 랭셋은 계속해서 건축가 이안 심슨을 포함한 후대의 예술가들에게 영감을 주었다. 그의 건축가는 런던의 초고층 건물 원 블랙프라이어스(One Blackfriars)의 형태에서 영감을 받았다.[42]

핀란디아

1964-1970년 이티탈라가 제작한 "바크 글라스" 꽃병 핀란드 라인은 또 다른 혁신적이고 대량생산된 생활용품을 만들어냈는데, 어떻게 보면 각각 배타적이었다. 1950년대의 매끄럽고 얇고 유선형 컬러 유리를 한방에 대체해 눈과 얼음이 생각나는 거친 표면의 두꺼운 유리가 존재했다는 점에서 컬렉션의 구별이 있었다.[43] 사르파네바는 이렇게 회상했다.

나는 광택이 나는 유리를 만드는 데 쓰이는 버려진 나무 틀 더미를 발견하고 그것들로 다른 종류의 유리를 만들기로 결심했다. 각각의 조각은 모양과 표면이 약간 달랐다.[38]

유리를 주형에 붓거나 불어서 주형이 탈 수 있을 만큼 충분히 오래 머물게 하여 표면을 거칠게 했다. 곰팡이가 불어 들어갈 때마다 곡물 질감이 달라져 핀란드 시리즈의 각 물체는 곰팡이가 피었지만 독특했다. 금형은 500 °C(932 F)까지 가열된 유리와의 반복적인 접촉을 통해 점차, 그리고 의도적으로 파괴되었다. 표면의 변화로 인해 각 작품마다 탄산화 목재에 의해 생성된 자연 무작위화된 "바크" 효과를 주었는데, 그렇지 않으면 예술가에 의해 설득력 있게 창조될 수 없었다.[44]

조각

0년 유리 조각.

팩 얼음 / 바다의 거울

사르파네바는 1967년 몬트리올 엑스포 67에서 핀란드 파빌리온을 위해 자신과 핀란드의 가장 큰 유리 조각품인 아호야에("팩 아이스")를 만들었다.[10] 이후 탐페레시가 매입한 뒤 1988년 3월 탐페레 시내에 문을 연 코스키케스쿠스 쇼핑몰 입구 로비에 설치될 때까지 보관돼 있었다. 길이 12m(36ft.)와 폭 6.4m(21ft)[45]의 삼각형은 천장에 매달리고 높이 1m(3.3ft)까지 488개로 채워져 있다. Sarpaneva Ahtojää 아래 Meren peili("거울의")을 첨부하여, 거울 창에 위해 유동성과 life,[46]의 주기에 회상할, 바다(발틱 해 부분적으로 핀란드 주변의 겨울에 얼음이지만 여름에는 무빙의 덮여 있)의 표면 해석하기도 subsumed는 핀란드의 한편은 O에 의해 그의 원래 개념을 확장했다nt그는 겨울에 하얀 얼음과 여름에 푸른 거울이라는 그 나라의 변질적인 많은 호수들의 두 가지 모습을 보여준다. 북유럽 미술 전문가들은 종종 사르파네바의 빛 포착 능력과 그 색조를 바다 밑의 얼음을 통해 보는 것에 비유했다.[47]

스마일

유리는 대서양 횡단적인 문화적 영향을 다룬 그의 희귀한 작품의 재료였다. 광택이 나는 작고 검은 유리 조각 스마일(Smile)은 입 위로 솟아오른 두 개의 커다란 디네예스크 귀가 특징이며 미키마우스를 가리킨다. 귀는 미키의 존재 상태를 나타내는 반면, 조각은 미키를 추상적인 기하학적 관계의 집합체로 변형시킨다.[48]

인식

수상

  • 1951년 은메달, Kukko("루스터"), IX Triennale, 밀라노
  • 1954년 그랑프리, 유리, X 트리엔날레, 밀라노
  • 1957년 그랑프리, 밀라노 트리엔날레 전시건축 부문
  • 1957년 그랑프리, 유리, XI 트리엔날레, 밀라노
  • 1956년 루닝상
  • 1976년 수오미를 위한 금메달, 콩코르소 인테르아지오날레 델라 세라마차 다테 디스토레네이아, 파엔자

존댓말

시장

Sarpaneva의 예술적으로 착안한 디자인 라인은 위조가 수익성이 있을 정도로 재판매가치가 높았다.[49] 핀란드 경찰은 그와 그의 동료들의 디자인에 대한 위조의 총가치가 수백만 유로에 달할 것으로 추정하고 그것이 증가할 것으로 예상했다.[50] 가끔, 부분적으로는 혀가 잘 돌지 않는, 즉 주철 냄비가 달린 다재다능한 티크 손잡이가 없어질 것이라는 일부 디자인에 대한 비판은,[51] 하얀 수미는 영국의 고전적인 갈색 차 냄비와는[52] 달리 차 얼룩을 보였다는 점에서, 그들의 감상을 손상시키지 않았다. 역사적으로, 크리스티의 임원들은 특히 사르파네바가 이탈리아 베니니니 회사를 위해 만든 유리 제품들과 함께 재판매 가치의 성장에 대해 언급했다.[53] 예를 들어, 1953년부터 1959년까지 계속되었던 카작키(카야크) 시리즈의 첫 해의 아이템이 생산 마지막 해의 동일한 물체보다 50% 더 많이 팔릴 수 있다.[54] 염가 판매업자들은 때때로 사르파네바 유리판을 차고세일 때 25센트에 구입하는 등 높은 수익률을 보였는데, 이는 재판매가 US$1,000인 것으로 밝혀졌다.[55]

참조

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