오케스트라

(심포닉 오케스트라에서 리디렉션)
잘리스코 필하모닉 오케스트라
현대 오케스트라 공연장: 폴란드 슈체친의 필하모닉

오케스트라(/ˈ/rrkɪstra/;; 이탈리아어: [orˈkɛstra])클래식 음악의 전형적인 대형 기악 앙상블로서, 다음을 포함하여 여러 가문의 악기가 결합되어 있다.

각각 한 구획으로 묶었다.

피아노, 하프시코드, 첼레스타와 같은 다른 악기는 때때로 다섯 번째 키보드 부분에 나타나거나 콘서트 하프 및 일부 현대적인 작곡, 전자 악기 및 기타 연주를 위해 독주 악기로서 홀로 설 수 있다.[a]

정식 규모의 서양 오케스트라는 때때로 교향악단이나 필하모닉 오케스트라(그리스 에서 온, "사랑" 그리고 "화합")라고 불릴 수도 있다. 주어진 공연에 고용된 실제 음악가의 수는 연주되는 작품과 공연장의 규모에 따라 70명에서 100명 이상까지 달라질 수 있다. 실내 관현악단(때로는 콘서트 관현악단)은 약 50명 이하의 음악가들로 구성된 작은 앙상블이다.[1] 예를 들어 요한 세바스티안 바흐조지 프리데릭 헨델바로크 음악을 전문으로 하는 오케스트라나 하이든이나 모차르트 같은 클래식 레퍼토리는 요하네스 브람스교향곡[citation needed]같은 낭만적인 음악 레퍼토리를 연주하는 오케스트라보다 작은 경향이 있다. 전형적인 관현악단은 18세기와 19세기에 걸쳐 규모가 커져 리처드 바그너의 작품에서 요구된 대형 관현악단(120여명)과 이후 구스타프 말러의 작품을 중심으로 절정에 달했다.

오케스트라는 보통 손과 팔의 움직임으로 연주를 지휘하는 지휘자에 의해 지휘되는데, 지휘자의 지휘봉을 사용하여 음악가들이 쉽게 볼 수 있게 하는 경우가 많다. 지휘자는 오케스트라를 통일하고 템포를 맞추고 앙상블의 소리를 형상화한다.[2] 지휘자는 또한 공연 전 리허설을 주도하여 오케스트라를 준비하는데, 이 리허설에서는 지휘자가 연주하는 음악에 대한 음악 해석에 대해 음악가들에게 지시한다.

흔히 콘서트마스터라고 불리는 제1 바이올린 부문의 리더는 음악가들을 이끄는 데도 중요한 역할을 한다. 바로크 음악 시대(1600~1750년)에는 오케스트라가 지휘하거나, 20세기, 21세기 초기앙상블이 지속되는 전통인 하프시코드나 파이프 오르간에서 바소 연속 파트를 연주하는 화음 연주 음악가가 지휘하는 경우가 많았다. 오케스트라는 교향곡, 오페라, 발레 서곡, 솔로 악기를 위한 협주곡, 오페라, 발레, 그리고 몇몇 종류의 뮤지컬 극장(예: 길버트, 설리번 오페레타스)을 위한 앙상블로서 다양한 레퍼토리를 연주한다.

아마추어 오케스트라에는 초등학교나 고등학교 학생, 청소년 오케스트라, 지역사회 오케스트라 등이 있으며, 후자의 두 오케스트라는 전형적으로 특정 도시나 지역의 아마추어 음악가들로 구성된다.

관현악단이라는 용어고대 그리스 극장의 무대 앞 지역 이름그리스어 ὀχήστα(오체스트라)에서 유래되었다.[3]

역사

바로크와 고전 시대

바로크 시대에는 오케스트라의 규모와 구성이 표준화되지 않았다. 다양한 유럽 지역들 사이에는 크기, 악기 및 연주 스타일, 즉 오케스트라 사운드스케이프 및 팔레트에서 큰 차이가 있었다. 바로크 오케스트라는 파트당 한 명의 연주자가 있는 작은 오케스트라(또는 앙상블)부터 파트당 연주자가 많은 대형 오케스트라까지 다양했다. 더 작은 품종의 예로는 바흐의 오케스트라가 있는데, 예를 들어, 코엔에서 그는 18명의 선수들로 구성된 앙상블에 접근할 수 있었다. 대규모 바로크 오케스트라의 예로는 로마에 있는 코렐리의 관현악단이 포함될 것이다. 코렐리의 관현악단은 매일 35명에서 80명 사이의 연주자로, 특별한 날에는 150명으로 확대되었다.[4]

고전 시대에 오케스트라는 오보, 플룻, 바순, 뿔로 이루어진 소형과 중형 현악단, 코어 풍악단 등으로 표준화되었고, 때로는 타악기와 클라리넷, 트럼펫으로 보완되기도 하였다.

베토벤의 영향

18세기 후반에 개척되어 19세기 전반기에 통합된 오케스트라에서 바람과 놋쇠가 두 배로 불린 이른바 '표준보완'은 일반적으로 하이든과 모차르트의 뒤를 이어 베토벤이 요구하는 힘에 기인한다.[citation needed] 베토벤의 악기들은 거의 항상 쌍으로 된 플룻, 오부, 클라리넷, 바순, 그리고 트럼펫을 포함한다. 이에 대한 예외는 그의 교향곡 4번, 바이올린 협주곡, 피아노 협주곡 4번으로 각각 하나의 플루트를 명시하고 있다. 베토벤은 혁신적인 효과를 위해 심포니 3, 5, 6, 9에서 이 특정한 추 "팔레트"의 확장을 신중하게 계산했다. '에로이카' 교향곡의 세 번째 뿔피리는 어느 정도의 조화로운 유연성뿐만 아니라 트리오 운동에서 '합창' 브라스의 효과를 제공하기 위해 도착한다. 피콜로, 콘트라바순, 트롬본은 그의 교향곡 5번의 승리의 피날레를 장식한다. 피콜로와 트롬본 한 쌍은 목회 교향곡으로도 알려진 6번째에서 폭풍과 햇빛의 효과를 전달하는데 도움을 준다. 제9자는 "에로이카"와 유사한 이유로 두 번째 뿔을 요구한다(그 후 네 개의 뿔이 표준이 되었다). 베토벤이 피콜로, 콘트라바순, 트롬본, 그리고 아직 다듬지 않은 타악기, 그리고 코러스와 보컬 솔리스트를 피날레에 사용한 것은 교향곡의 뇌경계가 확장될 수 있다는 그의 가장 초기 제안이다. 그가 죽은 후 수십 년 동안 교향악기는 베토벤의 잘 확립된 모델에 충실했는데, 예외는 거의 없었다.[citation needed]

기악기술

스토코프스키와 필라델피아 오케스트라 1916년 3월 2일 말러 교향곡 미국 초연

둘 다 실레시아인인 하인리히 스톨젤프리드리히 블뤼멜에 의해 1815년 피스톤과 로터리 밸브가 발명된 것은 테오발트 보엠의 플루트를 위한 현대적인 키워크의 개발, 목관풍의 아돌프 색스의 혁신, 특히 색소폰의 발명 등 오케스트라에 영향을 준 일련의 혁신에서 최초였다.e. 이러한 발전은 헥터 베를리오즈가 기악음을 음악의 표현적 요소로 사용하는 것에 대한 최초의 체계적인 논문인 계측에 관한 획기적인 책을 쓰도록 이끌 것이다.[5]

바그너의 영향

심포니 연습의 다음 큰 확대는 그의 음악 드라마에 동반하기 위해 설립된 리차드 바그너의 바이로이트 오케스트라에서 나왔다. 바그너의 무대는 전례 없는 범위와 복잡성으로 점수가 매겨졌는데, 실제로 그가 다스 라잉골드에게 한 점수는 6개의 하프를 부르는 것이었다. 따라서 바그너는 그의 영향력 있는 작품 On Conditioning을 상세히 설명하면서 극장 오케스트라의 지휘자를 위해 더욱 수요가 많은 역할을 구상했다.[6] 이로 인해 관현악 작곡에 혁명이 일어났으며, 이후 80년간 관현악 연주의 형식을 갖추게 되었다. 바그너의 이론들은 템포, 역동성, 현악기의 절, 오케스트라에서 주장의 역할의 중요성을 재조명했다.

20세기 오케스트라

20세기 초, 교향악단은 이전보다 더 크고, 더 많은 자금과 훈련을 받았으며, 결과적으로, 작곡가들은 더 크고 더 야심찬 작품들을 작곡할 수 있었다. 구스타프 말러의 작품은 특히 혁신적이었다; 매머드 교향곡 8번과 같은 그의 후기 교향곡에서 말러는 거대한 힘을 동원하여 관현악 규모의 가장 먼 경계를 밀어낸다. 낭만주의 말기에 이르러 오케스트라는 거대한 현악기 부분, 거대한 놋쇠 부분, 그리고 타악기 범위가 확장된 가장 거대한 형태의 교향곡을 지원할 수 있었다. 녹음시대가 시작되면서 녹음된 교향곡은 가까이서 들을 수 있었고 라이브 공연에서는 눈에 띄지 않을 수도 있는 억양이나 앙상블의 사소한 오류도 평론가들이 들을 수 있었기 때문에 연주기준은 한 단계 더 밀려났다. 녹음 기술이 20세기와 21세기에 걸쳐 향상되면서 결국 녹음의 작은 오류는 오디오 편집이나 오버더빙에 의해 "고정"될 수 있었다. 몇몇 나이든 지휘자들과 작곡가들은 음악을 가능한 한 "해결"하는 것이 표준이었던 때를 기억할 수 있었다. 녹음을 통해 가능해진 더 넓은 청중과 결합하여, 이것은 특정한 스타 지휘자와 높은 수준의 관현악 공연에 새롭게 초점을 맞추게 되었다.[7]

계측

비오티 체임버 오케스트라 D장조 모차르트 게미멘토 3악장 연주 136

대표적인 교향악단은 목관악기, 놋쇠, 타악기, 현악기라고 불리는 관련 악기로 구성된 4개의 그룹으로 구성되어 있다. 피아노첼레스타와 같은 다른 악기들은 때때로 키보드 부분과 같은 다섯 번째 부분으로 분류되거나 콘서트 하프전기전자 악기처럼 혼자 서 있을 수 있다. 오케스트라는 규모에 따라 각 그룹의 표준 악기를 거의 모두 포함하고 있다.

오케스트라의 역사에서, 악기는 시간이 지남에 따라 확장되었고, 고전 시대에[8] 의해 표준화되었다고 종종 합의되었고, 루드비히 베토벤이 고전 모델에 미치는 영향도 있었다.[9] 20세기와 21세기에는 새로운 레퍼토리 요구가 오케스트라의 악기를 확대하여 클래식 모델 악기와 새롭게 개발된 전기전자 악기를 다양한 조합으로 유연하게 사용하게 되었다.

교향악단필하모닉 오케스트라라는 용어는 런던 심포니 오케스트라런던 필하모닉 오케스트라와 같은 같은 지역성과 다른 앙상블을 구별하기 위해 사용될 수 있다.[b] 교향악단이나 필하모닉 오케스트라는 보통 80명 이상의 음악가들을 명부에 올려놓지만, 어떤 경우에는 100명 이상의 음악가들을 특정 공연에 고용하는 실제 음악가의 수는 연주되는 작품과 공연장의 규모에 따라 달라질 수 있다.[1]

실내 오케스트라는 보통 더 작은 합주단이다; 주요 실내 오케스트라는 50명의 음악가를 고용할 수도 있지만, 어떤 오케스트라는 훨씬 더 작다. 콘서트 오케스트라BBC 콘서트 오케스트라RTE 콘서트 오케스트라에서와 같이 대체 용어다.

확장 계측기

핵심 관현악보완과는 별도로, 다양한 다른 악기들이 가끔 불려진다.[10] 이것들은 플루겔혼코넷을 포함한다. 예를 들어, 색소폰클래식 기타는 19세기에서 21세기까지의 점수로 나타난다. While appearing only as featured solo instruments in some works, for example Maurice Ravel's orchestration of Modest Mussorgsky's Pictures at an Exhibition and Sergei Rachmaninoff's Symphonic Dances, the saxophone is included in other works, such as Ravel's Boléro, Sergei Prokofiev's Romeo and Juliet Suites 1 and 2, Vaughan Williams' Symphonies No. 6번9번, 그리고 윌리엄 월튼벨샤차르 잔치, 기타 많은 작품들이 관현악 앙상블의 일원으로서 활동하고 있다.유포늄은 몇 편의 낭만주의 작품과 20세기 후반 작품에서 주로 구스타프 홀스트의 <행성>과 리차드 스트라우스의 <아인 헬덴레벤>을 포함한 "테노르 투바"라고 표시된 부분을 연주한다. 호른 계열의 변형 멤버인 바그너 튜바리차드 바그너의 사이클 더 링 니벨룽겐과 스트라우스, 벨라 바르토크 등의 다른 작품들에 등장하는데, 이E장조에서 안톤 브루크너의 교향곡 7번에서 두드러진 역할을 하고 있다.[11] 코네트는 표트르 일리히 차이코프스키의 발레 스완 레이크, 클로드 드뷔시의 라 메르, 그리고 헥터 베를리오즈의 여러 관현악 작품에 출연한다. 이 악기들이 다른 악기에 "두려움"으로 연주되지 않는 한(예를 들어 트롬본 연주자가 유포늄으로 바꾸거나 바순 연주자가 특정 구절을 위해 콘트라바순으로 바꾸는 등) 오케스트라는 보통 프리랜서 음악가를 고용하여 그들의 정기적인 앙상블을 강화한다.

20세기 오케스트라는 이전 오케스트라보다 훨씬 유연했다.[10] 베토벤과 펠릭스 멘델스존 시대에 이 오케스트라는 상당히 표준적인 악기 코어로 구성되었는데, 작곡가에 의해 매우 드물게 변형되었다. 시간이 흐를수록, 그리고 낭만주의 시대는 베를리오즈나 말러 같은 작곡가들과 함께 받아들여진 수정에 변화를 보임에 따라, 몇몇 작곡가들은 여러 개의 하프와 풍력 기계와 같은 음향 효과를 사용했다. 20세기 동안, 현대 오케스트라는 일반적으로 아래에 열거된 현대적인 악기들로 표준화되었다. 그럼에도 불구하고 20세기 중후반에 이르러서는 현대 고전음악의 발달과 함께 실질적으로 작곡가의 손으로 악기를 고를 수 있게 되었다(예: 전기 기타와 같은 전기 악기, 신디사이저와 같은 전자 악기, 비 서양 악기 또는 관현악기에 전통적으로 사용되지 않는 기타 악기 등을 추가하는 것).스트레이트로 하다

이 역사를 염두에 두고 오케스트라는 바로크 시대, 고전 시대, 초기/중간 낭만주의 음악 시대, 후기 낭만주의 시대, 그리고 현대/포스트 모던 시대를 합친 다섯 개의 시대로 분석할 수 있다. 첫째는 바로크 오케스트라(즉, J.S. Bach, Handel, Vivaldi)로, 일반적으로 연주자의 수가 적었고, 하나 이상의 화음연주악기인 바소연주악기(예: 하프시코드 또는 파이프 오르간과 베이스악기 모둠)가 중요한 역할을 한 바소연주악단, 둘째는 전형적인 고전적인 페(pe)이다.riod orchestra (e.g., early Beethoven along with Mozart and Haydn), which used a smaller group of performers than a Romantic music orchestra and a fairly standardized instrumentation; the third is typical of an early/mid-Romantic era (e.g., Schubert, Berlioz, Schumann, Brahms); the fourth is a late-Romantic/early 20th-century orchestra (e.g., Wagner, 말러, 스트라빈스키(Stravinski)는 2010년대의 현대 오케스트라(: 애덤스, 바버, 애런 코플랜드, 글라스, 펜데레레츠키)의 공통보완에 해당한다.

후기 바로크 오케스트라

클래식 오케스트라

얼리 로맨틱 오케스트라

후기 로맨틱 오케스트라

모던/포스트모던 오케스트라

조직

오케스트라 지휘

계측기 그룹과 각 계측기 그룹 내에는 일반적으로 허용되는 계층 구조가 있다. 모든 기악단(또는 섹션)에는 일반적으로 단체를 이끌고 오케스트라 솔로를 연주하는 주역이 있다. 바이올린은 제1바이올린과 제2바이올린 두 그룹으로 나뉘는데, 제2바이올린은 제1바이올린보다 낮은 레지스터로 연주하거나 반주 파트를 연주하거나 제1바이올린이 연주하는 멜로디를 조화시켜 연주한다. 수석 제1바이올린은 콘서트마스터(또는 영국에서는 오케스트라 "리더")라고 불리며 현악 부문 리더뿐만 아니라 지휘자 뒤에 있는 전체 오케스트라의 2인자로 간주된다. 콘서트 마스터는 사전 콘서트 튜닝을 주도하고 바이올린이나 모든 현악 부분에 대한 활을 결정하는 등 오케스트라 운영의 음악적 측면을 처리한다. 연주회장은 보통 지휘자의 왼쪽에 앉는데, 청중과 가장 가깝다. 또한 제2바이올린, 비올라, 첼로, 베이스 등도 있다.

주 트롬본은 낮은 놋쇠 부분의 리더로 간주되며, 주 트럼펫은 일반적으로 놋쇠 부분 전체의 리더로 간주된다. 오보에가 오케스트라에 대한 튜닝 노트를 제공하는 경우가 많지만(300년 전통의 컨벤션 때문에) 목관악 단원의 지정 교장은 일반적으로 없다(목관악 앙상블에서는 플루트가 추정 리더인 경우가 많다).[12] 대신에, 각 교장은 음악적 견해 차이가 있는 경우 동등한 것으로 다른 교장과 교감한다. 또한 대부분의 섹션에는 조교장(또는 공동교장 또는 부교장)이 있거나, 제1바이올린의 경우 부교장(부교장)이 있는데, 부교장(부교장)이 없을 때 교장을 교체하는 것 외에 투티(tutti) 역할을 하는 경우가 많다.

부분 현악기 연주자는 음악에서 상하의 부분을 "외부"(관객에 가까움)와 "내부"에 배정하는 경우가 많은 분절(디비시) 파트의 경우를 제외하고 나머지 부분과 일치하여 연주한다. 현악 부분에서 솔로 파트를 부르는 경우, 섹션 리더는 변함없이 그 파트를 연주한다. 현악 부분의 단장(또는 주임)도 연주자가 설정한 활을 바탕으로 활을 결정하는 책임을 진다. 경우에 따라, 현악기의 주임은 악기를 연주하는 요건(예: 더블베이스 섹션)을 수용하기 위해 콘서트 마스터와 약간 다른 활을 사용할 수 있다. 또한 현악 구간의 주임들은 일반적으로 현악 구간의 입구를 입구 전에 활을 들어올리는 방식으로 이끌어서 구간이 함께 연주할 수 있도록 하기 위해 현악 구간의 주임들은 그들의 구간의 입구를 이끌게 된다. 투티 바람과 브래드 플레이어는 일반적으로 독특하지만 솔로가 아닌 역할을 한다. 부분 타악기 연주자들은 주 타악기 연주자가 그들에게 배정된 부분을 연주한다.

현대에는 초기 오케스트라에는 지휘자가 없었지만, 음악가들은 대개 지휘자가 지휘를 맡는데, 이 역할을 콘서트 마스터연속극을 연주하는 하프시코드 연주자에게 대신 주어진다. 일부 현대 오케스트라들은 지휘자 없이, 특히 소규모 오케스트라와 역사적으로 정확한 바로크 연주와 초기 음악의 연주(일명 "주기"라고 불리는)를 전문으로 하는 오케스트라들도 있다.

교향악단에서 가장 자주 연주되는 레퍼토리는 서양 고전음악이나 오페라다. 그러나 오케스트라는 때때로 대중음악(예: 콘서트에서 록이나 팝 밴드를 동반하기 위해), 영화음악에서는 광범위하게, 비디오게임 음악에서는 점점 더 자주 사용된다. 오케스트라는 또한 심포니 메탈 장르에서도 사용된다. 재즈 앙상블에는 예를 들어 빅밴드 음악의 연주에도 오르체스트라라는 용어를 적용할 수 있다.

회원 선정 및 위촉

2000년대에는 전문 오케스트라의 종신 단원들이 모두 보통 앙상블의 자리를 놓고 오디션을 본다. 연주자들은 전형적으로 오디션 대상자가 선택한 한 곡 이상의 독주곡, 즉 협주곡의 동작, 바흐의 독주곡, 오디션 포스터에 광고되는 관현악 문헌의 다양한 발췌곡(오디션 참가자가 준비할 수 있도록)을 연주한다. 발췌한 부분은 전형적으로 관현악 문학에서 가장 기술적으로 도전적인 부분과 솔로가 된다. 관현악 오디션은 전형적으로 지휘자, 콘서트 마스터, 오디션 참가자가 신청하는 구간의 수석 연주자, 그리고 아마도 다른 주요 연주자들이 포함된 패널 앞에서 열린다.

1차 오디션에서 가장 유망한 후보들을 초청해 2, 3차 오디션에 복귀시켜 지휘자와 패널이 최고의 후보들을 비교할 수 있도록 한다. 연주자들에게 관현악 읽기를 부탁할 수도 있다. 일부 오케스트라의 오디션 마지막 무대는 연주자가 1~2주 동안 오케스트라와 함께 연주하는 시험주간으로 지휘자와 주역이 실제 리허설과 연주 설정에서 개인이 잘 기능할 수 있는지 확인할 수 있다.

다양한 고용 협정이 있다. 가장 많이 찾는 자리는 오케스트라에서 영구적이고 종신직이다. 오케스트라는 또한 단일 콘서트부터 정규 시즌 또는 그 이상에 이르는 계약으로 음악가를 고용한다. 계약 연주자는 관현악단이 예외적으로 큰 규모의 후기 낭만주의 시대의 관현악곡을 연주할 때 개별 연주회에 고용하거나, 병든 상임 단원을 대신할 수 있다. 단 한 번의 공연에 고용되어 공연하는 전문 음악가를 '서브'라고 부르기도 한다. 상임단원이 육아휴직 또는 장애휴직을 하는 기간 동안 상임단원을 대체하기 위하여 일부 계약 음악인을 고용할 수 있다.

앙상블의 성별 역사

역사적으로, 주요 프로 오케스트라는 대부분 또는 전적으로 남성들로 구성되었다. 전문 오케스트라에서 고용된 최초의 여성 단원하프 연주자였다. 예를 들어 비엔나 필하모닉은 비교 가능한 오케스트라(2008년 그라모폰이 선정한 세계 5위권 안에 든 다른 오케스트라)보다 훨씬 늦은 1997년까지 여성들을 상임이사국으로 받아들이지 않았다.[13] 여성을 영구 지위에 임명한 마지막 주요 오케스트라는 베를린 필하모닉이었다.[14] 1996년 2월, 빈 필하모닉의 수석 플루트인 디터 플루리웨스트데우츠허 런펑크에게 여성을 받아들이는 것은 "이 유기체가 현재 가지고 있는 감정적 단결(에모션엘 게슈로센헤이트)과 함께 하는 것"이라고 말했다.[15] 1996년 4월 이 오케스트라의 언론 비서는 출산휴가의 "예상 휴가에 대한 보상"이 문제가 될 것이라고 썼다.[16]

1997년 빈 필하모닉은 국립여성기구국제음악연맹의 "미국 순회공연 중 시위"를 직면하고 있었다. 마지막으로 "사회적으로 보수적인 오스트리아에서도 증가하는 비웃음에 사로잡힌 후, 오케스트라 단원들은 출발 전날 임시 회의에서[1997년 2월 28일] 모여 여성 안나 렐키스를 하프 연주자로 인정하기로 합의했다."[17] 2013년 현재, 이 오케스트라는 6명의 여성 단원을 두고 있다. 그 중 한 명인 바이올리니스트 알베나 다나일로바는 2008년 이 오케스트라의 콘서트 마스터 중 한 명이 되었다. 이 오케스트라에서 여성으로는 처음으로 이 오케스트라에서 그 자리를 차지했다.[18] 2012년에는 여성이 오케스트라 멤버십의 6%를 차지했다. 클레멘스 헬스버그 VPO 회장은 VPO가 이제 완전히 선별된 블라인드 오디션을 사용하고 있다고 말했다.[19]

2013년, 마더 존스의 한 기사는 "뉴욕 필하모닉의 바이올린 부문에서는 여성이 남성보다 많은 등 어느 명문 오케스트라든 상당한 여성 회원을 보유하고 있으며, 국립 심포니 오케스트라, 디트로이트 심포니, 미네소타 심포니 등 몇몇 유명 앙상블은 여성 바이올린 연주자들이 이끌고 있다"고 밝혔다.주요 오케스트라의 베이스, 놋쇠, 타악기 부문은 "...아직도 주로 남성이다."[20] 2014년 BBC 기사는 "… 심사위원단이 성별이나 인종적 편견을 갖지 않도록 예비 악기 연주자가 스크린 뒤에서 공연하는 '블라인드' 오디션의 도입으로 전통적으로 남성 위주의 교향악단의 성 밸런스가 점차 변화하고 있다"[21]고 보도했다.

아마추어 앙상블

다양한 아마추어 오케스트라도 있다.

학교 오케스트라
이 오케스트라는 초등학교나 중학교 학생들로 구성되어 있다. 그들은 음악 수업이나 프로그램의 학생일 수도 있고 학교 전체에서 뽑힐 수도 있다. 학교 오케스트라는 전형적으로 음악 선생님이 지휘한다.
대학 또는 음악 관현악단
이 오케스트라는 대학이나 음악원의 학생들로 구성되어 있다. 어떤 경우에는 대학 오케스트라가 모든 프로그램으로부터 대학 출신의 모든 학생들에게 개방된다. 더 큰 대학은 2개 이상의 대학 오케스트라를 둘 이상 보유할 수 있다: 음악 전공자(또는 주요 음악 프로그램의 경우, 음악 전공 오케스트라의 여러 계층, 기술 수준별 순위) 및 두 번째 오케스트라는 이전 클래식 음악을 보유한 모든 학술 프로그램(예: 과학, 비즈니스 등)의 대학생에게 개방될 수 있다. 관현악기를 연주하다 대학과 음악원 오케스트라는 전형적으로 대학이나 음악원의 교수나 강사인 지휘자가 지휘한다.
청소년 관현악단
이 오케스트라들은 전체 도시나 지역에서 온 십대들과 젊은이들로 구성되어 있다. 청소년 오케스트라의 연령대는 앙상블마다 다르다. 경우에 따라 청소년 오케스트라는 전체 국가의 청소년 또는 청소년으로 구성될 수 있다(예: 캐나다 국립 청소년 오케스트라).
커뮤니티 오케스트라
이 오케스트라들은 전체 도시나 지역에서 뽑힌 아마추어 연주자들로 구성되어 있다. 지역 오케스트라는 전형적으로 성인 아마추어 음악가들로 구성된다. 커뮤니티 오케스트라는 관객 앞에서 정식 공연을 하지 않고 음악을 리허설하는 초급 오케스트라부터 중급 앙상블, 표준 전문 오케스트라 레퍼토리를 연주하는 고급 아마추어 그룹까지 수준급이다. 어떤 경우에는, 대학이나 음악원 학생들도 지역 오케스트라의 단원이 될 수 있다. 지역사회 오케스트라 단원은 대부분 무보수 아마추어지만 일부 오케스트라에서는 소수의 전문인력을 고용해 주전과 단장 역할을 할 수도 있다.

레퍼토리 및 공연

오케스트라는 17세기 댄스 스위트, 18세기 게시멘토부터 20세기 영화음악, 21세기 교향곡까지 폭넓은 레퍼토리를 연주한다. 오케스트라는 서양 고전음악의 확장된 음악 작곡인 교향곡과 동의어가 되었으며, 이 곡은 전형적으로 여러 가지 동작을 포함하고 있어 대조적인 키와 템포를 제공한다. 교향곡은 모든 악기 부분을 담고 있는 악보로 표기되어 있다. 지휘자는 리허설 전 교향곡을 연구해 해석을 결정하고(예: 템포, 발성, 표현 등), 리허설과 콘서트 중에는 음악을 따라가며 앙상블을 지휘한다. 오케스트라 음악가들은 그들의 악기에 대해 단지 공증된 음악을 포함하는 부분들에서 연주한다. 소수의 교향곡도 성악 부분(예: 베토벤 9번 교향곡)을 포함하고 있다.

오케스트라는 오페라의 악기 도입에 원래 적용되었던 용어인 서곡을 연주하기도 한다.[22] 초기 낭만주의 시대에는 베토벤이나 멘델스존 같은 작곡가들이 이 용어를 사용하여 극적 서곡으로 시작된 여러 작품에서 프란츠 리스트가 고안한 형식인 교향시와 같은 장르의 독립적이고 자기존재적인 기악적이고 프로그램적인 작품들을 지칭하기 시작했다. 이것들은 "처음에는 의심의 여지 없이 프로그램의 선두에서 연주되도록 의도되었다".[22] 1850년대에 연주회 서곡은 교향시로 대체되기 시작했다.

오케스트라는 또한 협주곡에서 악기 솔로 연주자들과 함께 연주한다. 협주곡 연주 중에는 오케스트라가 솔리스트(예: 솔로 바이올리니스트나 피아니스트)에게 반주 역할을 맡기도 하고, 솔리스트가 연주하지 않는 동안 음악적 주제나 간섭을 소개하기도 한다. 오케스트라는 오페라, 발레, 몇몇 음악극 작품과 일부 합창 작품들(미사와 세속적인 작품들과 같은 신성한 작품들) 오페라와 발레에서는 오케스트라가 각각 가수와 댄서들을 대동하고 오케스트라가 연주하는 멜로디가 중심이 되는 서곡과 간섭을 연주한다.

퍼포먼스

바로크 시대에는 귀족들의 좋은 집, 오페라 홀, 교회 등 다양한 장소에서 오케스트라가 공연을 했다. 일부 부유한 귀족들은 그들의 저택에 오케스트라를 두고 그들과 그들의 손님들을 공연으로 즐겁게 해주었다. 클래식 시대에는 작곡가들이 일반 대중에게 재정적인 지원을 점점 더 모색하면서 음악 애호가들이 오케스트라를 듣기 위해 표를 살 수 있는 공공 콘서트 홀에서 오케스트라 콘서트가 점점 더 많이 열렸다. 클래식 시대에는 귀족들의 오케스트라 후원 활동이 이어졌지만, 이는 대중음악회와 함께 계속되었다. 20세기와 21세기에 오케스트라는 정부라는 새로운 후원자를 찾았다. 북미와 유럽의 많은 오케스트라는 국가, 지역 수준 정부(예: 미국의 주 정부) 또는 시 정부로부터 자금 일부를 받는다. 이 정부 보조금은 티켓 판매, 자선 기부, 기타 모금 활동과 함께 오케스트라 수입의 일부를 차지한다. 음향 녹음, 라디오 방송, 텔레비전 방송, 인터넷 기반의 콘서트 비디오 스트리밍 및 다운로드 등 연이은 기술의 발명으로 오케스트라는 새로운 수익원을 찾을 수 있게 되었다.

성능 문제

가짜

"관현악극의 위대한 통일성[주제]" 중 하나는 "fake"인데, 관현악가가 "...모든 음을 글로써 연주하는" 잘못된 인상을 주는 과정이다. 전형적으로 인쇄된 음악 부분에 있는 음을 연주하는 것은 아니지만 매우 높거나 매우 빠른 매우 도전적인 구절이다.[23] The Strad의 한 기사는 모든 오케스트라 음악가들, 심지어 최고의 오케스트라에 속한 음악가들 조차도 때때로 특정 구절을 위조한다고 말한다.[23] 음악가들이 속이는 한 가지 이유는 리허설이 충분하지 않기 때문이다.[23] 또 다른 요인은 20세기와 21세기 현대 작품들의 극단적인 도전이다; 일부 전문가들은 "일부 현대 작품들의 10퍼센트에서 거의 90퍼센트에 이르는 어떤 작품에서도" 가짜가 필요하다고 말했다.[23] 인터뷰에 응한 프로 선수들은 악기에 잘 쓰여지지 않은 부분이 있을 때 가짜가 허용될 수 있다는 데 공감했지만, "실습을 하지 않았다고 해서" 가짜로 조작하는 것은 허용되지 않는다.[23]

반혁명

초기 음악 운동의 등장으로, 연주에 관한 옛 학문의 연구로부터 파생된 스타일의 작품 집행을 위해 연주자들이 작업했던 소규모 오케스트라가 일반화되었다. 계몽주의 시대의 오케스트라, 로저 노링턴 경이 지휘하는 런던 클래식 연주자, 크리스토퍼 호그우드 휘하의 고대음악 아카데미 등이 그것이다.[citation needed]

미국의 최근 동향

미국에서 20세기 후반에는 오케스트라에 대한 자금과 지원의 위기가 있었다. 서포터즈 베이스의 규모에 비해 교향악단의 규모와 비용은 그 기관의 핵심을 찌르는 이슈가 되었다. 강당을 채울 수 있는 오케스트라는 거의 없었고, 점점 더 많은 청취자들이 개별 행사를 위해 특별하게 티켓을 구입하게 되면서, 오랜 기간 동안 지속되어 온 시즌 구독 제도는 점점 더 시대착오적이 되었다. 관현악의 기부금과 미국 오케스트라의 일상적인 운영에 보다 중심적으로 - 관현악 기부자들은 투자 포트폴리오가 축소되거나 수익률이 낮아져 기부자들의 기여 능력이 감소하는 것을 목격했다; 게다가, 기부자들이 다른 사회적 원인을 더욱 설득력 있게 찾아내는 경향이 있다. 정부 자금이 유럽 오케스트라보다 미국에게 덜 집중되어 있지만, 그러한 자금 지원의 삭감은 미국의 앙상블들에게 여전히 중요하다. 마침내, 음반 산업 자체의 변화에 적지 않게 얽매여 있는 녹음으로 인한 수익의 급격한 하락은 아직 결론에 이르지 못한 변화의 시기를 시작했다.

11장 파산에 들어간 미국 오케스트라에는 필라델피아 오케스트라(2011년 4월), 루이빌 오케스트라(2010년 12월), 7장 파산에 돌입해 운영을 중단한 오케스트라에는 2006년 노스웨스트 챔버 오케스트라, 2011년 3월 호놀룰루 오케스트라, 뉴멕시코 교향악단 등이 있다.2011년 4월에는 ra, 2011년 6월에는 시러큐스 교향곡. 플로리다 주 올랜도에서 열린 오케스트라 페스티벌은 2011년 3월 말에 운영을 중단했다.

주목과 비판을 받은 재정적인 어려움의 원인 중 하나는 미국 오케스트라의 음악 감독들의 높은 연봉이었고,[24] 이것은 최근 몇 년 동안 몇몇 유명 지휘자들이 감봉하도록 이끌었다.[25][26][27] 마이클 틸슨 토마스에사 페카 살로넨 같은 음악 관리자들은 새로운 음악, 새로운 발표 수단, 그리고 지역사회와의 새로운 관계가 교향악단에 활력을 불어넣을 수 있다고 주장했다. 미국 평론가 그레그 산도는 음악, 공연, 콘서트 경험, 마케팅, 홍보, 커뮤니티 참여, 발표 등에 대한 오케스트라의 접근법을 대중문화에 몰입한 21세기 관객들의 기대에 맞게 수정해야 한다고 구체적으로 주장해왔다.

현대 작곡가들이 원하는 효과를 얻기 위해 다양한 신시사이저를 포함한 파격적인 악기를 사용하는 것은 드문 일이 아니다. 그러나 많은 사람들은 색과 깊이에 대한 더 나은 가능성을 제공하기 위해 전통적인 오케스트라 구성을 더 많이 찾는다. 아담스와 같은 작곡가들은 종종 중국닉슨 오페라에서처럼 낭만적인 크기의 오케스트라를 고용한다; 필립 글래스 등은 더 자유롭지만 여전히 크기 경계를 확인할 수 있다. 특히 유리는 최근 첼로와 오케스트라위한 협주곡바이올린 협주곡 2번과 같은 작품에서 전통적인 오케스트라로 눈을 돌렸다.

후원금 감소와 함께 일부 미국 오케스트라는 전체 인원은 물론 연주에 출연하는 선수 수도 줄였다. 여기서의 숫자는 전통적으로 유동적이기 때문에(일반적으로 같은 부분에서 여러 플레이어가 플레이하기 때문에) 감소된 수는 대개 문자열 부분에 국한된다.

도체의 역할

아포 슈지휘봉을 사용하여 중화민국 타이베이에서 NTNNU 교향악단을 지휘하고 있다.

지휘는 관현악이나 합창 연주회 같은 음악 공연을 지휘하는 예술이다. 지휘자의 주요 임무는 템포를 설정하고, 앙상블의 다양한 구성원이 정확한 입력을 보장하며, 적절한 경우 표현을 "모양"하는 것이다.[2] 그들의 아이디어와 해석을 전달하기 위해 지휘자는 주로 손동작을 통해 그들의 음악가들과 의사소통을 하는데, 일반적으로는 (불변하지는 않지만) 지휘봉의 도움으로, 관련 연주자들과 눈을 마주치는 것과 같은 다른 제스처나 신호를 사용할 수 있다.[28] 지휘자의 지휘는 거의 변함없이 공연에 앞서 리허설에서 그들의 음악가들에게 언어적인 지시나 제안으로 보완되거나 강화될 것이다.[28]

지휘자는 일반적으로 모든 악기와 목소리에 대한 음악적 표기법이 들어 있는 전체 악보를 위한 큰 음악 스탠드를 들고 높은 단상에 서 있다. 18세기 중반 이후 대부분의 지휘자들은 지휘할 때 악기를 연주하지 않았지만,[citation needed] 고전 음악사 초창기에는 악기를 연주하면서 앙상블을 지휘하는 것이 일반적이었다. 1600년대부터 1750년대까지 바로크 음악에서 이 그룹은 일반적으로 하프시코드 연주자나 제1바이올린 연주자(콘서트마스터 참조)에 의해 이끌어지곤 했는데, 이는 근대에 이 시기부터 여러 음악 감독들에 의해 부활된 접근법이다. 피아노신시사이저를 연주하면서 지휘하는 것은 또한 뮤지컬 극장 피트 오케스트라와 함께 할 수 있다. 커뮤니케이션은 공연 중에 전형적으로 비언어적이다(예술 음악에서는 엄밀히 말하면 그러하지만 재즈 빅 밴드나 대형 팝 앙상블에서는 "count in"과 같은 구두 지시가 있을 수 있다. 그러나 리허설에서는 잦은 방해로 지휘자가 어떻게 음악을 연주하거나 노래해야 하는지에 대해 구두로 지시할 수 있다.

지휘자들은 자신이 지휘하는 오케스트라나 합창단의 안내자 역할을 한다. 그들은 공연할 작품을 선택하고 그들의 점수를 연구하는데, 그들이 특정한 조정(예: 템포, 발현, 표현, 섹션의 반복 등에 관한 것 등)을 할 수 있고, 그들의 해석을 고안하고, 그들의 비전을 연주자들에게 전달한다. 리허설 일정 수립,[29] 콘서트 시즌 기획, 오디션 청취 및 단원 선발, 미디어 내 앙상블 홍보 등 조직적인 문제에도 참석할 수 있다. 오케스트라, 합창단, 콘서트 밴드 그리고 큰 밴드와 같은 다른 상당한 규모의 음악 앙상블들은 보통 지휘자들이 이끈다.

지휘자 없는 오케스트라

바로크 음악 시대(1600–1750)에는 대부분의 오케스트라가 음악가들 중 한 명, 특히 수석 바이올린인 콘서트마스터에 의해 지휘되었다. 연주회장은 리듬감 있게 활을 들어올려 곡의 템포를 리드하곤 했다. 대부분의 바로크 기악 앙상블 작품의 핵심이었던 바소 연속 부분을 연주하는 현악 연주 기악가 중 한 명이 리더십을 발휘할 수도 있다. 전형적으로, 이것은 하프시코드 연주자, 파이프 오르간 연주자, 또는 루티스트나 이론가 연주자일 것이다. 키보드 연주자는 머리로 앙상블을 이끌 수도 있고, 또는 키보드에서 한 손을 떼어 더욱 어려운 템포 변화를 이끌 수도 있다. 루테니스트나 이론보 연주자는 악기의 목을 위아래로 들어 올려 작품의 템포를 나타내거나, 캐디나 엔딩 중에 리타드를 리드할 수 있다. 합창단과 기악 앙상블을 결합한 일부 작품에서는 두 명의 리더가 사용되기도 했다. 악기 연주자들을 이끌 콘서트 마스터와 가수들을 이끌 화음 연주 연주자. 클래식 음악 시대(1720–1800)c.에는 화음 악기를 사용하여 바소 연속극을 연주하던 관행이 점차 없어져 1800년에 이르러 완전히 사라졌다. 대신 앙상블은 지휘자를 동원해 오케스트라의 템포와 연주 스타일을 이끌어내기 시작했고, 특히 연주자의 활쏘기와 연주 스타일을 흉내내는 현악기 연주자들에게는 다른 현악기 연주에 실현 가능한 정도의 추가적인 리더십 역할을 담당하기 시작했다.

1922년 혁명 소련에서 지휘자 없는 오케스트라의 사상이 되살아났다. 교향악단 감색판스는 지휘자 없이 결성되었는데, 창립자들은 앙상블을 모든 사람이 평등하게 사는 이상적인 마르크스주의 국가를 모델로 삼아야 한다고 믿었기 때문이다. 그런 만큼 지휘자의 독재적인 지휘봉에 이끌릴 필요가 없다고 느꼈고, 대신 템포와 플레이 스타일을 결정하는 위원회가 이끌었다. 비록 소련 내에서 부분적인 성공이었지만, 그 개념의 주된 난관은 공연 중 템포를 바꾸는 데 있었는데, 이는 비록 위원회가 템포 변화가 어디서 일어나야 하는지에 대한 포고령을 내렸더라도, 이러한 템포 변화를 지도할 앙상블의 리더는 없었기 때문이다. 이 오케스트라는 스탈린의 문화 정치가 자금을 빼앗아 해체하기 전까지 10년 동안 살아남았다.[30]

서구 국가들에서는 뉴욕에 본부를 둔 오르페우스 체임버 오케스트라와 같은 일부 앙상블은 지휘자 없는 오케스트라에서 더 많은 성공을 거두었지만, 결정은 앙상블 내의 어떤 리더십 감각으로 미루어질 가능성이 높다(예를 들어, 주된 바람과 현악 연주자들, 특히 콘서트 마스터). 다른 이들은 주로 바이올리니스트인 주역이 예술감독으로 활동하며 리허설과 주도적인 콘서트를 하는 전통으로 돌아왔다. 호주 체임버 오케스트라, 암스테르담 신포니에타 & 칸디다 톰슨, 뉴 센츄리 체임버 오케스트라가 대표적이다. 또한 초기 음악 운동의 일환으로, 일부 20, 21세기 관현악단은 바로크 음악의 연단에 지휘자가 없는 바로크 관행을 부활시켰으며, 연주마스터나 화음 연주 바소 연속 연주자(예: 하프시코드나 오르간)를 사용하여 단체를 이끌었다.

다중 컨덕터

오프스테이지 악기

일부 관현악 작품에서는 무대 밖에서 트럼펫을 사용하거나 오케스트라의 다른 악기를 무대 뒤에서 배치하여 귀신이 들게 하고 신비로운 효과를 창출하도록 명시하고 있다. 오프 스테이지 기악가가 제시간에 연주하도록 하기 위해, 주 지휘자를 명확히 볼 수 있는 서브 컨덕터를 스테이지 바깥에 배치하는 경우도 있다.예로는 구스타프 홀스트의 행성넵튠의 결말을 들 수 있다. 주지휘자가 대형 오케스트라를 이끌고, 준지휘자가 주지휘자의 템포와 몸짓을 오프 스테이지 뮤지션(또는 음악가)에게 전달한다. 두 도체를 사용할 때 발생하는 어려움 중 하나는 두 번째 도체가 주 도체와의 동기화에서 벗어나거나 주 도체의 제스처를 잘못 조율(또는 오해)하여 오프 스테이지 악기가 시간에 맞지 않게 될 수 있다는 것이다. 20세기 후반과 21세기 초반 일부 오케스트라는 두 지휘자를 사용하는 대신 주 지휘자를 가리키는 비디오 카메라와 무대 밖 연주자 앞에 설치된 폐쇄회로 TV를 사용한다.

현대 음악

다단계주의와 다단계[31] 음악의 기법은 몇몇 20, 21세기 작곡가들로 하여금 여러 오케스트라나 앙상블이 동시에 연주하는 음악을 작곡하게 만들었다. 이러한 경향은 각 그룹의 음악가들을 개별적인 하위 컨덕터들이 지휘하는 다전도체 음악의 현상을 가져왔다. 보통 한 명의 주임 지휘자가 서브 콘덕터를 지휘하여 전체적인 성능을 형성한다. 3명의 지휘자가 포함된 퍼시 그레인저의 '워리어스'에서는 오케스트라의 1차 지휘자, 무대 밖 브래스 앙상블을 지휘하는 2차 지휘자, 타악기와 하프를 지휘하는 3차 지휘자가 등장한다. 세기말 관현악의 한 예는 청중 주위에 배치되어 있는 3개의 관현악단을 위한 카를하인츠 슈톡하우젠그루펜이다. 이런 식으로, "소리 덩어리"는 전기 음향 작품에서처럼 공간화 될 수 있다. 그루펜은 1958년 쾰른에서 슈톡하우젠, 브루노 마데르나, 피에르 불레즈가 지휘하는 초연되었다. 1996년 사이먼 래틀, 존 캐러웨이, 다니엘 하딩이 공연했다.[32]

참고 항목

각주

  1. ^ 그들의 해머액션 때문에 피아노첼레스타는 종종 타악기("음향 타악기"), 현악기(현악기)의 하프, 하프시코드, 기타, 목관기(목관기)에 포함된다. 하프는 적어도 낭만적인 시대 음악을 위해 현대 오케스트라에 정기적으로 포함되는 유일한 악기다. 피아노는 정기적으로 팝스 오케스트라의 일부분이고 하프시코드바로크 실내 오케스트라에 정기적으로 포함되어 있다.
  2. ^ 현재 같은 장소에서 두 오케스트라를 구별하기 위해 교향악단필하모닉 오케스트라를 사용하는 것은 단어의 의미가 가질 수 있는 이전 차이를 지운다. 오케스트라의 한 종류에 대한 그 두 개의 이름은 동일하다.[1]

참조

  1. ^ 위로 이동: "The difference between chamber, philharmonic, and symphony orchestra". Ludwig van Toronto. Classical 101. 4 August 2014. Retrieved 21 September 2020.
  2. ^ 위로 이동: Kennedy, Michael; Bourne-Kennedy, Joyce (2007). "Conducting". Oxford Concise Dictionary of Music (Fifth ed.). Oxford University Press, Oxford. ISBN 978-0-19-920383-3 – via Archive.org.
  3. ^ Liddell, Henry George; Scott, Robert (April 1999). "ὀρχήστρα". A Greek-English Lexicon. Tufts University – via Perseus.
  4. ^ Pannain, Guido. "Arcangelo Corelli". Encyclopædia Britannica. Retrieved 9 November 2015.
  5. ^ Berlioz, H. (1843). Traite d'instrumentation et d'orchestration [Treatise on Instrumentation and Orchestration]. Paris, FR: Lemoine.
  6. ^ Wagner, R. (1887). Ueber das Dirigiren [On Conducting]. London, UK: W. Reeves. a treatise on style in the execution of classical music
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  8. ^ Westrup, Jack (2001). "Instrumentation and Orchestration". In Sadie, Stanley (ed.). New Grove Dictionary of Music and Musicians (2nd ed.). New York, NY: Grove. §3. 1750 to 1800.
  9. ^ D. Kern Holoman, New Grove 2001의 "Instrumentation and Organization: 4. 19세기"
  10. ^ 위로 이동: Hopkins, G.W.; Griffiths, Paul (2001). Instrumentation and Orchestration. New Grove. 5. Impression and later developments.
  11. ^ "The Wagner Tuba". The Wagner Tuba. Retrieved 4 June 2014.
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  22. ^ 위로 이동: 블롬(1954년).[full citation needed]
  23. ^ 위로 이동: McVeigh, Alice (June 2006). "Faking it – the great unmentionable of orchestral playing". The Strad.
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  30. ^ Eckhard, John (1997). "Orchester ohne Dirigent". Neue Zeitschrift für Musik. 158 (2): 40–43.
  31. ^ "Polytempo music articles". Greschak.com. Archived from the original on 20 August 2002. Retrieved 4 June 2014.
  32. ^ Hensher, Philip (21 December 1996). "All talent and no gimmicks". The Daily Telegraph. ISSN 0307-1235. Archived from the original on 26 February 2016. Retrieved 7 January 2018.

추가 읽기

외부 링크