사회문제영화

Social problem film
사회 영화와 혼동하지 말자.

사회문제영화는 더 큰 사회적 갈등을 등장인물들 간의 개별적 갈등으로 통합한 서사영화다. 미국과 할리우드의 맥락에서 이 장르는 현실적 미국 국내적 또는 제도적 배경을 배경으로 한 사회적 위기에 대한 허구화된 묘사로 정의된다.[1]

많은 영화 장르들처럼, 정확한 정의는 종종 보는 사람의 눈에 띄지만, 할리우드는 1930년대에 많은 시사 영화를 제작하고 판매했으며, 1940년대까지 "사회 문제" 영화 또는 "메시지" 영화라는 용어는 영화 산업과 대중 사이에서 관습적으로 사용되었다.[2]

사회 문제 영화를 정의하기 위해 성장한 많은 특징들은 특정 사회 문제에 대한 국가의 인식된 의식을 중심으로 전개되며 그 문제를 서술적 구조로 통합한다. 전쟁의 참상, 빈민층의 고통, 중독, 여성의 권리, 특정세계의 비인간성 등 사회문제가 전시되는 경우가 많다. 이런 유형의 영화를 하나의 장르로 규정할 때의 문제는 많은 영화들이 사회적 이슈를 다루기 때문에 비슷한 스타일을 보여주는 영화들과 분리되어야 하는 능력 안에 있다. 그러나 사회문제 영화는 동시대인보다 훨씬 교훈적인 문체로 그 시대에 적용되는 것처럼 특정 시대의 사회문제를 다루면서 현 시대의 역사적 맥락 안에서 문제에 초점을 맞추면서 차별화된다.[3] 게다가, 사회 문제 영화는 다른 장르 영화들보다 특정한 이슈에 더 깊이 몰입할 수 있게 한다. 예를 들어, 갱스터와 교도소 영화는 사회적 이슈의 특정 특징을 반영할 것이지만 실제로 이 장르에 적합한 방식으로 문제를 완전히 탐구하지는 않을 것이다.[2]

특성 정의

역사적 맥락과 교훈적 특성

사회 문제 영화의 중요한 사실은 그것이 제작된 현 시대와 관련 있는 사회 문제를 반응하고 보여주는 능력이다. 그것은 특히 문제가 여전히 국가적 의식의 일부인 동안 문제를 다루고 있으며, 종종 서술과 성격 개발을 통해 문제가 실제로 무엇인지에 대한 주장을 형성한다. 초기의 사회 문제 영화는 종종 당시의 이념적 감정을 서사로 섞어 관객들이 흡수할 수 있는 메시지로 번역했다. 이것은 영화가 대중의 인식을 바꿀 수 있는 능력을 중심으로 일어난 어떤 사회학적 실험에서 증명할 수 있다. 그 대표적인 예가 영화 '신사의 합의'(1947) 내에서 반유대주의를 표방하고, 영화를 보기 전후에 반유대주의를 인식한 러셀 미들턴의 후속 사회학적 연구다. 놀랍게도 이 연구에 참여한 대다수의 사람들이 이 영화를 보기 전보다 반유대적인 감정이 현저히 줄어들었기 때문에 이 영화는 피실험자들에게 긍정적인 영향을 미치는 것 같았다. 비록 이 연구가 고려되어야 할 요소들이 있지만, 비록 이 연구가 다시 한번 사회 문제 영화의 주요 교육적 특성과 영화의 현 시대와 관련된 주제들의 태클 그리고 역사 시대의 관객들이 그러한 메시지를 어떻게 인지했는지를 보여주는 것 같다.[4]

이러한 역사적 맥락과 관객들의 반응은 영화의 교육적 성격과 흥미로운 이야기를 담고 있는 능력 사이에 흥미로운 균형을 만들어냈다.[3] 종종 고전 시대의 초기 영화들은 다소 설교적인 것으로 보일 수 있는데, 종종 허구적인 특징보다는 공익적인 발표처럼 보인다. 이것은 영화가 끝날 무렵에 종종 가르침의 순간이 나타나는 공통적인 장면에서 나타나는데, 그 등장인물은 말 그대로 영화가 묘사하고자 하는 사회적 메시지를 언급하는 연설을 자주 하게 된다. 예를 들면, 길의 야생 소년들(1933년)과 내 아이들은 어디에 있는가(1916년)의 끝에서 심사위원들을 통해 볼 수 있는데, 이 둘 다 제시되고 있는 허구의 이야기와는 거의 별개로 보이는 독백 형식의 교훈을 제공한다. 이 영화는 시대의 문제와 관련성이 있기 때문에 다른 사람들은 갖지 못할 수도 있는 이런 종류의 영화에 일종의 교훈적인 권위를 부여한다. 예를 들어, 내 아이들은 어디에 있을까? 시청자들에게 산아제한에 관한 잘못된 정보가 제공되고 있다고 믿는 검토자들 때문에 국가 검토 위원회를 통해 공개 석상에 도달하는 데 어려움을 겪었다. 그들은 이 영화가 사회적 문제를 다루는 허구적인 이야기보다는 자연에서 더 교육적이라고 믿었다.[5]

캐릭터와 제도에 초점을 맞춘 서술

사회 문제 영화는 종종 각각의 시대 동안 더 큰 사회적 이슈를 취하며 그것을 훨씬 더 집중적인 방식으로 보여준다. 문제는 종종 몇 명의 등장인물, 종종 가족이나 개인이 인지된 사회적 문제를 경험하면서 영화계를 가로지르는 이야기를 통해 표현될 것이다. 종종 그들은 사회적 문제들을 보여주기 위해 의도된 사회 제도와 직접적으로 상호작용할 것이다. 이러한 기관들의 전형은 영화의 전반적인 이념적 메시지를 바탕으로 한 것으로, 비효과적인 것으로 묘사되거나 적절한 해결책으로 이상화된다. 이러한 것들은 사회 문제 영화의 전개 과정 내내 볼 수 있고 심지어 사회 문제 영화의 형태가 바뀌면서 현대까지 볼 수 있다. 이런 화법의 예는 <젊음의 영혼>(1920)과 같은 영화 속에서 뚜렷하게 나타나는데, 이 영화에서는 집이 없는 비행 아동들의 더 큰 문제가 고아원의 비효과적인 부분을 통해 묘사되고 있으며, 주인공은 결국 그와 함께 정착하게 되는 법관 가족의 이상화된 삶과 맞물려 살고 있다. 언급할 만한 또 다른 예는 길의 와일드 보이즈(1933)에서 다시 한 번 나왔는데, 주인공들이 판사에 의해 다루어지고 있어, 전국적인 문제의 해결책을 소수의 개별 경험에 적용함으로써 더 큰 사회적 문제를 개인주의자의 렌즈로 끌어들이게 된다.[6]

기관들을 다루는 또 다른 중요한 사회 문제 영화는 알코올 중독을 주제로 한 술과 장미의 날들(1962년)이다. 이 영화는 음주를 통제하지 못해 부부가 점차적으로 사망하면서 다시 한 번 사회적 문제를 집중적인 인물들로 전환한 데 따른 것이다. 그러나 그것은 알코올 중독자 협회의 형태로 해결책을 제시하는데, 이것은 자신의 자아를 치료하는 효과적인 방법의 역할을 한다. 엘리자베스 허쉬먼에 의해 수행된 사회학적 연구는 이 영화의 묘사가 실제로 중독자들과 알코올 중독자들에게 우호적이라는 것을 밝혀냈다. 그는 영화를 본 후 AA를 그들의 문제를 해결하기 위한 실행 가능한 선택으로 보았다. 실제 인구에 대한 이러한 영향은 특정 이슈의 표면을 훑어보면서 순수하게 재미를 위한 영화와 비교하여 사회 문제 영화가 관객들에게 가지고 싶어하는 상호작용을 나타낸다.[7]

사회문제 영화 속 인물과 기관들의 집중적인 이야기를 다룬 보다 현대적인 사례는 베트남에서 돌아온 수의사들을 다룬 영화 '컴컴홈'(1978)의 군 병원의 비효과와 잔인함이다. 병원 내 모든 수의사에게 영향을 미치는 과실과 태만한 행동은 두세 캐릭터의 경험으로 줄어든다.

실생활 삽입 및 위치 촬영

사회 문제 영화 내에서 널리 볼 수 있는 한 가지 측면은 비액터들이 배경 인물이나 이성의 목소리를 서사 안에서 묘사하는 것뿐만 아니라, 장소에서의 장면들을 촬영하고 싶은 욕구를 이용하는 것이다. 이 두 요소 모두 장르에 필수적인 현실 세계와 진정성과 관계를 제공하는 데 도움이 된다. 앞서 언급한 영화 '청춘의 영혼'(1920년)에 실제 벤 린지 판사가 직접 연기한 사례도 눈에 띈다.[8] 이러한 삽입은 관객들이 현실에 기반을 두고 있다는 것을 아는 환경을 만들어 주었고, 따라서 이 장르가 가지고 있는 교훈적인 본성에 진정성을 부여했다. 사회문제 영화에 등장하는 메시지는 반드시 실생활 상대방에 의해 확인되어야 한다는 생각에 현실세계에서 온 인물의 존재는 정면으로 맞서고 있다. 저널리즘이나 다큐멘터리 영화를 연상시키는 청렴함을 빌려준다.[5]

로케이션 촬영은 사회문제 영화에 국한되지는 않지만 장르 내 특정 요인을 예시하는 수준으로 성장한 요인이다. 스튜디오 밖에서 그리고 실제 환경에서 촬영한다는 생각은 비연기자들이 하는 것과 같은 방식으로 영화의 진정성을 강화시킨다. 이런 리얼리즘 감각을 얻기 위해 이런 스타일의 촬영법을 활용한 영화가 앞서 언급한 '길의 야생소년'(1933년)이다. 아이들이 임시로 거주하고 있는 기차 마당 안에 설치된 이 영화의 장면들은 캘리포니아 글렌데일의 실제 기차 마당에서의 위치에서 촬영된다.[9]

아마도 실생활 삽입 아이디어의 가장 주목할 만한 예는 1942년 브라세로 프로그램 도입에 따른 멕시코 이민에 관한 사회 문제 영화인 국경 사건(1949년)의 개막 장면일 것이다. 영화는 보이지 않는 내레이터가 풍경, 노동력 부족, 그에 따른 브라케로 프로그램 제작에 대해 묘사하면서 농지 저공비행으로 막을 올린다. 이 영화의 제작 과정에서 활발하게 일어나고 있던 프로그램을 삽입한 것이다. 이 현실에 바탕을 둔 서술은 국경을 다섯 번 이상 언급하는 음성 오버와 결합되어 관객들에게 상호 의존의 이념을 미묘하게 밀어붙이는 동시에 상황을 진정성 있게 표현하는 것처럼 보이게 함으로써 다시 한번 현실적 삽입이 사회 문제 영화에 미칠 수 있는 영향을 보여준다. 시청자들에게 영향을 미칠 [10]수 있는 능력

트랜짓 앤 패밀리

많은 사회 문제 영화들은 교통과 가족 관계의 중요성을 담고 있다. 이러한 요소들은 관객들이 실행 가능한 해결책에 도달하기 위해 필요한 여정을 여행할 때 종종 주인공을 따르는 것처럼 보이기 때문에 장르에 더욱 진정성을 부여한다. 내부 여정은 문자 그대로 문자 그대로의 운송수단에 반영되는 경우가 많다. 와일드 보이즈 오브 더 로드(1933년), '내 아이들은 어디에 있는가'(1916년), 국경 사건 농장 노동자들의 국제 이주(1949년) 등에서 이런 사실을 알 수 있다. 마찬가지로, 가족에 대한 생각은 이 장르 내에서 명백하다. 종종 가족에 대한 생각이 가장 중요하다. 가족의 신뢰와 지지를 잃었을 때 주인공의 혈통이라는 면에서 결실이 있으며, 따라서 사회문제는 이러한 이상으로의 회귀로 해결되는 경우가 많다. 전시 감정은 이 중 일부를 설명할 수 있지만, 이 테마는 장르 전개 내내 유지된다는 점에 유의해야 한다. 커밍홈(1978년)이나 굿리(2014년) 같은 현대 사회문제 영화에서도 전자는 가족적인 중요성이 있고, 전자는 무슨 일이 있어도 옆에서 지켜주는 '형제들'의 면에서는, 후자는 새로운 삶을 위해 수천 마일을 여행하는 부족 구성원들의 모습을 하고 있다.

역사

프로그레시브 시대

이 장르는 1910년대 후반과 1920년대에 미국 중산층에 의해 심각하게 받아들여지기 위해 고군분투하던 새로운 매체인 영화계에 질과 리얼리즘을 불어넣기 위한 시도로 처음 등장했다.[1]

역사학자 케이 슬론은 무성영화 시대에 다양한 개혁파들이 어떻게 사회문제 반바지와 특징을 만들었는지를 보여 주었다. 일반적으로, 이 금지, 노사 관계, 그리고" 하얀 노예 제도."에 대한 우려에서 다루었습니다. 이러한 제1차 세계 대전 전 제작물의 이념은 종종 노동자에 대한 걱정과 영화제작자들이 실제 세계 문제들과 가진 상호작용과 일치한다. 이것은 일반인의 이슈를 전시하기 위한 첫 번째 시도였지만 실행 가능한 해결책을 제공한다는 측면에서 성공적이지 못했기 때문에 이 장르의 발전에 중요했다. 오히려, 이 영화들의 교훈적인 성격은 노동 문제에 대한 중상류층 해결책을 시사했다; 종종 영화 속 노동자들이 다루었던 문제들을 해결하기 위해서는 노동계급이 아닌 협상가가 참석해야 할 것이다.[11]

'해피엔딩'의 효과와 활용의 발견도 이 시기에 실시되었다. 해피엔딩은 관객들에게 카타르시스를 남기며 사회적 메시지가 제공되는 것에 만족하게 했다. 영화를 통해 사회 변화에 영향을 주고자 하는 감독과 영화제작자들의 욕구를 입증해 보이기 때문에 이 자체가 사회문제 장르의 필수불가결한 것이다.[11] 그러나 하나의 장르로서 이러한 프로그레시브 성명은 표준화된 상품, 과점, 스타 시스템 뒤에서 공고히 굳혀지고 있는 영화 산업에서 오래 지속되는 우려는 건드리지 않았다.

1930년대

Darryl F. Zanuck 휘하의 Warner Brothers는 "대서특필 영화"를 만들기 시작했다. 이러한 "헤드라이너"들은 일반적으로 값싸게 만들어졌고, 현실주의적인 미학에서 고뇌했으며, 노동자 계층의 환경과 뉴딜 정책에 동조했다. 이 시대의 사회 문제 영화는 뉴딜의 전반적인 국민 의식을 반영했다. 이 영화들 중 많은 영화들이 대공황의 여파로 국가들 사이에 자신감을 심어주고, 프랭클린 델라노 루즈벨트의 강령을 지지하기 위한 것으로, 당시 미국이 직면한 실업 문제를 완화시킬 것으로 보인다.[6]

이 영화들은 또한 개인에게 일자리를 찾아주는 의무를 부여하면서 동시에 도움이 필요한 사람들을 지속가능한 삶으로 다시 돌아가도록 돕는 이웃적인 태도를 갖는 것의 이점을 보여준다. 이는 특히 와일드 보이즈 오브 더 로드(1933)와 같은 영화에서 나타나는데, 주인공은 직업을 구하려고 친구들과 함께 가출했다가 결국 체포되어 도움을 필요로 하게 되고, 이후 판사에 의해 허락된다. 뉴딜 이념과 영화의 상호작용이 그에게 제시된 노숙자 아이들에게 원조를 해주면서, 이웃에게 도움이 되는 진보적인 성격이 실직자를 구하기 위해 중산층 인물이 필요했다는 사실을 고려하는 것을 허락하지 않고 관객들에게 떠밀리고 있는 판사의 자신감 넘치는 어조에 반영되고 있다.[6]

뉴딜이 단기적으로는 자신감을 주었지만 고용을 위한 장기적 성장에는 뒤떨어졌듯이, 이번의 사회문제 영화도 중산층 구세주의 비진보적 서술에 갇혀도 낙천감을 그렸다.[6]

이 시기에 이 장르에서 가장 주목할 만한 작품은 머비 르로이의 '나는 체인 갱에서 도망자다'(1932년)로, 그의 성공으로 워너 브라더스와 다른 스튜디오들이 이 공식을 모방하게 되었다.

한편, 컬럼비아 픽처스에서는 프랭크 카프라가 사회 문제 영화와 스크루볼 코미디를 혼합한 그의 대표작을 개발함으로써 (업계와 영화계 모두 대중에게 동등하게, 그 시기에는 드물게) 명성을 떨쳤다. 작가 로버트 레이신과 함께 일하면서, 그는 Mr. Practies Goes to Town (1936), Mr. Smith Goes to Washington (1939), Meet John Doe (1941년)과 같은 영화에서 이 혼합물을 개발하고 반복하고 다듬었다.

1940년대와 전후의 영화

전후의 사회 문제 영화는 경제 문제에서 사회 및 심리적인 조정으로 현저한 변화를 보였다. 이것은 아마도 민간 사회에서 재설립할 수 있는 퇴역군인들의 능력을 되돌려주려는 생각 때문일 것이다.[12] 1950년대까지 이 풍토에 있는 장르는 사무엘 풀러, 엘리아 카잔, 더글러스 시르크의 작품으로 특징지어졌다.[1]

실업에 대한 걱정에서 전쟁의 참상과 중독에 시달리는 이들의 재활로 국가의 생각과 감정이 진전되면서 사회문제 영화도 당시의 국민 의식에도 적응했다. 한 가지 국가적 두려움은, 귀국한 이들 참전용사들이 그들이 본 공포에서 벗어나, 고향에서도 적절한 상호 교환의 부족을 느끼면서, 그들의 귀환 중에 씁쓸할 것이라는 것이었다. 또한 핵가족이 해체되었다는 생각 또한 고려되었다.[12]

민간인 생활에 적응하는 3명의 귀향군인을 만성화한 '우리 생애 최고의 해'(윌리엄 와이어러, 1946)는 많은 미국인들이 사회로 귀향하는 것에 대해 느끼는 불안감을 달래주는 역할을 했다는 점에서 특히 강력했다. 전쟁으로 두 손을 잃은 주인공을 이용해 정상화를 위한 투쟁을 낙관적으로 묘사한 것으로, 그와 같은 경험을 가진 비전문가 배우 해롤드 러셀이 연기한 것이 눈에 띈다. 이 영화는 또한 전시 기간 동안 일어나는 강렬한 남성 유대감을 긍정적으로 묘사하여, 남성들 개개인이 서로에게 가지고 있는 지지를 보여준다. 그것은 또한 그들이 전쟁 전의 삶으로 돌아가면서 직면하게 되는 고군분투들을 보여주지만, 비록 이 영화는 결국 모든 것이 화해되는 해피엔딩으로 해결된다. 이 영화는 비액터들의 사용, 역사적 맥락의 중요성, 멜로적 느낌, 장르의 교훈적 성격 등 고전시대부터 사회 문제 영화의 일반적인 지침을 따르고 있지만 사회 문제에 대한 확인과 해결은 사회에 대한 경고에 그치는 것이 아니라 긍정적인 효과를 증대시키는 것에 대한 것이다.전쟁의 참혹함으로 휘청거리는 나라의 [12]기쁨

사회 문제 영화는 또한 미국의 전후 환경을 괴롭힌 다른 특정한 문제들을 다루었다. 예를 들어, 빌리 와일더의 <잃어버린 주말>(1945)은 알콜중독에 초점을 맞추며 마약과 알코올 남용을 다룬 영화의 주기를 시작했으며, 가스라이트(1944)는 이전 연극을 바탕으로 극화하여 후에 심리학적으로 거슬리는 이 기법의 이름을 딴 사람이 되었다. 정신 건강에 대해 언급하면서, 베들람(1946)은 미국인들 사이에 분노를 야기시켰고,[13] 이미 냉혹했던 당시의 국가적인 태도에 영향을 주었다.

미국 사회에 통합되었던 한 가지 사회적 이슈는 소수민족을 하나의 집단으로 분류하는 것이었다; 아프리카계 미국인, 아시아계 미국인, 유대인, 동성애자들은 모두 차별 없이 차별을 받았다. 그러나 나치즘의 폐해와 홀로코스트가 이런 종류의 증오의 결과로 세상에 드러나면서 이 문제에 대한 경각심이 상당히 높아졌다.[14] 반유대주의는 유대인들이 견뎌낸 고통 끝에 전 세계적인 화제가 됐고, 사회문제 영화는 그런 문제를 대변하려는 시도로 화답했다. 이 시기에 반유대주의와 인종차별에 대해 다룬 영화로는 핑키(1949년)와 용감한 자들의 고향(1949년)이 있다. 특히 신사협정(1947년)은 한 언론인이 그들의 경험을 이해하기 위해 유대인에게 합격하기로 결정함에 따라 그 뒤를 잇는다. 신사협정의 노력은 유대인 문화를 전혀 파헤치지 않았을 뿐만 아니라 홀로코스트의 효과에 충분히 깊이 들어가지 않았다는 이유로 유대인 비평가들로부터 비판을 받았다. 이 영화는 또한 반유대주의를 차별보다는 고약한 습관으로 묘사하는 것으로 보였다.[15] 그러나 상업적인 차원에서 이 영화는 성공했고 유대인에 대한 편견을 줄이는 방식으로 관객들에게 영향을 줄 수 있었다.[4]

1950년대와 1960년대

하원 비미국활동위원회(House Un-American Activities Committee) 형태의 매카시즘이 미국 사회에 대한 일부 좌편향적 비판에 대한 할리우드의 열의를 꺾은 반면, 이 장르는 그 후 20년 동안 계속되었다. 로버트 와이즈의 공상과학 영화 '지구가 가만히 서 있는 날'(1951)은 냉전 불신과 핵 편집증 환경에서 폭력과 세계 안보 문제에 대한 국제적인 협력을 촉구했다: '메시지'는 문자 그대로 문명화된 외계인에 의해 지구에 전달된다. 스탠리 크레이머의 다양한 인종 차별주의 표현들디펜던트 원스(1958년), 압력 포인트(1962년), 그리고 누가 저녁 먹으러 올지 추측(1967년)은 이 장르와 동의어가 되었다. 더구나 '청소년 비행 영화'는 사회 문제 영화의 검열적인 어조를 착취 영화와 멜로드라마와 결합시켰다.

정신건강시설의 비효과적인 부분에 대한 저널리즘적인 작품들이 잇따르면서 정신건강 관리의 사회적 문제에 대한 대중의 인식도 높아진다. 당시의 국가적인 태도는 나치 공포의 공개로 이미 허약한 상태였다.[13] 이것은 신뢰할 수 없는 환경과 냉전의 긴장과 결합되어 정신 건강, 치료의 비효과성, 그리고 개인에게 영향을 미치는 방법에 대한 많은 영화들에 반영되었다.

사회문제 장르는 특히 빅투 라이프(1956년)와 같은 영화를 통해 정신건강과 중독의 문제를 잘 반영했고, 결과적으로 뉴요커에 실린 "10피트 높이"라는 제목의 기사를 바탕으로 했다.[16] 이 영화는 건강하고 행복한 가족관계의 주인공을 따라간다. 그는 희귀한 질병으로 코르티손을 복용해야 한다. 결국 약을 남용하여 정신 건강에 문제를 일으킨다. 영화 속 병원과 의사들은 환자가 마약을 찾는 행동을 보일 때 코티손까지 더 많이 공급하면서 환자가 말하는 어떤 것도 믿지 않고 무능하다는 것을 보여준다.

빅 더 라이프(Big Than Life)는 또한 수많은 요인에 의해 야기된 고전 헐리우드의 사회 문제 영화와는 뚜렷한 변화를 보여준다. 1948년, 파라마운트 법령은 당시의 주요 스튜디오에 대한 미국의 획기적인 독점금지 소송 이후 제정되었다. 그 뒤에 나온 것은 많은 형태의 배급, 마케팅, 그리고 영화 상영 사이의 시간에 대한 제한이었다. 이것은 당시의 주요 스튜디오로부터 권력이 옮겨가는 결과를 낳았고, 그들은 따라서 그들의 영화를 마케팅할 새로운 방법을 찾을 필요가 있었다. 와이드스크린 시청이 가능하도록 가로 세로 비율을 넓힌 시네마스코프의 탄생은 할리우드 고전 시대의 종말로 여겨졌다. 사회 문제 영화도 적응할 수 있는 이러한 신기술에 접근하면서 Big Than Life는 덜 교훈적인 연설을 보여주었고, 대신 사회 문제가 무엇인지에 대한 관객들의 더 많은 해석을 가능하게 했다.[17]

1970년대

1970년대 영화들 중 큰 주제는 베트남 전쟁이었다; The Dere Hunter (1978년)와 Academy Now (1979년)와 같은 영화들은 병사들이 배치 중에 직면하는 심신적으로나 육체적으로나 극한의 조건들을 노출하는데 초점을 맞췄다.

반면 사회 문제 영화는 비평가들로부터 호평을 받은 '커밍 홈'(1978년)을 예로 들 수 있는데, 이 영화는 남편이 참전용사 병원에서 자원봉사를 하고 불구의 군인과 친구가 되면서 투어를 떠난 한 여성을 따라다녔다. 그러나 이 영화가 서사와 관객들과 상호작용하는 방식은 당시의 태도를 반영하는 형태의 변화를 보여주었다. 1960년대와 1970년대까지의 시기는 제2의 물결 페미니즘이 뚜렷해지면서 백인 상류층 페미니즘에 주안점을 두었지만 많은 사회적 이슈에 대한 불평등에 대한 경각심이 높아졌다. 이러한 페미니스트 이상에 대한 국민적 의식은 대체로 실패작이었던 전시환경과 결합되어 참전용사들을 온전히 돌볼 수 없는 것은 물론, 고전적인 사회문제 영화의 일정한 요소들을 유지하면서 <커밍홈>의 서사와 등장인물들을 통해 표현된다. 베트남 체험의 여성화는 주인공 루크를 통해 볼 수 있는데, 그는 샐리가 전형적인 군부인으로서의 역할을 초월하는 동시에 사회로 복귀하면서 자신을 여성화할 수 있게 된다. 소극적이고 정형적으로 여성스러워질수록 베트남의 참상을 뒤로 하고 떠나도록 허용된다. 이러한 유형의 성격은 앞서 돌아온 베테랑 사회 문제 영화에서 보았던 등장인물들과는 큰 차이가 있는데, 그 등장인물들은 종종 베테랑을 초매스쿨린으로, 그의 아내를 전통적인 가정주부로 묘사했다.[18]

게다가, '컴컴 홈'의 이야기는 이전의 사회 문제 영화들과는 현저한 차이를 묘사하고 있다. 관객들에게 교훈적인 주제를 강요하기보다는 교훈적인 주제를 넘나드는 이야기와 비누-오페라 로맨스 공식을 더 많이 따라다닌다.([19]결과적으로 영화가 우리에게 초점을 맞추기를 원하는 것을 분별하기가 어려울 때도 있다.) 하지만, 이 영화는 집중적인 이야기, 교훈적인 연설로 끝나는 것, 병원에서 퇴역 군인들을 묘사하기 위한 비액터들의 사용과 같은 사회 문제 영화의 특정한 특징들을 유지하고 있다.[20]

현대 사회 문제 영화

미국이 현대시대로 전환하면서 나라를 아우르는 사회문제는 특히 이민과 베테랑 경험의 경우 그 둘 다 고전적인 사회문제 영화에 많이 등장하는 문제의 다른 측면에 초점을 맞추도록 적응했다. 예를 들어, 국경 사건(1949년)의 주제는 멕시코에서 이주 농장 노동자들의 이민이었다. 복귀작인 사회문제 영화 '우리의 인생 최고의 해'(1946년)와 '귀향'(1978)은 베테랑들의 재활은 물론 치료에도 초점을 맞췄다.

현대 미국에서 수년 동안 관련되었던 이민 사회 문제는 난민 망명에 대한 아이디어인 반면, 현재 반환되는 이야기들은 종종 전쟁에 대한 중독과 그것이 없으면 정상적으로 작동하지 못하는 것에 초점을 맞추고 있다.

특히 수단 난민들은 내전에 시달리면서도 테러 공포로 미국 망명이 막히면서 관심이 집중되고 있다. 이 문제를 다룬 현대 사회문제 영화는 수단 어린이들이 마을을 탈출해 난민촌으로 건너가 성인이 되어 미국으로 오는 과정을 따라가는 '좋은 거짓말'(2014년)이다. 영화의 시작은 2만 5천 명의 아이들이 아프리카를 횡단하면서 원소, 동물, 그리고 그들을 죽이려고 하는 군인들을 따라다니며 그들이 길을 가는 동안 어느 정도 잃으면서 겪는 투쟁을 잘 표현해 준다.[21] 난민 캠프에서의 위치 촬영, 실제 난민을 배경으로 삼는 등 고전적 기법을 활용한다. 하지만 이 영화는 '컴컴홈'과 같은 사회 문제 영화의 형태와 훨씬 더 공통점이 있다. 이 영화에는 유명한 여배우 리즈 위더스푼이 출연할 뿐만 아니라, 궁극적으로는 청중들에게 설교를 하려는 노력보다 이야기와의 약혼을 훨씬 더 많이 활용한다. 주인공 그룹이 미국에 도착하면서, 이 영화는 난민들이 미국 관습에 적응하고 그들을 돕기 위해 의도된 관료 제도의 비효과적인 부분을 깨닫기 위해 애쓰면서, 이 난민들의 곤경을 보여주는 것에서 일종의 문화 충돌로 변화를 경험한다. '컴컴홈'처럼 관객들은 영화가 순수하게 교육적인 의미를 갖는 공간에 놓이지 않고, 오히려 상영되는 드라마와 사회적 문제를 구분하도록 격려받고 있다. 이것은 줄거리가 조작된 것처럼 보이고 특정 사회 문제에 충분히 집중하지 않는다고 주장하는 일부 평론가의 좌절에서 나타난다.[22] 사회 문제 영화의 변화하는 형태에 대한 이러한 특별한 측면은 관객들이 즐길 수 있기를 바라는 것은 물론, 몰입할 수 있는 잘 짜여진 이야기와 함께 어울리려는 욕구 때문이다.[23]

이것이 증명할 수 있는 또 다른 예는 귀향 군인 대표성의 변화다. 전시회가 미국 사회에 미치는 영향은 당시의 상황과 국민 감정에 따라 유동적이다. 이것은 종종 WWII 이후의 영화들이 퇴역군인들을 위한 귀향에 초점을 맞추어서 가족생활과 배우자의 지원을 격려하고, 또한 인간이 악을 범할 수 있는 능력을 드러내서 이러한 문제들을 해결하도록 하는 결과를 낳았음에 명백하다. 그 후 베트남 동안, 페미니스트 운동은 국가적 유감의 감정과 결합하여 전쟁의 공포를 묘사하는 극단적 매스쿨린 영화들뿐만 아니라 귀환하는 퇴역군인들의 곤경과 교훈적인 서사시 대신에 보다 공식화된 서사시적 접근을 창조했다.[3] 그렇다면 현 시대는 미국 내 이념적 측면에서 분열을 일으킨 중동 내 국제 갈등에 초점이 맞춰져 있다. 이 사회문제 영화는 이라크와의 전쟁에 참가하기 위한 잘못된 동기부여에 대한 생각을 다룬 그린존(2010년)과 같은 영화를 통해 이러한 감정들을 아우르도록 각색되었다.

그러나, 사회 문제 영화 장르와 더 관련이 있는 것은 퇴역군인을 복귀시키는 아이디어다; 퇴역군인에 대한 대우가 스크린에 전시된 반면, 현대의 사회 문제는 그 범위를 넘어서, 오히려 군인들 자신의 정신 상태와 그들의 상황을 영속시키는 시스템 속으로 들어간다. 이것은 20세기 영화들이 고려하지 않았던 방식인, 또 다른 형태의 사회 문제인 전쟁을 중독으로 묘사함으로써 이루어진다.[24] 이라크의 '폭발성 군수품 처리팀'을 그린 '허트 락커'(2009)의 경우가 그렇다. 요르단 로케이션 촬영, 비액터 활용, 소그룹에 집중했지만 직설적인 설교보다는 사회적 이슈를 잘 그려내기 위해 인물화, 스토리텔링, 촬영 스타일화에 초점을 맞춘다는 점에서 최근의 사회문제 영화와 훨씬 맥을 같이한다. 이 영화는 영화적이면서도 본능적이며, 전쟁과 음향과 기술적 진보의 활용이 결합되어 강렬하고 캡슐화된 서사를 만들어 내는 다큐멘터리 같은 스타일로 구성되어 있다. 다시 한 번, 시청자는 주인공의 평범한 가정생활을 여행에서의 경험에 비해, 그가 더 집에 있는 것처럼 보이는 것을 보기 위한 것이다. 영화는 전쟁을 마약과 동일시하는 인용구로 시작하여 주인공의 '투어의 날' 카운터를 0으로 재설정하는 것으로 끝나며, 이는 군인들이 겪는 어려움과 그들을 순수한 동기부여가 아닌 목적을 위해 만들어진 기계처럼 만드는 방법을 보여준다.[24] 이러한 장면들은 독백을 끝냄으로써 관객들에게 어떻게 느끼는지를 말하는 것에서 문제를 보여주고 관객들이 스스로 해석하도록 하는 것으로 뚜렷한 변화를 보여준다.

텔레비전 및 소셜 미디어

텔레비전과 같은 신기술의 발달로, 사회 문제에 관한 프로그래밍이 명백해질 수밖에 없었다. 사회 정의를 위한 다큐멘터리부터 지역 문제에 대한 공영 방송까지, 텔레비전은 영화가 접할 수 없는 방식으로 접근할 수 있다. The Big Lost와 같은 특정 프로그램은 현실로 제시된 환경에서 비만과 같은 특정한 사회 문제를 다룬다. 그러나 실제로는 모든 것이 대본으로 되어 있다. 참가자들은 자신만의 줄거리를 만들 권리를 포기하고 체중 감량을 해결하는 건강한 방법이 아닌 붕괴를 지적하는 훈련을 받는다.[25] 이러한 사이비 현실성은 식이요법이나 운동과 같은 실행 가능한 해결책과 함께 특정 사회 문제를 제시하면서도 빈곤 지역에서의 값싼 패스트푸드 같은 문화적 문제와 체계적 요인에 대해서는 말하지 않는다는 점에서 문제가 있다.

소셜 미디어의 증가는 광고, 뉴스, 시위, 캠페인, 그리고 다른 문화에 대한 노출과 같은 많은 확립된 시스템의 변화를 가져왔다. 발생하는 사건과 즉시 연결하고 대중과 무언가를 공유하는 능력은 마우스 클릭 한 번으로 접속할 수 있는 새로운 네트워크 개발로 이어졌다.[26] 그래서 이러한 삶의 다른 측면들이 영향을 받은 것처럼 사회 문제 영화의 아이디어도 그렇다. 사용자가 유튜브를 통해 전세계에서 일어나는 사건들의 실제 실생활 영상을 얻을 수 있는 능력은 영화적 표현이 장르에 맞기 위해 필요한 교육적 실체가 되는 것을 더 어렵게 만든다. 예를 들어, 이라크 전쟁 장면에 대한 검색 결과가 10만 건이 넘는 상황에서, 시청자가 순수하게 연관될 수 있는 현실감을 묘사하기가 어려워지고, 따라서 영화제작자의 예술적 영향력이 더욱 뚜렷해진다. 이것은 텔레비전을 통한 뉴스 프로그래밍의 발전과 결합되어 사회 문제 영화가 형태를 바꿀 수 밖에 없는 일종의 환경을 만들었고, 대다수의 교육적 접근은 사람들이 실제 영상을 접할 수 있기 때문에 더 이상 만족스럽지 못했으며, 따라서 더 깊은 특성화와 풍부한 서술의 구현이 다시 이루어지게 되었다.이 장르에 대한 보다 현대적인 출품작에 귀감이 된다.[27]

예

이 장르가 다루는 사회적 이슈는 다음과 같다.

참고 항목

참조

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참고 문헌 목록

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  • 슬론, 케이 1988년 음소거: 사회 문제 영화의 기원. 일리노이 대학 출판부. ISBN 0-252-01544-4