음악적 소양

Musical literacy

음악적 문맹은 음악을 읽고, 쓰고, 연주하는 것뿐만 아니라 문화적 실천과 역사적, 사회적 맥락에 대한 이해다.

음악 문해와 음악 교육은 종종 관계적으로 그리고 인과적으로 이야기되지만, 완전한 음악 문해력은 음악 교육학을 가르치는 것과 관련된 다양한 관행과 그것이 문해력에 미치는 영향에 대한 이해에도 관련되기 때문에 서로 교환할 수 있는 용어는 아니다.그때도 음악교육과 문맹의 관계적 인과적 연관성에 반대하며[1], 대신 사회적 특성과 음악 스타일 사이의 오로지 상호작용을 옹호하는 사람들이 있다."언어적 의사소통처럼 음악적 의사소통도 그 의미가 모호하지 않게 되려면 수신자가 올바른 맥락에 놓여야 한다."[2] 그렇기 때문에 개인이 음악적으로 문맹이 되도록 가르치는 교육학적 영향력은 '문맹' 그 자체와 혼동될 수 있다.

'뮤지컬 리터러시'도 마찬가지로 '음악 이론'이나 '음악학'과 혼동하지 않는 것이다.이 두 가지 요소는 궁극적으로 그러한 문해력 달성을 위한 수단으로 작용하는 음악 교육의 측면들이다.그때까지도, 많은[3] 학자들은 이러한 교육적 요소들이 음악적 읽고 쓰는 능력과 관련이 있는지에 대해 전혀 논쟁한다.'뮤지컬리티'라는 용어는 다시 '뮤지컬 리터러시'라는 개념과는 별개의 용어로, 음악가가 연주를 통해 감정을 표현하는 방식이 음악 읽기 능력을 나타내지 않기 때문이다.[4]

음악적 읽고 쓰는 능력에는 기계적이고 기술적인 과정(읽기, 쓰기, 놀이와 같은)과 더불어 역사 및 현대적 실천 양쪽에 대한 광범위한 문화적 이해(즉, 듣기와 놀이를 하면서 듣고 연주하고 음악적으로 해석하는 것)가 수반된다는 점을 고려할 때, 이러한 시각적, 읽기/쓰기, 청각 및 키네에서의 교육은 다음과 같다.미적 영역은 전체적으로 읽고 쓰는 능력을 얻기 위해 동시에 작용할 수 있다.

'뮤지컬 리터러시':정의의 역사

학자들이 연구와 토론에 시간을 투자하면서 '뮤지컬 리터러시'라는 용어가 무엇을 포괄하는지에 대한 이해가 시간이 지나면서 발전해 왔다.치코스 & 도하니(2016년)[5]가 집계한 짧은 시간표는 다음과 같다.

  • 볼거(1973년)에 따르면 음악적 성취의 기본 구성 요소는 '토날적이고 리듬감 있는 리터러시(음악적으로 읽고 쓰는 것을 논술적으로 듣고 느끼는 능력)'[6]이다.
  • "이씨와 다우니의 작품(2004)에서 음악적 소양은 기본적인 음악적 기술, 즉 음악적 점수를 읽는 것을 말한다."[7]
  • 허브스트, 드 웨트 & 라이즈디크(2005)는 "구술이나 기악에 반대되는 (작곡 또는 기악에 반대되는) 음악의 상대적 무게 또는 중요성[음악 교육자 중]"[8]에 대해 토론한다.
  • 텔퍼(2006년 바텔에서 인용)에 따르면, 음악 리터러시 정의는 투구와 리듬을 읽는 것에서 '음악의 의미'[9]를 읽는 것으로 바뀌었다.
  • 음악교육 분야에서는 [헝가리 국가핵심 커리큘럼](2012년)이 음악사, 음악이론 등 음악적 소양에 대해 서로 다른 요소를 규정했다.[10]
  • "새로운 국가 음악 교육자 표준(Shuler, Norgaard & Blakeslee, 2014년)은 읽고 쓰는 것과 같은 전통적 학습 목표를 포함하여, 소위 예술적 읽고 쓰는 능력 개발에도 관여했다."[11]
  • 치코스 & 도하니(2016년)에게 "음악 리터러시라는 용어는 음악과 음악적 능력의 문화적으로 결정된 지식 체계를 가리킨다.그러한 복잡한 현상에 대한 평가는 ⑴ 해당 분야의 전문가가 정의한 사실적 지식과 음악적 능력, ⑵ 사회적 필요에 의해 결정되는 지식 구성요소를 무엇과 어떻게 평가할 것인지에 관한 다양한 접근방식을 필요로 한다.[12]

왈러(2010년)[13]와 같은 학자들도 "읽기와 쓰기는 동시에 필요한 과정"[14]이라고 언급하면서 서로 다른 기계적 과정의 관계적 이익을 구분하는 데 더 심혈을 기울이고 있다.'읽기 위해 쓰고, 읽기 위해 쓰는 법'[15]을 배운 경험은 학생들이 소비자와 프로듀서가 되어 '음악을 돌려받아 음악 발전에 온전한 참여자로서 자신만의 음악적 아이디어를 형성하도록 했다'는 것이다.[16]

학습 접근법

음악적 읽고 쓰는 것의 기계적이고 사실적인 요소들은 '음악 이론'과 '음악학'이 있는 교육 환경에서 가르칠 수 있다. 이러한 "확실하게 표현된 정보의 비트들"을 사용하기 위해서 말이다.[to] 오른쪽 지각 집합과 해석 프레임워크를 트리거하거나 활성화한다."[17]둘 다 쓰고(i.e. 음악 이론)[18]표준 서양의 표기법을 읽는 것과 곡을 썼다, 정치적, 사회적, 역사적 맥락뿐만 아니라 그것이(i.e. 음악학)[19]learni 및 읽기/쓰기 시각적 접근법을 구성한다 practiced/performed 있는 방법에 대하여 읽기 교수의 기술적인 자연.쇼핑을 했다."실제 지식과 능력 요소들"은...주어진 사회적 맥락 안에서 문화적으로 발전된다"[20]고 말했으며, 인쇄된 악보 위에 있는 표지와 기호는 "[음악가]들이 [음악가] 담론을 이해할 수 있게 해주는" '추상적인 상호작용'[21]에도 사용된다.[22]아스무스 주니어(2004)[23]는 "대부분의 교육자들이...에 동의할 것"이라고 제안한다.음악적 표기법으로 연주할 수 있는 능력이 무엇보다 중요하다;[24] 그것은 "음악 독서가"가 될 수 있는 유일한 방법이다."음악을 읽는 것"이다.[25]

그러나 청각 학습도 마찬가지로 중요하다(Herbst, de Wet & Rijsdijk, 2005[26]). 그러나 "음악의 '초외적'이나 [순수한 음악] 내용 중 어느 것도 관련 음악이나 세계의 이전의 경험으로부터 아무것도 가져오지 않는 청취자에게 찾아올 수 없다".[27]듣는 것은 "음악을 통해 그리고 문맥에 따라 듣는 것"이다.그것은 패턴, 규범, 현상, 사실, 특정 음악 그 자체 밖에 놓여 있는 것과 어떤 식으로든 병렬화되도록 하기 위함이다.[28]청각 중심의 교육은 "스타일, 장르, 시대 범주, 개별 구성 말뭉치와 관련된 규범 숙주의 백드롭"에 대항하여 종합적인 경청 및 청각적 인식을 가르친다.[29]이 프레임은 "음악[al part] 과정 중 긴장감과 방출, 기대와 성취, 또는 함축과 실현의 순서에 따른 적절한 반응과 등록"[30]이다.이 학과에서는 전통적인 교실 교육이 "재조사자"만 있는 것이 아니라 완전한 음악적 읽고 쓰는 능력을 습득하는데 있어서 종종 실패한다.학교에 오는 아이들은 언어에 대한 경험만큼 음악에 대한 기초적인 청각적 경험이 없다고 지적했지만,[31] "독서에 대한 집중력 부족은 다른 많은 학습자들을 완전히 미룬 채 수많은 학습자들의 진보를 가로막고 있다"[32]고 지적했다.음악적 읽고 쓰는 능력은 음악 교육과는 독립적으로 작동하는데, 이는 개인의 읽고 쓰는 능력에 영향을 미치지만, 교육의 질에 의해 정의되지 않기 때문이다.

나아가 음악교육의 운동학적 측면은 "인간의 상호작용은 상징의 사용, 해석에 의해, 그리고 서로의 행동의 의미를 확인함으로써 매개된다"[33]는 점에서 음악적 읽고 쓰는 능력의 달성에 역할을 한다."인간의 감정이 몸짓과 자세로 자신을 구현하는 다른 방식들...특정한 리듬, 모티브, 음각, 악기에 의해 전달되는 일련의 문화 연합들...작곡가의 생애, 작품, 설정의 [및][34] 측면은 작품의 역사적 맥락에 대한 음악가의 이해뿐만 아니라, 현대 음악적 배경과 연습에서 작품의 재문자로 그것에 첨부된 어떤 새로운 의미도 형성한다.

음악적 읽고 쓰는 능력 발달의 이러한 측면들은 이러한 유형의 시각, 청각, 읽기/쓰기, 그리고 운동 감각 학습에 다른 방식으로 접근하는 다양한 교육 관행으로 결합된다.불행히도, "음악적 소양이 풍부한 것은...에서 좀처럼 습득되지 않는 능력이다."[35]많은 어린이들이 음악을 읽는 방법에 의해 실패한다."[36]와 같은 서양 문화.이와 같이, 많은 학자들은 음악 교육학에 접근하는 가장 좋은 방법에 대해 논쟁한다.

교육학

많은 학자들에게 있어서, 인쇄음악의 관습을 배우기 전에 청각적 기술을 습득하는 것, 즉 '기호 앞의 소리'[37] 접근법은 "음악적 의미를 만드는 기초" 역할을 한다.[38]언어 발달에 있어 교육학적인 접근법과 마찬가지로 밀스 앤 맥퍼슨(2015)[39]은 "어린이들이 문어[즉]와 싸우기 전에 구어[즉, 청각적 기술]로 유능해져야 한다"고 말한다.시각/문자 표기 기술]."[40]다른 사람들에게는 '언어 기반 및 언어 기반' 접근법이 더 효과적이라고 생각하지만, "언어의 기본 구조와 어휘가 먼저 확립된 후"에 불과하다.[41]건문즈도티르는[42] 발전하는 두뇌의 수용성이 변화하고 있다는 점을 감안할 때 "교습 방법을 선택할 때 학생의 나이를 고려해야 한다"[43]고 권고하고 있다.

Gudmundsdottir가[44] 이 주제에 대해 취합한 현장 연구는 다음과 같은 점에 주목한다.

  • "박자를 표시하기 위해 발로 두드리는 방법, 수를 세거나 박자를 맞추는 방법은 나이가 많은 어린이와 청소년들에게 매우 효과적일 수 있다(보일 1970; 살츠베르크와 왕 1989). 같은 방법은 3, 4학년 학생들에게 효과적이지 않고 산만하다(Palmer 1976; 살츠베르크와 왕 1989), 그리고,[45]
  • 리듬 패턴을 식별하고 재생산하기 위해 음성 신호를 사용하는 방법은 초등학교 3학년과 4학년(베보 1982년, 팔머 1976년, 쉐한 1987년)은 물론 초등학교 6학년(쉐한, 1987년)에게도 효과적이고 적절한 것으로 보인다.[46]

더욱이 밀스 앤 맥퍼슨은[47] 다음과 같이 결론짓는다.

  • 맥퍼슨과 가브리엘손(2002)이 권고한 일반 규칙은 아이들이 이미 알고 있는 작품을 귀로 읽는 것, 어느 작품이 더 정교한 수준의 처리가 필요한지 모르는 작품보다 먼저 배우는 것이다.[48]

Burton은[49] "플레이 기반 방향"을 찾았다.아이들이 자연적으로 배우는 방식에 호소[편집][50]하고, 음악을 읽고 쓰고 연주/언어화하는 방법을 배우는 과정이 언어를 배우는 과정과 유사하다고 말했다.[51]인쇄음악에 대한 이해를 키우기 위해 다른 학교 수업의 개념적 틀을 이용하면서 아이들의 에너지 배출구를 만드는 것은 두뇌 발달의 모든 영역을 풍부하게 하는 것으로 보인다.[52]이와 같이 [53]쿱만(1996)씨는 "부유한 음악적 경험만으로도 학교에서 음악을 가르치는 것이 정당화된다"는 의견이다.[54]

Stewart, Walsh & Frith(2004)[55]는 "음악 읽기는 훈련된 음악가들의 자동 과정"[56]이라고 말하고 있는데, 여기서 정보의 속도와 사이코모터 프로세싱이 높은 수준에서 일어난다(Kopiez, Weihs, Ligges & Lee, 2006).[57]시각 정보, 전동기 반응, 그리고 visual-motor의 코딩한 반면,“능력에게 악보 없이 연주 하는 음악 독서 능력에 적당한 긍정적인 상관 관계를 갖게 될 것”[59]연구들도 피치와 타이밍의 개념 있perceiv을 보여 주는 둘 다 남에게 의지하여이고 독립적으로 서로 발생하는 여러 과정을 만드integration[58].sepa Iago경솔하게[60]

피치 인식의 발전은 또한 음악의 맥락과 악기 또는 설정이 필요로 할 수 있는 기계적인 기술에 따라 그 자체로 달라진다.Gudmundsdottir는[61][62] "악기에서 성공적인 음악 읽기는 시력 측정과 같이 반드시 음조의 내부 표현을 필요로 하지 않는다"[63]고 언급하고 있으며, 한 분야의 숙련도가 다른 분야의 기술을 보장하지는 않는다.음의 소리를 그 인쇄된 표기법과 연결시키는 능력은 고도로 발달한 음악 독자들의 초석이며, 그러한 청각적 기억으로 인해 작품을 '시력-독서'할 때 '앞에서 읽음'을 할 수 있게 한다.[65] Less-developed readers — or, “button pushers”[66] — contrastingly overly-rely on the visual-mechanical processes of musical literacy [i.e., “going directly from the visual image to the fingering required [on the instrument]”,[67] rather than an inclusive auditory/cultural understanding (i.e. how to also listen to and interpret music in addition to the mec해니컬 과정음악적으로 문맹과 문맹이 있는 개인은 단음(단음)을 구별할 수 있지만, "전문가들은 특정 화음이나 음계로 투구 그룹을 식별하는 능력에서 초보자를 능가한다.그리고 즉시 그 지식을 모터 출력물로 변환한다."[68]

이와는 대조적으로, "리듬 제작은 청각 코딩 없이[전반적으로] 어렵다"[69]는 것은 모든 음악가들이 "음악적 미터[그리고 일시적 사건]의 내적 정신적 표현을 그들이 공연하는 것처럼" 하고 있기 때문이다.[70]학교 교실에서 음악을 읽고 쓰는 맥락에서 버튼은[71] '[학생들이] 그들만의 리듬감을 활자로 만들고 있다'[72]는 것을 보고 리듬 패턴에 대한 청각적 인식이 원고에 필사했던 것과 일치하지 않는다는 것을 깨달았을 때 스스로 바로잡아 나가곤 했다.[73]Shehan(1987)은 리듬을 가르치기 위한 성공적인 전략이 언어 사용능력의 가르침에서 "문자 패턴"으로 이익을 얻는다고 지적한다.[74]음성 신호의 형태로 된 오럴 라벨과 연관되어...리듬 리딩을 가르치는 성공적인 전략이 될 것"[75]이라고 말했다.

밀스 앤 맥퍼슨 학자들은 음악 표기법을 읽는 과정에서 발달 단계를 파악하고, 교육학적으로 접근하는 방식을 학생의 신경학적 발달/나이가 가장 잘 받는 단계와 연관시킬 것을 권고했다.[76]예를 들어, 젊은 초보자들로 하여금 자신이 알고 있는 작품들에 대한 시각적 표현을 발명하도록 장려하는 것은 그들에게 "왜 직원 표기법이 그렇게 보이고 작동하는지를 이해하는 방향으로 나아가는 과정을 강화시킬 수 있는 사실적 인식"을 제공한다.[77]마찬가지로, 6세 미만 어린이의 경우, 선율에 대한 사전 청각적 지식을 악기상의 핑거링으로 번역하는 것(즉, 운동신학 학습)은 나중에 시각적 표기법을 도입할 수 있는 기초를 마련하고, 음악적 읽고 쓸 줄 아는 능력을 발달시키는 '재미' 요소를 유지한다.[78]

음악 표기법을 읽는 데 있어서의 이러한 발전 단계는 밀스 앤 맥퍼슨에[79] 의해 다음과 같이 요약된다.

  1. "특징: 표기법의 기초를 이루는 페이지의 표시.여기에는 선과 곡선의 특징에 대한 인식과 음악적 상징과 음표, 그리고 그것들이 체계적이면서도 의미 있다는 지식이 포함되어 있다.
  2. 문자/뮤지컬 노트 및 기호: 형상의 일관된 해석은 아이가 개별 노트, 클립 기호, 시간 서명, 동적 표시, 샤프, 플랫 등과 같은 기본 기호 단위에 참여하고 인식할 수 있도록 해준다.
  3. 음절/간격: 멜로디 패턴의 구조 분석은 인접한 음들 사이의 체계적 관계(예: 간격)를 인식하는 것을 포함한다.
  4. 단어/그룹:개별 노트에서 노트 그룹으로의 전환은 구성 요소 간격의 구조적 분석이나 전체 음악적 아이디어의 시각적 스캔(예: 코드, 스케일 런)을 통해 이루어진다.이것은 음악적 의미의 첫 번째 수준을 나타내지만, 이 수준에서는 개별 클러스터에 첨부된 의미를 디콘텍스트화하여 분리한다.
  5. 워드 그룹/모티프 또는 노트 그룹:군집들의 조합은 모티브 또는 모티브 그룹을 형성하는데, 이는 텍스트의 개별 구절과 절들을 이해하는 것과 동등한 음악적 의미 수준이다.이것들은 음악적 기능에 따라 길이가 달라질 수 있다.
  6. 아이디어/뮤지컬 구문 또는 그림:음악에서는 모티브를 음악 구절로 결합하여 개별적인 생각을 표현한다.
  7. 주요 아이디어/뮤지컬 아이디어:음악 구절의 조합은 한 단락의 주요 아이디어의 구성과 텍스트 처리 용어로 동등한 음악적 아이디어를 산출한다.
  8. 테마/뮤지컬 주제:뮤지컬 과목의 이해 점수를 구성 요소는 음악적인 문구나 과목 전문적 숙달할 수 없는 소리, 분위기, 역학의 점수(캔트웰&밀러드, 1994년,를 대신하여 서명함. 47–9)의 개인화된 해석을 가능한 방법의 변화 등을 포함하기 등에 음악성에 대한 감각을 부과하는 것을 포함한다."[80]

이러한 원리를 실제적인 교수법으로 해석하는 사상/교육학에는 다양한 학파가 있다.또한 "음악적 이해[시각과 청각적 학습의 맥락에서 문화-역사적 지식]을 발달 영역으로 하여 음악을 읽고 쓰는 능력을 고려하는 연구의 결핍"을 동시에 다루려는 많은 교육학적 접근법의 목적도 있다.[81]이러한 가장 잘 알려진 교육 체계 중 하나는 '코달리 방법'이다.

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코달리 방법

졸탄 코달리는 유창한 음악적 읽고 쓰는 능력을 얻기 위해서는 음악가에게 동시에 같은 비율로 발전해야 하는 네 가지 근본적인 면, 즉 (1) 잘 훈련된 귀, (2) 잘 훈련된 지성, (3) 잘 훈련된 마음(미적/감정적 이해), (4) 잘 훈련된 손(기술)이 있다고 주장한다.[82]그는 음악적 읽고 쓰는 능력이 "악기의 도움 없이 바로 읽을 수 있는 능력"과 관련이 있다고 주장한 최초의 교육자 중 한 명이었다.다양한 음악적 예와 스타일에 대한 감상에 대한 지식"이라고 말했다.[83]

코달리의 교육 기법은 언어와 언어 발달의 교육 구조에서 나온 요소들을 활용하여 음악적 문해력 개발 분야의 교육학적 노력을 보완한다.리듬에서, 코달리 방법은 원래 파리 체베와 갈린이 개척한 프랑스식 시간 이름 시스템에서 개작한 '이름'을 값을 치르기 위해 할당한다.; 음의 박자 수와 각각의 이름의 음절 수를 연관시킨다.

리듬과 유사하게 코달리 방식은 음절 음절을 사용하여 음절음을 음절로 표현하여 가수를 양성하는 니모닉 장치로 활용한다.이 기법은 11세기 승려인 귀도 다레조(Guido d'Arezzo)의 가르침에서 따온 것으로, 'Hymn'에서 'Ut, Re, Mi, Fa, So, La'를 사용했다.음절의 표현으로서 'John' (International Kodaly Society, 2014).현대 코달리 교수법의 아이디어는 음악적 스케일의 각 음절마다 음절이 할당된다는 것이다.

1 2 3 4 5 6 7 8/1

도 레이 미 파 소 라 테 도

This can be applied in ‘Absolute’ (or, ‘Fixed-Doh’) Form — also known as ‘Solfege’ — or in a ‘Relative’ (or, ‘Movable-Doh’) Form — also known as ‘Solfa’ — where ‘Doh’ starts on the first pitch of the scale (i.e. for A Major, ‘Doh’ is ‘A’; for G Major, ‘Doh’ is ‘G’; E Major, ‘Doh’ is ‘E’; and so on).

19세기 영국 전역에서 사라 글로버와 (계속) 존 커웬의 작품은 '움직이는-도' 솔파가 "가수들이 음악을 읽는 것을 가르치는 유서 깊은 교육학 도구"[84]가 되었다는 것을 의미했다.존 커웬은 음절 대 피치의 청각 언어적 도움 외에도 음계의 각 음조에 서로 다른 손팻말을 적용하는 운동학적 요소를 도입했다.

치코스 & 도하니는[85] 역사보다 코달리 방식의 인기를 긍정하고 바코치 & 플레와 할람을[86][87] "헝가리에서 코달리 방식의 강력성...학교 교육과정 내에서 음악적 읽고 쓰는 능력을 달성하는 맥락에서 "해외에서"[88]

점자 음악 리터러시

그러나 코달리와 같은 방법은 - 기존의 직원 표기법을 시각적 요소에 알리기 위해 소리에 의존하는 - 볼 수 없는 학습자들에게는 부족하다."얼마나 귀가 찬란하고 기억력이 좋더라도 시각장애 학생에게도 문맹은 필수"[89]라며 불행히도 기존의 직원 표기법은 시각장애인의 욕구를 충족시키지 못한다.

이를 바로잡기 위해 확대된 인쇄 음악이나 점자 음악 점수는 저시력, 법적으로 장님, 완전히 장님인 개인에게 공급하여 학습의 시각적 측면을 촉각적인 것(즉, 운동신경이 향상된 것)으로 대체할 수 있다.콘의 말에 따르면,[90] 맹인 학생들이 청각적 기술을 완전히 개발하기 위해서는...음악에 전폭적으로 참여하다.독립적이고 평생 학습자가 되다...음악을 완전히 분석할 기회를 가지다... 자신의 해석 능력을 충분히 활용하다...작문[작문]"[91]그리고 취업/진로"를 얻는다. 그들은 점자음악을 읽고 쓰는 법을 배워야 한다.

시각교육과 달리, 학생들에게 점자로 언어를 읽는 법을 가르치는 것은 점자로 된 음악적 읽고 쓰는 능력을 가르치는 것과 유사하다.뚜생앤타이거는[92] '촉각 자극(즉 점자 기호)과 청각 또는 발성 자극(즉, 구어체 이름)'[95]의 관계에서 망골드와[93] 크로포드앤엘리엇을 인용한다.이는 음악 교육에서 코달리의 시각적(즉, 전통적인 직원 표기법)-청각적(즉, 유사하게, 구어체 이름) 접근방식을 반영한다.

그러나 교육학적으로 유사함에도 불구하고 점자음악문해력은 시각장애인의 음악문해력보다 훨씬 낮다.이런 의미에서 너무, 대 블라인드는 눈 뜬 개인들의 대 음악 언어를 잘 알고 있는 비교%균등하게 궤도 예를 들어 —, 호주에서 5학교 학생들 93.9에 있은 눈 뜬 해에 언어 사용 능력에 있다.%[96]HSC학생들의 655%금리 장님 individu에 music,[97]는 동안 언어 사용 능력 공부에 비해.als는 대략 12%[98]이다.이안우찌는[99] 이런 이중 잣대에 대해 "만약 음악 선생님이 음을 읽지 못한다면 학생들이 얼마나 많은 음악을 배우게 될까?안타깝게도 시각장애아들의 선생님들은 점자를 직접 읽고 쓰는데 유창하지 않다고 말했다.[100]

Braille music.jpg

음악적 읽고 쓰는 능력의 핵심은 '추상적이고 반복적인 듣기'[101]와 관련이 있지만, "음악 읽기에 대한 지식과 연구를 가정, 원리, 절차의 체계로 조직하여 빈약한 시력 개인에게 이익이 되는 음악 읽기의 명시적 이론이 여전히 필요하다"[102]는 것이다.독해능력과 "다수를 이해하는 능력"의 기본 요소를 통해서다.음악적 읽고 쓰는 능력이 달성될 수 있다는 것을"[103]이라고 말했다.[104]

그럼에도 불구하고, 눈에 보이든 안 보이든 간에, 음악적 읽고 쓰는 능력을 달성하기 위해 필요한 다양한 교수법과 학습 접근법은 그들이 음악과 접촉했을 때 개인 내에서 작용하는 심리적, 신경학적, 다감각적, 운동적 능력의 스펙트럼을 증명한다.많은 fMRI 연구들은 음악 및 고급 음악 사용능력이 두뇌 발달에 미치는 영향을 적절히 입증했다.

뇌 발달

악기로 음악과 연주를 처리하려면 뇌의 양쪽 반구 모두의 관여가 필요하다.[105]구조적 차이(즉, 증가된 회백질)는 기악 훈련 동안 배운 음악적 기술(예: 양손의 독립적인 미세한 운동 기술, 음조의 청각적 차별)과 직접적으로 관련이 있고 언어 및 수학의 향상과도 간접적으로 관련이 있는 음악적 개인들의 뇌 영역에서 발견된다.실력[106]

많은 연구들은 "음악이 우리의 마음속에서 학습을 더 단순하게 만들 수 있는 건설적인 결과를 가져올 수 있다"[107]고 증명한다.예를 들어, 어린 아이들은 음악적 식자율의 측면을 개발한 후에 복잡한 산술과 과학을 포함한 더 높은 정신 능력을 위해 필수적인 공간 IQ가 46% 증가하였다.[108]이러한 수학적 기술은 음악 표기법을 배우는 데 수반되는 공간적 훈련으로 뇌에서 강화되는데, 이는 "리듬 표기법을 이해하려면 실제로 패턴 인식과 비율, 분수 및 소분할 [노트 값]과 같은 수학 고유의 기술이 필요하기 때문이다.[109]

뛰어난 '언어, 표현력, 서신의 단순성을 포함한 대화능력'[110]은 음악적 소양을 갖춘 개인에서도 볼 수 있다.이는 "음악과 언어 처리 모두 소리의 흐름을 작은 지각 단위로 세분화하는 능력을 요구하기 때문"[111]이다.연구는 음악적 읽고 쓰는 능력과 독해와 추론 사이의 관계,[112] 그리고 여가와 정서적 발달,[113] 조정과 혁신성, 주의력과 집중력, 기억력, 창의력, 자신감, 공감대인 관계와 같은 비인지적 기술들을 확인시켜 준다.[114]윌리엄스([115]1987)는 이런 다양한 요소와 영향으로 "문해력이 능력뿐만 아니라 존엄성도 부여하고, 자기 이미지와 성공에 가장 큰 도움이 된다"는 의견을 갖게 됐다.[그것은 학문의 큰 기쁨을 준다...참여의 짜릿함과 정보에 입각한 경청으로 인한 만족감"[116]

참조

  1. ^ 스완윅, 1999년, 치코스 & 도하니, 2016년, 페이지 6에서 인용.
  2. ^ 레빈슨, 1990, 페이지 24
  3. ^ 레빈슨, 1990년; Csapo, 2004년; Waller, 2010; Hodges & Nolker, 2011; Burton, 2015; Mills & McPherson, 2015; Csikos & Dohany, 2016.
  4. ^ 1976년, Gudmundsdottir, 2010년, 페이지 4에서 인용한 Wolf.
  5. ^ Csíkos, G.; Dohány (2016), "Connections between music literacy and music-related background variables: An empirical investigation" (PDF), Visions of Research in Music Education, 28, ISSN 1938-2065
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