미니멀 뮤직

Minimal music

미니멀 뮤직(Minimalism이라고도 한다)[2][3]은 제한적이거나 최소의 음악 자료를 사용하는 예술 음악 또는 기타 작곡 연습의 한 형태다.미니멀리즘 음악의 두드러진 특징으로는 반복적인 패턴이나 펄스, 꾸준한 드론, 자음 조화, 음악 문구나 작은 단위의 반복 등이 있다.그것은 위상 이동과 같은 특징들, 즉 소위 위상 음악이라고 불리는 것을 초래하는 것, 또는 보통 프로세스 음악으로 묘사되는 엄격한 규칙을 따르는 프로세스 기법을 포함할 수 있다.그 접근방식은 비해설적, 비텔레지컬적, 비표상적 접근방식으로 표시되며, 음악의 내부 과정에 집중함으로써 듣는 활동에 주의를 환기시킨다.[4]

이 접근법은 1960년대의 뉴욕 시내 장면에서 시작되었고, 처음에는 뉴욕 최면술 학교라고 불리는 실험음악의 한 형태로 여겨졌다.[5]서양 미술 음악 전통에서 미국 작곡가 라 몬테 영, 테리 라일리, 스티브 라이히, 필립 글래스는 최소한의 접근법을 이용하는 작곡 기법을 최초로 개발한 것으로 인정받고 있다.[6][2][7][8][9]이 운동은 원래 수십 명의 작곡가들이 참여했는데, 비록 5명(영, 라일리, 라이히, 글래스, 그리고 후에 존 아담스)만이 미국의 미니멀한 음악과 공개적으로 연관되게 되었다. 다른 덜 알려진 개척자들로는 파울린 올리버스, 필 니블록, 리처드 맥스필드 등이 있었다.유럽에서는 루이 앤드리센, 카렐 괴이바츠, 마이클 나이만, 하워드 스켈튼, 엘리아인 래디그, 개빈 브라이어스, 스티브 마틀랜드, 헨리크 고레키, 아르보 파르트, 존 타베네르의 음악이 미니멀리스트적 특징을 보인다.

미니멀 뮤직이라는 용어가 어디서 유래되었는지는 불분명하다.스티브 라이치는 조나단 버나드, 댄 워버튼 등 두 학자가 서면으로도 주장해온 마이클 나이먼의 덕택이라고 시사했다.필립 글래스는 톰 존슨이 이 문구를 만들었다고 믿는다.[10][11][12]

간략한 역사

"미니멀"이라는 단어는 아마도 1968년 마이클 나이먼에 의해 음악과 관련하여 처음 사용되었을 것이다. 마이클 나이먼은 "ICA에서 샬롯 무먼과 백남준이 제시한 오락물로부터 성공적인 '미니멀 뮤직'을 위한 레시피를 제공했다." 이 레시피에는 헤닝 크리스천슨스프링엔의 공연과 다수의 미확인 공연 예술이 포함되어 있었다.조각들[13]니만은 이후 1974년 저서 '실험음악: 케이지비욘드'에서 미니멀한 음악에 대한 정의를 확대했다.미니멀리스트로 자칭한 몇 안 되는 작곡가 중 한 명인 톰 존슨 역시 이 단어를 빌리지 보이스의 새로운 음악 비평가로 처음 사용했다고 주장한다.그는 "미니멀리즘"을 묘사한다.

미니멀리즘의 생각은 많은 사람들이 깨닫는 것보다 훨씬 크다.정의상, 제한된 음표나 최소한의 음표만으로 동작하는 음악, 몇 마디의 텍스트만을 사용하는 음악, 또는 골동품 심벌즈, 자전거 바퀴, 위스키 안경과 같은 매우 제한된 악기를 위해 쓰여진 음악 등을 포함한다.그것은 하나의 기본적인 전자 럼블을 오랫동안 지탱하는 조각들을 포함한다.그것은 강과 하천을 녹음하여 독점적으로 만든 작품들을 포함하고 있다.그것은 끝없이 원을 그리며 움직이는 조각들을 포함한다.그것은 움직이지 않는 색소폰 소리의 벽을 세운 작품들을 포함한다.그것은 한 종류의 음악에서 다른 종류의 음악으로 점차 이동하는데 매우 오랜 시간이 걸리는 곡을 포함한다.그것은 C와 D 사이에 있는 한 가능한 모든 투구를 허용하는 피스를 포함한다.템포를 1분에 2, 3노트로 늦추는 작품도 포함되어 있다.[14]

이미 1965년에 미술사학자 바바라 로즈는 라 몬테 영의 드림 뮤직, 모튼 펠드만의 특징적으로 부드러운 역동성, 그리고 이름 없는 다양한 작곡가를 "모두 어느 정도는 존 케이지에게 은혜를 입었다"라고 "최소 예술"[15]의 예로서 명명했지만, 특별히 "최소 음악"이라는 표현을 사용하지는 않았다.

가장 두드러진 미니멀리스트 작곡가는 존 애덤스, 루이스 앤드리슨, 필립 글래스, 스티브 라이히, 테리 라일리, 라 몬테 영이다.[16]이러한 구성적 접근방식과 관련이 있는 다른 사람들로는 개빈 브라이언스, 마이클 나이먼, 마이클 파슨스, 하워드 스켈레톤, 데이브 스미스, 존 화이트 등이 있다.[17][18]아프리카계 미국인 작곡가들 중에서는 재즈 뮤지션 존 루이스와 다학제 예술가 줄리어스 이스트먼과 같은 인물들이 미니멀리즘 미학을 수용했다.[19][20]

Glass와 Reich의 초기 구성은 다소 엄격하며 주요 주제에 대한 장식이 거의 없다.이것들은 작은 기악 앙상블을 위한 작품인데, 그 중 작곡가들은 종종 멤버였다.글래스의 경우, 이들 앙상블은 장기, 특히 색소폰, 성악가들로 구성되는데 반해 라이히의 작품은 망치와 타악기를 더 강조한다.아담스의 대부분의 작품은 풀 오케스트라, 현악 4중주, 솔로 피아노 등 보다 전통적인 유럽 클래식 악기를 위해 쓰여졌다.

라이히와 글래스의 음악은 로버트 모리스(글래스의 경우), 리처드 세라(Richard Serra), 브루스 나우만(Bruce Nauman), 영화제작자 마이클 스노우(연주자, 라이히의 경우)와 함께 미술관과 박물관의 초기 후원을 이끌어냈다.[11]

초기개발

1940년대와 1950년대의 문독의 음악은 종종 특이한 시기에 일정한 맥박에 대해 정적으로 발전하는 역점을 바탕으로 하였으며 필립 글래스와 스티브 라이히 둘 다에 영향을 미쳤다.글래스는 그와 라이히가 문독의 작품을 "줄리아드에서 우리가 접했던 것보다 훨씬 더 심각하게 이해하고 감사했다"[21]고 썼다.

몬테 의 1958년 작곡 트리오 스트링스는 거의 전적으로 긴 음색과 휴식으로 구성되어 있다.[22]그것은 미니멀리즘 음악의 기원으로 묘사되어 왔다.[22]

최초의 미니멀리스트 작품 중 하나는 1959년에 쓰여진 데니스 존슨의 11월이었다.약 6시간 동안 진행된 솔로 피아노의 작품인 이 작품은 디아토닉 톤리티, 문구 반복, 첨가 과정, 지속시간 등 미니멀리즘과 연관될 만한 많은 특징들을 보여주었다.La Monte Young은 이 곡이 그의 작품인 "The Well-Tuned Piano"의 영감이라고 생각한다.[23]

1960년에 테리 라일리는 순수하고 순수한 C장조로 현악 4중주를 썼다.[clarification needed]1963년 라일리는 테이프 지연을 이용해 메스칼린 믹스와 더 기프트라는 두 개의 전자 작품을 만들었는데, 이 작품은 반복의 개념을 미니멀리즘에 주입시켰다.1964년 라일리의 인 C는 반복되는 멜로디 문구의 레이어드 퍼포먼스를 통해 설득력 있게 매력적인 텍스처를 만들었다.이 작업은 모든 악기 및/또는 음성에 대해 점수가 매겨진다.키스 포터는 "한 페이지에 53개의 모듈을 공지했는데, 이 작품은 종종 음악적 미니멀리즘의 시초로 여겨져 왔다"[24]고 쓰고 있다.1965년과 1966년에 스티브 라이치는 3개의 작품을 만들었다.—테이프를 위해 비와 밖으로 나올 이고, 라이브 공연자들을 위한 피아노 페이즈 위상 전환이나, 약간 다른 속도로 재생되는 두 개의 동일한 문구 또는 음표본을 반복하고 천천히 서로 상상을 벗어나게 하는 아이디어를 소개했다.1968년 1 + 1로 시작한 필립 글래스는 미니멀리스트 기법의 레퍼토리에 첨가공정(1, 1, 2, 1 2 3, 1 2 3 4와 같은 시퀀스에 기초한 형태)을 접목시킨 일련의 작품을 썼다.글래스는 라비 샨카르로부터 서양식 표기법으로 음악을 영화화한 영화음악을 배정받은 때부터 라비 샨카르와 인도 음악의 영향을 받았다.그는 서양에서 시간은 한 조각처럼 나뉘어져 있다는 것을 깨달았다; 인도인과 다른 문화들은 작은 단위를 가지고 그것들을 함께 묶는다.[25]

스타일

Richard E. Rodda에 따르면, "Minimalist" 음악은 종종 길고 아치형 문구의 서정적인 멜로디와 중첩되어 일정한 리듬으로 서서히 변화하는 공통 화음[둘 이상의 키에 이음질 또는 다른 3중음(the chords, just major 또는 major and minor. common tone)]의 반복에 기초한다.[그것]은 반복적인 멜로디 패턴, 자음 하모니, 운동 리듬, 그리고 청각적 아름다움을 위한 의도적인 노력을 활용한다.[26]Timothy Johnson은 하나의 스타일로서, 최소한의 음악은 주로 분리된 부분 없이 형태적으로 지속된다고 주장한다.이것의 직접적인 결과는 서로 맞물린 리듬 패턴과 펄스로 이루어진 중단 없는 질감이다.그것은 또한 밝은 색조의 사용과 활기찬 태도로 특징지어진다.그것의 고조파 음성은 뚜렷하게 단순하며, 대개의 경우 다이아토닉적이며, 흔히 친숙한 3중창과 7중창으로 구성되며, 느린 고조파 리듬으로 표현된다.그러나 존슨은 최소한의 음악만이 확장된 멜로디 라인의 완전한 부재라는 점에서 로다에 동의하지 않는다.대신 짧은 멜로디 부분만이 있을 뿐, 짧고 반복적인 리듬 패턴의 조직, 조합, 개별적인 특징을 전면에 밀어넣는다.[27]

레오나드 B. 마이어는 1994년 미니멀한 음악을 다음과 같이 묘사했다.

목표 지향적인 움직임의 감각이 거의 없기 때문에 [최소]음악은 한 장소에서 다른 곳으로 이동하지 않는 것 같다.어떤 음악적인 부분 내에서, 어느 정도 방향 감각이 있을 수 있지만, 종종 그 부분들은 서로 연결되지 못하거나 암시한다.그들은 그저 서로를 따라다닌다.[28]

카일 갠의 말처럼 미니멀한 음악에 사용되는 톤급은 '골 지향적인 유럽 연합[s]'[29]이 부족하다.

David Cope는 최소한의 음악의 가능한 특징으로서 다음과 같은 특징을 열거한다.[30]

이 기법을 사용하는 유명한 작품들은 해변있는 글래스의 아인슈타인, 라이히의 테이프 루프 조각 Come Out and It's Gonna Rain, 그리고 아담스의 셰이커 루프숫자 섹션이다.

임계수신호

로버트 핑크는 미니멀한 음악에 대한 몇 가지 주목할 만한 비판적 반응의 요약을 제공한다.

… 아마도 그것은 일종의 사회 병리학으로 이해할 수 있을 것이다, 미국 관객들이 원시적이고 교육을 받지 못했다는 청각적 신호로서; 요즘 아이들은 단지 에 맞기를 원한다는 것(뉴욕 타임즈의 도날 헤나한과 해롤드 숀버그), 1960년대의 자유주의적인 여파로 전통적인 서구 문화 가치들이 침식되었다는 것(사뮤엘 리)pman); 그 최소주의적 반복은 위험할 정도로 유혹적인 선전이며, 히틀러의 연설과 광고와 유사하다(Eliott Carter). 현대 자본주의의 상품-페티시즘이 최소주의적 나르시시시시즘(Christopher Lasch)에 자치적인 자아를 치명적으로 가두었다(Christopher Lasch).[31]

엘리엇 카터는 미니멀리즘에 대해 일관된 비판적 입장을 유지했고 1982년 그는 " 히틀러의 연설과 광고에서도 끊임없는 반복을 듣는다"고 말했다.위험한 측면이 있다고 말했다.[32]2001년 미니멀한 음악에 대해 어떻게 느끼느냐는 질문에 그는 "우리는 미니멀리즘의 세계에 둘러싸여 있다.매일 받는 잡동사니 우편물이 반복된다; 텔레비전을 보면 똑같은 광고를 보고, 상영되는 영화를 따라가려고 하지만, 5분마다 고양이 사료에 대한 이야기를 듣는다.그것은 미니멀리즘이다."[33]핑크는 카터의 일반적인 음악에 대한 혐오가 반복을 보다 일반적으로 무시하는 음악적 속물근성의 한 형태라고 지적한다.카터는 에드가드 바레스찰스 이브스의 음악에서 반복의 사용을 비판하면서 "반복에 바탕을 둔 그런 종류의 음악의 인기를 이해할 수 없다.문명사회에서는 세 번 이상 말할 필요가 없다."[32]

이안 맥도날드는 미니멀리즘이 "기계시대의 무패권, 성차별, 정서적으로 공허한 사운드트랙"이라고 주장했는데, 그 유토피아적 이기주의는 대량생산폭탄 앞에서 인간의 수동성을 표현하는 것에 지나지 않는다.[34]

스티브 라이치는 그러한 비판은 잘못된 것이라고 주장해왔다.1987년 그는 "엘리트 유럽식 시리얼 음악"이 단순히 그의 문화적 경험을 대표하지 않았기 때문에 그의 작곡 산출물은 전후 미국 소비자 사회의 대중문화를 반영한다고 말했다.라이히가 말했다.

스톡하우젠, 베리오, 불레즈는 제2차 세계대전 이후 그 조각들을 주워담는 것이 어떤 것인지 매우 솔직한 말로 묘사하고 있었다.하지만 1948년, 1958년 또는 1968년 몇몇 미국인들에게, 즉 꼬리핀, 척 베리, 그리고 수백만 개의 버거가 팔린 진짜 맥락에서, 대신에 비엔나의 암갈색 앵스트가 정말로 거짓말, 음악적인 거짓말인 척 하는 것이다.[35]

자신이 미니멀리스트인 작곡가 카일 갠은 미니멀리즘은 초기 스타일의 발전이 극단적이고 지나칠 수 없는 복잡성으로 흘러간 후 예측 가능한 단순성으로의 복귀를 나타낸다고 주장해왔다.[36]병렬은 정교한 르네상스 다성음악에 이은 단순한 바로크 연속체 양식의 출현과 바흐의 기념비적인 바로크 대위법적 진보에 따른 단순한 초기 클래식 교향곡의 출현을 포함한다.게다가, 비평가들은 심지어 초기 미니멀리즘의 단순성을 과대평가해 왔다.마이클 나이먼은 스티브 라이히의 초기 음악의 매력의 상당 부분이 실제로 연주된 것이 아니라 위상 변화 과정의 미묘함에서 비롯된 지각 현상과 관련이 있다고 지적해 왔다.[37]즉, 음악은 보기처럼 단순하게 들리지 않는 경우가 많다.

간의 추가 분석에서, 1980년대 동안 미니멀리즘은 포스트 미니멀리즘토털리즘과 같은 덜 엄격하고 더 복잡한 스타일로 진화하여 초기 미니멀리즘의 반복과 고착을 강하게 틀에서 탈피하고, 다른 리듬적이고 구조적인 영향의 결합으로 그것을 풍부하게 했다.[38]

대중음악에서

미니멀한 음악은 대중음악의 발전에 어느 정도 영향을 끼쳤다.[39]실험적인 록 공연인 더 벨벳 언더그라운드는 최소한의 음악이 등장한 뉴욕 다운타운 장면과 연관되어 있으며, 존 케일과 라 몬테 영의 긴밀한 작업 관계에 뿌리를 두고 있으며, 후자는 케일의 밴드 작업에 영향을 주었다.[40]테리 라일리의 앨범 《A Rainbow in Curved Air》(1969년)는 사이키델리아와 꽃 파워 시대에 발매되어 크로스오버 성공을 거둔 최초의 미니멀리스트 작품이 되어 록과 재즈 관객들에게 어필했다.[39]음악 이론가 대니얼 해리슨은 "[앨범]은 서양 고전 전통에서 예술 음악의 작품으로 간주될 수 있으며, 록의 음악 언어의 혁신은 무통이나 다른 비전통적인 것에 비할 수 있다"고 상세히 기술하면서 비치 보이즈스마일리 스마일(1967)을 "프로토피아 록"의 실험 작품으로 만들었다.나는 그 고전적인 전통에 대한 기술들을 가지고 있다.[41]크라우트록, 스페이스록(1980년대부터), 노이즈락, 포스트록 등 특정 실험 록 장르의 발전은 미니멀한 음악의 영향을 받았다.[42][43][44][45]

필립 셔번씨는 최소한의 전자 댄스 음악과 미국의 미니멀한 음악 사이의 주목할 만한 유사점은 쉽게 우연이 될 수 있다고 제안했다.댄스 음악에 사용되는 많은 음악 기술은 전통적으로 루프 기반의 작곡 방식에 적합하도록 설계되어 왔으며, 이것은 왜 미니멀 테크노 사운드와 같은 스타일의 특정한 특징들이 미니멀 아트 음악과 유사한지 설명할 수 있다.[46]미국의 최소한의 전통에 대해 분명히 알고 있는 한 그룹은 영국 앰비언트 행위인 오브다.그들의 1990년 작품인 "리틀 퍼플 클라우드"는 스티브 라이히의 작품인 전기 카운터포인트(1987년)에서 나온 견본을 특징으로 한다.[47]스티브 라이히가 일렉트로닉 댄스 음악에 끼친 영향에 대한 추가적 인정은 1999년 DJ Spooky, Mantronik, Ken Isii, Coldcut과 같은 아티스트들의 재해석을 특징으로 한 Remixed[48] 헌정 앨범의 발매와 함께 이루어졌다.[47]

미니멀리스트 작곡가

참고 항목

참조

  1. ^ 콕스 & 워너 2004, 페이지 301(카일 갠의 "최소주의 정의에 대한 감사 없는 시도") : "분명히 가장 유명한 미니멀리스트 작품들 중 많은 작품들이 자동차 8음박자에 의존했는데, 영이나 니블록 같은 작곡가들이 전혀 비트가 없는 드론에 관심을 가지고 있었다…….아마도 '안정적인 비트-미니멀리즘'은 미니멀리스트 레퍼토리를 맥에 기반한 음악 대 드론에 기반한 음악이라는 상호 배타적인 두 가지 음악으로 나눌 수 있는 기준일 것이다.
  2. ^ a b "음악의 미니멀리즘은 미적, 스타일, 기법으로 규정되어 왔으며, 각각은 미니멀한 음악의 전개에 있어서 특정 시점에서 용어에 대한 적절한 묘사가 되어 왔다.그러나 이러한 미니멀리즘의 정의 중 두 가지인 미적 감각과 스타일이 더 이상 그 라벨이 붙여진 음악을 정확하게 표현하지 못한다."존슨 1994, 742년.
  3. ^ "A minimal guide to minimalism". BBC Music. Retrieved 30 January 2020.
  4. ^ 존슨 1994년, 744년.
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  6. ^ 메르텐스 1983년 11월
  7. ^ 마이클 나이먼(Michael Nyman)은 머텐스의 책 서문에 글을 쓰면서 그 스타일을 이른바 미니멀 뮤직(Mertens 1983, 8)이라고 부른다.
  8. ^ "미니멀 뮤직"이라는 용어는 1960년대 후반과 1970년대에 미국에서 발전한 음악 스타일을 묘사하기 위해 일반적으로 사용된다; 그리고 그것은 처음에 작곡가 라 몬테 영, 테리 라일리, 스티브 라이히, 필립 글래스와 연결되었다." (Sitsky 2002, 361년)
  9. ^ 영, 몬테, "영원한 음악의 극장거북이, 그의 꿈과 여정관한 노트"(원래 PDF 파일웨이백머신 보관 2014-03-31), 2000, 멜라 재단, www.melafoundation.org—영 자신이 스타일의 원조로 여기는 이유를 설명하는 역사적 설명과 뮤지컬 에세이.토니 콘래드와 존 케일.
  10. ^ 코스텔라네츠와 플레밍 1997년 114세
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원천

추가 읽기

  • Levaux, Christophe (2020). We Have Always Been Minimalist: The Construction and Triumph of a Musical Style. Translated by Rose Vekony. Oakland (Ca.): University of California Press. ISBN 978-0-520-29526-1.

외부 링크