석류의 마돈나

석류의 마돈나
아티스트	산드로 보티첼리
연도	c. 1487
중간	템퍼 온 패널
치수	143.5cm 직경(56.5인치)
위치	피렌체 우피지

석류의 마돈나는 1487년경 산드로 보티첼리에 의해 목판 위에 템페라와 함께 그려졌다. 산드로 보티첼리는 이탈리아 피렌체 출신의 유명한 이탈리아 르네상스 예술가다. 톤도(tondo)로 더 잘 알려진 원형의 사용은 양쪽에 있는 천사들에 의해 대칭적으로 둘러싸인 주인공 성모 마리아와 아기 예수에 관심을 집중시킨다. 보티첼리의 템파 그라사 사용은 등장인물들에게 르네상스 시대에 흔히 볼 수 있는 "자연주의" 스타일로 더 잘 알려진 실제적인 모습을 준다. 성모 마리아가 왼손에 석류를 들고 있는 동안 아기 예수를 품에 부드럽게 안고 있다. 전시되고 있는 석류는 종교적인 작품에서 그 의미를 몇 가지 다르게 해석하고 있다. 르네상스 시대의 예술가들로 인해 석류의 마돈나의 복제품들이 많이 있다. 다른 기성 작가들의 예술작품을 모방하여 그들만의 기술을 익힐 수 있었다. 이 그림은 현재 이탈리아 피렌체의 우피지 갤러리에 전시되어 있다.

역사

석류의 마돈나는 산드로 보티첼리로 더 잘 알려진 이탈리아의 르네상스 예술가인 알레산드로 디 마리아노 디 반니 데이 필리페피(1445–1510)가 그린 그림이다.^[1] 보티첼리는 플로렌스에서 태어나 자랐으며, 그곳에서 그는 생애의 대부분을 플로렌스 르네상스의 가장 존경받는 예술가 중 한 명으로 보냈다. 보티첼리의 10대 초반에, 그는 예술가로서의 훈련을 시작하기 위해 학업을 그만두었다. 보티첼리는 플로렌스에서 가장 영향력 있는 화가 중 한 명인 프라 필리포 리피(1406-1469) 밑에서 훈련을 시작했다. 리피는 플로렌스에서 잘 알려져 있고 힘있는 메디치 가문에 의해 잘 보호되었다. 그는 또한 수녀원과 교회를 위한 작품들을 만들었다.^[2] 리피는 선명한 라인과 여성상을 사용한 것으로 잘 알려져 있었는데, 이는 보티첼리의 스타일에 큰 영향을 미쳤다는 점에서 의미가 크다. 석류탄생 마돈나는 그의 플로렌스 스튜디오에서 보티첼리에서 제작한 많은 그림들 중 하나이다. 보티첼리는 석류의 마돈나가 탄생할 당시 이미 기성 화가였으며, 다른 많은 유명한 그림들과 함께 있었다. 이 그림이 누구의 의뢰를 받았는지는 알 수 없다.

설명

이 그림에서 석류의 마돈나 산드로 보티첼리는 전시되고 있는 인물들을 매우 쉽게 확인할 수 있도록 했다. 그림 중간에는 성모마리아로 더 잘 알려진 마돈나가 양옆에 세 개씩 있는 천사에 의해 대칭적으로 둘러싸여 있다. 성모 마리아를 둘러싸고 있는 천사들이 성모 마리아를 백합과 장미 화환으로 숭배하고 있다.^[3] 예수 그리스도는 석류 위에 양손을 얹은 채 성모 마리아 품에 얌전히 누워 있다. 성모 마리아와 아기 예수 둘 다 슬픈 표정을 짓고 있다. 성모 마리아와 아기 예수의 표현은 앞으로 하나님의 자녀가 견뎌낼 고통과 고문을 시청자에게 일깨워주려는 의도다.

스타일

Sandro Boticelli는 그의 경력 동안 매우 숙련되고 자주 고용되는 예술가였다. 석류의 마돈나 보티첼리는 이 그림에서 이탈리아 르네상스 시대의 예술가로서의 그의 기술을 보여준다. 이 그림의 양식은 르네상스 미술에서 흔히 볼 수 있는 '인생적'이라는 뜻의 '자연주의'이다. 보티첼리는 빛나는 천상의 빛을 그려내며 수직선을 이용해 성모 마리아, 예수, 석류 등에 시청자들의 눈길을 끈다. ^[4] 톤도라고 알려진 이 그림의 원형 형식을 사용하는 것은 이러한 인물들에게 관심을 집중시키는 데 도움이 된다. 보티첼리는 성모 마리아와 예수를 둘러싼 천사의 양이 같아 대칭의 사용을 보여준다. 보티첼리는 템파 판넬에 숯으로 밑그림을 그리며 조심스럽고 자유분방한 모습으로 형상을 정립하는 것으로 시작했다. 보티첼리는 종종 최근의 혁신을 기꺼이 채택했다.^[5] 이 작업에서 가장 중요한 혁신은 달걀 노른자를 기름을 첨가하여 변형시킨 페인트의 일종인 템파 그래시의 사용이었다. 이것은 석류의 마돈나에서 보듯이 페인트를 더욱 투명하게 만들었다. 산드로 보티첼리는 살빛과 그가 사용한 색소를 그리면서 붓질 기법으로 잘 알려져 있다. 보티첼리는 종종 매우 얇은 불투명 코트에 색소를 바르는 경우가 있었는데, 이것은 예술가들에게 더 잘 알려진 것이다. 보티첼리는 그림에서 볼 수 있듯이 반투명 층의 흰색, 오크, 시나바, 붉은 호수를 서로 겹겹이 층을 이루고 있다. 그가 그리는 여자들의 얼굴은 창백하고, 뺨과 코, 입 부분 위에 모호한 분홍색 붓이 있는 도자기 같다. 보티첼리는 신의 아이와 같은 유아들을 시나바르 글레이즈와 붉은 호수의 억양과 같은 더욱 강렬한 색으로 그린다.^[5] 보티첼리가 사용하는 색소는 매우 시원한 톤을 가지고 있지만 다양한 풍부한 색상이 혼합되어 있다. 보티첼리는 천사들이 훨씬 더 어두운 톤을 가지고 있는 동안 그들의 피부톤과 옷에 더 밝은 색상을 사용함으로써 성모 마리아와 예수를 향상시켰다.

해석

산드로 보티첼리가 그린 석류의 마돈나 그림에는 성모 마리아가 들고 있는 석류의 의미에 대해 몇 가지 다른 해석이 나온다.

Cardiac Anatomy(심장 해부학)

그림 속의 석류는 심장 해부학의 정확한 표현으로 확인되었다. 15세기 후반, 보티첼리는 고대부터 인간 해부학에 대한 관심의 재등장과 잃어버린 의학 지식의 개간으로 소개되었다.^[6] 르네상스 예술가들은 시체 해부를 통해 잃어버린 이 지식을 되찾을 수 있었다. 르네상스 시대 동안, 예술가들은 해부학자가 되는 것이 매우 가치 있다는 것을 발견했고, 이것은 그들이 그들의 예술작품을 더 생명처럼 발전시킬 수 있는 인간의 신체에 대한 더 나은 이해로 이끌었다. 그림 제목인 석류의 마돈나는 성모 마리아의 손에 들려 있는 열매에서 유래한다. 석류는 예수님의 고난과 부활의 충만함을 상징하는 역할을 한다. 기독교에서 석류는 삶에서 죽음으로, 그리고 부활로 이행하는 것을 상징한다. 석류는 결국 남겨진 씨앗에서 다시 태어날 것이기 때문이다.^[7] 열린 석류 속에 전시된 붉은 씨앗은 인간을 구한 예수님의 유혈 사태를 방불케 하는 의미를 담고 있다. 석류의 껍질을 벗긴 부분은 심장의 심장실과 유사하게 비대칭적인 챔버를 나타낸다. 보티첼리는 아릴(씨앗 꼬투리)을 다섯 칸에 뱉어내면서 안쪽 스폰지 같은 막이 보인다. 이 공간들은 아트리움, 심실, 그리고 주요 폐 트렁크를 나타낸다. 왕관은 두 부분으로 나뉘어져 있으며, 세 갈래로 대동맥의 상정맥과 대동맥의 아치를 모방한다. 열매는 또한 가슴의 왼쪽 앞에서 열매를 올리고 있는데, 이것은 심장의 위치를 중첩하고 있다. 실제 심장 해부학적 구조를 가진 놀라운 유사점들과 가슴 위에 묘사된 것들은 아마도 마리아와 예수가 가지고 있는 열매에 숨겨진 심장에 대한 가설을 만들어 낼 것이다.

성모 마리아의 미덕

둘째, 그림에 석류를 포함시키면 성모마리아를 강조하는 데 도움이 된다. 예수님이 기독교에서 가장 중요한 인물이지만 성모 마리아에게는 어머니로서의 중요한 역할이 있다. 성모 마리아가 어린 시절 예수의 발전에 중요한 역할을 하는 것은 아이의 전반적인 성장을 뒷받침하는 강력한 정서적, 신체적 기반을 모두 제공했기 때문이다.^[8] 예수가 성장함에 따라 어머니는 계속해서 그에게 지원을 아끼지 않고 자라나는 몸에 적절한 영양분을 공급한다. 어머니로서 성모 마리아가 해야 할 일에는 보호, 필요한 기술, 규칙, 예수가 평생 지니고 다닐 가치도 포함된다. 메어리는 태어나서 하나님의 아들을 키우는 어머니로서의 이 특별한 역할을 충실히 받아들였기 때문에, 그녀는 하나님으로부터 이 엄청난 위업을 받아들임으로써 용기, 사랑, 최고의 믿음 등 많은 명예로운 덕목을 지니고 있음을 보여준다.

사본

르네상스 시대에는 예술가들이 다른 예술작품을 모방하는 일이 드물지 않았다. 기성 예술가의 작품을 베끼는 연습은 예술적 훈련에서 중요했다. 그 말이 나온 김에 석류의 마돈나라는 그림의 복제품이 많이 있다. 몇 년 동안 노란 고명을 벗기고 산드로 보티첼리의 작품의 열등한 복사본으로 여겨진 후에, 영국 문화유산 소장품 관리자인 Rachel Turnbull은 그녀의 작업장에 놓여 있는 이 작품이 사실 산드로 보티첼리의 플로렌스 스튜디오에서 가져온 원본임을 발견했다.^[9] Rachel Turnbull은 그녀의 팀원들과 지칠 줄 모르고 몇 년 동안 일한 후에, 더 최신으로 보이게 하기 위해 원본 위에 칠해 놓은 페인트를 제거했고 원래의 붓질과 페인트를 발견할 수 있었다. 전문가 검토를 거쳐, 그들은 그 페인트에 대한 테스트를 할 수 있었고, 이것은 다시 르네상스 시대로 이어졌다. 런던에 있는 영국 문화 유산 전문가들도 그들의 작업장에 있는 그림이 산드로 보티첼리의 플로렌스 스튜디오의 원본이라는 것을 사용한 그림의 스타일과 붓놀림을 통해 알아낼 수 있었다.

참조