Lost in Translation (필름)

Lost in Translation (film)
번역 중 분실
Bill Murray's character sits on a hotel bed with Tokyo visible in a window behind him.
극장 개봉 포스터
연출자소피아 코폴라
작성자소피아 코폴라
제작사
주연
시네마토그래피랜스 코드
편집자사라 플랙
뮤직 바이
생산.
회사들
배포처:
발매일
러닝타임
102분[2]
나라들.
언어영어[2]
예산.400만 달러
박스오피스1억 1,870만 달러

로스트 인 트랜슬레이션(Lost in Translation)은 2003년 개봉한 로맨틱 코미디 드라마 영화입니다[note 1]. 빌 머레이산토리 위스키를 홍보하기 위해 도쿄로 여행을 갔을 때 중년의 위기를 겪고 있는 퇴색하는 미국 영화배우 밥 해리스 역으로 출연합니다. 그곳에서 그는 젊은 여성이자 최근 대학을 졸업한 샬롯(스칼렛 요한슨)이라는 다른 소원한 미국인과 친구가 됩니다. 지오바니 리비시, 안나 파리스, 하야시 후미히로도 등장합니다. 이 영화는 일본의 문화적 이동을 배경으로 소외와 단절이라는 주제를 탐구합니다. 그것은 주류 서사 관습을 무시하고 로맨스를 묘사하는 데 있어 전형적이지 않습니다.[4]

코폴라는 도쿄에서 시간을 보내고 도쿄를 좋아하게 된 후 이 영화를 쓰기 시작했습니다. 그녀는 파크 하얏트 도쿄에서 두 인물이 "낭만적인 우울증"[5]을 경험하는 이야기를 만들기 시작했고, 그곳에서 그녀의 첫 장편 영화인 1999년 드라마 "처녀 자살"을 홍보했습니다. 코폴라는 처음부터 머리가 밥 해리스 역할을 하는 것을 상상했고, 그에게 전화와 편지를 거침없이 보내며 최대 1년 동안 그를 영입하려고 했습니다. 머레이는 결국 그 역할을 맡기로 동의했지만, 그는 계약에 서명하지 않았습니다; 코폴라는 그가 실제로 촬영을 위해 출연할지를 알지 못한 채 영화 예산 400만 달러의 4분의 1을 썼습니다. 마침내 머레이가 도착했을 때, 코폴라는 상당한 안도의 감정을 묘사했습니다.

주요 촬영은 2002년 9월 29일에 시작하여 27일 동안 진행되었습니다. 코폴라는 소규모 제작진과 최소한의 장비로 촬영하는 동안 유연한 스케줄을 유지했습니다. 각본은 짧았고 코폴라는 종종 촬영 중에 상당한 양의 즉흥을 허용했습니다. 이 영화의 사진 감독Lance Acord는 가능한 한 자주 사용 가능한 을 사용했고, 많은 일본 사업장과 공공 장소가 촬영 장소로 사용되었습니다. 10주간의 편집 끝에 코폴라는 미국과 캐나다의 배급권을 포커스 피처스에 팔았고, 이 회사는 극장 개봉 전에 긍정적인 입소문을 내며 영화를 홍보했습니다.

로스트 인 트랜슬레이션(Lost in Translation)은 2003년 8월 29일 텔루라이드 영화제에서 초연되었으며, 2003년 9월 12일 미국 극장에 배급되어 전 세계적으로 1억 1,800만 달러의 수익을 올렸고, 비평가들의 찬사를 받았습니다. 머리와 요한슨의 연기는 물론 코폴라의 각본과 연출에 대한 찬사와 함께, 일본과 일본인에 대한 영화의 묘사에 대한 사소한 비판이 있었습니다.[6] 제76회 아카데미 시상식에서 로스트 트랜슬레이션은 코폴라 최우수 각본상을 수상했고, 이 영화는 작품상, 감독상(코폴라), 남우주연상(머레이)에도 후보로 올랐습니다. 수상한 다른 상들로는 골든 글로브상 세 개와 영국 아카데미 영화상 세 개가 있습니다.

줄거리.

밥 해리스는 산토리히비키 위스키의 수익성 좋은 광고에 출연하기 위해 도쿄에 도착한 퇴색하는 미국 영화배우입니다. 그는 고급 파크 하얏트 도쿄에 머물며 25년간의 결혼 생활과 중년의 위기로 비참한 나날을 보내고 있습니다. 호텔에 머물고 있는 또 다른 미국인 샬롯은 예일대 철학과를 졸업한 젊은 청년으로 남편 존이 유명 사진작가로 일하는 동안 동행하고 있습니다. 샬롯은 자신의 결혼에 대해 의문을 제기하고 미래에 대해 불안해하면서도 마찬가지로 환멸을 느끼고 있습니다. 둘 다 도쿄에서 시차문화 충격으로 어려움을 겪고 호텔 주변을 어슬렁거리며 시간을 보내는데, 샬롯도 우연히 이케바나를 시도합니다.

Charlotte은 영화 홍보를 위해 호텔에 있는 Kelly라는 이름의 공허한 할리우드 여배우에 의해 거절당합니다. 그녀는 샬롯과 존을 우연히 마주치게 되고, 그와 함께 전에 했던 사진 촬영 시간들을 훑어보게 됩니다. 밥과 샬롯은 호텔에서 자주 길을 건너다가 결국 호텔 바에서 서로를 소개합니다.

몇 번의 만남 끝에 존이 도쿄 밖에서 임무를 수행하고 있을 때 샬롯은 밥을 도시로 초대하여 현지 친구들을 만납니다. 그들은 도쿄에서 하룻밤을 보내며 유대감을 형성하는데, 그곳에서 그들은 함께 도시의 밤 문화를 경험하고 결국 노래방에서 노래를 부릅니다. 그 이후로 밥과 샬롯은 더 많은 시간을 함께 보내고 우정도 돈독해집니다. 어느 날 밤 TV를 보고 을 마시면서 둘 다 잠을 잘 수 없는 상태에서 둘은 샬롯의 개인적인 불확실성과 결혼 생활에 대해 친밀한 대화를 나눕니다.

밥은 아내와 냉담한 대화를 나눈 후, 그가 머무는 마지막 날 밤에 호텔 바에서 온 재즈 가수와 함께 밤을 보내고, 샬롯은 다음날 아침 밥의 방에서 그 여자가 노래하는 것을 듣고, 그날 오후 함께 샤브샤브 점심을 먹는 동안 밥과 샬롯 사이에 긴장감이 감돌았습니다. 두 사람은 저녁에 다시 만나게 되고 밥은 다음날 도쿄를 떠날 것이라고 밝혔습니다.

밥과 샬롯은 화해하고 서로를 그리워할 마음을 표현하며 마지막으로 호텔 바를 방문합니다. 다음날 아침, 밥이 호텔을 떠날 때, 그와 샬롯은 진실하지만 만족스럽지 못한 작별인사를 나누게 됩니다. 밥이 공항으로 가는 택시를 타면서, 그는 붐비는 거리에서 샬롯을 보고 차를 세우고 그녀에게 걸어갑니다. 그런 다음 그는 그녀를 껴안고 그녀의 귀에 무언가를 속삭입니다. 두 사람은 밥이 떠나기 전 키스를 나누며 작별 인사를 하고, 마침내 밥이 처음으로 미소를 짓습니다.

출연자들

분석.

테마

갇혔어요... 외국에 가면 진짜 외국에 가면 '오 세상에, 여기는 나뿐이야'라는 의식의 충격이 크게 와요. 아무도 없고, 이웃도 없고, 친구도 없고, 전화도 없고, 단지 룸서비스일 뿐입니다.

—Bill Murray, speaking about Bob Harris[14]

이 영화의 작가 겸 감독인 소피아 코폴라(Sofia Coppola)는 로스트 인 트랜슬레이션(Lost in Translation)을 "사물이 단절되고 연결의 순간을 찾는" 이야기로 묘사했으며,[15] 이는 비평가와 학자들이 공유하는 관점입니다. 문화적인 의미에서 밥과 샬롯은 일본에 대한 외국 여행으로 인한 시차와 문화적 충격으로 인해 방향을 잃습니다. 밥은 통역사에 의해 의사소통의 의미가 "번역에서 손실"된다는 것을 깨닫고 이해할 수 없는 일본인 상업 감독과의 상호작용에 당황합니다.[16][note 3] 게다가, 둘 다 시간대의 변화로 잠을 이루지 못하고 있으며, 늦은 밤 호텔 바를 방문하여 각성에 대처하기로 결정했습니다. 그러한 감정은 그들의 환경으로부터의 소외감을 유발하지만, 또한 그들의 삶에서 소외와 단절의 더 깊은 경험을 악화시킵니다.[4] 밥과 샬롯은 둘 다 곤경에 처한 결혼 생활을 하고 있고 비슷한 정체성의 위기에 직면해 있습니다. 샬롯은 자신의 삶을 어떻게 해야 할지 확신하지 못하고 세상에서 어떤 역할을 받아들여야 하는지에 대해 의문을 가지고 있는 반면, 밥은 항상 영화배우로서의 그의 희미한 위상을 상기시키고 그가 이미 정의된 정체성과 괴리되어 있다고 느낍니다.[18]

그러한 경험은 등장인물들이 도쿄의 도시 환경과 접촉함으로써 고조됩니다. 밥은 공항에서 호텔로 차를 타고 이동하는 동안 광고에 사용된 자신의 모습을 보고 소외감을 느끼고, 화려한 도시 풍경은 그를 압도하는 광적인 환경으로 그려집니다.[19][note 4] 샬롯은 도쿄를 배회하면서 의미를 찾으려 할 때 표류를 느끼고,[20] 호텔 방 창문에서 도시를 내려다보면서 고립감을 느낍니다.[21] 파크 하얏트 도쿄는 등장인물들을 도시로부터 격리시키는 해석적인 특징들을 제공하며 밥이 그의 애정으로부터 피난처를 찾기 위해 선택한 장소입니다.[22] 소외감에 대한 이러한 공통된 인상은 밥과 샬롯이 개인적인 관계를 형성할 수 있는 공통된 기반을 만듭니다.[4] 샬롯이 밥에게 도쿄의 밤 문화를 체험해보라고 초대할 때, 그녀는 밥의 도시와의[4] 거리감을 줄이고 둘은 함께하는 작은 순간들을 바탕으로 관계를 발전시킵니다. 그들이 함께한 짧은 시간 동안, 각자는 자신의 삶에서 더 깊은 무언가에 대한 감각을 추구하는 것이 혼자가 아니라는 것을 깨닫습니다.[23] 코폴라는 그들의 만남의 짧은 성격에 대해 말하면서, "모든 사람들에게, 여러분이 기대하지 않았던 누군가와 멋진 날들을 보내는 순간들이 있습니다. 그러면 여러분은 실제 생활로 돌아가야 하는데, 그것은 여러분에게 인상을 줍니다. 그것이 그것을 아주 훌륭하고 즐겁게 만드는 것입니다."[24]

이 영화에 대한 책을 쓴 학자 제프 킹(Geoff King)은 중심 인물들의 경험이 로스트 인 번역(Lost in Translation)이 학계의 다양한 해석에 도움이 되는 요인 중 하나라고 언급합니다.[25] 토드 맥고완(Todd McGowan)은 이 영화를 라카니안 정신분석학적 관점에서 읽으며, 이 영화가 자신의 삶과 관계에서 "부재"의 포용을 장려한다고 주장합니다.[26] 그는 코폴라가 "과잉으로 부글부글 끓어오르는 도시"로 묘사한 것을 설명하며, 이는 공허한 만족의 약속을 제공합니다.[27] 그의 견해에 따르면, 밥과 샬롯은 도쿄의 명소에서 의미를 찾을 수 없다는 것을 인식하기 때문에, 그들은 도쿄의 명소에서 공통된 공허감을 가지고 유대감을 형성합니다.[27] Lost in Translation은 젊은 여성성의 문제를 강조함으로써 페미니스트 철학자 Luce Irigaray의 생각을 불러일으킨다고 Lucy Bolton이 페미니스트 낭독을 제공합니다. 그녀는 이 영화가 샬롯의 여성 주체성에 대한 복잡한 초상화와 개인의 표현을 추구하는 캐릭터의 낙관적인 렌더링을 제공한다고 주장합니다.[28]

내러티브

Lost in Translation은 할리우드 주류의 영화에 비해 줄거리 사건이 거의 포함되어 있지 않다고 논평가들은 언급하면서 이야기 구조 측면에서 광범위하게 검토되었습니다. 내러티브 이벤트는 대부분 밥과 샬롯의 관계 발전에 초점을 맞추고 있으며,[29] 중심 인물에 영향을 미치는 "외부" 장애물은 거의 없습니다.[30] 킹은 "중심 인물의 인상, 느낌, 경험을 환기하는 데 더 많은 시간이 소요된다"[31]고 언급하며, 이는 줄거리보다 캐릭터 경험을 우선시하는 "[영화 요소]의 계층적 배열의 변화"를 나타냅니다.[32] 문학평론가 스티브 바인버그(Steve Vineberg)는 "이야기의 연결고리는 실제로 거기에 있으며, 단지 그것들이 전형적인 인과관계가 아닙니다. 한 회가 끝날 때 모여 다음 회로 쏟아지는 감정으로 형성됩니다."[33] 킹은 줄거리가 기본적인 선형 인과관계에 따라 진행되지만,[29] " 에피소드적 품질이 종종 전면에 나타난다면, 이것은 부분적으로 매우 여유롭고 분위기와 분위기의 확립 또는 발전에 전념하는 개별 시퀀스의 속도 문제입니다."라고 주장합니다.[31] 코폴라는 이 이야기가 친밀한 순간의 특징을 강조하기를 원했으며, 등장인물들에게 "그들을 떨어져 있게 하는 전쟁"과 같은 거창한 서사 장치를 강요하고 싶지 않다고 말했습니다.[34][note 5]

로스트 트랜슬레이션은 또한 주류 로맨틱 영화의 관습을 무시한 것으로 유명합니다. 영화 역사가 웬디 하슬렘(Wendy Haslem)은 고전적인 로맨틱 코미디가 관객들에게 커플에게 미래가 있다는 것을 보장하지만 코폴라(Coppola)는 중심 인물들을 통합하는 것을 거부함으로써 기대를 저버린다고 썼습니다.[4] 그녀는 밥과 샬롯의 성적 소비 부족과 같은 요소들을 그들의 짝이 더 낭만적인지 플라톤적인지를 모호하게 만드는 한 가지 요인으로 지적합니다. 등장인물들이 마지막 작별 인사를 하는 마지막 순서에 대해 쓰면서 하슬렘은 "전통적으로 주류 영화관에서 키스는 낭만적인 사랑의 신화를 강화함으로써 해결을 의미합니다. 그러나 현대 반로맨스의 새로운 물결에서 키스는 모호함을 의미합니다."[4] 학자 니콜라스 Y.B. 웡(Wong)은 영화의 "가슴을 녹이는 연결과 등장인물 간의 멜로적인(재)결합"의 결여가 포스트모던 사랑의 초상화를 나타낸다고 주장하며, "Lost in Translation"은 "비연애, 일의 우세, 친밀함의 복잡성에 관한 것"이라고 썼습니다. 등장인물들은 사랑에 빠지는 것과 사랑에 빠지는 것 사이에서 변덕을 부립니다. 그들은 누군가에게 헌신하지도, 감정적으로 접근하지도 않습니다."[19] 코폴라는 밥과 샬롯의 관계가 "낭만적이지만 가장자리에 있다"고 말했습니다. [A] 친구 이상이지만 실제 로맨스는 아닙니다. 저에게는 그들 사이에 성적인 관계가 전혀 없어요. 순수하고 낭만적인 관계, 그리고 우정이죠."[36]

오프닝 샷

The backside of Charlotte lying down in a gray sweater and transparent pink panties.
오프닝 샷.[note 6]

영화의 오프닝 샷인 투명한 분홍색 팬티를 입고 아래에 흰색 티셔츠를 입은 회색 스웨터를 입은 채 침대에 누워있는 샬롯의 등 아래와 엉덩이를 36초 동안 촬영하는 것은 비평가들과 학자들 사이에 또 다른 논의 사항이 되었습니다. 그것은 존 케서의[39] 사진 현실주의 그림을 기반으로 하며, 종종 1963년 영화 '모욕'에서 브리지트 바르도의 초기 모습과 비교됩니다.[note 7]

슬레이트 평론가 데이비드 에델스타인(David Edelstein)은 이 장면을 영화에서 유일한 "머리를 긁는 사람"이라고 불렀고, 그는 이 장면을 높이 평가했습니다.[40]

이 이미지의 의미는 요한슨의 복장보다 덜 투명하지만, 내 추측으로는 코폴라는 우리가 영화 전체를 소외된 젊은 여성의 막연한 에로틱한 꿈으로 보길 원하고 있습니다. 그녀는 이 여성을 이 문화로부터, 그리고 그녀 자신의 몸으로부터, 최면적으로 섹시하게 만들고, 인간적인 관계에 대한 갈망을 첫 프레임부터 당신의 혈류에 집어넣고 싶어합니다. 하지만 저는 주로 그녀의 엉덩이 균열에 대해 생각했습니다.

밥과 샬롯의 열애를 예고하는 것으로 묘사됐지만,[note 8] 다른 작가들의 해석은 다릅니다. 이에 상응하여, 학술지 마리아 산 필리포는 "[코폴라]는 아름다움을 위한 아름다움에 대한 일종의 지지를 넘어 진술을 전혀 하지 않는 것으로 보인다"고 주장합니다.[41] 킹은 이 이미지가 미적인 특징과 에로틱한 특징의 조합에서 "미묘"하고 "명백한" 매력을 모두 포함하고 있다고 지적합니다. 로스트 트랜슬레이션 주류 영화와 독립 영화 사이에서 차지하는 위치를 의미합니다.[42]

영화학자 토드 케네디(Todd Kennedy)는 이를 페미니스트 영화 이론가 로라 멀비(Laura Mulvey)의 남성 시선에 대한 개념으로 해석하면서, "어색해질 정도로 lasts하다-관객들이 시선에 참여하는 것을 인식하고 잠재적으로 의문을 제기한다"고 주장합니다. 다른 비평가들은 그것을 본질적으로 샬롯의 객관화를 전복시키는 것으로 봅니다. 하슬렘(Haslem)은 "코폴라가 이번 오프닝 샷을 의도한 것은 금기를 어기고 전통적으로 착취적인 영화에서 '머니 샷'으로 간주될 수 있는 것을 둘러싼 기대를 약화시키기 위한 것으로 보인다"고 주장합니다.[4] 볼턴은 샬롯이 "방에 혼자 있기 때문에 옷을 벗은 상태는 다른 사람이 볼 수 있도록 고안된 것이 아니다"라고 지적합니다. 그녀의 고독하고 명상적인 상태는 여성이 혼자라면 채택할 것 같은 옷을 벗은 상태로 그녀의 외모를 자연화함으로써 그녀의 외모를 비 성적으로 만듭니다."[44] 피오나 핸디사이드(Fiona Handyside)는 이미지의 고요함이 관음주의적 매력을 감소시키고 "시간의 무게가 [샬롯]을 순수한 공허한 상징적인 장관에서 역사 자체의 물질적인 문제로 끌어당긴다"는 케네디의 개념을 자세히 설명합니다.[45]

코폴라 감독은 이 사진에 대해 설명해 달라는 질문에 "나는 그것에 대해 정말로 좋은 이유가 없다"고 말했습니다. "이것이 바로 제가 영화를 시작하고 싶었던 방법입니다. 저는 호텔 방에서 기다리고 있는 다정하고 어린 소녀라는 캐릭터의 힌트를 가지고 있다가 이야기 속으로 들어가는 것을 좋아했습니다."[46] 코폴라의 작품에 대해 광범위하게 쓴 영화 학자 수잔 페리스(Suzanne Ferris)는 원래 각본에서 영화가 해리스의 도착과 함께 개봉한 후 호텔의 샬롯(Charlotte)에게 갔다고 언급합니다. 이러한 변화로 인해 코폴라의 코멘트는 샷의 복잡성을 무시하고 있습니다. 페리스는 샬롯이 상체를 움직일 때까지 처음 10초 동안 관객들이 정지 상태를 보고 있을 수도 있다고 생각하게 한다고 관찰합니다.[47]

... [링크] 움직이는 이미지와 정지 이미지, 순수 예술 전통에 대한 인식과 영화가 사실 초당 24 프레임으로 투사되는 일련의 정지 이미지라는 인식을 보여줍니다. 둘째, 편집을 통해 의미를 부여하는 영화의 독특한 능력을 강조합니다. 영화의 오프닝은 의미를 찾기 위해 관객의 상상적 참여에 의존하는 그림, 참조 또는 문학과 같은 예술로서 영화의 지위에 대한 대담한 주장입니다.

생산.

쓰기

See caption.
2003년 토론토 국제 영화제에서 로스트 번역을 홍보한 소피아 코폴라

20대 초반에 대학을 중퇴한 후,[48] 코폴라는 종종 패션과 사진 분야에서 다양한 직업을 시도하면서 도쿄로 여행을 갔습니다.[49] 직업을 위해 무엇을 해야 할지 확신이 서지 않은 그녀는 이 시기를 자신의 미래를 생각하며 도시를 돌아다녔던 "일종의 위기"[48]라고 설명했습니다.[46] 그녀는 낯선 환경에서 시차 적응에 어려움을 겪고 있는 외국인으로서 다른 세계적인 자질을 언급하며 도쿄를 좋아하게 되었습니다.[50] 수년 후, 그녀는 영화 제작 쪽 진로를 결정하고 도시로 돌아왔고, 그녀의 첫 장편 영화인 1999년 드라마 처녀 자살을 홍보하기 위해 파크 하얏트 도쿄에 머물렀습니다.[24][note 9]

코폴라는 이 언론 투어를 마치고 귀국한 후 Lost in Translation을 쓰기 시작했습니다.[15] 도쿄에서의 배경에 영향을 받은 그녀는 그곳을[24][note 10] 배경으로 한 각본을 쓰기로 결심하고 파크 하얏트 도쿄에서 두 인물이 "낭만적인 우울"을 경험하는 이야기를 형성하기 시작했습니다.[5] 코폴라는 이 도시의 네온사인에 오랫동안 매료되었고, 도쿄가 이 영화에서 "꿈 같은 느낌"을 받는 것을 상상했습니다.[49] 그녀는 이러한 분위기를 조성하기 위해 그녀가 글을 쓰면서 들었던 의 팝 컴필레이션 믹스를 만들기 위해 그녀의 친구 브라이언 리첼(Brian Reitzell)을 영입했습니다.[52]

코폴라는 처음에 전체 줄거리를 매핑하는 것이 어렵다는 이유로 각본을 전통적인 스크립트 형식으로 쓰지 않았습니다.[5] 대신, 그녀는 도쿄에서의 생활에 대한 이질적인 인상과 경험을 바탕으로 "작은 단락"을 쓰기로 결정했고, 그것을 대본으로 각색했습니다.[5] 그녀가 처음으로 포함한 이미지 중에는 그녀의 친구 하야시 후미히로가 도쿄에서 일하는 동안 그가 공연하는 것을 본 Sex Pistols의 "God Save the Queen"의 노래방 공연을 하는 것도 있었습니다.[46] 오빠 로만 코폴라의 도움으로 처음 20페이지를 쓴 후, 그녀는 더 많은 영감을 얻기 위해 도쿄로 돌아갔습니다.[15] 그곳에서 그녀는 더 많은 글쓰기 보조 도구로 사용할 수 있는 모든 것을 비디오로 찍었습니다.[36]

코폴라는 머레이가 처음부터 밥 역을 맡아 "더 예민한 그의 모습"[36]을 뽐내고 싶어하고 기모노를 입은 그의 모습에 즐거워하는 모습을 상상했습니다.[24] 그녀는 머레이에 대한 자신의 정신적인 사진들을 이 이야기에 대한 중요한 영감의 원천으로 묘사했습니다.[7] 샬롯의 캐릭터에 대해 코폴라는 20대 초반의 방향감각 상실이라는 자신의 감정을 끌어냈고, 샬롯과 존의 관계에 영향을 미친 것으로 당시 남편인 스파이크 존제와의 관계에 대한 부담을 언급했습니다.[53] 그녀는 또한 프래니와 주이에서 J.D. 샐린저의 캐릭터인 프래니로부터 영감을 받아 "프래피 걸이 고장난다는 생각"에서 매력을 발견했습니다.[48]

밥과 샬롯의 관계를 발전시키면서 코폴라는 등장인물들의 삶의 여러 단계에서 비슷한 내적 위기를 겪는 병치에 강요당했습니다.[54] 그녀는 빅 슬립에서 험프리 보가트로렌 바콜 사이의 역동성을 그들의 관계에 대한 영감의 원천으로 꼽았습니다.[15] 코폴라 감독은 대본을 거의 다시 쓰지 않았는데,[23] 대본을 완성하는[15] 데 6개월이 걸렸고, 75페이지로 절정에 달했는데, 이는 보통 장편 영화 대본보다 훨씬 짧았다고 보고했습니다.[55][note 11] 각본이 너무 짧고 개인적인 경험을 다양하게 포함하기에는 "방임적"이라고 걱정했음에도 불구하고, 그녀는 영화 제작을 시작하기로 결심했습니다.[48]

발전

See caption.
See caption.
2014년머레이(왼쪽), 2008년 스칼렛 요한슨(오른쪽)

코폴라는 머레이가 없었다면 로스트 인 트랜슬레이션(Lost in Translation)을 만들지 못했을 것이라고 주장했습니다.[39] 그 배우는 캐스팅에 관심이 있는 예비 고객들을 위해 800번의 번호를 가지고 있었지만, 연락하기 어려운 은둔자로 명성이 있었습니다.[57] 코폴라는 끈질기게 그를 뒤쫓았고 몇 달 동안 전화 메시지와 편지를 보냈습니다.[54] 그녀는 또한 그녀의 전문 네트워크에서 그녀가 연락하는 데 도움을 줄 수 있는 사람들을 찾았습니다.[38] 그녀는 머레이의 오랜 친구였던 시나리오 작가 미치 글레이저(Mitch Glazer)를 영입하여 대본의 초기 버전을 받아들이고 그를 설득하려고 노력했습니다.[53] 글레이저는 이 이야기에 감명을 받아 배우에게 자주 전화를 걸어 "이걸 읽어봐야 한다"[57]고 말했지만 답을 내놓지는 않을 것이라고 말했습니다.[53] 최대 1년의 캐졸링 후, 머레이는 마침내 이 영화에 대해 논의하기 위해 코폴라와 식당에서 만나기로 합의했습니다.[53] 그리고 나서 그는 그 역할을 받아들였고, "그녀는 저를 남자로 만들기 위해 많은 시간을 보냈습니다. 결국 그녀를 실망시킬 수 없다는 생각이 들었습니다."[38]

머레이의 합의에도 불구하고, 코폴라는 그가 정식 계약을 맺지 않았기 때문에 그의 말을 따라야 했습니다.[15] 그녀는 이것을 "긴장된다"고 표현하며, 그가 도쿄에서 촬영을 위해 나타날지 궁금했습니다.[15] 그녀는 이전에 그 배우와 함께 작업했던 웨스 앤더슨 감독과 이 문제에 대해 논의했고, "그가 하겠다고 하면 그가 나타날 것입니다."라고 그녀를 격려했습니다.[15] 머레이의 공동 출연을 위해 코폴라는 매니 & 로에서 요한슨의 공연을 좋아했으며, 그녀를 "허스키한 목소리를 가진 귀여운 어린 소녀"로 기억했습니다.[24] 그런 다음 그녀는 요한슨을 레스토랑에 초대하여 역할에 대해 논의했습니다.[37] 처음에 17살의 요한슨이 너무 어려서 20대의 캐릭터를 연기할 수 없을지도 모른다고 걱정했던 감독은 그녀가 더 나이가 많아 보이고 설득력 있게 그 역할을 할 수 있다고 결론 내렸습니다.[58] 코폴라는 오디션 없이 요한슨에게 그 역할을 제안했고, 그녀는 그것을 받아들였습니다.[37]

프로젝트에 대한 개인적인 투자 의식을 느낀 코폴라는 최종 특권을 유지하기를 원했고 북미 스튜디오와의 유통 계약이 그녀의 영향력을 위협할 것이라고 우려했습니다.[15] 또한 짧은 각본 길이와 머레이의 공식적인 참여 부족을 고려할 때 스튜디오가 그러한 지원을 제공할 것 같지 않았습니다.[59] 대신, 그녀와 그녀의 에이전트는 400만 달러의 생산 비용을 조달하기 위해 여러 회사에 해외 유통권을 판매하기로 결정했습니다.[15] 그녀는 먼저 일본의 도호쿠신샤 필름과 계약을 맺었고, 그 다음에는 프랑스와 이탈리아의 배급사와 계약을 맺었고, 마지막으로 남은 외국 시장을 위해 포커스 피처스의 국제 부문과 계약을 맺었습니다.[15] Coppola는 여러 유통업체의 자금을 합쳐 단일 금융업체의 영향력을 줄였습니다.[59] 머리가 도쿄에 나타날지 아직도 모르는 코폴라는 그의 부재가 제작을 망치게 할 것이라는 것을 [15]알고 예산 중 100만 달러를 썼습니다. 촬영을 며칠 앞둔 그가 마침내 도착했을 때, 그녀는 상당한 안도감을 나타냈습니다.[60]

빌 머레이가 산토리의 광고 캠페인을 하는 것에 대한 아이디어는 코폴라의 아버지 프랜시스 포드 코폴라와 1970년대 구로사와 아키라 감독의 산토리 위스키 광고에서 비롯되었습니다. 산토리 100주년을 맞아 2023년, 로스트 트랜슬레이션 출연 이후 20년 만에 아버지와 구로사와의 오리지널 광고 영상과 함께 영화의 장면이 포함된 혼합물로 키아누 리브스가 출연하는 회사의 기념일 헌정 영상을 연출해 달라는 요청을 받았습니다.[61][62]

촬영중

See caption.
제작은 시부야 크로싱(2002년 여름 촬영, QFRONT(츠타야) 빌딩에서[63] 보행 공룡 광고를 볼 수 있는 등 공공장소에서 구경꾼을 엑스트라로 사용했습니다.

주요 촬영은 2002년 9월 29일에 시작하여 [64]27일 동안 진행되었습니다.[24] 빡빡한 일정과 400만 달러의 한정된 예산으로 촬영은 허가 없이 일주일에 6일 동안 이루어졌으며,[65] "달리고 총을 쏘는" 접근 방식으로 특징지어졌습니다: 코폴라는 적은 제작진과 최소한의 장비로 이동성을 유지하기를 열망했습니다.[36] 그녀는 리허설을 거의 진행하지 않았고 유연한 일정을 유지했으며, 때로는 그녀가 스토리에 더 적합하다고 생각하면 현장에서 알아차린 무언가를 촬영하기 위한 계획을 취소하기도 했습니다.[17][note 12] 각본이 희박했기 때문에 촬영 중 누락된 세부 사항이 종종 언급되었고 코폴라는 특히 머레이로부터 대화에서 상당한 양의 즉흥을 허용했습니다.[23] 한 예로 밥이 산토리 위스키를 위해 사진을 찍고 있는 장면이 있습니다. 코폴라는 머레이가 "Roger Moore"와 같이 듣지 않은 대화로 머레이에게 반복할 남자의 이름을 속삭이면서 자연스럽게 사진작가에게 반응하도록 독려했습니다.[23][7][note 13]

핵심 승무원은 코폴라가 도쿄로 초청한 미국인들이었지만, 대부분의 승무원들은 현지에서 고용되었습니다.[17] 대부분의 일본인 제작진이 영어로 코폴라와 의사소통을 할 수 없었기 때문에 양쪽 모두 이중언어 보조 감독게이퍼의 번역에 의존했기 때문에 이것은 제작에 어려움이 있음이 증명되었습니다.[36] 번역이 진행되는 동안 제작이 자주 지연되었고, 가끔 문화적인 오해를 겪었습니다. 예를 들어, 코폴라는 레스토랑에서 10-15분 늦게 진행된 촬영에 대해 설명했는데, 그녀는 미국 촬영에서 평범한 것이었다고 말했습니다.[24] 그러나 그것은 식당 주인이 무례함을 느끼도록 만들었습니다; 그는 그 후에 승무원의 조명을 끊었고 그 영화의 일본 위치 관리자는 사임했습니다.[15] 그럼에도 불구하고, 코폴라는 그녀의 제작진들이 익숙하지 않은 접근 방식을 강요하고 싶지 않고, 일본 스타일의 영화 제작에 적응하기 위해 노력했다고 말했습니다.[36]

코폴라는 그녀의 사진 감독인 랜스 아코드와 함께 영화를 시각화하기 위해 긴밀히 협력했습니다. 그녀는 그와 다른 주요 제작진들에게 그녀가 영화에서 전달하고 싶었던 시각적 스타일을 나타내는 사진들을 보여주었습니다.[23] 밥의 고립감을 불러일으키기 위해 코폴라와 아코드는 호텔에서 정지된 사진을 사용하고 눈에 띄는 카메라 움직임을 피했습니다.[66] 그들은 또한 비디오 촬영에 대한 수많은 토론을 했지만, 궁극적으로 그들은 영화가 이야기의 로맨틱한 분위기에 더 잘 어울린다고 결정했습니다.[36] 코폴라 감독은 "영화는 거리를 조금 주고, 그것은 저에게 더 기억처럼 느껴집니다. 영상이 더 현재적인 시제입니다."[36] A 코드는 새로운 필름 스톡이 과도한 조명의 필요성을 줄여 궁극적으로 야간 외부에 코닥 비전 500T 5263 35mm 스톡과 낮에 코닥 비전 320T 5277 스톡을 사용할 것이라고 믿었습니다.[67] 영화의 대부분은 Aaton 35-III 카메라로 촬영되었습니다. Aaton이 너무 시끄러웠을 일부 제한된 장소에는 Moviecam Compact가 사용되었습니다.[67]

고속 필름 재고가 있는 Acord는 가능한 한 자주 사용 가능한 을 사용하고 [68]필요할 때는 인공 빛으로만 보완하기로 결정했습니다.[67] 그는 도쿄의 도시 거리에 있는 자연광에 의존하여 야간 외부를 위한 조명을 "결코" 조작했다고 보고했습니다.[67] 파크 하얏트 도쿄의 인테리어 시퀀스를 위해 그는 호텔의 실용적인 조명 소스에 주로 의존했으며, 활짝 열린 f-stop에서 촬영하고 호텔 창문의 반사를 제거하기 위해 조명을 크게 절단했습니다.[69] Acord는 사용 가능한 빛에 너무 의존하는 것에 익숙하지 않고 노출이 충분하지 않을 것이라고 우려하는 일본 전기 기술자들 중 일부로부터 조명에 대한 반대 의견을 들었다고 말했습니다.[70] A 코드는 영화 재고가 저조한 조명을 유지할 것이라고 확신했고, 결국 영화의 상당 부분이 노출되지 않은 채 촬영되었습니다.[68]

촬영 장소 중에는 도쿄의 파크 하얏트 도쿄와[71] 시부야 크로싱에 있는 객실, 바, 수영장 등 촬영 당시 현지 사업장과 공공장소가 다수 포함돼 있었습니다.[72][73] 촬영은 또한 조간지(도쿄 나카노)에서 이루어졌습니다.[74][75] 오프닝 장면은 가부키쵸의 야스쿠니도리에서 진행되었습니다.[76] 샬롯의 지하철 승차는 한조몬과 긴자 선 승강장의 오모테산도 역에서 이뤄졌습니다.[77] 술집을 지나 파친코 가게 '보탄'을 통과하는 추격 장면은 나카메구로역 주변이었습니다.[78][79] 교토의 헤이안 신사[80]난젠지에서도 짧은 장면이 촬영되었습니다.[81] 병원 장면은 도쿄 의과대학에 있었습니다.[82] 마지막 장면은 신주쿠 기차역에서 가까운 니시신주쿠의 주오도리에서 촬영되었습니다.[83]

공공 거리와 지하철에서 이 작품은 촬영 허가증을[39] 확보하지 못했고 도시 구경꾼들에게 엑스트라로 의존했습니다;[36] 코폴라는 이 촬영을 "다큐멘터리 스타일"[24]이라고 묘사했고 때때로 경찰에 의해 제지될까 봐 걱정했기 때문에 최소한의 제작진을 유지했습니다.[36] 호텔에서는 손님들을 방해하지 않기 위해 새벽 1~2시가 되어서야 공공장소에서 촬영이 가능했습니다.[84] 밥과 샬롯이 마지막 작별 인사를 하는 영화의 마지막 순서에서 코폴라는 자신이 대본을 쓴 대화에 만족하지 않는다고 보고했고, 머리는 즉흥적으로 요한슨의 귀에 속삭였습니다.[23] 너무 조용해서 이해할 수 없었기 때문에, 코폴라는 그 장면에서 오디오를 더빙하는 것을 고려했지만, 그녀는 결국 그것이 "그들 둘 사이에 있는" 것이 더 낫다고 결정했습니다.[23] 제작이 끝난 후, 코폴라는 뉴욕시에서 사라 플랙에 의해 10주간 편집을 감독했습니다.[35]

사운드트랙

이 영화의 사운드트랙은 2003년 9월 9일 황제 노튼 레코드에 의해 공개되었습니다.[89] 주로 신발 시선드림 팝 장르의 인디와 얼터너티브 록까지 15개 트랙이 수록되어 있습니다. 이 사운드트랙은 브라이언 리첼(Brian Reitzell)이 감독을 맡았으며 데스 인 베가스(Death in Vegas), 피닉스(Phoenix), 스퀘어푸셔(Squarepusher), 세바스티앙 텔리어(Sébastien Tellier), 해피엔드(Happy End) 등 아티스트와 그룹의 노래가 수록되어 있습니다. Jesus and Mary Chain의 노래 "Just Like Honey"와 My Bloody Valentine의 "Somethods"가 피처링되었고, 4개의 오리지널 트랙이 Lost in Translation을 위해 후자의 밴드의 프론트맨인 Kevin Shields에 의해 쓰여졌습니다.[90] 이 영화를 위해 제작된 다른 트랙들은 Reitzell과 Roger Joseph Manning Jr.가 공동 작곡한 두 곡과 Air가 공동 작곡한 한 곡이 있습니다.[90] 영화에 등장하는 곡들 중 사운드트랙에 없는 곡들은 엘비스 코스텔로의 "(What's So Funny 'Bout's Peace, Love, and Understanding") 커버와 프레텐더스의 "Brass in Pocket"의 노래방 공연 등입니다. 록시 뮤직(Roxy Music)의 머레이(Murray)의 'More Than This' 추가 공연이 보너스 트랙으로 포함되어 있습니다.[note 14]

각본을 쓰는 동안 코폴라는 영화에서 음악이 전달하기를 원하는 "무디"와 "멜랑콜릭"의 특성과 중심 인물을 정의할 수 있는 "이상하고, 떠다니는, 시차 적응 이상한" 것으로 이해하는 리츠젤에 대해 말했습니다.[52] 코폴라는 이 사운드트랙이 "점수에 덜 가까웠으면 좋겠다"고 말했고, 영화의 작곡을 돕기 위해 리츠젤이 만든 드림팝 믹스와 더 비슷하다고 말했습니다.[24] 1991년 'Loveless'가 개봉된 이후 실즈는 음악을 거의 발표하지 않았지만,[91] 리첼의 제안으로 그와 코폴라는 그에게 영화의 오리지널 음악을 작곡하는 것을 도와줄 것을 요청했습니다.[92] 리첼은 실즈가 "우리가 원하는 드렁거리고, 흔들리고, 아름다운 느낌을 포착할 수 있다"고 믿었습니다.[52] 그 후 그는 런던에 있는 쉴즈에 합류하여 약 두 달간의[93] 밤샘 녹음 시간을 가졌고, 그들은 영화의 노래를 작업하는 동안 각본과 제작의 일상을 영감으로 사용했습니다.[52] 쉴즈는 영화 작곡에서 느낀 어려움에 대해 "나는 본질적으로 당신의 귀만을 위한 것이 아닌 음악의 언어에 대해 거의 알지 못했습니다. ... 결국은 영화의 물리적인 움직임만으로도 그것이 별미였습니다. 그래서 이렇게 섬세한 일을 하게 된 것 같아요."[90]

킹은 음악이 종종 영화의 분위기와 톤을 설정하는 데 가장 중요한 역할을 한다고 주장하며, 음악이 "시차의 몽환적이고, 도취되고, 반쯤 분리된 인상을 불러일으키는 데 있어" 실질적이며 소외감과 단절감을 더 넓게 느낄 수 있다고 썼습니다. "이 영화를 'mood 작품'으로 널리 이해하는 데 단일 작품으로는 가장 큰 기여를 했을 것입니다." 그는 데스 인 베가스의 "Girls"가 사용된 것을 언급하며, 밥이 공항에서 호텔로 차를 몰고 가는 초기 순서에 등장하며, 그것이 "비주얼의 그것을 지배하지는 않더라도... 표류를 만들어내는 것과 동등한 역할을 한다"고 주장합니다. 시간적, 공간적 분리의 인상을 정확하게 포착하는 천상적이고 다소 몽환적인 품질."[95] 그는 또한 샬롯이 호텔 방 창문에 앉아 도쿄를 관찰하는 장면을 담은 확장 시퀀스에 사용된 "Tommib"과 같은 "멋지고 먼" 트랙을 사용하는 것이 캐릭터의 고립감과 방향감각 상실감을 확립하는 데 중요한 역할을 한다고 지적합니다.[96] 킹의 관점에서, 일부 시퀀스는 "오디오 비주얼 세트 피스"로서 기능할 수 있도록 음악과 비주얼의 조합을 특징으로 하며, 이는 대상 관객에게 영화에서 뚜렷한 매력을 제공합니다.[97]

풀어주다

마케팅.

코폴라는 그녀와 플랙이 영화 편집을 마칠 때까지 미국과 캐나다의 배급권을 판매하지 않았습니다.[55] 2003년 2월, 감독은 이미 해외 배급의 대부분을 판매한 포커스 피처스의 국내 부문에서 최고 경영진들에게 이 영화를 보여주었습니다.[55] 경쟁 구매자들은 미국 영화 시장의 포커스 사무실에서 3분짜리 트레일러를 볼 수 없다고 불평하는 반면, 영화에 대한 특권적인 접근을 받았기 때문에 이전 계약은 포커스에게 중요한 것으로 입증되었습니다.[98] 코폴라는 처음에 국내 배급권을 500만 달러에 제안했지만, 그녀는 영화를 위해 회사가 확보한 국제 거래에 대한 감사를 이유로 그것들을 400만 달러에 포커스에 팔기로 결정했습니다.[55]

포커스가 참여하자 기존의 "인디 스타일" 마케팅 캠페인을 사용하여 영화를 홍보하기 시작했습니다.[99] 이 전략은 2003년 9월 개봉을 훨씬 앞두고 영화에 대한 긍정적인 입소문을 불러일으키는 것을 포함했습니다.[100] 배급사는 2003년 여름 내내 사전 언론 상영회를 마련하고 이를 잡지 홍보 캠페인과 결합했습니다.[100][note 15] 포스터와 예고편은 머레이의 눈에 띄는 스타적 존재감을 강조하며 영화의 코믹 시퀀스에서 그의 연기를 강조하여 더 많은 관객의 관심을 끌었습니다.[101] 개봉 직전 포커스는 로스트 트랜슬레이션영화제에 배치하고 코폴라와 머레이와 질의응답 패널을 포함하는 "친밀한 미디어 상영"을 진행했습니다.[55] 이러한 마케팅 전략 중 많은 부분이 최소한의 비용으로 영화를 홍보하기 위해 고안되었으며, 이는 주요 TV 광고와 같이 할리우드 주류에서 자주 사용되는 비용이 많이 드는 전략에서 벗어났습니다.[99]

극장판

로스트 인 트랜슬레이션(Lost in Translation)은 2003년 8월 29일 미국 텔루라이드 영화제(Telluride Film Festival)에서 초연되었습니다.[3] 그 다음 한 주 동안, 그것은 베니스토론토의 영화제에 등장했습니다.[3] 2003년 9월 12일 미국의 주요 도시 23개 극장에서 제한적으로 개봉되었습니다.[102] 이 영화는 사전 상영을 통해 오스카 경쟁에 대한 추측을 불러일으켰고, 수상을 위해 경쟁하는 인디 영화에 대해 예상보다 몇 주 일찍 개봉한 것으로 알려졌습니다. 너무 일찍 개봉하면 아카데미 시상식과 같은 주요 상 후보에 올랐을 때 영화가 잊혀질 수 있다는 위험이 있습니다.[100][103] Focus Features의 공동 사장인 James SchamusDavid Linde는 회사가 영화의 품질과 초기 마케팅 캠페인, 그리고 다른 영화와의 경쟁 부족 등을 고려하여 조기 개봉일을 선택했다고 언급했습니다.[100] 이 전략은 Lost in Translation에서 시장을 주도할 수 있는 시간을 더 주기 위한 것이었습니다.[104]

The number starts at 23 on September 12, 2003, rises to 882 on October 10, and declines to a low of 123 on January 2, 2004. It then rises to 632 on January 30 and then declines to 51 on March 25.
2003-2004년 미국, 캐나다, 푸에르토리코에서 로스트 트랜슬레이션이 상영된 예상 극장 수를 보여주는 그래프.[105] 포커스 피처스는 지난 1월 제76회 아카데미상 후보에 오른 뒤 극장 입지를 넓혔습니다.

이 영화는 개봉 주말에 92만 5천 달러의 수익을 올렸고, 그 다음 주에 미국의 상위 25개 시장에서 23개 극장에서 183개로[100] 확장되었습니다.[102] 그곳에서 주말[106] 동안 262만 달러 이상의 수입을 올렸고 영화의 총 예산을 거의 다 갚았습니다. 4번째 주말인 [note 16]10월 3일, 박스 오피스 차트에서 7위로 정점을 찍으며 광범위한 개봉에 들어갔고,[105] 일주일 후, 882개의 극장으로 추정되며 개봉 기간 동안 영화 최고 극장 수를 기록했습니다.[105] 로스트 인 트랜슬레이션(Lost in Translation)은 10월 13일까지[105] 총 1,850만 달러의 수익을 올렸으며 할리우드 리포터(Hollywood Reporter)는 "관객들이 항상 이러한 유형의 고급 자료에 반응하지 않는 중소 규모의 시장에서도 좋은 성과를 거두고 있다"고 언급했습니다.[100] 이 공연에 이어 로스트 트랜슬레이션제76회 아카데미상 후보에 오른 후 다시 확장되었지만 극장의 존재감이 새해로 접어들면서 점차 감소했습니다.[105][107] 이 영화는 12월 말 117개 상영관에서 1월 말 632개 상영관으로 확대되었고, 궁극적으로 3월 25일 미국과 캐나다에서 상영을 종료하고 4,460만 달러를 벌었습니다.[105] 이 회사의 해외 발매는 전 세계적으로 총 1억 1,870만 달러에 7,410만 달러를 벌었습니다.[105]

홈 미디어

로스트 트랜슬레이션의 DVD는 2004년 2월 3일에 발매되었으며,[108] 삭제된 장면, 비하인드 피처릿, 머레이와 코폴라가 출연한 영화에 대한 대화, 케빈 쉴즈가 영화를 위해 작곡한 원곡 중 하나인 "[109]시티 걸"의 뮤직비디오가 포함되어 있습니다. 아카데미 시상식에서 로스트 트랜슬레이션의 존재를 둘러싼 홍보를 활용하기 위해 포커스 피처스는 오스카 후보 지명이 발표된 직후 극장에서 상영되는 동안 이례적으로 홈 미디어에 이 영화를 공개했습니다.[107] 업계는 일반적으로 조기 홈 비디오 공개로 인해 극장 수익이 해를 입을 수 있다고 우려했기 때문에 이 전략은 위험한 것으로 간주되었습니다.[107] Lost in Translation은 최종적으로 5일간의 비디오 대여를 통해 거의 500만 달러의 수익을 얻었으며 발매 첫 주 동안 100만 장의 소매판을 판매했습니다.[110] 초기 수익률은 이 기간[110] 동안 DVD가 두 번째로 많이 팔린 반면 600개 극장에서 상영된 영화와 박스 오피스 수익은 전주보다 19% 감소했으며 버라이어티는 이를 "상대적으로 완만"하다고 설명했습니다.[111] 포커스는 이러한 성과가 긍정적인 입소문 덕분이라고 평가하고 두 미디어 모두에서 영화에 대한 마케팅이 소비자가 선택한 플랫폼에 도움이 되었다고 언급했습니다.[111]

로스트 트랜슬레이션은 이후 2007년 5월 29일에 HD DVD 포맷으로 출시되었고,[112] 2010년 12월 7일에는 블루레이로 출시되었습니다.[113] 2023년 6월, 키노 로버(Kino Lorber)는 영화의 새로운 4K 스캔을 특징으로 하는 울트라 HD 블루레이(Ultra HD Blu-ray)로 2023년 말에 개봉할 것이라고 발표했습니다.[114]

접수처

비판적 반응

로스트 인 트랜슬레이션(Lost in Translation)은 특히 머레이의 연기와 코폴라의 연출 및 각본으로 광범위한 비평가들의 찬사를 받았습니다.[115] 로튼 토마토에서 이 영화는 232개의 리뷰를 기준으로 95%의 지지율을 기록하고 있으며, 평균 평점은 8.4/10입니다. 이 사이트의 비판적 합의에는 "유머와 미묘한 파토스의 균형을 효과적으로 유지하면서 소피아 코폴라는 빌 머레이와 스칼렛 요한슨 모두에게 쇼케이스 역할을 하는 감동적이고 우울한 이야기를 만들어냅니다."라고 쓰여 있습니다.[116] 리뷰에 정규화된 등급을 부여하는 메타크리틱에서 이 영화는 44개의 리뷰를 기반으로 100점 만점에 평균 91점을 받아 "보편적인 호평"을 나타냈습니다.[117]

비평가들은 머레이의 연기를 밥이라고 널리 칭찬하며, 그가 이미 널리 알려진 코믹 페르소나와 결합된 더 심각한 역할을 다루는 것을 칭찬했습니다. 에델스타인은 "우리가 기다려온 빌 머레이 공연"이라며 "그의 두 반쪽이 여기처럼 함께 모인 적이 없다"고 주장했습니다. 그의 두 반쪽은 그 재미있는 이별과 그것을 낳았을 것이라는 깊고 확고한 고립감을 연결하는 방식으로 말입니다."[40] 엔터테인먼트 위클리의 리사 슈바르츠바움(Lisa Schwarzbaum)은 머레이의 연기를 오스카상에 걸맞은 것으로 간주하고, 그의 "가장 연약하고 매너 없는" 연기라고 칭찬했습니다. 그녀는 영화의 코믹 시퀀스에서 그의 즉흥 연기뿐만 아니라 더 섬세한 역할에 대한 그의 대우를 칭찬했습니다.[118] 로저 에버트(Roger Ebert)는 로스트 인 트랜슬레이션(Lost in Translation)에서 4개의 별 중 4개를 주고 올해 최고의 영화로 선정하면서 "정어리적이고 재미있는 동시에 달콤하고 슬픈" 영화라고 묘사했습니다.[119] 뉴욕타임스 평론가 엘비스 미첼로스트 트랜슬레이션을 "머레이 씨의 영화"라고 부르며 "연기를 전혀 하지 않는 것으로 쉽게 오해할 수 있을 정도로 충분히 실현되고 노력하지 않는 것 같은 공연을 제공한다"고 평하며 비슷한 찬사를 보냈습니다.[120][note 17]

코폴라는 그녀의 각본과 연출로 비슷한 수준의 찬사를 받았습니다. 로스엔젤레스 타임즈의 케네스 투란(Kenneth Turan)은 "Lost in Translation"이 "타르트하고 달콤하며, 분명 재미있고, 유난히 잘 관찰되었습니다."라고 논평했습니다. 특유의 감성과 이를 표현할 수 있는 수단을 갖춘 성숙한 인재로서의 코폴라"[121] 많은 칭찬은 특별히 그녀의 섬세함과 분위기의 특징에 대한 관심에 초점을 맞추었습니다. 버라이어티의 데이비드 루니는 이 영화를 "기분 좋은 작품"이라고 칭찬하며, "유머와 독기의 섬세한 균형이 이 영화를 유쾌하고 우울한 경험으로 만든다"고 덧붙였습니다.[122] 마찬가지로, 살롱 비평가 스테파니 자카렉은 코폴라를 "스텔스 극작가"라고 칭찬했고, 그녀는 로스트 인 트랜슬레이션(Lost in Translation)은 코폴라를 탁월한 영화 제작자로 묘사하는 친밀한 이야기라고 칭찬했습니다.[123]

뉴욕 옵저버에 대한 리뷰에서 앤드류 새리스는 이 영화를 "희귀한 것, 성적 만족에 대한 의도적인 억압에 기반한 어른들의 로맨스"라고 불렀습니다. 독립영화들이 노골적인 음란물에 점점 더 가까운 에로틱한 이미지들로 폭발하고 있을 때, 코폴라 씨와 그녀의 동료들은 그 과정에서 너무 새침하거나 자축하지 않으면서, 성적인 시설을 감정적인 갈망으로 대체했습니다."[124] USA 투데이는 이 영화에 별 4개 중 3개 반을 주었고 "요즘 대부분의 코미디가 가하는 맹렬한 직접적인 공격 대신 조용한 유머를 제공한다"고 썼습니다.[125] 타임지 리차드 콜리스는 머레이의 연기를 칭찬했습니다: "여러분은 올해 이 조용하게 놀라운 차례보다 더 미묘하고, 더 웃기고, 더 가슴 아픈 연기를 발견하지 못할 것입니다."[126] 그의 연기는 W. C. Fields의 냉소적인 페르소나에 비유되어 왔습니다.[127][128] 필립 프렌치(Philip French)는 옵서버(The Observer)에 대한 리뷰에서 "Lost in Translation은 매우 슬프고 안토니오니스크(Antonioniesque)의 풍미가 강하지만, 줄거리가 적고 잘 관찰된 코믹 순간이 있는 현명한 로맨틱 코미디이기도 합니다."라고 썼습니다.[129] 가디언지에서 조 퀸안은 코폴라 감독의 영화를 "올해 제가 본 몇 안 되는 할리우드 영화 중 두뇌가 있는 영화 중 하나입니다. 하지만 그것보다 더, 영혼이 있는 영화입니다"라고 칭찬했습니다.[130] 롤링 스톤 피터 트래버스는 별 네 개 중 네 개를 주고 이렇게 썼습니다: "이별을 말하기 전에, 그들은 관객들이 들을 수 없는 무언가를 서로에게 속삭입니다. 코폴라는 그녀의 영화를 그 속삭임처럼 조용하게 그리고 친밀하게 유지합니다. Lost in Translation은 금입니다. 어떻게 한 소녀의 재치있는 입에서 한 모금의 영화가 당신을 쓸어버릴 수 있는지 웃깁니다."[131] J. HobermanVillage Voice에 대한 리뷰에서 다음과 같이 썼습니다. "Lost in TranslationRichard LinklaterBefore Sunrise 이후로 미국 영화의 어떤 짧은 만남처럼 씁쓸하고 달콤합니다. 하지만 '번역에서 길을 잃다'는 더 가슴 아픈 꿈입니다. 코폴라는 집에서 멀리 떨어진 하룻밤 거리에 서 있는 듯한 정서적 강렬함을 자아내지만, 그녀가 진정으로 얻는 것은 영화의 마법입니다."[132]

샬럿 역의 요한슨의 연기에 대해서도 찬사가 쏟아졌고, 루니는 "풍부한 인테리어 라이프를 가진 관찰자이자 의문을 제기하는 여성으로서 현명하게 절제된 연기를 선보인다"고 평했고,[122] 투란은 요한슨이 "지나치게 친숙할 수 있었던 특성을 완전히 살려낸다"고 덧붙였습니다.[121]

로스트 인 트랜슬레이션(Lost in Translation)은 235명 이상의[133] 비평가들에 의해 올해 최고의 영화로 선정되었으며 개봉 후 몇 년 동안 다른 "최고" 목록에 등장했습니다. Paste는 "2000년대 최고의 영화 50편" 목록에서 7위를 차지했고,[134] Entertainment Weekly는 10년 최고의 영화 10위 목록에서 9위를 차지했으며,[135] 177명의 비평가들을 대상으로 한 여론 조사에 따르면, 이 영화는 BBC의 21세기 가장 위대한 영화 100편의 2016년 목록에서 22위를 차지했습니다.[136]

로스앤젤레스 영화 비평가 협회전미 영화 비평가 협회는 빌 머레이를 올해의 남우주연상으로 뽑았습니다.[137][138] 뉴욕 영화 비평가 협회는 또한 머레이 남우주연상과 소피아 코폴라 감독을 투표로 뽑았습니다.[139] 코폴라는 미국 국립 영화 심사 위원회로부터 특별한 영화 제작 업적으로 상을 받았습니다.[140] Lost in Translation은 또한 2003년 여러 비평가들의 상위 10위 목록에 올랐습니다.[141] 로저 에버트(Roger Ebert)는 웹사이트의 "위대한 영화" 목록에 그것을 추가했습니다.[142] 페이스트 매거진(Paste Magazine)은 이 영화를 10년간 50대 영화(2000-2009) 중 하나로 선정하여 7위를 차지했습니다.[143] Entertainment Weekly는 "6년이 지난 지금, 우리는 여전히 빌 머레이가 스칼렛 요한슨(Scarlett Johansson)의 귀에 속삭였던 것이 무엇인지 전혀 모릅니다. 그리고 우리는 원하지 않습니다. 왜 완벽한 영화를 망치는 거지?"[144] 쿠엔틴 타란티노 감독은 영화 제작자로서의 경력이 시작된 1992년 이후 개봉한 상위 20개 영화 목록에 로스트 트랜슬레이션을 포함시켰습니다.[145]

인종적 고정관념에 대한 비난

Lost in Translation오리엔탈리즘 인종 고정관념에 대한 일부 혐의를 받았습니다.[6] 영화 제작자 E. Koohan Baek은 이 코미디가 "일본인의 타자성"에 뿌리를 두고 있으며, 이 이야기는 일본인의 균형 잡힌 특성을 제공하지 못한다고 주장했습니다. 백씨는 "그들을 부정적이든 긍정적이든 완전한 인간으로 묘사하는 것은 책임을 회피하는 것이며, 이는 차별이나 인종차별에 해당한다"고 썼습니다.[146] 예술가 키쿠 데이(Kiku Day)는 가디언지에 다음과 같이 썼습니다. "일본인들에게 단 한 조각의 품위도 제공되는 장면은 없습니다. 시청자는 작고 노란 사람들과 그들의 재미있는 방식을 비웃게 됩니다."[147]

일본 유통업체들은 어떻게 받아질지 걱정했습니다.[148] 요미우리 신문의 평론가 쓰치야 요시로는 코폴라의 일본 대표성이 "터무니없이 편파적이고 진부하다"고 썼습니다.[149] 고정관념에 대한 인식은 또한 제76회 아카데미 시상식에서 영화 예술 과학 아카데미 회원들에게 반대표를 던지라고 촉구하는 한 아시아계 미국인 단체의 캠페인으로 이어졌습니다.[150]

영화학자 호메이 킹(Homay King)은 이 영화가 동양주의적 고정관념에 대항하는 데는 별 도움이 되지 않지만, 일본의 재현이 이루어지는 관점을 확립하는 데는 실패한다고 주장하며, "이 영화는 진정한 주체가 도쿄 그 자체가 아니라 도쿄에 대한 서구의 인식이라는 것을 충분히 분명히 하지 못한다. 일본이 피상적이거나, 부적절하게 에로틱하거나, 이해할 수 없는 것처럼 보일 때, 우리는 이 환영이 코폴라의 것인지, 그녀의 캐릭터의 것인지, 아니면 단순히 할리우드 영화적 상상의 것인지 완전히 확신할 수 없습니다."[151]킹은[151] 샤롯데가 아이크바나와 같은 경험에서 소외되는 것과 같은 묘사들은 이 영화가 동양주의 "위로의 원천으로서 일본 전통의 신화"를 삼가고 있다는 증거이지만, 이 영화는 종종 거친 농담과 일본인들에 대한 고정관념을 "미쳤다"거나 "극단적이다"라고 의지함으로써 등장인물들에 대한 "차이"의 원천으로서 일본을 위치시킵니다.[152]

코폴라는 "모든 것이 진실에 기반을 둔 것이라면 여러분은 재미를 주고, 약간의 웃음을 가질 수 있지만, 또한 문화를 존중할 수도 있다고 생각합니다. 저는 도쿄를 사랑할 뿐이고 비열하지는 않습니다. 모든 사람들에게 친절하게 대하려는 것이 아니라면, 당신이 하는 모든 일들, 사람들이 불쾌해 할 수도 있다고 생각합니다." 그녀는 이 영화가 "경험에서 나왔다"며, 일일 콜시트에 등장한 L과 R 소리의 혼동을 예로 들었습니다.[50]

포상

로스트 인 트랜슬레이션(Lost in Translation)은 특히 코폴라 감독의 연출과 각본, 머레이와 요한슨의 연기로 다양한 부문에서 상과 후보로 올랐습니다. 제76회 아카데미 시상식에서, 그것은 최우수 각본상(코폴라)을 수상했고, 그 영화는 최우수 작품상, 감독상(코폴라), 그리고 남우주연상(머레이)에 세 개의 후보 지명을 받았습니다.[153] 이 영화는 다섯 개 부문에서 골든 글로브상을 세 번 수상했습니다. 최우수 영화 뮤지컬 또는 코미디,[154] 남우주연상 영화 뮤지컬 또는 코미디, 각본상 제57회 영국 아카데미 영화상에서, 로스트 인 트랜슬레이션(Lost in Translation)[155]은 세 개의 상을 수상했습니다: 남우주연상, 여우주연상 (Johansson), 그리고 편집상.

Lost in Translation은 또한 다양한 외국 시상식, 영화제 및 비평가 단체로부터 상을 받았습니다. 이것들은 최고의 외국 감독을 위한 나스트로 다르젠토뿐만 아니라,[160] 보딜 어워드에서 최고의 미국 영화,[156] 세자르 어워드에서 최고의 외국 영화,[157] 그리고 호주의 영화 비평가 협회,[158] 프랑스 영화 비평가 협회,[159] 그리고 독일 영화사에서 최고의 외국 영화를 포함합니다.[161] 이 영화는 또한 위성 시상식에서 인디펜던트 스피릿 어워드 최우수 영화상,[162] 코미디 또는 뮤지컬 상을 [163]수상했으며 베니스 국제 영화제에서 두 개의 상을 수상했습니다.[164][3] 비평가 단체로부터 로스트 트랜슬레이션샌프란시스코 영화 비평가 서클,[165] 토론토 영화 비평가 협회,[166] 밴쿠버 영화 비평가 서클로부터 최고 영화 부문 상을 받았습니다.[167]

참고 항목

  • 소피아 코폴라가 영화에 사용하지 않은 소재로 만든 시티걸(노래) 뮤직비디오

메모들

  1. ^ 이 영화는 단일 장르 분류에 저항하는 것으로 유명합니다. "로맨틱 코미디"와 같은 용어로 분류되었지만, 이 영화는 로맨스, 코미디 및 드라마를 포함한 여러 장르의 요소를 통합하는 것으로 확인되었습니다. Lost in Translation 장르 간 위치에 대한 한 가지 논의는 King 2010, pp. 60-75를 참조하십시오.
  2. ^ 램버트는 파크 하얏트 도쿄의 바에서 실제 공연자였습니다. 코폴라는 촬영 1년 전 호텔에서 그녀가 "스카버러 페어"를 부르는 것을 보고 나중에 매니저에게 그녀의 신원을 확인하는 것을 도와 코폴라가 그녀를 캐스팅할 수 있도록 유도했습니다. 램버트는 영화에서 같은 노래를 공연했습니다.[7]
  3. ^ 이 장면은 1970년대에 구로사와 아키라와 함께 촬영한 산토리 광고 코폴라의 아버지 프랜시스 포드 코폴라에 대한 오마주입니다.[17] 코폴라는 밥처럼 머레이도 감독 역할을 맡은 남자가 무슨 말을 하는지 이해하지 못했다고 말했습니다. 그녀는 "저는 미국 배우들이 캐릭터들처럼 무슨 일이 일어나고 있는지 정말 모른다는 사실을 좋아합니다."라고 말했습니다.[16]
  4. ^ 몇몇 평론가들은 도쿄 자체를 이 영화의 세 번째 주요 인물로 묘사했습니다. 예를 들어, San Filippo 2003, p. 28 및 Plate 2004, para. 4를 참조하십시오.
  5. ^ 코폴라는 "구불구불한 분위기의 조각들"[23]에 대한 그녀의 감사를 인정했고, "라 아벤투라", "라 돌체 비타",[7] 그리고 "사랑위한 분위기"와 같은 영화들의 "로스트 트랜슬레이션"에 대한 영향을 인용했습니다.[35] 라 돌체 비타(La Dolce Vita)는 밥과 샬롯이 사케를 마시며 텔레비전으로 영화를 보는 장면에서 코폴라(Coppola)에 의해 잠깐 등장합니다.
  6. ^ 요한슨은 처음에 이 사진을 찍기 위해 순수한 팬티를 입는 것을 걱정했지만, 코폴라가 그들의 모습을 개인적으로 모델로 보여준 후 그녀는 인정했습니다.[37] Johansson은 남자 감독이 그녀가 그것들을 착용하도록 설득할 수 없었을 것이라고 말했습니다.[38]
  7. ^ 예를 들어, Kennedy 2010, pp. 46-47, San Filippo 2003, p. 26 및 Haslem 2004를 참조하십시오.
  8. ^ 예를 들어, 을 참조하십시오. Smith, Paul Julian (2004). "Tokyo Drifters". Sight & Sound. Vol. 14, no. 1. p. 13.
  9. ^ 코폴라는 호텔에 머무는 개인적인 경험에 대해 호의적으로 말했습니다. 그녀는 이 지역을 도쿄의 "혼란스러운" 도시 환경 내에 있는 "고요한 떠다니는 섬"으로 묘사했고,[36] 그녀는 이 지역을 "세계에서 가장 좋아하는 곳" 중 하나로 선정했습니다.[24]
  10. ^ 개봉 후 코폴라는 로스트 트랜슬레이션을 도쿄에[51] "발렌타인"이라고 불렀고 영화를 만든 이유 중 하나로 자신이 좋아하는 것을 묘사하고 싶은 욕망을 꼽았습니다.[36]
  11. ^ 장편 영화 대본은 일반적으로 90-120페이지입니다.[56]
  12. ^ 샬롯이 시부야 건널목을 걷는 장면을 담은 시퀀스가 한 예입니다. 코폴라는 비가 그 지역을 흐릿하고 대기가 많아 보이게 만들었다는 것을 알아차렸을 때, 그녀는 그 시퀀스를 촬영하기 위해 근처 오락실에서의 촬영 계획을 취소했습니다.[15]
  13. ^ 촬영 중 중요한 즉흥 연기의 다른 예로는 노래방과[15] 초밥집에서 일어나는 장면이 있습니다.[24]
  14. ^ 밥이 기성세대에서 자신의 입지를 부각시키기 위해 '(What's So Funny 'Bout) Peace, Love, and Understanding'이 선택되었고, 'Brass in Pocket'은 샬롯이 자신의 장난기 넘치는 모습을 보여주기 위해 선택되었으며, 'More Than This'는 코폴라와 머레이가 촬영 중 즉석에서 선택한 곡으로, 두 사람은 록시 뮤직에 대해 서로 호감을 가지고 있다는 것을 알게 되었습니다.[23]
  15. ^ Focus가 이 캠페인의 일부로 인용한 잡지 기사의 한 예는 Hirschberg 2003을 참조하십시오.[100]
  16. ^ 여기서 "광범위 방출"은 600 극장 임계값을 초과하는 것으로 정의됩니다.
  17. ^ 이 영화의 2004년 DVD의 보너스 특집에서 머레이는 로스트 트랜슬레이션을 자신이 출연한 영화 중 가장 좋아하는 영화라고 불렀습니다.

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