미국의 영화

Cinema of the United States
미국의 영화
(할리우드)
United States film clapperboard.svg
Hollywood Sign (Zuschnitt).jpg
종종 미국 영화 산업의 상징으로 여겨지는 할리우드 힐스의 할리우드 간판
No. 의 화면40,393 (2017)[1]
• 1인당100,000명당 14명(2017년)[1]
메인 디스트리뷰터
장편 영화 제작(2016년)[2]
허구646 (98.5%)
애니메이션10 (1.5%)
입학정원(2017년)[4]
1,239,742,550
• 1인당3.9 (2010)[3]
총 흥행수(2017년)[4]
111억달러

헐리우드로도 알려진 미국의 영화는 20세기 초부터 세계 영화 산업에 큰 영향을 끼쳤다.미국 영화의 지배적인 스타일은 1913년부터 1969년까지 발전한 고전 할리우드 영화이며 오늘날까지도 그곳에서 제작된 대부분의 영화의 전형이다.프랑스인 오귀스트와 루이 루미에르가 일반적으로 현대 [5]영화의 탄생에 기여한 반면, 미국 영화는 곧 신흥 산업에서 지배적인 힘이 되었다.2017년 기준으로, 그것은 매년 [6]평균 700편 이상의 영어 영화가 개봉되어 중국에 이어 단일 언어 국가 영화 중 두 번째로 많은 수의 영화를 제작했다.영국 (299), 캐나다 (206), 호주, 그리고 뉴질랜드의 국립 영화관들도 같은 언어로 영화를 제작하지만, 할리우드 시스템의 일부로 여겨지지 않는다.그렇긴 하지만, 할리우드는 또한 초국가적[7]영화로 여겨져 왔다.그것은 종종 스페인어나 프랑스어로 된 여러 언어의 제목을 만들었다.현대의 할리우드는 종종 캐나다, 호주, 뉴질랜드에 제작을 아웃소싱한다.

할리우드는 최초의 영화 스튜디오와 제작사가 출현한 곳이라는 점에서 가장 오래된 영화 산업으로 여겨진다.코미디, 드라마, 액션, 뮤지컬, 로맨스, 공포, 공상과학, 전쟁 서사시 등 다양한 장르의 영화가 탄생한 곳이기도 합니다.

1878년, Eadweard Muybridge는 움직임을 포착하는 사진의 힘을 보여주었다.1894년, 세계 최초의 상업 영화 전시회가 뉴욕에서 토마스 에디슨의 키네토프를 사용하여 열렸습니다.그 후 수십 년 동안 무성 영화 제작이 크게 확대되었고 스튜디오가 형성되어 캘리포니아로 이주했으며 영화와 그들이 말하는 이야기는 훨씬 더 길어졌다.미국은 1927년 [8]세계 최초의 싱크로 사운드 뮤지컬 영화 '재즈 싱어'를 제작했으며, 이후 수십 년 동안 사운드 영화 발전에 앞장섰다.20세기 초부터, 미국 영화 산업은 주로 할리우드, 로스앤젤레스, 캘리포니아의 30마일 지역에 기반을 두고 있다.D.W. 그리피스 감독영화 문법을 발전시키는 데 중심적이었다.오슨 웰스의 시민 케인(1941)은 비평가 여론조사에서 [9]역대 최고의 영화로 자주 인용된다.

할리우드의 주요 영화 스튜디오는 세계에서 [10][11]가장 상업적으로 성공하고 가장 많은 티켓을 파는 영화의 주요 원천이다.게다가, 할리우드에서 가장 많은 수익을 올린 영화들 중 많은 것들이 다른 곳에서 만들어진 영화들보다 미국 밖에서 더 많은 박스 오피스 수익과 티켓 판매를 창출했다.21세기에 들어서면서, 미국 영화 스튜디오는 매년 수백 편의 영화를 총 제작하여 미국을 세계에서 가장 많은 영화 제작자 중 하나로 만들고 영화 공학과 기술의 선도적인 선구자로 만들었습니다.

역사

오리진과 포트 리

쥐스투스 D. 반스는 첫 번째 서부극인 대열차강도(1903)에서 무법자 지도자 브론코 빌리 앤더슨 역을 맡았다.

움직임을 포착하고 재현하는 사진의 첫 번째 기록된 예는 에드위어드 머이브릿지가 캘리포니아 팔로 알토에서 일렬로 배치된 스틸 카메라 세트를 사용하여 찍은 달리는 말의 연속 사진이다.Muybridge의 업적은 모든 발명가들이 비슷한 기기를 만들도록 시도하게 만들었다.미국에서 토마스 에디슨은 그러한 장치인 키네토스코프를 만든 최초의 사람 중 하나였다.

Safety Last의 시계 장면에 나오는 해롤드 로이드! (1923)

미국 영화의 역사는 한때 미국 영화의 수도였던 뉴저지 포트 리의 동부 해안에서 그 뿌리를 찾을 수 있다.이 산업은 19세기 말에 뉴저지 웨스트 오렌지에 최초영화 스튜디오인 토마스 에디슨의 "블랙 마리아"가 건설되면서 시작되었다.허드슨강과 허드슨 팰리세이드강의 도시와 마을은 강 건너에 있는 뉴욕시보다 훨씬 적은 비용으로 토지를 제공했고, [12][13][14]20세기 초 영화 산업의 경이적인 성장의 결과로 큰 이득을 보았다.

그 산업은 자본과 혁신적인 노동력을 모두 유치하기 시작했다.1907년 칼렘사가 이 지역의 촬영 장소로 포트 리를 사용하기 시작했을 때, 다른 영화 제작자들이 빠르게 따라왔다.1909년 유니버설 스튜디오의 전신인 챔피언 필름 컴퍼니가 최초의 [15]스튜디오를 지었다.다른 사람들은 재빨리 뒤따라 새로운 스튜디오를 짓거나 포트 리에 시설을 임대했다.1910~1920년대 인디펜던트 무빙 픽처스 컴퍼니, 피어리스 스튜디오, 솔락스 컴퍼니, 에클레어 스튜디오, 골드윈 픽처 코퍼레이션, 아메리칸 멜리에스(스타 필름), 월드 필름 컴퍼니, 바이오그래프 스튜디오, 폭스 필름 코퍼레이션, 패시 픽처스 등의 영화사가 있었다.연설은 모두 포트 리에서 그림을 만들고 있었다.Mary Pickford와 같은 유명인사들은 [16][17][18]Biograph Studios에서 시작했다.

뉴욕에서는 무성영화 시대에 지어진 퀸스카우프만 아스토리아 스튜디오가 마르크스 브라더스와 W.C.에 의해 사용되었다. 필드에디슨 스튜디오는 브롱크스에 위치해 있었다.맨하탄의 첼시도 자주 이용됐다.다른 동부 도시들, 특히 시카고와 클리블랜드도 영화 [19][20]제작의 초기 중심지 역할을 했다.서구에서는 캘리포니아가 이미 주요 영화 제작 중심지로 급부상하고 있었다.콜로라도에서 덴버는 아트오그래프 영화사의 본거지였고 월트 디즈니의 초기 러프오그램 애니메이션 스튜디오는 미주리주 캔자스시티에 있었다.플로리다픽처 시티는 1920년대에 영화 제작 센터로 계획된 장소였지만 1928년 오키초비 허리케인으로 인해 아이디어가 무너졌고 픽처 시티는 원래 이름인 호베 사운드로 되돌아갔다.디트로이트에 영화 제작 센터를 설립하려는 시도도 [21]성공하지 못했다.

20세기 초의 영화 특허 전쟁은 영화사들이 뉴욕 이외의 미국의 다른 지역으로 확산되는 것을 촉진하는 데 도움을 주었다.많은 영화 제작자들이 사용권을 소유하지 않은 장비로 작업했다.따라서 뉴욕에서 촬영하는 것은 에디슨의 회사 본사와 가깝고, 회사가 카메라를 압수하기 위해 출발한 에이전트들과 가깝기 때문에 위험할 수 있다.1912년까지 대부분의 주요 영화사들은 캘리포니아 남부 지역의 일년 내내 [22]좋은 날씨 때문에 로스앤젤레스 근처나 LA제작 시설을 설치했다.

할리우드의 부상

프랜시스 보그스가 감독하고 호바트 보스워스가 주연한 1908년 셀리그 폴리스코프 컴퍼니의 작품은 1907년 로스앤젤레스에서 촬영된 최초의 작품으로 1957년 메인 스트리트와 7번가 모퉁이에 있는 디어든의 플래그십 스토어에서 명판이 공개되었고, 영화 촬영을 위해 로스앤젤레스에서 촬영되었다.중국 [23]세탁소일 때.보즈워스의 미망인은 이 도시가 날짜와 장소를 잘못 알고 있었고, 이 영화는 당시 독립 [24]도시였던 인근 베니스에서 촬영되었다고 주장했다.보즈워스 주연의 보그스 감독의 '술탄의 힘'[25][24]은 1909년 7번가와 올리브 스트리트에서 촬영되며 로스앤젤레스에서 완전히 촬영된 최초의 영화로 여겨진다.

1910년 초, 감독 D. W. 그리피스는 배우 블랑쉬 스위트, 릴리안 기쉬, 메리 픽포드, 리오넬 배리모어 등으로 구성된 그의 연기단과 함께 바이오그래프 컴퍼니에 의해 서해안으로 보내졌다.그들은 로스앤젤레스 시내에 있는 조지아 스트리트 근처의 공터에서 촬영을 시작했다.그곳에 있는 동안, 이 회사는 북쪽으로 수 마일 떨어진 할리우드로 이동하며 새로운 영역을 탐험하기로 결정했다. 할리우드는 친근하고 영화사에서 촬영하는 것을 즐기는 작은 마을이다.그리피스는 멕시코에 속했던 19세기 캘리포니아에 관한 전기 영화 '올드 캘리포니아'에서 할리우드에서 촬영된 첫 영화를 촬영했다.그리피스는 몇 달 동안 그곳에 머물렀고 뉴욕으로 돌아오기 전에 여러 편의 영화를 만들었다.또한 1910년, 시카고의 셀리그 폴리스코프는 [23]에덴데일의 로스앤젤레스 지역에 최초의 영화 스튜디오를 설립했다.1913년 그리피스가 할리우드에서 성공했다는 소식을 들은 후, 많은 영화 제작자들은 영화 제작 [26]과정에 대한 특허를 소유한 토마스 에디슨에 의해 부과된 수수료를 피하기 위해 서쪽으로 향했다.뉴저지의 Bayonne있는 Nestor Studios는 [27]1911년에 할리우드 근처에 첫 스튜디오를 지었다.David와 William Horsley가 소유한 Nestor Studios는 나중에 Universal Studios와 합병되었다; 그리고 William Horsley의 다른 회사인 Hollywood Film Laboratory는 현재 할리우드에서 가장 오래된 회사로, 현재 Hollywood Digital Laboratory라고 불린다.캘리포니아의 더 쾌적하고 비용 효율적인 기후는 1930년대까지 사실상 모든 영화 제작이 서부 해안으로 옮겨가는 결과를 가져왔다.당시, 토마스 에디슨은 영화 제작과 관련된 거의 모든 특허를 소유하고 있었고 에디슨의 영화 특허 회사로부터 독립적으로 활동하는 영화 제작자들은 종종 에디슨과 그의 에이전트에 의해 소송을 당하거나 명령을 받았다. 반면 서부 해안에서 일하는 영화 제작자들은 에디슨의 [28]통제로부터 독립적으로 일할 수 있었다.

할리우드 대로의 할리우드 명예의 거리

로스앤젤레스에서는 스튜디오와 할리우드가 성장했다.제1차 세계대전 전에는 여러 미국 도시에서 영화가 제작되었지만, 영화 제작자들은 산업이 발전함에 따라 캘리포니아 남부로 쏠리는 경향이 있었다.그들은 따뜻한 기후와 신뢰할 수 있는 햇빛에 이끌려 1년 내내 야외에서 영화를 촬영할 수 있게 되었고 다양한 풍경을 [citation needed]볼 수 있게 되었다.전쟁 피해는 당시 지배적이었던 유럽 영화 산업의 쇠퇴에 기여했고, 기반 시설은 여전히 [29]온전했던 미국에 유리했다.다른 미국 도시들에 비해 로스앤젤레스의[30] 1918년 독감 유행에 대한 공중 보건의 강력한 초기 대응은 그곳의 환자 수를 줄였고 더 빠른 회복으로 이어졌고, 뉴욕 [29]시에 대한 할리우드의 지배력 증가에 기여했다.대유행 기간 동안, 공중 보건 관계자들은 일부 지역의 영화관을 일시적으로 폐쇄했고, 대형 영화사들은 한 번에 몇 주 동안 제작을 중단했으며, 일부 배우들은 독감에 걸렸다.이로 인해 소규모 스튜디오에 큰 재정적 손실과 심각한 어려움이 발생했지만, 산업 전반은 20년대[31]회복된 것 이상이었다.

영화에는 몇 가지 출발점이 있지만, 오늘날까지 [citation needed]셀룰로이드를 지배하고 있는 전 세계적인 영화 어휘를 개척한 것은 그리피스의 논란이 많은 1915년 서사시 "국가의 탄생"이었다.

20세기 초, 미디어가 처음 등장했을 때, 많은 유대인 이민자들이 미국 영화 산업에 일자리를 구했다.그들은 니켈로디언이라고 불리는 상점 앞 극장에서 5센트라는 입장료를 받고 단편 영화를 전시하는 새로운 사업에서 두각을 나타낼 수 있었다.몇 년 안에, Samuel Goldwyn, William Fox, Carl Laemle, Adolph Zukor, Louis B와 같은 야심찬 남자들이 등장했습니다. 메이어워너 브라더스(해리, 앨버트, 사무엘, 잭)는 사업의 생산 부문으로 전환했다.곧 그들은 영화 스튜디오라는 새로운 종류의 기업의 수장이 되었다.미국에는 초기 몇 년 동안 적어도 두 명의 여성 감독, 프로듀서 및 스튜디오 책임자가 있었습니다.로이스 웨버와 프랑스 태생의 앨리스 가이 블래체.그들은 또한 산업 국제주의의 기반을 마련했습니다; 산업은 종종 미국 중심 지방주의로 비난받습니다.

에른스트 루비치, 알프레드 히치콕, 프리츠 랑, 장 르누아르같은 감독들과 루돌프 발렌티노, 마를렌 디트리히, 로날드 콜만, 찰스 보이어 같은 배우들과 같은 다른 영화 제작자들이 1차 세계대전 이후 유럽에서 왔다.이들은 사운드 필름 도입 이후 뉴욕시 서부 무대에서 끌어온 국내 배우 공급에 합류해 20세기 가장 주목할 만한 성장 산업 중 하나를 형성했다.1940년대 중반 영화 인기가 최고조에 달했을 때, 스튜디오는 매주 [32]9천만 명의 미국인들이 시청하는 연간 총 400편의 영화를 제작하고 있었다.

사운드는 또한 1920년대 [33]후반에 할리우드에서 널리 쓰이게 되었다.1927년 동기 목소리를 가진 첫 번째 영화가 성공적으로 비타폰 토키로 개봉된 후, 할리우드 영화사들은 워너 브라더스에 반응하여 비타폰 사운드를 사용하기 시작했다.1928년까지 소유권 - 미래의 영화에서.1928년 5월, 웨스턴 일렉트릭사의 자회사인 Electrical Research Product Incorporated(ERPI)가 필름 사운드 [32]배급에 대한 독점권을 획득했습니다.

"토키"의 부작용은 무성영화로 경력을 쌓았던 많은 배우들이 목소리가 좋지 않거나 대사를 기억하지 못하기 때문에 갑자기 실직하게 된다는 것이다.한편 1922년 미국 정치인H. Hays는 정계를 떠나 영화 제작자 [34]및 배급자로 알려진 영화 스튜디오 보스 조직을 결성했다.이 단체는 헤이스가 1945년에 은퇴한 후 미국 영화 협회가 되었다.

미국 스튜디오들은 초기 토키 제작이 외국어 시장에서는 물론 영어의 다른 사투리를 구사하는 사람들 사이에서도 거부당했다는 것을 발견했다.동기화 기술은 더빙하기에는 아직 너무 원시적이었다.해결책 중 하나는 할리우드 영화의 외국어 버전을 병행 제작하는 것이었다.1930년경, 미국 회사들은[which?] 프랑스 Joinville-le-Pont에 스튜디오를 열었는데, 이 스튜디오에서는 같은 세트, 옷장, 심지어 많은 장면들이 다른 시분할 승무원들을 위해 사용되었다.

또한, 외국인 실직 배우, 극작가, 포토제니아 공모전 수상자들이 선정되어 할리우드로 가져와 영어 영화의 병행 버전을 촬영했다.이 병렬 버전들은 예산이 더 낮았고, 밤에 촬영되었고 외국어를 할 줄 모르는 2선 미국 감독들에 의해 감독되었다.스페인어 팀에는 루이스 부뉴엘, 엔리케 자르디엘 폰셀라, 사비에르 쿠가트, 그리고 에드가 네빌과 같은 사람들이 포함되어 있었다.제작은 다음과 같은 이유로 의도된 시장에서 그다지 성공적이지 못했습니다.

브라운 더비는 할리우드의 황금기와 동의어가 된 아이콘이다.
  • 더 낮은 예산은 명백했다.
  • 많은 연극 배우들은 영화 경험이 없었다.
  • 스튜디오가 상위 작품들이 스스로 팔릴 것이라고 예상했기 때문에 원작 영화들은 종종 그 자체로 이류였다.
  • 외국 억양이 섞인 것(예를 들어 스페인에서는 카스티안, 멕시코, 칠레)은 관객들에게 이상했다.
  • 일부 시장에는 음향 시설을 갖춘 극장이 부족했다.

그럼에도 불구하고, 스페인 버전의 드라큘라 같은 몇몇 작품들은 원작과 비교가 잘 된다.1930년대 중반에는 더빙이 일상화될 정도로 동기화가 진전되었다.

고전 할리우드 영화와 할리우드의 황금기(1913년-1969년)

클래식 할리우드 영화 c.시대의 스타들 (1913-1969년. 윗줄, L-r: 그레타 가르보, 험프리 보가트, 로렌 바콜, 클라크 게이블, 캐서린 헵번, 프레드 아스테어, 진저 로저스, 말론 브랜도, 마르크스 브라더스, 조앤 크로포드. 번째 줄, L-r: 웨인, 제임스 스튜어트, 버스터 키튼, 클라우데트 콜버트, 진 켈리, 버트 랭커스터, 주디 갈랜드, 그레고리 펙, 엘리자베스 테일러, 커크 더글러스세 번째 줄, L-r: 베트 데이비스, 오드리 헵번, 진 할로우, 알프레드 히치콕, 존 포드, 하워드 호크스, 그레이스 켈리, 로렌스 올리비에, 마를린 디트리치, 제임스 캐그니. 번째 줄, L-r: 아바 가드너, 캐리 그랜트, 잉그리드 버그먼, 헨리 폰다, 마릴린 먼로, 제임스 딘, 오슨 웰스, 메이 웨스트, 윌리엄 홀든, 소피아 로렌맨 아래 줄, L-r: 비비안 리, 조앤 폰테인, 게리 쿠퍼, 스펜서 트레이시, 바바라 스탠윅, 릴리안 기쉬, 타이론 파워, 셜리 템플, 재닛 와 찰튼 헤스턴, 리타 헤이워스, 메리 픽포드.

할리우드 고전 영화, 즉 할리우드의 황금기는 1913년부터 1969년까지 수천 편의 영화가 할리우드 스튜디오에서 개봉된 미국 영화의 특징인 기술적이고 서술적인 스타일로 정의된다.클래식 스타일은 1913년 나타나기 시작해 1917년 미국이 제1차 세계대전에 참전하면서 가속화됐다가 1927년 영화 '재즈 싱어'가 개봉하면서 굳어져 사일런트 필름 시대를 마감하고 장편 영화에 사운드를 도입해 영화 산업의 흥행 수익을 높였다.

대부분의 할리우드 영화들은 서양식, 슬랩스틱 코미디, 뮤지컬, 애니메이션, 전기 영화 공식을 고수했고 같은 크리에이티브 팀이 종종 같은 스튜디오에서 만든 영화를 작업했다.를 들어, 세드릭 기번스와 허버트 스토하트는 항상 MGM 영화를 작업했고 알프레드 뉴먼은 20세기 폭스사에서 20년간 일했고 세실 B. 밀의 영화는 거의 모두 파라마운트에서 만들어졌고, 헨리감독의 영화는 대부분 20세기 폭스를 위해 만들어졌다.

동시에, 어떤 스튜디오가 어떤 영화를 만들었는지 추측할 수 있는데, 주로 그 영화에 출연한 배우들 때문이다; 를 들어, MGM은 그것이 "천국에 있는 것보다 더 많은 스타들"과 계약을 맺었다고 주장했다.각 스튜디오는 독자적인 스타일과 독특한 터치를 가지고 있기 때문에 오늘날에는 거의 존재하지 않는 특징인 이 점을 알 수 있었습니다.

예를 들어, 가지고 있고 없고는 (1944)는 배우 험프리 보가트로렌 바콜의 첫 번째 쌍으로 유명할 뿐만 아니라, 윌리엄의 소설의 작가이자 명목상으로는 이 소설의 작가인 어니스트 헤밍웨이(1899-1961)에 의해 쓰여졌기 때문에 유명하다.영화 각색 작업을 한 (198~197년)

1927년 재즈 싱어가 개봉된 후 워너 브라더스는 큰 성공을 거두었고 1928년 스탠리 시어터와 퍼스트 내셔널 프로덕션을 인수한 후 그들만의 영화관을 가질 수 있었다.MGM은 또한 1924년 설립된 이래 루우 극장을 소유했고, 폭스 영화 회사도 폭스 극장을 소유했다.RKO (Keith-Orpheum TheatresRadio Corporation[35] of America의 1928년 합병)는 또한 서부 전기/ERPI가 영화의 소리를 독점하는 것에 대응했고,[32] 영화에 소리를 넣는 으로 알려진 그들만의 방법인 Photophone을 개발했습니다.

1926년 발라반과 캣츠를 인수한 파라마운트는 워너 브라더스와 RKO의 성공에 힘입어 1920년대 후반에도 다수의 극장을 사들이고 [36]미시간주 디트로이트의 극장을 독점하게 된다.1930년대까지, 미국의 거의 모든 초도영 메트로폴리탄 극장들은 파이브 스튜디오 - MGM, 파라마운트 픽처스, RKO, 워너 브라더스, 그리고 20세기 [37]폭스에 의해 소유되었다.

스튜디오 시스템

1922년 할리우드 영화 스튜디오

영화사들은 스튜디오 방식으로 운영되었다.주요 스튜디오는 배우, 프로듀서, 감독, 작가, 스턴트 맨, 공예가, 기술자 등 수천 명의 급여를 받고 있었습니다.그들은 서부 영화와 다른 대규모 장르 영화의 로케이션 촬영을 위해 남부 캘리포니아 시골에 영화 농장을 소유하거나 임대했고, 주요 스튜디오는 1920년에 그들의 영화를 상영하고 항상 신선한 소재를 필요로 하는 영화관을 전국의 도시와 마을에 수백 개의 영화관을 소유했다.

스펜서 트레이시는 캡틴스 캐리어스와 보이즈 타운에서의 역할로 2년 연속 남우주연상을 수상한 최초의 배우였다.

1930년 MPPDA의 윌 헤이스 대통령은 헤이스(생산) 코드를 만들었는데,[38] 이는 검열 가이드라인을 따랐고 1930년까지 정부의 검열 위협이 확대된 후에 시행되었다.하지만, 이 규정은 1934년까지 시행되지 않았는데, 천주교 감시 단체인 Legion of Greaty가 나중에 프리코드 할리우드로 분류된 자극적인 영화들과 끔찍한 광고에 경악하며, 만약 그것이 [39]시행되지 않는다면 영화 보이콧을 위협한 이후였다.MPPDA가 빅5 스튜디오를 통해 전국의 모든 극장을 통제하고 있기 때문에 제작법규청의 승인을 받지 못한 영화들은 25,000달러의 벌금을 내야 했고 극장에서 수익을 낼 수 없었다.

황금기뿐만 아니라 1930년대 내내, MGM은 영화 스크린을 장악했고 할리우드에서 톱스타들이 있었고,[40] 그들은 또한 할리우드 스타 체제를 만들어냈다는 평가를 받았다.몇몇 MGM 스타들은 "할리우드의 왕" 클라크 게이블, 리오넬 배리모어, 진 할로우, 노마 시어러, 그레타 가르보, 조앤 크로포드, 지넷 맥도널드, 레이먼드, 스펜서 트레이시, 주디 갈랜드, 진 [40]켈리를 포함했다.하지만 MGM은 혼자 서있지 않았다.

이 시대 미국 영화의 또 다른 위대한 업적은 월트 디즈니의 애니메이션 회사를 통해 이루어졌다.1937년 디즈니는 당대 가장 성공적인 영화인 백설공주와 일곱 [41]난쟁이를 만들었다.이러한 차이는 1939년 Selznick International이 인플레이션을 감안했을 때 Gone with the [42]Wind에서 가장 성공적인 영화인 여전히 그 영화를 만들었을 때 바로 정상을 차지했다.

많은 영화사학자들은 엄격한 영화 제작의 이 시기에 나타난 많은 위대한 영화 작품들에 대해 언급해 왔다.이것이 가능했던 이유 중 하나는 많은 영화가 만들어지면서 모든 영화가 크게 히트할 필요는 없었기 때문이다.스튜디오는 좋은 대본과 상대적으로 알려지지 않은 배우들로 중예산 기능에 도박을 할 수 있다: 오슨 웰즈가 감독하고 종종 역사상 가장 위대한 영화로 여겨지는 시티즌 케인이 이 묘사에 들어맞는다.다른 경우에는, 하워드 호크스 (1896–1977), 알프레드 히치콕 (1899–1980), 프랭크 카프라 (1897–1991)와 같은 의지가 강한 감독들이 그들의 예술적 비전을 달성하기 위해 스튜디오와 싸웠다.

스튜디오 시스템의 정점은 1939년이었을지도 모른다.그 해는 오즈마법사, 바람과 함께 사라지다, 역마차, 미스터 스미스 워싱턴에 가다, 폭풍의 언덕, 오직 천사들만이 날개를 가지고 있다, 니노치카, 미드나잇과 같은 고전 작품들이 개봉되었다.현재 고전으로 여겨지는 황금기 시대의 다른 영화들: 카사블랑카, 멋진 인생, 어느 날 밤, 원작킹콩, 바운티에서의 반란, 탑햇, 도시불빛, 홍하, 상하이에서 온 부인, 뒷유리, 반란군 없는 물,[Te] 를 클릭합니다.

스튜디오 시스템의 쇠퇴(1940년대 후반)

1930-2000년 미국 인구의 평균 영화 관람 비율
월트 디즈니는 1937년 오리지널 백설공주 영화 예고편의 한 장면에서 일곱 난쟁이 각각을 소개한다.

스튜디오 시스템과 할리우드의 황금기는 1940년대 후반에 발전한 두 가지 힘에 굴복했습니다.

1938년 월트 디즈니의 '백설공주와 일곱 난쟁이'는 주요 스튜디오의 부진한 영화들이 상영되는 동안 개봉되었고, 그 시점까지 개봉된 영화 중 가장 많은 수익을 올린 영화가 되었다.스튜디오에게 당혹스럽게도, 그것은 스튜디오에서 일하는 어떤 [43]스타도 출연하지 않은 독립적으로 제작된 애니메이션 영화였다.이것은 영화사들이 한 번에 한 해의 전체 영화 일정을 극장에 팔기만 하고 보통 품질의 개봉을 커버하기 위해 록인사용하는 블록 부킹의 관행에 이미 광범위한 불만을 불러일으켰다.

루즈벨트 행정부의 유명한 "신뢰 파괴자"인 서먼 아놀드 법무차장은 1938년 7월 셔먼 [44][45]반독점법 위반으로 8개 대형 할리우드 스튜디오에 대한 소송을 개시했습니다.연방 소송은 1940년 10월 8개 스튜디오 중 5개 스튜디오(Warner Brothers, MGM, Fox, RKO Paramount)가 아놀드와 타협하고 3년 이내에 동의서에 서명하는 결과를 낳았다.

  • 단편 영화 소재의 블록 부킹을 "원샷" 또는 "풀포스" 블록 부킹이라고 하는 방법으로 제거합니다.
  • 극장에서 5개 이상의 블록 부킹 기능을 사용할 수 없습니다.
  • 이상 맹목적인 구매(또는 미리 영화를 보지 않고 극장가에서 영화를 구입하는 것)를 하지 않고, 대신 미국의 31개 극장가 모두가 극장에서 영화를 보기 전에 2주에 한 번씩 영화를 보는 무역 를 한다.
  • 각 극장가에 관리위원회를 설치하여 이러한 [44]요건을 적용합니다.

극장을 소유하지 않은 '리틀 쓰리'(유니버설 스튜디오, 유나이티드 아티스트스, 컬럼비아 픽처스)는 동의서에 [44][45]참여를 거부했다.많은 독립 영화 제작자들도 타협에 불만을 품고 독립 영화 제작자 협회로 알려진 조합을 결성하여 파라마운트가 여전히 디트로이트 극장에 대한 독점권을 가지고 있다는 이유로 파라마운트를 고소했다. 파라마운트도 밥 호프, 폴렛 고다드, 베로니카 레이크, 베티 허트와 같은 배우들을 통해 우위를 점하고 있었기 때문이다.1942년에는 크루너 빙 크로스비, 앨런 래드, 스튜디오 게리 쿠퍼의 오랜 배우도 출연했습니다.빅 5 스튜디오는 제2차 세계대전 중 법령의 동의 요건을 충족하지 못했으나 전쟁이 끝난 후 리틀 3 [46]스튜디오와 마찬가지로 할리우드 반독점 소송의 피고인으로 파라마운트에 합류했다.

대법원은 결국 영화관의 주요 스튜디오 소유권과 영화 배급은 셔먼 반독점법 위반이라고 판결했다.그 결과, 스튜디오는 배우와 기술진을 스튜디오와의 계약에서 해방시키기 시작했다.이것은 주요 할리우드 스튜디오들의 영화 제작 패러다임을 바꾸었는데, 각 스튜디오는 완전히 다른 캐스팅과 창의적인 팀을 가질 수 있었기 때문이다.

그 결정은 메트로-골드윈-메이어, 파라마운트 픽처스, 유니버설 스튜디오, 컬럼비아 픽처스, RKO 픽처스, 그리고 20세기 폭스 영화를 즉각적으로 식별할 수 있게 만든 특징들의 점진적인 상실을 초래했다.Cecil B와 같은 특정 영화인들. 드밀은 계약 아티스트로 활동할 때까지 남거나 같은 크리에이티브 팀을 영화에 투입하여 드밀 영화가 1932년에 만들어졌든 1956년에 만들어졌든 여전히 영화처럼 보였다.

말론 브란도와 에바 마리 생트와의 '온 더 워터프론트' 예고편(1954년)

새로운 할리우드 및 포스트 클래식 영화 (1960~1990년대)

드림웍스 스튜디오의 공동 설립자인 스티븐 스필버그 감독 겸 제작자.

포스트클래식 시네마는 뉴할리우드에서의 스토리텔링의 변화된 방법이다.고전 시대에 얻은 관객의 기대에 따라 연기된 드라마와 인물 묘사에 대한 새로운 접근법이 주장되어 왔다: 연대기는 뒤죽박죽이 될 수 있고, 줄거리는 "트위스트 엔딩"을 특징으로 할 수 있으며, 적과 주인공 사이의 선이 흐릿해질 수 있다.포스트클래식 스토리텔링의 뿌리는 누아르 영화, 이유 없는 반란(1955년), 히치콕의 이야기를 뒤흔드는 사이코에서 볼 수 있다.

헐리우드는 1960년대 미국 혁명 이후 프랑스 뉴 웨이브의 결과로 유럽에서 발전된 기술을 흡수했던 영화 학교에서 훈련받은 감독들의 새로운 세대의 출현이다; 1967년 영화 보니와 클라이드는 미국 영화의 반등의 시작을 알렸다.와드는 [47]박스 오피스에서도 성공을 거두고 있다.프랜시스 포드 코폴라, 스티븐 스필버그, 조지 루카스, 브라이언팔마, 스탠리 큐브릭, 마틴 스콜세지, 로만 폴란스키, 그리고 윌리엄 프리드킨과 같은 영화 제작자들이 영화의 역사에 경의를 표하고 기존의 장르와 기술에 따라 발전한 영화들을 제작하기 위해 왔다.앤디 워홀의 블루 영화, 성인 에로 영화의 현상의 1969년 배포됨으로써 오공개적으로 연예인들( 조니 카슨과 밥 호프처럼)[48]에 의해 심각한 비평가들에게 혹평을 받(로저 에버트처럼)[49][50] 대한 개발, 랄프 블루 멘달은 뉴욕 타임즈에 의해,"포르노 시크"로, 그리고 후에 골드로 알려진 언급은 논의되고 있다.P의 무늬의 나이는현대 미국 [48][51][52]문화에서 처음으로 시작된 조류.수상작가인 토니 벤틀리에 따르면 조지 버나드 쇼의 연극 피그말리온원작으로 한 래들리 멧츠거1976년작 '미스티 베토벤의 개막'[54][55]은 줄거리와 [53]세트에서 주류 수준을 달성한 덕분에 이 황금시대의 "크라운 보석"으로 여겨진다.

1970년대 초 그의 명성이 절정에 달했을 때, 찰스 브론슨은 영화 [56]한 편당 1백만 달러를 벌어들인 세계 박스 오피스 흥행 1위였다.1970년대에 뉴 헐리우드 영화 제작자들의 영화는 종종 비평가들의 호평을 받았고 상업적으로도 성공을 거두었다.보니와 클라이드, 이지 라이더와 같은 초기 뉴 할리우드 영화들이 비교적 저예산 문제로 도덕적인 영웅들과 성관계와 폭력성을 증가시켰던 반면, 프리드킨과 엑소시스트, 스필버그와 죠스, 코폴라와 아포칼립스 나우, 스콜세지와 택시 드라이버, 큐브릭과 2001년 스페이스:e오디세이, 차이나타운의 폴란스키, 미국그래피티와 스타워즈의 루카스는 각각 현대의 "블록버스터"를 낳는 데 도움을 주었고 스튜디오들이 엄청난 [57]히트작을 만들기 위해 더욱 집중하도록 유도했다.

이 젊은 감독들의 방종함이 [citation needed]점점 더해져도 도움이 되지 않았다.종종 그들은 일정을 초과하거나 예산을 초과하여 그들 자신이나 [citation needed]스튜디오를 파산시키곤 했다.이것의 가장 주목할 만한 세 가지 예는 코폴라의 묵시록 나우와 마음에서 온 것 그리고 특히 마이클 치미노 천국의 문으로, 유나이티드 아티스트들을 단독으로 파산시켰다.하지만, 종말론은 결국 돈을 벌었고 [58]영화제에서 황금종려상을 수상하며 걸작으로 널리 인정받았다.

배우 톰 행크스.

1990년대 영화 제작자들은 이전 수십 년 동안 이용할 수 없었던 기술, 정치 및 경제 혁신을 접할 수 있었습니다. 트레이시(1990)는 디지털 사운드트랙을 갖춘 최초의 35mm 장편 영화가 되었다.배트맨 리턴즈(1992)는 돌비 디지털 6채널 스테레오 사운드를 사용한 최초의 영화이며, 그 이후 업계 표준이 되었다.필름 이미지를 컴퓨터로 전송하고 디지털 방식으로 조작할 수 있게 되면서 컴퓨터로 생성된 이미지는 매우 쉬워졌습니다.이러한 가능성은 제임스 카메론 감독터미네이터 2: 심판의 날(1991년)에서 형체를 바꾸는 캐릭터 T-1000의 이미지로 분명해졌다.컴퓨터 그래픽스나 CG는 쥬라기 공원(1993)이 사실적으로 보이는 동물들을 만드는 기술을 사용할 수 있을 정도로 발전했다.잭팟(2001)은 완전히 [59]디지털로 촬영된 최초의 영화가 되었다.영화 타이타닉에서 카메론은 그의 영화로 특수 효과의 경계를 넓히고 싶었고, 디지털 도메인과 퍼시픽 데이터 이미지스를 동원하여 감독어비스와 터미네이터 2: 심판의 날을 만들면서 개척한 디지털 기술의 발전을 이어갔다.RMS 타이타닉에 대한 많은 이전 영화들은 슬로 모션으로 을 쏘았는데, 이것은 완전히 [60]설득력 있어 보이지 않았다.캐머런은 그의 승무원들에게 "우리는 화이트 스타 라인의 광고를 만드는 것처럼 45피트(14미터) 길이의 이 배의 미니어처를 촬영하라고 격려했다.

심지어 에두아르도 산체스와 다니엘 미릭의 저예산 인디 호러 영화인 블레어 마녀 프로젝트도 큰 성공을 거두었다.단 35,000달러의 예산으로 촬영된 이 영화는 어떤 큰 스타나 특수 효과 없이 현대 마케팅 기법과 온라인 홍보로 2억 4,800만 달러의 수익을 올렸다.조지 루카스의 스타워즈 3부작 프리퀄 10억 달러 규모에는 못 미치지만, 블레어 위치 프로젝트[59]총 수익률 면에서 역대 가장 수익성이 높은 영화라는 영예를 안았다.

그러나 블레어 위치가 인디 프로젝트로 성공한 것은 몇 안 되는 예외로 남아 있고, 영화 제작에 대한 더 파이브 스튜디오의 통제는 1990년대까지 계속 증가했다.빅6 회사들은 모두 1990년대에 확장기를 누렸다.그들은 각각 영화 산업의 증가하는 비용, 특히 막강한 에이전트에 의해 움직이는 영화배우들의 연봉에 적응하기 위한 다른 방법을 개발했다.실베스터 스탤론, 러셀 크로, 톰 크루즈, 니콜 키드먼, 샌드라 블록, 아놀드 슈워제네거, 깁슨, 줄리아 로버츠 같은 유명 스타들은 영화 한 편당 1천 5백만 달러에서 2천만 달러를 받았고 어떤 경우에는 영화 [59]수익의 몫까지 받았다.

반면 시나리오 작가들은 보통 영화 한 편당 1백만 달러 이하로, 톱 배우나 감독보다 적은 출연료를 받았다.그러나 비용 상승을 견인하는 가장 큰 요인은 특수 효과였습니다.1999년까지 블록버스터 영화의 평균 비용은 마케팅과 홍보 전에 6천만 달러였고, 이 비용은 [59]8천만 달러가 더 들었다.

21세기 초반

미국 영화 산업 (1995년 ~ 2017년)
10억 단위의 모든 값
연도 티켓 수익.
1995 1.22 $5.31
1996 1.31 $5.79
1997 1.39 $6.36
1998 1.44 $6.77
1999 1.44 $7.34
2000 1.40 $7.54
2001 1.48 $8.36
2002 1.58 $9.16
2003 1.52 $9.20
2004 1.50 $9.29
2005 1.37 $8.80
2006 1.40 $9.16
2007 1.42 $9.77
2008 1.36 $9.75
2009 1.42 $10.64
2010 1.33 $10.48
2011 1.28 $10.17
2012 1.40 $11.16
2013 1.34 $10.89
2014 1.26 $10.27
2015 1.32 $11.16
2016 1.30 $11.26
2017 1.23 $10.99
The Numbers에 의한 컴파일[61]
돌비 극장에서 본 할리우드 대로, 2006년 이전

21세기 초부터, 극장 시장은 슈퍼히어로 장르에 의해 지배되어 왔다.그 10년 동안 전 세계 영화 산업, 특히 사용된 기술에 있어서 많은 중요한 발전을 수반했다.1990년대의 발전을 바탕으로, 컴퓨터캐스트 어웨이에서 주변 섬들을 은근히 지우는 것에서부터 매트릭스 속편과 300편과 같은 거대한 [citation needed]전투 장면에 이르기까지 이전에는 더 비쌌을 효과를 내기 위해 사용되었다.

2000년대는 여러 장르의 부활을 보았다.판타지 영화 프랜차이즈는 반지제왕, 해리 포터, 캐리비안의 해적, 스타워즈 프리퀄 3부작, 나니아 연대기 등으로 박스 오피스를 장악했다.만화책 슈퍼히어로 영화는 엑스맨, 언브레이커블, 스파이더맨의 개봉에 이어 블록버스터의 주류 장르가 되었다. 글래디에이터는 비슷하게 서사 영화의 부활을 촉발시켰으며 볼리우드에서 영감을 받은 물랭 루즈는 뮤지컬 영화에서도 마찬가지였다.컴퓨터 애니메이션은 전통적인 애니메이션을 대체하여 미국 영화의 주요 장편 애니메이션 매체가 되었다.비록 할리우드가 여전히 가족 관객을 위한 영화, 특히 애니메이션을 제작하고 있지만, 대다수의 영화는 주로 젊은 성인 [citation needed]관객들을 위해 제작되었다.

현대 영화

돌비 극장

2020년 현재, 2019년 판타지 영화 겨울왕국 II는 원래 3월 15일로 앞당겨지기 전인 2020년 6월 26일에 디즈니+에서 개봉될 예정이었다.디즈니 CEO차펙은 "인내와 가족의 중요성에 대한 강력한 주제, 믿을 수 없을 만큼 [62][63]관련이 있는 메시지" 때문이라고 설명했다.2020년 3월 16일 유니버설은 당시 극장에서 상영된 모든 영화인 The Invisible Man, The Hunt, Emma가 이르면 3월 20일 프리미엄 주문형 비디오를 통해 각각 [64]19.99달러의 가격으로 제공될 것이라고 발표했습니다.3월 초 개봉 후 흥행 부진에 시달리던 온보드는 3월 21일 디지털 구매가 가능해졌고 4월 [65]3일 디즈니+에 추가됐다.파라마운트는 3월 20일 소닉 더 헤지호그도 3월 [66][67]31일 비디오 온디맨드 조기 발매를 계획하고 있다고 발표했다.3월 16일, 워너 브라더스는 Birds of Prey가 3월 [68]24일 주문형 비디오로 조기 출시될 것이라고 발표했다.4월 3일, 디즈니는 2001년 동명의 책을 영화로 각색한 아르테미스 파울이 극장 개봉을 [69][70]완전히 건너뛰고 6월 12일 디즈니+로 바로 이동할 것이라고 발표했다.

바이러스가 극장을 계속 폐쇄하자, 블랙 위도우, F9, 나일강의 죽음, 웨스트 사이드 스토리 같은 다양한 영화를 제작했던 스튜디오들은 2020년 [71]이후로 개봉을 연기하거나 연기할 수 밖에 없었다.

오션스 일레븐 캐스트: 브래드 피트, 조지 클루니, 맷 데이먼, 앤디 가르시아, 줄리아 로버츠, 스티븐 소더버그.[72][73]

다양한 영화 제작사들은 극장 창문을 포기하고 그들의 영화를 날짜나 날짜에 맞춰 개봉하기로 한 논란이 많은 결정으로 위기에 대응했다.NBCUniversal은 4월 [64]10일 Trolls World Tour를 주문형 비디오 대여 서비스로 직접 출시하면서 동시에 드라이브인 [74]영화관을 통해 제한적인 국내 극장 상영을 받았다. CEO Jeff Shell은 이 영화가 첫 3주 [75][76]동안 거의 1억 달러의 수익을 올렸다고 주장한다.결정은 AMC 극장에 의해 반대되었고, AMC 극장은 유니버설 픽처스 영화의 상영을 즉시 중단할 것이라고 발표했지만, 두 회사는 결국 2주간의 극장 [77][78][79][80][81]상영에 동의하게 될 것이다.2020년 12월까지 워너 브라더스. 영화사는 시청률을 [82]극대화하기 위해 2021년 영화 슬레이트를 한 달 동안 두 영화관과 스트리밍 사이트 HBO Max에 동시 개봉하기로 결정했다고 발표했다.이러한 움직임은 여러 업계 인사들에 의해 맹렬히 비난받았는데, 이들 중 다수는 발표 전에 이 결정에 대해 [83]모르고 스튜디오에 속았다고 한다.

업계 평론가들은 넷플릭스, 디즈니+, 파라마운트+, 애플 TV+[84][85]같은 스트리밍 플랫폼의 부상과 관련된 기업들이 영화를 "콘텐츠"로 취급하는 사례가 증가하고 있다고 지적했습니다.여기에는 더 많은 사람들이 영화, 텔레비전 및 기타 형태의 미디어를 다양한 방법으로 함께 소비하면서 개별 영화는 매체,[85][86] 스토리 및 예술성보다는 브랜드 정체성과 상업적 잠재력에 의해 정의되기 때문에 경계가 모호해집니다.평론가 졸러 세이츠는 2019년 어벤져스 엔드게임의 출시에 대해 "시네마가 콘텐츠로 결정적인 승리를 거둔 것은 연속 TV의 [85]특징을 지닌 블록버스터 영화 시리즈를 완성한 마블 브랜드가 정의한 "엔터테인먼트 작품"이라는 점에서"라고 표현했다.전직"HBO맥스에 대한 장황한 infomercial"로 많은 비평가들, 장면들과 캐릭터들 카사블랑카, 매트릭스와 어스틴 Powers,[87][88][89][90]등 다양한 워너 브라더스 속성는 동안 후자는 20달러 회수할 때 피처링으로 판단되고 그 영화 스페이스 잼: 새로운 유산'과 붉은 통보서 이 치료법의 예로 꼽힌다.0만명의 강도 사건비평가들은 "예술적 의도나 [91][92][93]심지어 오락에 대한 순수한 욕구 대신 기계에 의해 더 가공된 느낌이 드는 영화"라고 평했다.일부에서는 Space Jam이 영화를 단지 이용해야 할 지적재산권(IP)으로 점점 더 냉소적으로 취급하는 것을 보여준다고 표현했는데, 비평가 Scott Mendelson은 "IP를 위한 IP"[88][94][95][89]라고 불렀다.

할리우드와 정치

2009년 할리우드 돌비극장 제81회 아카데미상 시상식

1930년대에 민주당과 공화당은 할리우드에서 돈을 보았다.프랭클린 루스벨트 대통령은 할리우드와 큰 파트너십을 맺었다.그는 전국적인 캠페인에 할리우드 스타들의 첫 번째 진정한 잠재력을 이용했다.Melvyn Douglas는 1939년 워싱턴을 둘러보고 주요 [citation needed]뉴딜러들을 만났다.

정치적 지지

주연 배우들의 추천서에 서명하고, 라디오 출연과 인쇄 광고가 이루어졌다.영화 스타들은 많은 관객을 그 정당에 대한 정치적 시각으로 끌어들이는 데 이용되었다.1960년대에 존 F. 케네디는 워싱턴의 새롭고 젊은 얼굴이었고 프랭크 시나트라와의 강한 우정은 이 새로운 매력의 시대를 예시했다.할리우드의 마지막 거물들은 사라졌고 젊은층, 새로운 경영진과 제작자들은 보다 진보적인 아이디어를 [citation needed]밀어붙이기 시작했다.

유명인사들과 돈은 정치인들을 고급스럽고 화려한 할리우드 생활로 끌어들였다. 브라운스타인이 의 책 "The Power and the Glitter"에서 썼듯이, 1970년대와 1980년대의 텔레비전은 정치에서 매우 중요한 뉴미디어였고 할리우드는 베트남 [96]전쟁에 반대하는 제인 폰다와 같이 그들의 정치적 신념에 대해 연설하는 배우들과 함께 그 미디어에서 도움을 주었다.대부분의 연예인들과 제작자들이 좌파 성향이고 민주당[97][98]지지하는 경향이 있음에도 불구하고, 이 시대는 일부 공화당 배우들과 제작자들을 배출했다.전직 배우 로널드 레이건이 캘리포니아 주지사가 되었고 그 후 미국의 40대 대통령이 되었다.2003년 [citation needed]아놀드 슈워제네거가 캘리포니아 주지사로 취임하면서 계속되었다.

정치 헌금

오늘날, 헐리우드로부터의 기부는 연방 정치에 [99]자금을 대는데 도움을 준다.예를 들어, 2007년 2월 20일, 민주당 당시 대통령 후보였던 버락 오바마는 비벌리 [99]힐튼에서 드림웍스설립자인 데이비드 게펜, 제프리 카젠버그, 스티븐 스필버그가 주최하는 2,300달러짜리 할리우드 축제를 열었다.

★★

할리우드 제작자들은 2016년 기준으로 세계에서 두 번째로 큰 박스 오피스를 가진 중국의 제한적이고 수익성이 높은 영화 [100]시장에 접근하기 위해 중국 정부의 검열 요건을 준수하려고 한다.여기에는 영화 속 한자에 대한 공감적 묘사의 우선 순위도 포함된다. 예를 들어 '붉은 여명'의 악당을 중국인으로 [100]바꾸는 것과 같은 것이다.South Park의 "Band in China" 에피소드에 Dalai Lama와 Winnie-the-Pooh가 관여하는 등 중국에서 금지된 많은 주제들로 인해, South Park는 방송 [101]이후 중국에서 완전히 금지되었다.2018년 영화 크리스토퍼 로빈, 새로운 곰돌이 푸우가 중국 [101]개봉을 거부당했다.

티벳은 이전에 쿤둔과 티벳7년을 포함한 영화들에 출연하며 할리우드에서 유명세탔지만, 21세기에는 [102]더 이상 그렇지 않다.2016년 마블 엔터테인먼트는 틸다 스윈튼을 영화 각색 닥터 스트레인지에서 "고대인"[103]으로 캐스팅하기로 결정하여 비난을 받았다.배우이자 유명 티베트 지지자인 리차드 기어는 중국 정부를 비판하고 2008년 [102][104]베이징 올림픽 보이콧을 촉구한 후 주류 할리우드 영화에 참여하는 것을 더 이상 환영받지 못한다고 말했다.

카피탄 극장
이집트 극장 메인 엔트리

통신 연구자들의 정치 경제는 오랫동안 할리우드 영화의 국제적 또는 세계적인 존재감, 힘, 수익성 그리고 인기에 초점을 맞춰왔다.토비 밀러와 리처드 [105]맥스웰, 자넷 와스코와 메리 에릭슨,[106] 케리 세그라브,[107] 존 트럼프버[108], 태너 미를리스의[109] 글로벌 할리우드 관련 책들은 할리우드 권력의 국제 정치 경제를 조사한다.

태너 미를리스에 따르면, 할리우드는 "미국 이외의 영화 제작사, 전시사 및 관객들을 끌어들여 그들의 야망에 통합하기 위한 네 가지 자본주의 전략에 의존하고 있다: 소유권, 하위 서비스 제공업체와의 국경 넘나드는 제작사, 전시사와의 콘텐츠 라이센스 계약, 그리고 [110]전 세계를 여행하도록 설계된 블록버스터".

1912년, 미국 영화사들은 국내 시장을 위한 경쟁에 주로 몰두했다.니켈로디언 붐으로 만들어진 영화에 대한 엄청난 수요를 충족시키기는 어려웠다.Edison Studios와 같은 Motion Pictionals Company의 회원들은 또한 프랑스, 이탈리아, 그리고 다른 수입 영화와의 경쟁을 제한하기 위해 노력했다.그 후, 영화를 수출하는 것은 이 회사들에게 이익이 되었다.Vitagraph Studios는 1906년 런던에 지사를 설립하고 [111]얼마 지나지 않아 파리에 두 번째 지사를 설립하면서 유럽에 자체 배급 사무소를 개설한 최초의 미국 회사였다.

다른 미국 기업들도 해외 시장으로 진출하고 있었고, 미국의 해외 유통은 1920년대 중반까지 계속 확대되었다.원래 대다수의 회사들이 간접적으로 영화를 팔았다.하지만, 그들은 해외 무역에 경험이 없었기 때문에, 그들의 영화에 대한 외국 판권을 외국 배급 회사나 수출 대리점에 팔았다.점차 런던은 미국 영화의 [111]국제적 유통의 중심이 되었다.

많은 영국 회사들이 이 사업의 대리인 역할을 함으로써 이익을 얻었고, 그렇게 함으로써 영국 시장의 많은 부분을 미국 영화에 넘겨주면서 영국 생산량을 약화시켰다.1911년까지 영국에 수입된 영화의 약 60-70%가 미국 영화였다.미국도 독일, 호주,[111] 뉴질랜드에서 선전하고 있었다.

최근에는 세계화가 심화되고 미국 정부가 자유무역 어젠다와 문화상품 교역을 적극적으로 추진하면서 할리우드는 세계적인 문화원이 되었다.할리우드 수출 시장의 성공은 전 세계 미국 다국적 미디어 회사의 붐뿐만 아니라 많은 다른 [112]문화권의 대중적 취향에 강하게 어필하는 고예산 영화를 만드는 독특한 능력으로도 알 수 있다.

할리우드는 중국의 검열에 영향을 받았음에도 불구하고 중국 시장에 더욱 깊숙이 진출했다.중국에서 만들어진 영화들은 "유령, 폭력, 살인, 공포, 악마"와 같은 주제를 엄격하게 피하면서 검열된다.이러한 플롯 요소는 절단될 위험이 있습니다.할리우드는 중국의 공식 기준에 부합하는 "승인된" 영화를 만들어야 했지만 미적 기준은 흥행 수익에 희생되었다.중국 관객들조차 [113]자국어로 더빙된 위대한 미국 영화의 개봉을 기다리는 것이 지루하다고 느꼈다.

메릴 스트립은 할리우드에서 가장 영향력 있는 여성 중 한 명으로 꼽혔고 캐서린 헵번은 아카데미 여우주연상 4개를 수상했는데, 이는 어떤 배우로도 최고 기록이다.

영화에서의 여성의 표현은 영화가 산업이었던 것처럼 거의 쟁점으로 여겨져 왔다.여성의 묘사는 진취적이고 야심찬 남성 캐릭터와 비교했을 때 다른 인물, 집에 있는 어머니와 가정적인 인물, 과도한 과욕, 낮은 지위의 직업에 국한된다는 비판을 받아왔다.이것으로, 여성들은 충분히 대표되지 않고 끊임없이 캐스팅되고 성 고정관념에 [citation needed]사로잡혀 있다.

여성들은 통계적으로 미국 영화 산업의 중심인 할리우드에서 창조적인 위치에 덜 대표적이다.이 불충분한 표현은 "셀룰로이드 천장"이라고 불리며 고용 차별 용어인 "유리 천장"의 변형이다.2013년에는 '최고액 출연자'가출연료 1위 [114]여배우의 2+1⁄2배입니다."연령으로는 여자 배우가 34세에 영화 한 편당 평균 가장 많은 돈을 버는 반면 [115]남자 배우는 51세로 가장 많은 돈을 버는 것으로 나타났습니다.

샌디에이고 주립 대학의 여성 텔레비전 및 영화 연구 센터가 실시한 2013 셀룰로이드 천장 보고서는 "2012년 [116]국내 250대 총소득 영화에 고용된 2,813명"으로부터 수집한 통계 목록을 수집했다.

2018년 영화 속 주요 캐릭터 중 여성은 36%에 불과했는데 이는 2017년의 37%에 비해 1% 감소한 것이다.2019년에는 그 비율이 40%로 증가했다.영화 관람객의 51%가 여성이다.하지만 감독이나 촬영기사와 같은 주요 직업에 관한 한, 남성들이 계속해서 우위를 점하고 있다.아카데미상 후보에 오른 여성은 단 5명뿐이지만, 지난 92년 동안 단 한 명도 최우수 감독상 후보에 오른 적이 없다.여성의 대표성은 향상되었지만, 여성의 다양성에 대해서는 아직 할 일이 있다.흑인 여성 캐릭터의 비율은 2017년 16%에서 2018년 21%로 증가했다.하지만 지난해 라틴계 여배우의 출연률은 4%로 2017년([citation needed]7%)보다 3%포인트 낮아졌다.

★★★★★★★★★★★★★★★★★★★★★★★」

  • 감독, 이그제큐티브 프로듀서, 프로듀서, 작가, 촬영기사, 편집자 중 18%가 이그제큐티브입니다.이는 2011년 대비 변화가 없고 1998년에 [116]비해 1% 증가했을 뿐입니다."
  • "전체 [116]이사의 9%"
  • "[116]작가의 15%"
  • "[116]전체 프로듀서의 25%"
  • "[116]전체 편집자의 20%"
  • "[116]전체 촬영기사의 2%"
  • 영화의 38%는 0명 또는 1명의 여성을 고려된 역할에 고용했고, 23%는 2명의 여성을 고용했으며, 28%는 3~5명의 여성을 고용했으며, 10%는 6~9명의 [116]여성을 고용했습니다.

뉴욕 타임즈 기사는 2013년 상위 영화 중 15%만이 주연 배우로 여성을 [117]고용했다고 밝혔다.이 연구의 저자는 "여성연설자 비율은 40년대 2528%를 맴돌던 이후 크게 늘지 않았다"며 "1998년 이후 연출 이외의 막후 역할에서의 여성연설자 비율은 1% 증가하는 데 그쳤다"고 지적했다.여성들은 [114]"2012년 최고 흥행작 250편 중 1998년과 같은 비율(9%)을 감독했다."

마이클 페냐는 농장 노동자 운동노동 명예의 전당에 입성시키고 세자르 E의 헌신을 할 때 세례의 달인이었다.2012년 3월 미국 노동부 차베스 기념 강당.그 기간 동안 그는 세자르 차베스 영화에 캐스팅되었다.

2021년 5월 10일, NBC는 유색인종 협회 내 다양성 표현 부족 문제를 해결하기 위한 여러 언론사의 HFPA 보이콧을 지지하기 위해 2022년 제79회 골든 글로브 시상식을 방영하지 않겠다고 발표했다.만약 HFPA가 [118]개혁 노력에 성공적이었다면.

영화 산업 후반부터 아일랜드계 미국인들의 셀룰로이드 표상이 풍부했다.아일랜드계 미국인 테마 영화로는 리틀 넬리 켈리와 카디널 같은 사회 드라마, 온 더 워터프런트 같은 노동 서사시, 그리고 더러운 얼굴을 가진 천사들, 에디 코일친구들, 디파티드 같은 갱스터 영화가 있다.비록 아메리칸 시네마의 고전적인 시대가 카메라 앞과 뒤에 있는 백인들에 의해 지배되고 있지만, 소수 민족과 유색 인종들은 그들의 [citation needed]영화를 스크린에 올릴 수 있는 그들만의 길을 개척해 왔다.

미국 영화는 종종 외국인과 소수 [119]민족에 대한 부정적인 고정관념을 반영하고 전파해왔다.를 들어, 러시아인과 러시아계 미국인들은 보통 잔인한 폭도, 무자비한 요원, 그리고 [120][121][122]악당으로 묘사된다.러시아계 미국인 교수 니나 L. 흐루쇼바는 "러시아인을 [123]끔찍하다고 생각하지 않고는 TV를 켜고 영화를 볼 수도 없다"고 말했다.이탈리아인과 이탈리아계 미국인들은 보통 조직 범죄[124][125][126]마피아와 관련이 있다.히스패닉과 라틴계 미국인들은 주로 라틴계 남성이나 라틴계 여성, 갱단, 불법 이민자 또는 [127]연예인과 같은 성적인 인물들로 묘사된다.그러나 1990년대 들어 눈에 띄게 성장하면서 억압, 착취, 저항을 중심 테마로 삼지 않는 할리우드에서의 대표성은 점차 강화되고 있다.라미레스 버그에 따르면, 제3의 물결 영화들은 "치카노의 억압이나 저항을 강조하지 않는다; 이 영화들의 민족성은 등장인물들의 삶을 형성하고 그들의 개성을 [128]드러내는 몇 가지 사실 중 하나로 존재한다."에드워드 제임스 올모스와 로버트 로드리게스 같은 영화 제작자들은 히스패닉과 라틴계 미국인들을 대변할 수 있었고 힐러리 스웽크, 조다나 브루스터, 제시카 알바, 카밀라 벨, 알 마드리갈, 알렉사 블레델, 알렉사 페나베, 아나 제아 같은 배우들은 영화에서는 볼 수 없었다.지난 10년 동안 크리스 와이츠, 알폰소 고메즈 레종, 패트리샤 리겐과 같은 소수 영화 제작자들에게는 영화 제작자의 이야기가 주어졌습니다.그들의 영화에서 초기 묘사는 1990년에 초연된 연극인밤바, 셀레나, 마스크 오브 조로, 골 II, 오버웨이, 신부 아버지 그리고 요제피나 로페스의 실제 여인들은 곡선을 가지고 있다.[128]

할리우드에서의 흑인 대표성은 스튜디오 시스템의 몰락 이후 20세기 말에 급격히 향상되었고, 스파이크 와 존 싱글튼과 같은 영화 제작자들은 이전에는 스크린에서 볼 수 없었던 흑인 경험을 표현할 수 있었고, 할리 베리와 윌 스미스와 같은 배우들은 엄청난 성공을 거두었다.x 사무실 추첨.지난 몇 십 년 동안 라이언 쿠글러, 아바 듀버네이, F 게리 그레이와 같은 소수 영화 제작자들이 주요 텐트폴 [citation needed]프로덕션의 창조적 지배권을 부여받았다.인종적 편견이 사회적으로 용인되던 옛날 할리우드에서 백인 배우들이 검은 [129]얼굴을 하는 것은 드문 일이 아니었다.달빛에서 남성성은 키론의 10대 또래 집단에서 [130]젊은 흑인 남성들의 행동 중 엄격하고 공격적인 것으로 묘사된다.흑인 남성들 사이의 과잉 남성성의 표현은 동료들의 수용과 [131]공동체와 연관되어 왔다.반면에 흑인 사회 내에서 동성애자가 되는 것은 흑인 동성애자들이 약하거나 여윈 것으로 보여지기 때문에 사회적 소외와 또래들에 의한 동성애 혐오적 판단과 관련이 있다.영화에서 키론은 흑인 게이 남성으로 분열을 겪으며 동성애가 흑인 남성들의 기대와 양립할 수 없는 것으로 비쳐지기 때문에 조롱을 피하기 위한 전략으로 남성성에 대한 표현을 바꾼다.어렸을 때 케빈은 시론처럼 지목되는 것을 피하기 위해 자신의 성적인 면을 숨겼다.키론은 나이가 들면서 학대와 동성애 혐오를 피하기 위해 흑인 남성성에 대한 이단적 이상에 순응할 필요성을 인식한다.성인으로서, 키론은 근육질이고 마약 [130]거래자가 됨으로써 전형적인 흑인 남성 성(性) 연기를 받아들이기로 선택한다.

세계의 교차로

한국계 미국인 배우 다니엘 대 김에 따르면, 아시아인과 아시아계 미국인 남성들은 "이해할 수 없는 악당들과 [126]무성의한 일종의 내시로 묘사되어 왔다"고 한다.매우 예의 바르고 위엄 있는 것으로 보여집니다.아시아계 미국인들을 위한 미디어 액션 네트워크는 감독과 스튜디오가 영화 알로하의 배역을 하얗게 만들었다고 비난했고 크로우는 엠마 스톤이 4분의 1의 중국인과 4분의 1의 하와이 [132][133][134]혈통을 가진 인물로 잘못 캐스팅된 것에 대해 사과했다.20세기 내내, 연기 역할 영화는 상대적으로 적었고, 많은 출연 가능한 배역들은 편협한 인물들이었다.최근에는 젊은 아시아계 미국인 코미디언과 영화 제작자들이 유튜브에서 그들의 동료 아시아계 [135]미국인들 사이에서 강력하고 충성스러운 팬층을 확보할 수 있는 출구를 찾았다.비록 최근 영화 Crazy Rich Asians가 주로 아시아계 [136]배우들을 출연시킨 것으로 미국에서 찬사를 받고 있지만, 다른 곳에서는 혼혈인과 비중국계 배우들을 인종적으로 중국인으로 캐스팅했다는 비난을 받았다.최근 찬사를 받고 있는 또 다른 영화 Always Be My Maybe는 친숙한 롬컴 비트와 스마트한 소셜 코멘트를 교묘하게 레이어드하여 자신만의 달콤한 그루브를 찾아냅니다."라고 Rotten[137] Tomatoes에 따르면

9/11 이전 아랍인들과 아랍계 미국인들은 [126]종종 테러리스트로 묘사되었다.알라딘 영화에서 영국인 아버지와 인도인 어머니 구자라티 우간다의 딸 나오미 스콧을 재스민 공주의 주인공으로 기용하기로 한 것도 일부 평론가들이 아랍계나 [138]중동계 여배우에게 이 역할을 맡길 것으로 예상하면서 색채론뿐만 아니라 비난을 샀다.2018년 1월, 촬영 중에 흰색 엑스트라가 "블렌드인"을 위해 갈색 화장을 하고 있다는 보도가 나왔고, 이는 팬들과 비평가들 사이에서 "전 산업에 대한 모욕"이라는 비난과 비난을 불러일으켰으며, 제작자들은 중동이나 북아프리카 유산을 가진 사람들을 모집하지 않았다고 비난했다.디즈니는 논란에 대해 "출연자와 배경 연기자의 다양성은 필수 사항이었고 특수 기술, 안전, 통제(특수 효과 장치, 스턴트 연기자, 동물 취급)의 문제일 때에만 승무원이 섞여 [139][140]있었다"고 답했다.미국 코미디 분야에는 많은 유대인들이 포함되어 있다.그 유산에는 작곡가들과 작가들, 예를 들어 "Viva Las Vegas" Doc Pomus 또는 Billy the Kid 작곡가 Aaron Copland도 포함되어 있다.많은 유대인들이 여성 [citation needed]문제에 앞장서 왔다.

20세기에 영화나 텔레비전 역할에서의 아메리카 원주민들의 초기 묘사는 가짜 전통 의상을 입은 유럽계 미국인들에 의해 처음 공연되었다.예로는 The Last of the Mohicans (1920), Hawkeeye and the Last of the Mohicans (1957), F Trop (1965-67) 등이 있다.이후 수십 년 동안, 레인저 텔레비전 시리즈 (1949-57)의 제이 실버힐스와 같은 미국 원주민 배우들이 두각을 나타냈다.아메리카 원주민들의 역할은 제한적이었고 아메리카 원주민 문화를 반영하지 못했다.1970년대까지, 리틀 빅맨, 빌리 잭, 무법자 호세 웨일즈 등 일부 북미 원주민 영화 배역이 [citation needed]더 복잡해지기 시작했다.

작업 조건

할리우드의 작업 흐름은 많은 노동 인력이 매일 같은 공장에 보고하지 않고 매일 같은 일상을 따르지 않는다는 점에서 독특하다. 그러나 생산성에 가장 적합한 것이 아니라 장면에 의해 촬영되는 세계 먼 곳의 영화들이라는 점이 다르다.예를 들어, 밤에 완전히 로케이션으로 촬영된 도시 영화는 대부분의 제작진이 야간 근무를 해야 하는 반면, 일주일에 하루나 이틀 정도 로케이션으로 주로 무대에서 촬영하는 상황 코미디 시리즈는 보다 전통적인 작업 일정을 따를 것이다.서부 영화는 종종 사막 지역에서 선원들의 촬영 기간 전후에 햇볕 이용할 수 있은 시간을 이용하는 것은 긴 드라이브, 궁극적으로 근로자들은 그들은 돌아올 무렵에는 위해 집 떠날 때에서 하루 16,17시간 동안 넣도록 하는 해야 제한된 호텔이 있는 지역의 주택에서 멀리 떨어진다.[141][142]

미국의 많은 지역에서 노동의 역할은 줄어들었지만, 노동 조합대공황기에 시작된 이래로 할리우드에서 확고한 지배력을 유지해왔다. 이때부터 노동자들은 시내에 있는 유일한 일자리를 찾기 위해 번창하는 영화 스튜디오 밖에 줄을 서곤 했다.스튜디오가 박봉으로 열정적인 노동자들을 착취하고 그들이 불평을 [143]할 경우 그들의 자리를 대신하기 위해 성문 바로 밖에서 기다리는 수백 명의 다른 사람들이 늘 위협하고 있기 때문에 끔찍한 상황이 그 노동자들을 기다리고 있었다.

고용 할리우드에서 가장 캐주얼 성격 때문에, 단체 교섭을 통해서만 노동자들의 개인적인 최저 임금 보장과 연금 및에 접속하고, 훈련된 인력에 대해 스튜디오 액세스를 제공하는 날에 설정은 O에로 들어가 볼 수 있는 그들의 권리는 영화 영화나 텔레비전 시리즈 tv시리즈에서 인계를 운반하고 건강 계획을 표현할 수 있습니다신규고도의 기술을 필요로 하는 기기를 [144]취급하기 위한 지식과 경험.

헐리우드 노동자들의 대다수는 몇몇 노조와 길드에 의해 대표된다.15만 명의 강력한 국제 연극 무대 직원 연합(IATSE)은 그립, 전기 기사, 카메라 피플 등 공예품 대부분을 대표하며 편집자, 사운드 엔지니어, 헤어&메이크업 아티스트도 참여하고 있습니다.SAG(Screen Actors Guild)는 약 13만 명의 배우와 배우를 대표하는 그 다음으로 큰 단체이며, DGA(Directors Guild of America), WGA(Writers Guild of America), 국제 팀스터즈 형제단(IBT)은 [145]그 운전자들을 대표한다.

노조와 길드는 회원 자격을 위한 단체 협상 단위 역할을 하며, 영화 제작사 및 TV 네트워크를 대표하는 무역 동맹인 영화 제작사 연합(AMPTP)과 정기적으로(대부분 3년 계약으로) 협상합니다.

노사 간의 관계는 대체로 수년간 우호적이었고, Covid-19 기간 동안 계속 일하기 위한 안전한 프로토콜을 개발하기 위해 주정부와 협력하고 세금 인센티브를 위해 함께 로비하는 동안, 계약 협상은 업계의 변화와 변화에 대한 대응으로 논란이 되는 것으로 알려져 왔다.소득 불평등을 초래하다이 관계는 심지어 1945년 6개월간의 세트 장식가들의 파업으로 인해 파업자, 딱지, 파업자, 스튜디오 [146][147][148][149]경비원들 사이의 무더운 10월 어느 날 유혈 난투극으로 변질되었다.

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일반

레퍼런스

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Further reading

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