나체의 역사

미술에서 누드의 역사적 진화는 시간이 지남에 따라 세계에서 서로 계승된 다양한 사회와 문화에 의해 나체의 다른 수용으로부터 파생된 작은 특수성을 제외하고 일반적으로 미술의 역사와 평행하게 진행됩니다.나체는 나체의 다양한 예술 매체(그림, 조각 또는 최근에는 영화, 사진)를 통해 표현되는 예술 장르이다.그것은 예술 작품의 학문적 분류 중 하나로 여겨진다.미술의 나체는 일반적으로 작품이 만들어진 시대의 미학과 도덕성에 대한 사회적 기준을 반영해 왔다.많은 문화는 미술의 나체를 실제의 나체보다 훨씬 더 많이 용인하고, 허용 가능한 것에 대한 다른 매개변수를 가지고 있다: 예를 들어, 누드 작품이 전시된 박물관에서도, 방문객의 나체는 일반적으로 허용되지 않는다.장르로서 누드는 형식적, 미적, 아이콘적 다양성 때문에 접근하기 어려운 복합적인 주제이며, 일부 미술사학자들은 그것을 ^{[Note 1]}서양 미술사에서 가장 중요한 주제로 여긴다.

비록 그것이 보통 에로티시즘과 연관되어 있지만, 나체는 신화에서 종교까지, 해부학적 연구를 포함한 다양한 해석과 의미를 가질 수 있고, 고대 그리스에서와 같이 아름다움과 미학적 완벽함의 이상을 나타내는 것으로도 볼 수 있다.그 표현은 각 시대와 각 민족의 사회적 문화적 가치에 따라 달라졌고 그리스인들에게 신체는 자존심의 원천이었고, 유대인들에게는, 그리고 따라서 기독교인들에게는, 그것은 수치스러운 일이었고, 노예와 ^[1]비참한 사람들의 상태였습니다.

인간의 신체에 대한 연구와 예술적 표현은 선사시대부터 오늘날까지 예술의 역사를 통해 끊임없이 이어져 왔다.나체의 예술적 표현이 가장 많이 확산된 문화 중 하나는 고대 그리스로, 여기서 그것은 오늘날까지 고전 예술에서 지속되어 온 개념으로, 나체와 예술에 대한 서구 사회의 인식을 크게 조절했다.중세 시대에 그것의 표현은 종교적 주제로 제한되었고, 항상 그것을 정당화하는 성경 구절에 기초했다.르네상스 시대에, 보다 인간 중심적인 징조의 새로운 휴머니즘 문화는 종교적 주제들이 남아있는 동안, 일반적으로 신화나 역사적 주제들에 바탕을 둔 나체의 예술로의 복귀를 촉진했다.19세기, 특히 인상주의와 함께 나체가 아이콘적 성격을 잃고 단순히 미적 특성, 즉 나체가 관능적이고 완전히 자기반성적인 이미지로 표현되기 시작한 시기였다.보다 최근에는 나체에 대한 연구들이 특히 작품과 시청자의 관계, 그리고 성관계의 연구에 기미학적 분석에 초점을 맞추고 있다.페미니즘은 나체를 여성 신체의 객관적인 사용이자 서구 사회의 가부장적 지배의 표시라고 비판해 왔다. 페미니즘루시안 프로이트와 제니 사빌과 같은 예술가들은 나체의 전통적인 개념을 없애고 아름다움과 ^[2]성별의 개념을 넘어 나체의 본질을 찾기 위해 이상화되지 않은 형태의 나체를 정교하게 만들었다.

선사 시대

선사시대 미술은 석기시대(상기 구석기, 중석기, 신석기)부터 인간이 예술로 간주할 수 있는 첫 번째 현상이 나타난 금속시대까지 발달한 예술이다.구석기 시대(기원전 25,000-8000년)에, 사람들은 동굴에서 사냥을 하고 살았으며, 소위 동굴 벽화를 그렸다.과도기(기원전 8000년-기원전 6000년) 이후, 신석기 시대(기원전 6000년-기원전 3000년)에 사람들은 앉아서 농업에 전념하게 되었고, 종교가 중요해지고 수공예품이 생산되기 시작한 점점 더 복잡한 사회와 함께 했다.마침내, 소위 금속 시대 (기원전 3000년-1000년)에 최초의 원시 문명이 ^[3]출현했다.

구석기 미술에서 나체는 여성의 신체인 "비너스"의 표현에서 볼 수 있듯이, 대체로 다소 비만형이고, 넉넉한 가슴과 불룩한 엉덩이를 가진 다산 숭배와 강하게 연관되어 있었다.대부분 오리그나시기에 만들어진 것으로 석회암, 상아 또는 스테이타이트에 조각되어 있습니다.윌렌도르프, 레스푸그, 멘톤, 라우셀 등의 부촌이 눈에 띈다.남성 수준에서, 일반적으로 고립된 형태 또는 전신으로 직립한 남근의 표현은 또한 세른 압바스 거인(영국 ^[4]도셋)과 같이 다산의 표시였다.동굴 벽화 - 특히 프랑스-칸타브리아와 레반타인 지역에서 개발된 것 - 사냥 장면, 또는 도식적인 윤곽으로 축소된 인간 형상이 때때로 성기관 - 여성의 가슴과 남성의 발바닥 - 아마도 짝짓기와 관련이 있는 것으로 보이는 의례와 춤 장면 - 에서 흔히 볼 수 있다.엘코굴, 발토르타,^[5] 알페라의 동굴에서 몇 가지 예가 발견된다.

고대 미술

이것은 역사 1단계, 특히 근동의 위대한 문명을 예술적으로 창조한 것에 붙여진 이름입니다.이집트와 메소포타미아.그것은 또한 모든 대륙의 대부분의 사람들과 문명의 최초의 예술적 표현도 포함할 것이다.이 시대의 가장 큰 진보 중 하나는 주로 경제적, 상업적 ^[6]성질을 기록해야 하는 필요성에 의해 생겨난 글쓰기의 발명이었다.

첫 번째 종교에서, 수메르에서 이집트까지, 고대 대지의 숭배는 둘 다 생명을 창조하는 한, 여성의 형태를 자연과 연결하는 새로운 의인화된 신들과 관련이 있었다.따라서 이집트의 쌍둥이 신 게브와 넛은 모든 요소들이 합쳐져서 탄생한 대지와 하늘을 상징했다.다른 경우에, 신들은 일반적으로 머리에 초승달과 함께 벌거벗고 날개가 달린 금성과 같은 우주론적 요소와 관련이 있다.어머니 여신에 대한 다른 묘사들은 대개 옷을 거의 입지 않은 형상들이지만, 기원전 1550년 경의 미노스 조각상인 유명한 뱀 여신 (헤라클리오 고고학 박물관)과 같이 가슴을 드러내지 않은 형상들이다.이러한 표현들은 아르테미스, 다이애나, 데메테르, ^[7]케레스와 같은 그리스 로마 여신들의 아이콘그래피의 출발점이 되었다.

이집트에서는 나체가 자연스럽게 목격되었고 궁정 장면, 특히 춤과 잔치, 축하 장면에서 많이 표현되었다.그러나 그것은 종교적인 주제에서도 존재하며, 의인화된 형태로 표현된 많은 신들은 조각상이나 벽화에서 나체 또는 반누드처럼 보인다.그것은 또한 유명한 루브르 서기와 같이 파라오든 노예든 군인이든 공무원이든 간에 인간 자신의 표현에 나타난다.기후 탓인지 이집트인들은 옷을 거의 입지 않고 남자들은 등나무늘보와 치마를 입었고 여자들은 투명한 린넨 드레스를 입었다.이는 궁중의 축제와 의식을 보여주는 장면부터 농민, 장인, 목자, 어부, 기타 장사의 일상 업무를 보여주는 인기 장면까지 예술에 반영되어 있다.마찬가지로 전쟁 장면에서 노예와 포로들의 가엾은 벌거벗은 몸이 나타나는데, 이집트 예술의 전형적인 상형적 스타일과 역동성의 결여로 취급되며, 정적인 자세와 현실성의 결여로 몸이 구속된다.이 그림은 주로 겹쳐진 평면에 위계적 기준을 가진 인물들을 배치한 것이 특징이다.옆모습은 머리와 팔다리를 옆모습으로 나타내지만 어깨와 눈은 정면에서 볼 때 우세한 형태였다.고대 이집트에서 우리에게 전해진 작품들 중 누드는 부분적이든 완전적이든 기념비적이든 작은 조각상이든 알 수 있다. 루브르 박물관이나 대영 박물관의 하프를 연주하는 소녀와 같은 조각상들이 있다.린넨 옷을 입었지만 천의 투명성이 그녀의 나체를 보여주는 멩카우레 왕(미케리누스)과 왕비 또는 루브르 부인 투이, 그림에서는 투트모세 4세의 회계사 나스의 무덤 벽화 또는 사카라 의사 묘.투탕카멘의 무덤에서 하토르 ^[8]여신의 아들 이히를 상징하는 파라오의 조각상이 발견되었다.

반면에 고대 이집트와 지리적으로, 그리고 연대적으로 가까운 메소포타미아에서는, 왕이 벌거벗은 몸통을 가지고 나타나는 아슈르바니팔의 사자 사냥(대영박물관)과 같은 아시리아 부조물이나 포로 고문 장면을 제외하고는 나체가 거의 알려지지 않았다.반면 여성 쪽에서는 루브르 박물관에 소장되어 있는 어린 카나에포라를 대표하는 칼데아 청동의 벌거벗은 가슴만을 찾을 수 있다.페니키아나 유대인 미술품에서도 누드는 찾아볼 수 없다.모자이크법은 인간의 ^[9]표현을 금지하고 있다.

고전 예술

고전^{[Note 2]} 예술은 고대 그리스와 로마에서 발달한 예술로, 그의 과학적, 물질적, 심미적 발전은 자연과 인간을 기반으로 한 예술 역사에 기여했고, 그곳에서 조화와 균형, 형태와 볼륨의 합리성, 그리고 자연의 모방감("모방")이 우세했다.서양 미술의 토대를 마련하여 서양 ^[10]문명에서 고전적인 형태로의 재발은 역사를 통해 지속되어 왔다.

그리스

서양 미술의 진화를 보여주는 주요 예술적 표현은 그리스에서 발전되었다.미노아 문화와 미케네 문화가 시작된 후, 그리스 예술은 고대, 고전, 헬레니즘의 세 시기로 발전했다.자연주의, 측정과 비율에서의 이성의 사용, 그리고 자연에서 영감을 받은 미적 감각으로 특징지어지는 그리스 예술은 유럽 ^[11]대륙에서 발전한 예술의 출발점이었다.그리스 미술의 하이라이트는 페리클레스 시대라고 불리는 시대에 발생했는데, 이 시대에서는 예술이 현실을 해석하는 스타일을 만들어냈다: 예술가들은 자연에 바탕을 두고 있으며, 시청자에 의해 그 현실을 포착할 수 있도록 하는 규칙과 비율에 따라 자연에 바탕을 두고, 필요하다면 단축에 의지했다.아름다움의 개념은 자연의 모방을 기반으로 추구되었지만, 아름다움과 선함을 동일시하는 몸과 영혼의 조화를 반영하는 주관적 비전의 통합으로 이상화되었다.^[12]

그리스는 인간의 신체가 이전 문화의 상형주의와 도식화와는 거리가 먼 자연주의 방식으로 표현된 최초의 장소였다.그리스 문화는 인본주의였고, 종교는 숭배의 대상이라기보다는 신화적이었기 때문에 인간은 그들의 철학과 예술의 주요 연구 대상이었다.그리스인들에게 아름다움의 이상은 발가벗은 남성의 몸이었고, 이는 발가벗은 채로 경쟁하는 올림픽 선수들처럼 젊음과 정력을 상징했다.그리스의 나체는 자연주의적이면서도 이상화 되었다.신체 부분의 충실한 표현에 있어서는 자연주의였지만, 조화롭고 균형 잡힌 비율을 찾는 것에 있어서는 이상화 되었다.신체의 불완전함이나 나이 든 주름을 보여줄 수 있는 보다 사실적인 형태의 표현을 거부한다.고대 시대의 보다 도식적인 구성으로부터, 신체에 대한 연구는 골격과 근육, 움직임과 인체가 수행할 수 있는 다양한 위치와 비틀림에 대한 보다 상세한 묘사로 발전했다.얼굴 묘사와 심리 상태 표현도 ^[13]완벽했다.

그리스인들은 다른 문명화되지 않은 사람들의 억제와는 달리, 좋은 신체 건강의 반영일 뿐만 아니라 미덕과 정직의 제공자, 그리고 사회적 진보의 구성요소였기 때문에, 그들이 자랑스러워하는 벌거벗은 몸을 매우 중요하게 여겼다.그리스인들에게 나체는 청렴의 표현이었고, 인간 전체와 관련된 어떤 것도 회피되거나 고립될 수 없었다.그들은 육체와 정신을 결부시켜 그들의 신앙심마저 의인화된 신으로 구체화되도록 했다.그들은 명백히 적대적인 요소들을 연관시켰고, 수학처럼 추상적인 것이 그들에게 감각적인 즐거움을 줄 수 있는 것처럼, 신체와 같은 물질은 천상의 무엇인가가 되고 불멸의 어떤 것의 상징이 될 수 있다.따라서, 나체는 단순한 감각주의를 피하는 도덕적 요소를 가지고 있어서, 로마인들에게 그랬던 것처럼 외설적이거나 퇴폐적으로 보이지 않았다.육체와 정신의 이러한 상호 관계는 그리스 예술에 내재되어 있으며, 후기 예술가들이 그리스 나체를 모방했을 때(신고전주의와 학술주의의 경우처럼) 그들은 이 요소를 제거했을 때, 육체적 완벽에 초점을 맞췄지만 도덕적 ^[14]미덕이 없는 생동감 없는 작품을 만들어냈다.

그리스 남성 누드에서는 활력인 에너지를 포착하는 것이 필수적이며, 그들은 두 종류의 남성 누드를 통해 표현했다: 운동선수와 영웅.올림픽에서는 우승자가 운동 훈련을 표현한 세라믹 꽃병인 "패너티닉 암포래"를 우승자에게 주는 것이 관례였는데, 이는 대단한 ^[15]역동성이 있는 장면에서 나체 표현을 보여주는 훌륭한 예이다.

남성 누드의 제1지수는 고대(기원전 7세기~5세기)에 속하는 운동 선수, 신, 신화상의 영웅을 나타내는 인물로서, 여성의 변형은 코레(복수)이지만, 예전에는 옷을 입은 모습을 나타내곤 했다.비록 이 그림들이 원래 이집트의 영향력을 나타내지만, 곧 그리스 조각가들은 그들의 아름다움에 대한 이상을 전달하기 위해 인체를 표현할 수 있는 가장 좋은 방법을 찾으며 그들만의 길을 따라갔다.쿠로족은 발을 땅에 대고 왼발을 앞으로 하고 팔을 몸에 바짝 붙이고 손을 오므리고 입방체 형태의 머리를 가진 상형적인 자세가 특징이며, 갈기와 기본적인 얼굴 생김새로 '고전적 미소'라고 불리는 특유의 미소를 돋보이게 한다.첫 번째 예는 델로스, 낙소스, 사모스와 같은 곳에서 기원전 7세기까지 거슬러 올라가며, 일반적으로 무덤과 예배 장소에 나타난다.나중에 그들은 아티카와 펠로폰네소스로 퍼져 나갔고, 그곳에서 그들은 묘사적인 특징과 모델링에 더 큰 관심을 가지고 자연주의적이 되었다.오늘날까지 남아 있는 작품으로는 소니온의 쿠로스(기원전 600년), 클레오비스와 비톤 쌍둥이(기원전 600년~590년), 모스코포로스(기원전 570년), 람핀호스만(기원전 550년), 테네아의 쿠로스(기원전 550년), 기원전 305년, 기원전 305년) 등이 있다.

그 후, 나체는 꾸로이의 단단하고 기하학적인 형태에서 고전 시대의 부드럽고 자연주의적인 선으로 느리지만 꾸준한 진화를 거쳤다.이 혁신의 주요 요인은 이상화에서 모조품으로 옮겨가는 조각을 구상하는 새로운 개념이었다.이러한 변화는 기원전 5세기 첫 해에 눈에 띄기 시작했는데, 크리티오스와 c.네시오트의 작품인 하르모디우스와 아리스테이톤을 대표하는 c.피옴비노의 아폴로(기원전 490년), c.크리티오스의 에피베(기원전 480년), 티라노니키데스 그룹과 같은 작품들이 있다.이들 작품에서는 육체적 완벽에 대한 숭배가 나타나는데, 이는 주로 육체적 활력과 도덕적 미덕과 신앙심을 결합한 운동으로 표현된다.새로운 클래식 스타일은 특히 몸의 여러 부분이 조화롭게 마주보고 있는 반대편(일반적으로 크리티오스에 기인하는)의 도입과 함께 인간의 형상에 움직임을 줌으로써 더 큰 자연스러움을 가져왔을 뿐만 아니라 필수적인 것이다.이러한 전제 하에 고전 그리스 조각의 주요 인물들이 나타났다.마이론, 피디아스, 폴리클리투스, 프락시텔레스, 스코파스, 리시포스 ^[17]등

Myron은 그의 Discobolus (기원전 450년)와 함께 움직이는 형상의 훌륭한 예를 만들어 처음으로 전체 형상에 대한 조정된 동적 효과를 달성했습니다. 그 이후로 움직임의 형상은 역동적인 동작에 일관성을 제공하는 글로벌 비전 없이 부분적으로 만들어졌습니다.팔의 ^[18]움직임을 따르지 않고 몸통이 정적인 기원전 470년경부터 시작된 아티크의 청동상.

피디아스는 특히 "신의 제작자"라고 불리는 신들의 조각에 헌신했는데, 특히 아폴로는 자연주의와 고대 상형적 프런트리티의 일부 흔적들을 혼합하여 다루었는데, 이는 그의 형상에 힘과 우아함, 형태와 이상 사이의 균형 잡힌 조화를 가져다 주었다.카셀의 c.아폴로(기원전 450년)에서처럼.하지만, 그는 또한 그의 아나크레온 (c.기원전 450년)^[19]의 모습과 같이 보다 인간적이고 덜 이상화된 처리로 평범한 인물들의 작품들을 만들었다.

폴리클리투스의 작품은 그의 두 주요 작품인 도리포루스(기원전 440년)와 디아두메네(기원전 430년)에서 볼 수 있듯이 그의 인물들이 기초가 된 기하학적 비율의 규범을 표준화하는 데 특별한 관련이 있었다. 불행히도 그의 작품 중 로마 사본만이 우리에게 내려왔다.폴리클리투스의 또 다른 중요한 공헌은 해부학적 연구였고, 특히 사색에 대한 연구였다: 그의 토르소스의 완벽함은 프랑스식 퀴라세 에스테티크 ("미학적 갑옷")라는 별명으로 불리게 했고,^[20] 그것들은 오랫동안 갑옷의 디자인에 사용되었다.

Praxiteles는 우아한 움직임과 함께 육체적인 힘과 우아한 분위기, 거의 달콤함, 유동적이고 섬세한 ^[21]디자인을 결합하는 우아한 움직임과 함께 더 많은 인간상을 디자인했습니다(Apollo Saurochthonus, Resting Satyr, 365 BC, Hermes and Infant Dionysus, BC 340).

후에, 그리스 조각은 도덕적 표현보다 행동이 우세했던, 더 가늘고 근육질의 모습으로 이동하면서, 신체와 이상 사이의 특정한 방식으로 결합을 잃었습니다.이것은 안티키테라의 에페베 (기원전 340년), 에페수스의 스트리길과 운동 선수, 마라톤의 에페베와 같은 작품에서 볼 수 있다.이 시기에 뛰어난 예술가 중 한 명인 스코파스는 할리카르나소스 영묘의 프리즈의 저자로, 그의 그리스인과 아마존(c.기원전 350년)과 같은 움직이는 인물들로 가득 차 있는데, 여기서 옷의 사용은 특징적이며, 그렇지 않으면 나머지 몸의 나체를 입는 그리스인들의 망토는 움직임의 감각을 준다.그는 또한 뒤러의 아담(c.1504년), 베르니니의 아폴로(1622년-1625년), 카노바의 페르세우스 (1801년)와 같은 많은 현대 예술가들에게 영감을 준 신고전주의자들에 의한 최고의 고대 조각품으로 여겨지는 레오카레스 묘소를 작업했다.무덤에는 소위 영웅적인 대각선이라고 불리는 동작이 뚜렷한 대각선을 따라 발에서 손까지 온몸을 관통하는 자세가 도입되었고, 이는 에페소스의 아가시오(기원전 3세기)의 보르헤세 검투사나 퀴리날 디오스쿠리처럼 미래에 근면하게 재현될 것이다.카노바를 ^[22]타고 헤라클레스와 테세우스에 도달했다.

아마도 그리스 조각의 마지막 위대한 이름인 리시포스는 그의 주요 작품인 아포시메노스 (기원전 325년) 또는 에로스 (기원전 335년)와 헤라클레스를 그린 에로스 (기원전 320년)에서와 같이 더 작은 머리, 더 가느다란 몸, 긴 다리를 가진 비율의 새로운 규범을 도입했다.그는 또한 긁는 운동선수, 나폴리의 에르메스인 휴식 (기원전 330-320) 또는 베를린의 기도를 하는 젊은이들의 모습으로서 인간 형상에 대한 새로운 개념, 덜 이상적이고 덜 이상적이며 일상적이고 일화에 더 초점을 맞췄다.리시포스는 알렉산더 대왕의 초상화가로, 루브르 박물관(기원전 330년)^[23]의 창을 든 알렉산더 대왕의 조각상 몇 개를 만들었는데, 그 중 몇 개는 나체로 만들었다.

여성의 나체는 특히 고라이의 나체와 대비되는 고대에 덜 빈번했다.서양 미술이 르네상스 이후 여성 누드를 남성보다 더 평범하고 유쾌한 주제로 여겨왔듯이, 그리스에서는 여성 누드를 금지한 종교적, 도덕적 측면이 있다. 프라시텔레스의 모델인 프린느의 유명한 재판에서 볼 수 있다.사회적으로 그리스에서는 여성들이 집안일로 내몰렸고, 남성 운동선수들의 나체와는 대조적으로 여성들은 머리부터 발끝까지 옷을 입어야 했다.스파르타에서만 여성들은 허벅지가 드러나는 짧은 튜닉을 입고 운동경기에 참가했는데, 이는 그리스 나머지 지역에서는 수치스러운 일이었다.여성의 나체의 첫 흔적은 기원전 6세기 도자기에 그려진 일상적인 장면에서 발견된다.기원전 5세기에 아마도 이시스의 여사제였던 에스킬린의 비너스와 같은 최초의 조각 흔적이 나타났다.조잡하고 정교하지 못한 해부학적 구조, 건장하고 짧은 키, 하지만 이미 일곱 개의 머리를 가진 키의 ^[24]규범을 바탕으로 수학적인 비율을 포함하고 있다.

이후 여성 누드의 진화는 산발적이었으며, 완전한 누드상은 거의 없었지만 부분적이거나 드레이퍼리 모윌레("습한 옷")의 기술로 루도비시 왕좌의 아프로디테, 파에오니우스의 니케(기원전 425년), 또는 로마 시대의 비너스 제네트릭스와 같이 몸에 부착되었다.기원전 400년경에 익명의 작가가 소녀의 청동상을 조각했습니다(뮤니치 박물관). 이 작품은 고전적인 대척점을 제시하며, 특히 엉덩이의 아치 부분에 여성상을 만들었습니다.프랑스어로 데한치멘트("swing")라고 불리는데, 이는 그녀의 몸매를 강화시켜 여성상을 ^[25]표현하는 거의 전형적인 모델로 남을 것이다.

여성 나체를 다룬 대표적인 고전 조각가는 목욕탕에 들어가는 순간 대변된 유명한 크니두스의 c.아프로디테(기원전 350년)의 작가 프락시텔레스(Praxiteles는 여전히 한 손에 드레스를 들고 있었다.관능과 신비주의, 육체적 쾌락과 영적 회동을 결합한 이미지로 그리스 여성미의 이상을 물질적으로 구현한 것이다.그는 또 다른 유명한 이미지의 작가이기도 합니다.다리를 옷으로 감싸고 가슴을 드러낸 아프로디테 여신의 이미지입니다.그것은 루브르 박물관에 있는 아를의 비너스라고 불리는 가장 완전한 이미지이지만, 가장 유명한 것은 기원전 100년경의 익명의 예술가인 밀로의 비너스입니다.그 후의 여성 누드의 진화는 그녀의 나체를 팔로 가리는 "비너스 푸디카"와 같은 유형학으로 이어졌고, 때로는 프락시텔레스 자신이 만든 것으로도 알려져 있다.또는 그녀의 엉덩이와 엉덩이를 드러내기 위해 그녀의 깃털을 들어올리는 "비너스 칼리포기아"와 같은 유형학으로 이어졌다.그 중 헬레니즘 시대의 원본의 로마 사본이 현재 ^[26]나폴리 국립 고고학 박물관에 우리에게 내려왔다.

여성의 나체가 좀 더 많이 나타나는 장르는 바카날과 디오니스의 의식을 표현하는 데 있어서, 사티르나 시레네와 함께 관능적이고 억제되지 않은 자세로 마에나드와 네레이드의 합창이 등장했고, 그 장면들은 장례식의 비꼬기로 널리 표현되었다.드레스덴의 마에나드 등 디오니소스 숭배와 관련된 여러 인물들의 저자 스코파스의 조각 작업장에서 자주 다뤄지는 주제였다.특히, 네레이드 인물들은 큰 인기를 얻었고 지중해 전역에서 만들어진 후속 예술에 영향을 끼쳤다.해방된 영혼의 상징으로서 그림, 조각, 보석, 카메오, 도자기 화병, 컵, 상자, 석관 등 다양한 예술 기법의 장식 모티브가 되었다.로마제국 말기에는 아일랜드에서 아라비아까지 널리 퍼졌고 멀리 인도까지 도달했는데, 그곳에서 우리는 날아다니는 간다르바의 형상을 볼 수 있다.중세 시대에도 그것의 유형학은 ^[27]이브라는 성격과 동일시되었다.

알렉산드로스 대왕의 죽음으로 시작된 헬레니즘 기간 동안, 그리스 문화가 지중해 동부 전역으로 확장되면서, 그 인물들은 고전 시대의 평온한 균형을 깨면서, 악화된 감정과 비극적인 표현을 나타내며, 더 큰 역동성과 반전을 얻었다.영웅과 운동선수의 활기차고 의기양양한 에너지와는 대조적으로, 패소, 드라마, 고통, 구타당하고 기형적인, 병들거나 훼손된 신체들의 표현들이 나타났다.영웅과 운동선수가 승리자라면, 이제 인간은 운명에 굴복하고, 신들의 분노에 시달리고, 신들은 물질보다, 영혼은 육체보다 우세하다.이것은 니오베의 아들들의 학살, 마르시아스의 고통, 영웅의 죽음(헥토르 또는 멜레아저) 또는 라오콘의 운명 같은 신화에서 볼 수 있는데,^[28] 이는 당대 미술의 빈번한 주제이다.

헬레니즘 조각의 첫 번째 생산 중심지 중 하나는 페르가몬이었다.페르가몬은 그리스 전역에서 온 조각가들의 작업장이 명확한 리시피아의 영향에서 출발하여, 주로 몸의 비틀림을 통해 등장인물들의 고통을 효과적으로 표현하는 극성을 그들의 형상에 각인시키는 스타일을 확립했다.카피톨린 박물관의 죽어가는 갈리아(기원전 230년), 테르메 박물관의 루도비시 갈리아(기원전 230년), 로지아 데이 란지의 파트로클로스의 몸을 지탱하는 메넬라오스(기원전 230년-200년), 또는 로마의 마르시아스(기원전 230년) 음악원에서 볼 수 있듯이그의 걸작은 로도스의 에이지안더, 아테노도로스, 폴리도루스의 라오콘과 그의 아들들(기원전 2세기)이다. 아마도 모든 역사에서 가장 뛰어난 페이소스의 표현일 것이다.다양한 움직임, 얽힌 형상의 뒤틀림, 악화된 감정,중심 인물의 가슴과 허벅지의 두드러진 근육, 얼굴의 극적인 표현은 보는 이로 하여금 이러한 고통받는 인물에 대한 공포와 절망감을 불러일으키는 잠재된 비극의 일반적인 감각을 부여한다.플리니에 따르면 라오콘은 "모든 그림과 ^[29]조각 작품 중 최고"라고 한다.

또한 헬레니즘 시대에는 아폴로니우스와 트랄레스의 타리스쿠스가 쓴 파르네세 황소가 있는데, 이 황소는 디르케의 고통 (기원전 130년)이라는 제목의 초기 작품의 사본이다.그것은 커다란 표현 효과를 지닌 역동적인 그룹이다.거기에는 커다란 사실주의 동물들, 다소 경직된 태도의 젊은이들, 그리고 엄청난 극적인 ^[30]효과를 가진 복잡한 나선형의 비틀림을 가진 디르스의 형상이 있다.이 시기의 또 다른 유명한 작품은 고대에 높은 가치를 지닌 비티니아의 도이달사스의 웅크리고 있는 비너스(기원전 3세기)로, 궁전, 정원, 공공 건물을 장식하기 위해 수많은 복제품이 만들어졌다.오늘날 전 세계 박물관에는 여러 개의 복사본이 있으며, 현대 미술(주로 르네상스)에서 Gambologna, Antoine Coysevox, Jean-Baptiste Carpeaux 등의 복사본 또는 버전이 만들어졌으며, 심지어 Marcantonio Raimondi와 Marten van Heckerems 등의 그림이나 조각 작업에서도 만들어졌다.루벤스는 또한 그의 ^[31]작품들 중 몇 가지에서 이 그림에서 영감을 받았습니다.마찬가지로 중요한 것은 폴리클레스의 잠자는 헤르마프로디테(기원전 2세기)로, 원래의 청동이 없어졌고, 로마 시대에 만들어진 사본이 여러 개 있는데, 그 중 가장 유명한 것 중 하나는 17세기 초 디오클레티아누스 목욕탕에서 발견되어 베르니니에 의해 복원되었다.스페인의 필립 4세가 의뢰하여 현재 프라도에 있는 것과 같은 현대에 만들어진 복사본이 여러 권 있는데, 이것은 확실히 그녀의 ^[32]거울에 있는 벨라스케스의 비너스에 영향을 미쳤다.

로마

에트루리아 미술의 분명한 선례가 있는 가운데, 로마 미술은 그리스 미술에 큰 영향을 받았다.로마제국의 팽창 덕분에, 고전 그리스-로마 미술은 유럽, 북아프리카, 근동의 거의 구석구석까지 퍼져나갔고, 이 지역에서 발전된 미래 미술의 진화적 토대를 마련했다.로마인들은 건축과 공학에서 매우 발달했지만, 조형 예술에서는 그다지 혁신적이지 않았다.대부분의 로마 조각상들은 그리스 작품들의 복제품이거나 그것들로부터 영감을 얻었다.헬레니즘 세계의 많은 예술가들이 그리스 예술의 정신을 살려 로마로 이주했다.로마의 역사학자들은 고전 그리스 시대 이후에 만들어진 예술 작품들을 경멸했고, 심지어 이 그리스 황금기 이후 ^[33]"예술이 멈췄다"고 주장하기까지 했다.

조각의 첫 번째 작품은 로마에 정착한 그리스 예술가들의 작품이었다: 그들 중 벨베데레 토르소의 작가 아테네의 아폴로니우스, 비너스 데 메디치의 작가 클레오메네스, 그리고 ^[34]가시를 가진 소년의 작가 파시텔레스.파시텔레스의 제자인 스테파노스는 알바니의 운동가(기원전 50년)의 저자로 엄청난 성공을 거둔 인물이며, 18개의 사본이 우리에게 도달했기 때문에 확증된 사실이며, 그것이 다른 인물과 다른 형태를 만들어냈으며, 때때로 수성, 벌칸, 그리고 다른 인물과 동일시되는 그룹을 만들었다.그 중 산 일데폰소 그룹(기원전 10년)이라고 불리는 사본이 프라도에 보존되어 있는데, 이 두 형상은 폴리클리투스의 도리포루스와 프락시텔레스의 아폴로 사우로크토누스를 ^[35]연상시킨다.헬레니즘 그리스 예술과 양식적으로 관련된 다른 익명의 작품으로는 로마의 테르메 박물관의 안식의 상자 (기원전 100-50년)와 같은 박물관의 헬레니즘 왕자 (기원전 100-50년)가 있다.

로마의 작품 자체는 그리스의 영향력을 유지하면서도 신격화된 로마 황제의 조각상들은 그리스 신들처럼 벌거벗은 것이 특징이며,^[36] 어떤 이상주의를 유지하고 있지만 초상화의 특징에 있어서 자연에 대한 더 많은 연구를 보여준다.몇몇 작품에서 우리는 그리스 여성의 나체의 우아함과 관능성을 유지하면서 그리스 인물보다 더 뛰어난 해부학적 자연주의를 보여주는 키레네의 비너스(로마, Museo delle Terme)에서와 같이 그리스와 다른 문체적 도장을 발견할 수 있다.원래의 주제적 혁신은 세 개의 은총(Siena, Rouvre)의 것으로, 거의 모든 것이 1세기로 거슬러 올라갈 수 있는 사본이 몇 개 있다.그것은 아프로디테와 동행하는 도상적인 주제이며, 일반적으로 세 자매(Euphrosine, Talia, Aglaea)로 표현되며, 서로 팔을 잡고 그들 중 두 명을 앞에 배치하고 가운데 한 명은 뒤로 돌아섰다.이 주제는 르네상스와 바로크 ^[37]시대에 매우 성공적이었다.

제국시대에 나체에 대한 관심은 조각의 이상화 개념과 병행하여 감소했고, 초상화에서 가장 추악하고 불쾌한 문체를 포함한 더 큰 관련성과 상세한 묘사를 얻었다.그럼에도 하드리아누스의 별장을 장식한 화성과 수성의 조각상(125년), 현재 바티칸 박물관에 있는 안토니누스의 기둥 밑부분에 나타나는 안토니누스와 파우스티나의 아포테오시스(161년), 심지어 콘스탄틴의 몬테카발로의 디오스쿠리와 같은 웅장한 작품들이 제작되었다.로마 퀴리날레 광장(330년)^[38]에 있다.

주로 폼페이와 허큘라네움 발굴로 많은 샘플을 받아온 이 그림은 장식성이 뛰어나지만 신화에서 파티, 댄스, 서커스 등 가장 일상적인 장면에 이르는 아이콘그래피와 함께 풍부한 문체와 주제를 제공한다.이러한 장면에서는 나체가 풍부하고, 에로티시즘에 대한 뚜렷한 경향은 숨김없이 나타나 삶의 또 하나의 면으로 나타난다.폼페이의 성벽을 장식하고 나체가 존재하는 많은 장면들 중에서 기억할 가치가 있다.세 미녀, 아프로디테 아나디오메네, 프리아푸스로의 소환, 아약스에 의해 납치된 카산드라, 춤추는 판, 사튀르에게 놀란 바칸테, 요정 입티마의 강간, 아르카디아에서 그의 아들 텔레포스를 알아본 헤라클레스, 젊은 아킬레우스를 풀어주는 센타우루스 키론

중세 미술

서로마제국의 몰락은 유럽의 중세, 즉 정치적, 사회적 퇴폐의 시작을 의미했는데, 이는 제국이 작은 국가로 분열되고 새로운 군사 귀족의 사회적 지배가 제국주의 관료주의에 의해 이전에 관리되었던 모든 영토의 봉건화를 의미했기 때문이다.고전 예술은 게르만 기원의 새로운 지배적인 문화에 의해 재해석되었고, 새로운 종교인 기독교는 중세 예술 작품의 대부분을 주입시켰다.중세 미술은 고대 그리스 미술에서 로마네스크 이전부터 비잔틴과 게르만 ^[40]미술을 포함한 로마네스크와 고딕까지 여러 단계를 거쳤다.

중세 시대, 도덕 신학은 네 가지 유형의 나체를 구별했다: 인간의 자연 상태인 나체; 과도기에 의해 강요된 인위적인 상태인 나체; 미덕과 순수함의 상징인 나체 가상 상태; 그리고 욕망과 허영심과 연결된 나체 범죄.중세 미술, 특히 베아투스의 아포칼립스에서 나체의 또 다른 빈번한 요소는 세상의 ^[41]모든 것을 벗겨내는 것의 상징으로서 망자의 묘사였다.

기독교 신학은 인간을 부패하기 쉬운 육체와 불멸의 영혼으로 나누었는데, 후자는 보존되어야 할 귀중한 것으로 여겨지는 유일한 영혼이었다.이교도의 종교가 사라지면서 나체와 관련된 대부분의 도상적인 내용은 사라졌고, 이는 성경의 몇 구절에서만 정당화 되었다.나체를 표현하는 몇 안 되는 경우, 영혼의 단순한 부속물로 여겨졌던 신체에 대한 경멸의 표시로서 의도적으로 추하고 구겨진 형태가 아닐 때, 고전적인 나체의 조화로운 균형과는 거리가 먼 각지고 기형적인 형상들이 있다.여성 누드(일반적으로 이브의 형상)의 몇 가지 표현에서 그들은 배가 불룩하고 어깨가 좁으며 다리가 곧은 형상이다. 비록 얼굴은 대개 개인화된 방식으로 작동하지만,^[42] 고대에는 그렇지 않았다.

인간의 형상은 관점의 상실과 공간의 기하학적 형성과 병행하여 기독교 종교의 초월적 성격과 상징적 언어를 강조하기 위해 자연주의적 서술이 상실되는 양식화 과정을 거쳤으며, 그 결과 상징적 내용이 다음과 같은 형태로 표현되었다.이미지에 내재된 메시지는 현실의 묘사보다 더 중요하다.육체를 영혼의 감옥으로 삼는 플라토닉 사상에 영향을 받은 기독교는 인간의 표현을 ^[43]표현에 집중하면서 자연주의적 해부학적 형태 연구에 흥미를 잃었다.

비록 인체의 비율에 대한 연구는 중세 시대에 사라졌지만, 인간의 몸은 수학적이고 미적인 응용을 가진 우주론적 상징의 대상이었다: 호모 쿼다투스.플라토닉 코퍼스에서 출발한 중세 문화는 세계를 위대한 동물로 간주했고, 따라서 인간으로서 인간은 창조의 위대한 우주 안에 있는 하나의 세계, 작은 우주라고 생각되었다.이 이론은 자연에 대한 숫자 4의 상징성을 관련시켰고, 이는 다시 예술에 적용되었다: 4개의 기점, 4개의 계절, 달의 4단계, 4개의 주풍이 있다; 그리고 4는 사람의 수, 비트루비우스로 거슬러 올라가는 이론과 그의 이상적인 정사각형으로서의 인간에 대한 그의 개념,그의 ^[44]키와 일치하도록 뻗은 팔의 폭이 넓어졌습니다.

초기 기독교는 여전히 강한 유대인의 영향을 받고 있었지만, 두 번째 계명을 어긴 것이기 때문에 나체뿐만 아니라 거의 모든 인간의 모습을 금지했고, 이교도 우상을 악마의 거주지로 비난했습니다.많은 이교 신들이 회화와 조각으로 인간의 형태로 표현되었고, 많은 경우 벌거벗은 채로 표현되었다는 사실은 원시 기독교인들이 나체를 이교도 우상숭배와 동일시하게 만들었다. 만약 그들이 직접 이교의 연관성을 보지 않았다면 말이다.하지만, 이교도의 종말과 기독교의 도덕성에 의한 신플라톤 철학의 동화는 육체를 정신의 수용체로 받아들이고, 나체를 인간의 타락한 상태로 받아들이도록 이끌었지만, 자연스럽고 받아들여질 수 있었다.그렇다 하더라도 중세 예술은 고전 예술에 내재된 육체적 아름다움의 개념을 완전히 잃었고, 그것이 표현되었을 때 아담이나 이브와 같이 그것이 필요한 성경 구절에서 그들은 기형적인 신체였고, 성적 속성이 최소화되었고, 매력적이지 않은 신체는 심미적인 특성이 결여된 기본적인 선으로 축소되었다.고딕 시대는 인간의 형상을 보다 정교하고 자연주의적인 전제를 바탕으로 재창조하려는 소심한 시도였지만, 형태를 이미지의 상징적 측면에 종속시키는 강직성과 기하학적 구조에 따르는 특정한 관습 아래, 항상 기독교의 ^[45]아이콘그래피라는 전제 하에 있었다.

중세 미술에서 나체의 묘사는 천국의 아담과 이브, 예수 그리스도의 순교와 십자가 처형과 같이 그것을 정당화하는 성경 구절들로 제한되었다.십자가에 새겨진 예수의 상에는 두 개의 주요 아이콘그래픽이 새겨져 있었다: "안디옥의"라고 불리는 그리스도의 옷을 벗은 모습과 "예루살렘의"라고 불리는 튜닉을 가진 구원자의 모습.하지만, 초기 기독교의 청교도적이고 반누드적인 성격에도 불구하고, 특히 카롤링거 시대부터, 이 주제의 정식 버전으로 받아들여지고 승리했던 것은 벌거벗은 버전이었다.십자가에 못 박힌 그리스도의 고통은 항상 위대한 드라마의 주제가 되어 왔습니다. 그래서 헬레니즘의 비애와 연결되고, 나체가 고통의 강렬한 표현 수단인 이미지를 가지고 있습니다. 그래서 해부학이 기형적이고 구조화되지 않은, 고통의 감정적 표현에 노출되어 있습니다.전형적인 자세는 머리를 한쪽으로 숙이고 몸의 위치를 보상하기 위해 기울인 예수의 자세이며, 이것은 처음에 대머리 샤를의 기도서와 쾰른 대성당의 게로의 십자가(10세기)에서 처음 보였고, 나중에 약간의 변화를 포함할 것이다. 몸은 더 구부러지고 무릎은 구부러졌다.시마부에의 십자가 그림처럼요그러나 북유럽에서는 마티아스 그뤼뉴알트의 ^[46]이센하임 제단 작품에서처럼 고통은 진정한 수준의 발작에 도달하는 십자가형에 대한 더 극적인 이미지가 부과되었다.

고대 기독교의 예술은 수많은 고전적 모티브를 기독교의 장면으로 변형시켰다: 따라서 고대 에르메스 모스코포루스는 선한 목자로서의 예수의 이미지가 되었고 오르페우스는 은인으로 그리스도가 되었다.성경 레퍼토리에서 아담과 이브를 제외하고, 예언자 다니엘은 종종 사자 사이에서 벌거벗은 모습으로 묘사되었고, 로마의 지오르다노 공동묘지의 벽화(4세기)와 성 바실리카의 석관에 보존되었다. 존 ^[47]라테란

로마네스크 미술에서, 일반적으로 아담과 이브에 대한 창세기 구절에만 국한된 소수의 누드 묘사는 기본적인 선으로, 여성의 모습이 가슴으로 남자의 모습과 거의 구별되지 않았고, 두 개의 형태가 없는 돌출부로 축소되었다.그들은 조잡하고 도식적인 모습이었고, 가능하면 부끄러운 태도를 보였고, 그들의 사적인 부분을 예의로 가렸다.이는 힐데스하임 c.성당의 창조, 몰락, 청동문 추방(1010년), 모데나 대성당 정면 아담과 이브, 윌리겔무스의 c.작품(1105년), 마데르메르의 천국 아담과 아담의 창조 등 예에서 나타난다.다른 경우, 성자 순교 장면에서 전체 나체 또는 부분 나체를 볼 수 있습니다. 예를 들어, 성자 가빈과 성자 사이프리아노가 포이투에 있습니다.같은 도상학적 주제는 아마도 더 자유롭게 다루어질 수 있으며, 예를 들어 버질리언 코덱스의 아담과 이브나 비셰라드 복음서의 그리스도의 세례와 ^[49]같은 삽화가 그려진 미니어처에서도 볼 수 있다.

고딕 미술에서 나체는 13세기 초에 주로 게르만 환경에서 만들어지기 시작했다.나체를 나타내는 최초의 독립적이고 실제 크기의 인물은 밤베르크 c.대성당의 아담과 이브(1235)로, 여전히 단단하고 상형적인 두 기둥처럼 보이지만, 특정한 ^[50]고귀한 태도로 다루어진다.이 때, 특히 최후의 심판과 함께, 성 24장과 25장에 나오는 아이콘적 레퍼토리가 약간 확장되었다. 마태오—그때까지 성당 부조물로 표현된 성경 이야기의 대부분의 장면은 묵시록으로 끝났다.육체의 부활 장면은 육체가 벗은 상태에서 다시 태어난 영혼은 완벽한 아름다움의 매개 변수에 따라 표현되어야 한다고 생각했기 때문에, 작가들은 고전 그리스 로마 미술의 작품들을 다시 살펴보았고, 빈센트 드 보베의 경전 같은 새로운 논문들이 등장했습니다.고대 고전 논문을 바탕으로 한 예술가들을 위한 설명서가 들어있었습니다.자연에 대한 연구가 다시 시작되었고, 부르주 대성당의 최후의 심판에서 증명되었듯이, 일부 예술가들은 대중 목욕탕에 가서 몸을 더 자세히 연구했고, 더 자연주의적인 형태로 고대 석관의 형상을 연상시켰다는 자료가 있다.이 작품에서, 중앙의 여성은 보다 여성스러운 형태를 가지고 있으며, 콘트라포스토의 자세는 비록 그녀의 형태가 작고 분리된 가슴, 납작한 배, 줄어든 ^[51]엉덩이로 스타일화되고 관능적이지는 않지만, 특정한 폴리레타적인 분위기를 가지고 있다.

조금씩 고딕의 누드는 자연스러움과 해부학적 정밀도가 높아지면서 주제 레퍼토리가 확대되고 조각과 미니어처뿐만 아니라 레레도, 스테인드글라스, 합창대 좌판, 금은 세공 등 예술 전 분야에 나체의 사용이 확산되었다.제시된 새로운 주제 중 일부는 St. 제롬과 다른 금욕주의자들은 세속적인 물건이나 이집트의 마리아 막달레나 마리아 같은 여성상을 포기함으로써 모든 물질적인 것을 빼앗겼다.때때로 천국에서 이브를 유혹한 뱀이나 용은 세인트루이스에게 패배했다. 조지는 또한 벌거벗은 인간의 모습으로 표현된다.^[52]Bathsheba, Susanna, Judith, Delilah, Salome과 같은 구약성서의 특정 여성들에게 더 큰 관능이 주어졌다.때때로 성모 마리아는 심지어 장 푸케의 성모와 아이 (1450년, 붉은 ^[53]천사의 마돈나라고도 불림)에서처럼 아기 예수를 간호함으로써 젖을 보여줄 수 있었다.

14세기 초에 오르비에토 대성당의 정면, 로렌조 마이타니의 작품. 그는 그것을 정당화하는 모든 주제: 창조, 인간의 몰락, 최후의 심판.아담의 곁에서 일어나는 그의 전야는 의심할 여지 없이 네레이드의 고대 석관에 의해 영감을 받아 처음으로 영혼의 수용체로서의 신체에 대한 개념과 그에 따라 고려할 가치가 있는 어떤 이상주의를 보여준다.반면 최후의 심판은 노르딕 영감이 깃든 듯하며, 전투 석관이나 ^[54]갈리아인들이 죽어가는 고대 장면을 연상시키는 다양한 장면에서 나타난다.

15세기에 나체는 당시의 유행에 편승하여 1400년경 프랑스, 부르고뉴, 네덜란드 사이에 나타난 소위 "국제 고딕"이라고 불리는 더 큰 확산이 있었다.그것의 첫 번째 지수 중 하나는 림부르 형제의 베리 공작의 매우 풍요로운 시간(1416년)이었다.여기서 몰락과 낙원에서 추방된 장면은 에덴에서의 삶의 자연스러움에서 죄악의 수치와 낙원에서 추방된 이브의 진화를 보여준다.무화과 잎으로 덮인 비너스 푸디카의 모습을 하고 있다.작은 가슴과 불룩한 배를 가진 그녀의 길쭉하고 구근 모양은 200년 동안 지속된 고딕 양식의 여성 나체의 원형이 되었다.이것은 얀 반 에이크의 겐트 제단 전야, 휴고 반 데 고스의 아담과 이브, 로지에 반 데르 바이든의 로지어 반 데르 바이든 등의 인물이나 한스 멤링의 배니티, 콘라드 마이트의 주디스 같은 다른 여성 인물에서 볼 수 있다.나체를 수치스러운 것으로 간주하던 중세의 겸손한 태도가 보다 관능적이고 자극적이며 육욕적인 인간 ^[55]형상으로 바뀌고 있다.스페인에서는 바르톨로메 베르메호의 림보로의 그리스도의 강림, 페르난도 갈레고의 성녀 캐서린의 순교, 타라고나 대성당의 높은 제단 조각에 있는 성 테클라의 형상, 요한 페레에 의한 성녀 테클라의 순교와 같이 관능적이고 진지한 나체들에 대한 최초의 소심한 시도가 나타났다.에인 ^[56]브루의 성 쿠페이트 학살(1504–1507).

다소 자연주의적인 나체는 르네상스 이전 이탈리아에서 소심하게 나타나기 시작했는데, 일반적으로 니콜라 피사노에 의한 피사 세례당의 포르티도의 이미지, 또는 피사노 성당의 설교단에서 절제의 형상(1300-1310)과 같은 우화 형태였다.비너스의 형태로, 그녀의 사적인 부분을 ^[57]팔로 감싸고 수수한 형태로.그것은 지오토의 작품, 특히 파두아의 ^[58]스크로베니 채플에서의 최후의 심판에서도 인식된다.

근대 초기 미술

현대 ^{[Note 3]}미술의 대명사로 자주 사용되는 현대 미술과 혼동하지 않는 초기 근대 미술은 15세기와 18세기 사이에 발달했다.초기 근대 시대는 급진적인 정치, 경제, 사회, 문화적 변화를 가져왔다: 중앙집권화된 국가의 통합은 절대주의의 확립을 의미했다; 새로운 지리적 발견, 특히 미국 대륙은 영토와 상업 확장의 시대를 열었다.식민주의의 시작을 알리는 것; 인쇄기의 발명은 모든 종류의 대중들에게 개방된 문화의 더 큰 확산을 이끌었다; 종교는 개신교의 출현에 의해 도움을 받은 중세 시대에 가지고 있던 우위를 잃었다; 동시에, 인문주의는 새로운 문화적 트렌드로 나타났다.인간과 ^[59]우주에 대한 보다 과학적인 개념에 자리를 내주고 있다.

르네상스

15세기 이탈리아에서 출현한 콰트로센토는 그 세기 말부터 16세기 초까지 유럽 전역으로 퍼져나갔다.그 예술가들은 고전 그리스-로마 미술에서 영감을 받아 중세 문외한주의 이후 예술적 "르네상스"라고 불렸다.자연에서 영감을 받은 스타일, 원근법의 사용과 같은 새로운 표현 모델이 등장했습니다.종교적 주제를 버리지 않고, 신화나 역사, 풍경이나 정물화 같은 새로운 장르의 등장과 함께, 나체의 활성화에 영향을 준 인간과 그의 환경의 표현이 더욱 관련되게 되었다.아름다움은 중세 시대와 같이 조화와 ^[61]비례에 기초한 보다 합리적이고 신중한 요소를 갖기 위해 상징적이지 않게 되었다.

르네상스 미술은, 새롭게 시작된 현대 시대의 새로운 세계관의 중심을 인간으로 만든 인문주의 철학의 인류 중심주의와 병행하여, 인체 표현을 더 잘 표현하기 위해 해부학의 연구에 의존했다.1543년 안드레아스 베살리우스의 인체 해부학적 연구인 De humani corporis fabrica가 출판되었다.해부에 기초한 해부학적 연구에서는 본문과 함께 점점 더 객관적인 사실주의에 바탕을 둔 다른 예술가들의 이미지에 대한 기초가 된 얀 반 칼카에 기인하는 여러 장의 인체 설명판이 있었다.책 속의 접시들은 예술적인 기준으로 구상되었으며, 해골과 벗겨진 형상은 예술적인 포즈나 거의 연극적인 ^[62]몸짓으로 나타났다.

르네상스 누드는 고대 그리스 로마 모델과 다른 기능을 가지고 있지만, 고전 그리스-로마 모델에서 영감을 받았습니다: 그리스에서 남성 누드가 영웅의 모습을 예시했다면, 르네상스 이탈리아에서는 나체가 더 미적인 성격을 가지고 있으며, 종교적 교훈에서 벗어난 세상을 이해하는 새로운 방식과 더 관련이 있습니다.인간이 우주의 중심으로서 다시 태어난다.여성의 나체가 두드러지는 것은 사회에서 그들의 특권적 지위를 과시하는 귀족들과 부유한 상인들의 후원이 주된 원인이었다.따라서 나체의 세속화는 중세 종교적 주제에서 불경스러운 것으로 넘어갔고, 때로는 보티첼리의 주요 작품인 프리마베라와 비너스의 탄생과 같은 종교 영역 밖에서 이러한 유형의 표현을 정당화하려는 다소 강요된 시도로 이루어졌다.마르실리오 피치노가 비너스의 신화에서 추론한 신플라톤의 개념을 나타낸다.그녀의 성인기에 태어난 후 나체임에도 불구하고 그녀의 첫 반응은 고대 개념인 "비너스 푸디카"^[63]에 따라 자신을 덮는 것이다.

르네상스 미술은 육체적이고 도덕적인 이상적인 아름다움의 예시로서 고전적인 누드를 되찾았다.나체는 가장 자연주의적인 것부터 가장 상징적인 것까지 모든 구성의 완벽한 구실이었고, 후자는 여러 주장과 의인화를 통해 표현되었다.때때로, 르네상스의 인체 표현은 나체를 위한 나체였고, 종교적인 ^[64]것이든 신화적인 것이든 종종 그림의 바로 그 주제를 변성시킨 예술을 위한 일종의 예술이었다.르네상스 시대에 나체는 수치심의 원천이 되지 않았고, 반대로, 새로운 영웅적 혹은 심지어 신성한 성격(사크라 나디타스)^[65]를 얻었다.루이 레우에 따르면, "르네상스 예술가들은 의기양양한 나체로 인간의 몸을 표현하는 것을 조형 예술의 주요 대상으로 여겼다."^[65]

이와 유사하게, 나체는 주요 예술과 촛대에서부터 칼과 문 손잡이에 이르기까지 무수히 많은 작은 예술과 물건에서 나타났다.베네누토 셀리니가 '인체는 가장 완벽한 형태'라는 이유로 이 같은 누드 묘사를 허용했기 때문에 자주 ^[66]묘사되는 것은 놀랄 일이 아니다.한편, 도상학적인 측면에서, 신화적인 주제를 가진 작품들이 점점 더 많이 실행되기 시작했지만, 대부분의 예술 작품들은 계속해서 종교적인 것이었고, 고전적인 누드의 신화적인 인물들과 나체로 나타나는 것이 가장 정당화된 기독교 등장인물들 사이에 기이한 공생관계를 만들어냈다.따라서, 우리는 기베르티의 '아이작의 희생'에 나오는 아이작의 형상이 어떻게 니오베의 아이들의 고전적 유형학을 나타내는지, 도나텔로의 왕좌에 있는 뉘우치는 그리스도의 형상이 어떻게 고전적인 멜레아저를 떠올리게 하는지, 또는 마사치오의 파라다이스에서 추방된 이브의 자세가 비너스의 ^[67]푸디카라는 것을 알 수 있다.

15세기 동안, 고딕 예술로부터 물려받은 특정한 형태들은 자연주의와 진실성에 있어서 점차적으로 향상되었지만, 여전히 이탈리아에 남아있었다.이것은 마사치오 (1425–1428), 마솔리노 다 파니칼레 (1426–1427), 안토넬로 다 메시나와 같은 예술가들의 작품에서 볼 수 있습니다. 세바스찬, 1476년, 1476년–1479년)과 안드레아 만테그나(Calvary, 1458년; 와인과 바카날, 1470년; 죽은 그리스도에 대한 탄식, 1475년–1490년; 파르나소스, 1497년; 비너스, 마르스, 다이애나, 세바스찬, 1459년 버전, 1459년)같은 일이 조각 분야에서 일어났는데, 플로렌스 세례당 파라다이스 문 (1425–1452)의 저자 로렌조 기베르티가 아담과 이브 창조, 원죄 그리고 ^[68]파라다이스로부터의 추방 장면과 함께요.

과거와 결별하고 고전적인 규범으로 회귀한 최초의 작품 중 하나는 도나텔로의 c.다비드(1440년)로, 이후 50년 동안 비교할 수 있는 작품이 없었기 때문에 시대를 앞선 위대한 독창성을 지닌 작품이었다.하지만, 도나텔로의 모델은 그리스 작품만큼 운동선수가 아니었고, 우아하고 날씬한 10대 소년의 모습을 보여주었다.마찬가지로, 아폴로니아 미의 평온함 대신 디오니소스 미의 관능성이 인식되고, 유대인 왕의 발치에 있는 골리앗의 머리는 그리스 와인 신의 조각상 밑바닥을 장식하던 사티르의 관능성을 떠올린다.도나텔로는 특히 몸통에서 고전적인 비율에서 벗어났는데, 폴리에티안 퀴라세 에스테티케와는 대조적으로,^[69] 몸의 중심축을 척추동물로 하는 것이 허리이다.

도나텔로 이후, 특히 안토니오 폴라이우올로와 보티첼리의 작품과 움브리아에서는 움직임, 에너지, 황홀한 감정의 표현에 관심을 가지고 나체가 더욱 역동적이 되었다.폴라이우올로는 메디치 궁전의 헤라클레스의 노동(1460년)에서 그리스 조각의 영웅적인 대각선을 되찾아 활동 중인 나체의 묘사에 뛰어난 기교를 보였다.바사리에 따르면, 그의 나체에 대한 처리는 "그 이전의 어떤 거장들보다 더 현대적이다."Pollaiuolo는 해부학에 대해 심오한 연구를 했고, Vasari는 시체, 특히 근육을 해부했다고 고백했다.이렇게 해서, 그는 비록 형태의 자연주의에 기초했지만, 그의 헤라클레스와 안테우스(1470)에서 보여지는 것처럼 폴라이우올로가 소개한 해부학적 사실주의와는 거리가 먼 그리스 로마 고전주의에서 벗어났다.영웅들이 거인의 몸을 짓눌렀을 때의 긴장감은 저자가 수행한 해부학적 연구의 세부사항을 나타낸다.동생 피에로와 함께 성 세바스티안 순교(1475)를 그렸는데, 이것은 그의 해부학적 연구, 특히 ^[70]활을 당기는 노력으로 얼굴이 빨개진 궁수에게서 그의 해부학적 연구를 다시 보여준다.

루카 시뇨렐리는 역동적이고 해부학적인 나체의 또 다른 주창자였는데, 특히 그의 각지고 넓으며 단단한 어깨는 에너지를 담고 있다는 것을 나타내며, 어깨와 엉덩이, 가슴과 배 등 몸의 특정 부위가 대조적인 볼륨으로 단순해져서 그의 형상에 고밀도 소성을 부여했다.촉각의 특성오르비에토 대성당에 있는 그의 프레스코 벽화 (1499–1505)에서 그는 지옥으로의 저주받은 캐스트의 그림에서와 같이 눈에 띄는 윤곽의 근육질 인물들을 잠재된 역동적인 긴장감과 함께 표현했다.폴라이우올로와 시그노렐리의 긴장되고 역동적인 나체들은 특별한 도상학적 정당성 없이 1480년부터 1505년까지 단지 그들의 미학 때문에 계속되었다 - 그들은 피렌체에서 벨 코르포 이그누도라고 불렀다 - 그리고 그것은 베르톨도 디 지오반니의 전투와 같은 작품들에 나타나 있다.라파엘로의 싸움꾼 혹은 센타우로스 전투(1492년)와 ^[71]미켈란젤로의 카시나 전투(1504년)입니다.

보티첼리는 중세 도덕주의 시대 이후 여성의 나체를 회복시키는 데 주된 역할을 했던 피렌체의 신플라토닉 학파와 관련하여 강한 상징적 책임을 지닌 고도로 지적화된 나체들을 만들었다.이 학파의 주요 이론가 중 한 명인 마르실리오 피치노는 플라톤의 심포지엄의 두 인물인 천상(천상)과 세속(천상(천상) 비너스)에 반대하며 미덕과 신비로운 고양의 모델로 금성의 모습을 되찾았다.이러한 상징성은 보티첼리에 의해 그의 두 주요 작품인 프리마베라와 비너스의 탄생에서 훌륭하게 다루어졌다.이를 위해 그는 석관, 보석, 부조, 도자기, 그림 등 그가 자유자재로 가지고 있던 몇 안 되는 고전 작품들에서 영감을 얻어 르네상스 이후 미의 고전적 이상으로 확인될 수 있는 미의 원형을 창조했다.프리마베라에서 그는 폼페이와 헤르쿨라네움의 그림이나 프리마포르타와 하드리아누스의 빌라의 회반죽에서 나오는 고전주의 감각과 함께 몸의 윤곽을 볼 수 있는 훌륭한 반투명 직물로 드레이피 무엘레의 장르를 회복했다.하지만, 보티첼리는 인간의 신체에 대한 현대적 개념에 더 반응하는 연약하고 가느다란 형상으로 고전적인 누드의 볼륨감각적 특징에서 벗어났으며, 그의 얼굴은 이상적인 고전적인 원형보다 더 개인적이고 인간적이다.시스티나 성당을 프레스코화한 로마 체류 후 그려진 '비너스의 탄생'에서 그는 교황들의 도시에 있는 고대 로마 유물들과 접촉한 덕분에 더 순수한 고전주의를 보여주었다.따라서, 그의 비너스는 이미 모든 옷과 어떤 종류의 도덕적인 제약도 벗기고, 완전히 현대화되기 위해 중세 예술을 완전히 버렸다.도상학 주제는 안젤로 폴리치아노의 ^{[Note 4]}지오스트라의 일부 구절에서 따온 것으로 플리니에 따르면, 아펠레스가 그의 작품 아프로디테 아나디오메네에서 이미 그려낸 호메로스 구절에서 영감을 얻었다.그는 아름다운 귀족 시모네타 베스푸치를 모델로 삼았다.그의 형상은 고전적인 구성에도 불구하고 고딕적인 기준에 더 많이 반응한다.비율이 아니라 리듬과 구조 면에서: 곡선의 모양은 형상이 고르게 분포되어 있지 않다는 것을 의미하지만 무게는 오른쪽으로 더 많이 떨어진다.윤곽과 머리카락의 웨이브가 공중에 떠 있는 듯한 느낌을 준다.도상적인 유형은 비너스 푸디카의 것으로, 그녀의 팔로 그녀의 사적인 부분을 가리고 있다.이것은 그가 고전적인 구성 요소와는 거리가 먼 아펠레스의 음담에 나오는 진실의 형상으로 부분적으로 반복한 도식이다.나체가 등장하는 보티첼리의 다른 작품으로는 성 세바스찬 (1474년), 나스타지오 델리 오네스티 이야기 (1482년–1483년), 비너스와 화성 (1483년), 성 제롬이 있는 피에타, 성 바오로와 성 베드로 (1490년–1492년), 죽은 그리스도에 대한 애도 (1495년)^[72] 등이 있다.

시모네타 베스푸치를 클레오파트라(1480)로 묘사하기도 한 피에로 디 코시모는 위대한 환상, 신화에서 영감을 받은 작품, 다소 기이한 분위기를 지닌 독창적인 예술가였지만, 다양한 동물들과 함께 거대한 풍경 속에 거대한 느낌과 부드러움을 풍겼다.벌컨과 아이올로스(1490), 비너스, 화성과 큐피드(1490), 실레누스의 불행(1500), 프로크리스의 죽음(1500), 박카스의 꿀 발견(1505–1510), 라피스와 켄타우로스 사이의 싸움 (1515), 신화의 프로메테우스

이탈리아 중부에서 보다 평온한 고전주의는 피에로 델라 프란체스카의 아담의 죽음(1452–1466)과 같이 인식되고 있다.그의 나체상은 피디아스나 폴리클리토스의 조각의 중후함을 가지고 있다.또는 페르기노의 아폴로나 마르시아스(1495)는 맑은 프락시텔리식 공기를 가지고 있다.이 고전주의는 틀림없이 1479년에 발견된 벨베데르의 아폴로에서 영감을 받아 라파엘의 파르나수스(1511년)에서 절정을 이뤘고, 그는 그 가느다란 해부학뿐만 아니라 성인과 시인, 그리고 스탄제 철학자들에게서 힐끗 본 리듬, 우아함, 조화를 회복했다.그러나 그는 단순히 고전적인 인물들을 재현한 것이 아니라 그의 디자인 감각에 따라 예술가의 미적 ^[74]이상에 대한 달콤하고 조화로운 개념으로 해석했다.한편 이상적인 아름다움에 대한 공감각적 비전을 제시하는 라파엘은 감각 중 가장 감각적인 것에서 가장 이상적인 완벽함을 끌어낼 수 있었다.'세 개의 미'(1505)에서 그는 우아한 보티셀의 비너스처럼 천상적인 것이 아니라 고대로부터 베낀 것이 아니라 다소 순진한 고전주의지만 신선한 생명력을 지닌 고전의 형태를 정교하게 표현했다.교황실의 아담과 이브(1508)에서 라파엘은 레오나르도 레다의 영향을 받은 최초의 여성의 모습을 다소 매듭이 있는 볼륨으로 재현했다.후에, 아고스티노 치기의 쾌락 별장인 라 파르네시나에서의 작품에서, 그의 갈라테아의 승리(1511년)는 네로의 도무스 아우레아의 그림에서 영감을 받았고, 라파엘은 그가 다른 모델들과 다른 부분을 사용했다는 것을 깨달았다.왜냐하면 아무도 그에게 충분히 완벽해 보이지 않았기 때문이다--아펠레스도 ^[75]그랬다는 전설이 있듯이.

대조적으로, 레오나르도 다빈치는 그의 광범위한 해부학 연구에 따라 설계된 자연주의 인물들과 함께 고전적인 카논에서 출발했다.초기에 그는 폴라이우올로의 활기찬 형태에서 영감을 받았고 앙기아리 전투는 미켈란젤로의 카시나 전투로부터 영향을 받았습니다.나중에, 그의 해부학의 깊이는 그의 형상들에게 과학적 관심을 일별할 수 있는 울려 퍼지는 사실주의를 주었지만, 동시에 그것들은 그들에게 평온한 생명력을 ^[76]주는 도덕적, 인간 존엄성의 어떤 영웅적인 태도를 나타낸다.하지만, 해부학에 대한 이러한 관심에도 불구하고, 그는 오늘날 많은 박물관과 개인 소장품들에 흩어져 있는 수백 점, 아마도 수천 점의 그림들을 수집했지만, 그의 그림에서는 박카스(또는 성모 마리아)와 같은 몇 점의 나체 ^[77]묘사에 그쳤다. 세례자 요한, 1510–1515) 또는 그의 레다와 백조, 1504년과 1506년 사이에 적어도 세 가지 버전을 만들었으며, 이는 더 이상 달성할 수 없는 ^{[Note 5]}이상으로서 나체 여성의 정당성을 입증하는 것이다.레오나르도에게 해부학의 연구는 비록 그녀가 옷을 입었더라도 그 자체로 표현되어야 할 인물의 비율을 아는 데 더 도움이 되었다. 따라서, 예를 들어, 현재 ^[78]샹틸리의 콩데 박물관에 있는 유명한 모나리자 라 지오콘다의 반나체 그림이 있다.

르네상스 나체의 절정은 미켈란젤로의 작품에서 일어났는데, 미켈란젤로는 나체 인간의 육체가 현대 나체와는 비교할 수 없는 존엄성을 부여했다.신플라톤적 신념 때문에 그는 남성미 앞에 느낀 감정을 극단적으로 이상화함으로써 나체의 관능이 초월적인 것, 즉 우월하고 무물질적인 것, 불가해하고 숭고하고 순수하고 무한하다는 표현을 하게 되었다.그의 모습은 지배적이면서도 감동적이며, 힘과 열정, 생명력과 강렬한 영적 에너지가 넘친다.교황청 피에타 (1498–1499년)^[79]에서처럼 그의 고통보다는 그의 아름다움에 더 많은 연민을 불러일으키는 정신적 평온함으로 구세주에게 보여 주기 위해 십자가에 못 박힌 예수의 형상에 내재된 고통의 비애를 잃어버렸다.그의 첫 누드 그림은 부드러운 고전적 윤곽과는 거리가 먼 그의 신경질적인 관절의 생동감을 어떤 비율이나 기하학적 구조와는 거리가 먼 풍부한 모형과 함께 보여준다.그의 해부학적 구조는 그의 첫 번째 위대한 조각 중 하나인 드렁큰 박카스 (1496–1497)에서와 같이, 뚜렷한 근육과 단단한 윤곽으로 몸통의 두께가 두드러지고, 비틀림 효과와 축소된 형상의 효과를 과장하는 역동적이다.피렌체의 다비드(1501–1504)는 여전히 균형 잡힌 고전주의의 아폴로식 분위기를 간직하고 있지만, 몸통이 그리스 조각상처럼 보일 수 있지만 머리와 사지의 불균형은 긴장을 나타내며 그의 반항적인 표현은 고전적인 정신에서 벗어납니다.마찬가지로 헬레니즘 예술의 누비드 인물을 떠올리고 라오콘의 영향을 보여주는 루브르 박물관의 노예들의 극적인 표현도 마찬가지이다. (미켈란젤로는 1506년 빈콜리의 산 피에트로 근처에서 발견된 조각 그룹 중 가장 먼저 본 사람 중 하나이다).비슷하게, 메디치 무덤(1524년)에 대한 그의 모습은 그리스 작품들을 연상시킨다: 남성 작품들은 벨베데레 토르소에, 여성 작품들은 바티칸의 아리아드네에 ^[80]대한 작품들이다.

나중에, 회전하고 활기찬 해부학에 대한 그의 생각은, 감정적인 강도로 가득 찼지만, 그의 시스티나 성당의 아담 (1508–1512)에 구체화되었는데, 이는 파르테논 신전의 디오니소스를 연상시키지만, 조화로운 피디아 조각과는 거리가 멀었다.마찬가지로, 시스티나 천장에 있는 운동선수들(일반적으로 단순히 이그누디, "나체"라고 불린다)의 형상은 육체적 세계와 영적 세계 사이에서 조화롭게 중재적 역할을 하는 그들의 신성한 사명의 초월과 함께 운동 에너지의 균형을 가지고 있다.그래서 그들의 신체적 아름다움이 신성한 완벽함의 반영이 될 수 있다.'홍수'(1509)와 같은 다른 장면에서도 그는 육체적인 힘이 정신적인 힘을 드러내는 씩씩한 모습을 보여준다.이브의 창조 (1509–1510)는 매우 뚜렷한 윤곽을 가진, 건장하고 씩씩한 여성의 모습을 보여준다.반면에, 최후의 심판 (1536–1541)의 그리스도는 아폴로의 엄숙함을 가지고 있지만, 그의 거의 네모난 몸통에 있는 회전력을 가지고 있으며, 이미 고전적인 규범에서 멀리 떨어져 있다.예수에 대한 그의 표현은 더 이상 전형적인 수염이 난 비잔틴 전통의 인물이 아니라, 유태인 목수보다 알렉산더 대왕에 가까운 올림피아 신이나 헬레니즘 왕의 형상이며, 신비로운 기독교 ^[81]금욕주의자로부터 기대하는 것보다 더 운동적인 체격을 가지고 있다.그의 마지막 작품인 세 개의 피에아데스 (팔레스티나, 두오모, 론다니 피에타)에서, 그는 왜곡된 형상(팔레스티나), 각도(두오모), 고딕(론다니)^[82]에 가까운 도식(론다니)으로 신체적 아름다움의 이상을 완전히 버렸다.

그리스 조각의 위대한 시대 이후 가장 먼저 완전히 이해한 것은 나체와 위대한 조형예술의 정체성입니다.그 이전에는 옷에 싸인 인물을 포착하기 위한 수단으로 과학적 견지에서 연구되었다.미켈란젤로는 그것이 그 자체로 끝이라는 것을 알았고 나체를 그의 예술의 최고의 목적으로 삼았다.그에게 예술과 누드는 동의어였다.

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16세기에 누드는 고전 그리스-로마 작품, 특히 마르칸토니오 라이몬디가 제작한 판화 덕분에 널리 퍼졌다.베네치아 학파는 나체에 중요한 공헌을 했고, 이는 특정 고전주의 접근법의 연속성뿐만 아니라 새로운 기술적, 양식적 방법의 혁신과 실험에도 기여했습니다.베네치아는 실내든 자연경관의 틀 안에서든 더 정교한 구성 안에서 나체를 조화시키는 데 성공했고, 그들의 색채와 조명 혁신은 나체에 더 큰 사실성과 관능성을 주었고, 고전적인 규범에서 벗어나기 시작한 크고 활기찬 인물들과 함께 나체에 더 큰 리얼리즘과 관능성을 주었다.이것은 조반니 벨리니의 거울 앞의 벌거벗은 젊은 여자(1515년)에서 볼 수 있지만, 이 스타일의 주창자는 폰다코 데이 테데스키의 프레스코 벽화에서와 같이 일반적인 장식 체계 내에서 여성의 나체를 구조화한 최초의 조르지오네였지만,그의 목회자 콘서트(1510)나 잠자는 비너스(1507–1510)에서 그의 눕는 자세는 메스꺼움으로 모방되었다.넉넉한 비율과 넓은 허리를 가진 조르지오네 누드의 신체적 유형학은 베네치아의 여성 누드를 오랫동안 지배할 것이며, 뒤러를 거쳐 독일과 네덜란드로 건너가 ^[84]루벤스 같은 예술가들의 작품에서 바로크 양식을 이어왔다는 것을 주목할 필요가 있다.

조르지오네의 초기 모방자는 티티안이었는데, 티티안은 우르비노의 비너스(1538년)와 파르도 비너스(1534년–1540년)가 잠자는 비너스와 같은 자세를 재현하여, 그러나 더 큰 명성을 얻었다.신성하고 프로페셔널한 사랑 (1514–1515)에서 그는 플라톤의 천상의 비너스 심포지엄 신화와 피치노와 피렌체의 신플라톤 학파에 의해 회복된 평범한 신화를 포착했다.천상의 비너스는 도덕적 미덕의 순수함을 감안할 때 고전적 나체의 이상을 따르는 반면, 세속적인 것은 그녀의 부도덕함에 대한 수치로 옷을 입은 것처럼 보이는 사람이다.다른 작품에서 그는 박카스와 아리아드네 (1520년–1523년), 참회하는 막달레네 (1531년–1533년), 비너스와 음악가 (1547년), 오르간 연주자, 큐피드와 개를 동반한 비너스 (1550년), 황금비를 받은 다나에 (1553년–15년)와 같이 활기차고 살찐 여성의 원형을 계속했다.다이애나와 악태온, 다이애나와 칼리스토, 두 명의 바카날은 알폰소 데스테(1518–1526), 혹은 엘레스미어 컬렉션의 그의 비너스 아나디오메네(1520)를 위해 그렸는데,^[86] 그들의 뻔뻔한 관능성은 인상주의에서 나체의 시작점이 될 것이다.

티티안의 제자들은 파리 보르도네 (큐피드와 잠자는 비너스, 1540; 바셰바 목욕, 큐피드와 비너스와 화성, 1560)와 틴토레토였는데, 그의 야망은 완전히 달성되지는 않았지만, 미켈란젤로의 그림을 티티안의 색칠과 재결합시키는 것이었다.후자의 작품들은 그가 사랑하는 베니스의 빛을 반사하는 눈부신 빛들로 많은 인물들로 가득 차 있다.베네치아 도게 궁전의 장식(1560–1578)에서 그는 다양한 관점과 관점으로 대개 축소가 풍부한 위치에 고전 신화의 여러 인물(마르스, 미네르바, 머큐리, 박카스, 아리아드네, 벌칸, 삼관)을 가지고 나체의 진정한 정상을 만들었습니다.그의 다른 누드 작품들은: 조셉과 포티파르의 아내, 아담과 이브, 금성, 벌컨과 화성, 아르시노의 해방, 수잔나와 장로들, 은하의 기원, 주디스 홀과 주디스 홀을 포함한다.그의 딸 마리에타 로부스티는 아버지의 모델로 여러 ^[87]번 활동하면서 그의 뒤를 따랐다.

Paolo Veronese는 또한 도제 베네치아의 웅장함을 강조하면서, 무궁무진한 음영으로 현명하게 결합된 색채와 화려하고 장난기 많은 장식적인 장면을 재현하는 데 바치는 구성을 완벽하게 익혔다.심지어 그의 종교 장면도 축제적이고 즐겁고 세속적이며 때로는 다소 불손한 성격을 띠고 있다.하지만, 그의 나체는 '사랑의 알레고리 1세; 불성실함' (1575–1580), '이브의 창조' (1575–1580), '수잔나와 장로들' (1580–1580)와 '비너스' (1580)^[88]에서와 같이 노골적인 어떤 것도 보여주지 않고 얌전하고 절제되고 겸손했다.

코레지오는 고전주의에서 벗어나 형태나 인물뿐 아니라 레오나르도 스푸마토의 영향을 받은 채색 게임이나 조명 효과 등 예술가의 넘치는 상상력에 종속된 독창적인 구성을 정교하게 다듬었다.사튀르가 그려진 비너스와 큐피드 (또는 목성과 안티오페, 1524–1525), 큐피드의 교육 (1528–1530), 레다와 백조 (1531–1532), 목성과 이오 (1531–1532)와 같은 작품에서 그는 나머지 그림에서 두드러지는 변덕스럽고 역동적인 모습을 보여준다.그래서 아티스트의 ^[89]관심의 요점을 집중시키는 거죠.

16세기 후반에 ^{[Note 6]}매너리즘이 나타나면서 현대 미술이 특정한 방식으로 시작되었다: 사물은 있는 그대로 표현되는 것이 아니라 예술가가 보는 대로 표현된다.아름다움은 과학에 기초한 르네상스 시대의 아름다움에서부터 자연에서 파생된 매너리즘의 여러 아름다움에 이르기까지 상대적이다.매너리스트들에게 고전적인 아름다움은 공허하고, 영혼적이지 않으며, 영적이고, 몽환적이고, 주관적이고, 규제되지 않은 아름다움으로 대체된다. 이것은 페트라르카의 논소체 공식("I don't know so ché")^[90]로 요약된다.매너리즘의 나체는 길쭉하고 과장되고 가느다란 형태이며 거의 매너 있는 우아함일 것이다.한편으로는 미켈란젤로의 형식적인 왜곡과 다른 한편으로는 파르미지아니노의 우아함도 있습니다.좋은 예가 브론지노의 비너스와 큐피드의 알레고리(1540–1545)인데, 그의 비너스는 매우 가늘고 거의 야한 태도로, 그러나 미켈란젤로의 피에타의 죽은 그리스도로부터 지그재그한 자세로 나타난다.이 가느다란 우아한 형상들은 또한 바치오 반디넬리 (1534년 피렌체의 시뇨리아 광장에서 미켈란젤로의 다비드 옆에 위치), 바르톨로메오 암만나티 (1535년 및 백조, 1558년 넵튠 분수의 비너스, 1558년)와 같은 예술가들에 의해 개발된 청동으로 가득했다.Benvenuto Cellini (1539년 El Escorial의 크루시스, 1539년 프란시스 1세의 소금 셀러, 1540년–1543년; Ganymede, 1547년; 메두사의 머리를 가진 페르세우스 또는 Giambologna, 1562년; 수은, 1564년; 넵튠 분수의 1565년;반면에, 나체의 비극적인 면, 즉 헬레니즘적인 비애의 면은 폰토모와 로소 피오렌티노에 의해 길러졌고, 일반적으로 종교적인 주제를 가지고, 로소의 모세는 평평하고 각진 몸을 고전주의의 ^[92]반대인 제트로의 딸들을 옹호하는 것과 같은 매너리즘 감정주의를 더 잘 표현할 수 있었다.

16세기 동안, 누드를 예술적 테마로 받아들인 것은 이탈리아에서 유럽의 다른 지역으로 옮겨갔고, 특히 독일과 네덜란드에서, 이러한 종류의 작품을 열심히 소비한 부르주아 대중들에 의해 이러한 작품에 대한 큰 수요를 일으켰다.나체의 묘사는 로테르담 신약성서의 에라스무스의 제목 페이지에도 등장할 정도로 인기를 끌었다.이 분야에서 가장 인기 있는 예술가 중 한 명인 루카스 크나흐는 그의 작품 내내 고딕 기원의 노르딕 누드의 보다 개인적인 버전을 정교하게 그려냈다. 그는 둥근 형태를 유지하면서도, 길고 가느다란 다리, 얇은 허리, 그리고 부드럽게 물결치는 실루엣을 가지고 있는 고전적인 카논의 영향을 더 많이 받았다.비너스와 큐피드(1509년), 샘의 요정(1518년), 루크레티아(1525년), 파리의 심판(1527년), 아담과 이브(1528년), 아폴로와 다이애나(1530년), 세 개의 그레이스(1530년), 황금시대(1530년), 비너스(1532년), 비너스(1534년)와 꿀큐피드를 훔쳤다.그의 피규어에는 여러 개의 소품(모자, 벨트, 베일, 목걸이)이 있어 모델들의 에로티시즘을 강화해 ^[93]미래에도 종종 반복될 이미지를 형성하고 있다.

알브레히트 뒤러는 고딕 미술의 형식을 그의 나라에 깊이 뿌리박고 계승했지만, 이탈리아 르네상스 고전주의 연구 덕분에 발전했다.그의 초기 작품들 중 일부는 하우스프라우 (1493년), 여자 목욕 (1496년), 그리고 네 마녀 (1497년)에서처럼 작은 가슴과 불룩한 배를 가진 길쭉한 모양의 고딕 여성 원형들을 보여준다.그 후, 그는 인체 비율 연구에 전념했고, 비록 좋은 결과를 얻지는 못했지만 해부학적 완성도의 열쇠를 찾으려고 노력했다.하지만, 이런 방식으로, 그는 그의 아담과 1504년의 이브에서 볼 수 있듯이, 어떤 고전주의 스타일에 접근했는데, 이것은 고전적 조화가 기하학적 법칙의 규범이라기보다는 심리 상태였다는 것을 보여준다.그럼에도 불구하고, 그는 만족하지 못했고, 그의 마지막 작품에서 루크레티아 자살 (1518년)과 같이 구근 형태의 고딕 예술로 돌아왔다.뛰어난 조각가이자 화가인 그의 최고의 누드 중 일부는 베레니체, 박사의 꿈과 바다 괴물과 같은 판화, 또는 전설과 제국 승리의 시리즈, 또는 예수의 열정과 죽음과 성인과 같은 성인들의 삶에 대한 그의 판화이다.제롬, 세인트제네비브, 세인트제네비브막달라 마리아우르스 그라프와 니클라우스 마누엘 도이치 (1516–1528)의 ^[94]작품에서 볼 수 있듯이, 뒤러의 작품은 고딕 양식과 고전적인 이상이 혼합된 작품에서 게르만 세계의 많은 예술가들에게 영향을 미쳤다.

한스 발둥은 또한 강한 도덕적인 내용의 우화적인 작품을 쓴 뒤러의 제자로, 일반적으로 죽음의 화신이나 인간의 나이를 가지고 있으며, 삶의 덧없는 본성인 성 성 성(聖)을 상기시켰다. 세바스티안 트리프티치 (1507년), 두 연인과 죽음 (1509년–1511년), 여자와 죽음의 세 시대 (1510년), 이브, 독사와 죽음 (1512년), 세 마녀 (1514년), 죽음과 여자 (1518년–1520년), 허영심 (1529년), 헤라클레스와 안테우스 (1535년), 아담 (1530년)그의 입장에서 볼 때, 어린 한스 홀바인은 종교 회화와 초상화의 작가로서 나체를 거의 다루지 않았지만, 우리는 그의 웅장한 무덤 속 죽은 그리스도의 몸 ^[95](1521년)을 강조해야 한다.

네덜란드에서, 히에로니무스 보쉬는 비록 그의 작품을 창조성과 상상력의 경이로움으로 만들어줄 더 큰 자연주의와 넘치는 환상으로 다루어졌지만, 고딕 양식의 특정한 연속성을 표현했다.지상의 기쁨의 정원 (1480–1490), 최후의 심판 (1482), 일곱 가지 치명적인 죄와 네 가지 마지막 것 (1485), 그리고 하이와인 트리프티치 (1500–1502)에서 벌거벗은 인간 또는 인간 이하의 형태 (데몬, 사마귀, 신화 속의 동물들)괴물과 환상적인 생명체)는 어떤 아이콘적 의미도 초월하고 예술가의 열광적인 상상력에만 복종하는 욕망의 발작 속에서 증식한다.피터 브루겔 대제는 또한 넓은 파노라마와 다수의 인물들로 작품을 만들었고, 비록 그의 누드는 드물지만 풍경과 장르 초상화를 선호했다.그것들은 그의 아들 잔 브루겔 드 벨루스의 작품에서 더 뚜렷하게 나타난다. 그는 작은 누드 인물의 확산이 있는 풍경화의 작가이며 신화나 성경 장면에서 말이다.플랑드르에서 얀 고사르트는 라파엘레스케의 영향을 받았고, 넵튠과 암피트리테 (1516), 헤르마프로디테와 살마시스의 변태 (1520)와 다나에 (1527)^[96]에서와 같이 신화적 우화의 소개자가 되었다.

프랑스에서, 예술은 고딕에서 매너리즘으로 빠르게 발전했고, 르네상스 초기의 고전주의 영향력은 거의 느껴지지 않았다. 주로 퐁텐블레의 유파를 탄생시킨 몇몇 이탈리아 매너리즘 예술가들의 퐁텐블로 궁전의 작품들에 머물렀기 때문이다.우아하고 관능적인 취향, 장식적인, 관능적인, 나른한 우아함, 벽화와 회반죽 부조가 지배적인 것이 특징이다.긴 팔다리와 작은 머리를 가진 프리마티시오의 우아하고 각진 자태는 유행이 되었고 16세기 말까지 프랑스 예술에 남아있었다.이 학교의 몇몇 작품들은 용감한 궁정의 훌륭한 c.에로티시즘을 그린 다이애나(1550년), 가브리엘 데스트레와 그녀의 여동생 빌라르 공작부인의 초상화(1594년)와 같은 무명 화가들의 작품들이다.알려진 예술가로는 장 카툰의 이브 프리마 판도라(1550)가 있다.프랑수아 클라우에의 다이애나 목욕(1550)뚜생 뒤브뢰일의 '부인의 각성'과 조각에서는 장 구종의 '사냥꾼 다이애나'(1550년), 제르맹 필론의 '세 개의 미'(1560년).피에르 ^[97]레몽의 6개 구절의 아담과 이브 이야기가 그려진 유명한 에나멜 판과 같은 태피스트리부터 도자기, 금세공에 이르기까지 모든 종류의 작은 예술에서도 나체가 같은 환경에 반영되었다.

스페인에서는 고딕 양식이 거의 16세기 중반까지 존속하면서 르네상스의 영향이 늦게 나타났다.그렇지 않으면, 혁신은 중세 시대와 같이 종교적 주제가 지배적인 주제보다 더 양식적이었다.엘 그레코는 그 당시 스페인 회화의 주요 혁신가 중 한 명이었다: 베네치아 유파에서 훈련을 받은, 비록 그의 길고 불균형한 인물들이 이탈리아 고전주의 자연주의보다는 특정한 형식적 표현주의를 보여주지만, 이 유파에서 그의 작품의 강렬한 색채가 나온다.비록 그의 작품들은 대부분 종교적이지만, 그는 그의 모든 작품에서 100개 이상의 누드 작품들을 셀 수 있을 정도로 주제에서 어느 정도 정당화된 나체상을 보여주는 데 실패하지 않는다.이것은 성인의 순교와 같은 작품에서 볼 수 있다. 세바스찬 (1577–1578), 세례자 요한 (1577–1579), 성 삼위일체 (1577–1580), 성자 순교. 모리스 (1580년–1582년), 두 기부자의 사랑을 받은 십자가 위의 그리스도 (1590년), 그리스도의 세례 (1596년–1600년), 십자가 처형 (1597년–1600년), 성 마르틴과 거지 (1597년–1600년), 성전에서 환전자를 모신 그리스도 (1609년–1600년), 성 요한의 비전 (1609년)또한 조각가로서 그는 그의 에피메테우스와 프라도 박물관의 판도라 (1600–1610)와 같은 작품들을 남겼는데, 그곳에서 두 캐릭터의 성기관의 사실성에 주목할 가치가 있고,^[98] 숨김없이 다루어졌습니다.

스페인 르네상스의 나머지 예술 작품들에서는, 예절과 겸손이 우세했고, 비센테 카르두초의 회화의 알레고리, 프란시스코 파체코의 회화의 예술, 또는 후세페 마르티네즈의 실천 가능한 연설과 같은 논문들에서 예술 이론으로 격상된 스페인 예술의 황금 규칙이 지배적이었다.이런 맥락에서, 나체 인간상은 종교 영역, 특히 알론소 베루게테의 성(聖)과 같은 조각 이미지에서만 발견된다. 세바스찬 (1526–1532), 후안 데 주니 (1541–1545) 또는 후안 마르티네스 몬테네스의 성 제롬 참회(1598).이 규칙의 예외는 가스파르 베케라의 엘파르도 왕궁 다나에 이야기 (1563년) 프레스코화처럼 미켈란젤레스키의 ^[99]영향을 받은 극히 적다.

바로크 양식의

바로크는^{[Note 7]} 17세기에서 18세기 초 사이에 발전했다.이 시기는 절대주의 국가와 개신교 국가 사이에 분열이 생겨나면서 정치와 종교 분야에서 큰 분쟁이 있었던 시기였다.예술은 어떤 고전주의 합리주의의 생존과 함께 더욱 세련되고 화려해졌지만, 더 역동적이고 극적인 형태로, 놀랍고 일화적인 것, 착시현상과 ^[100]효과의 타격에 대한 취향을 가지고 있었다.

바로크 시대 동안, 여성이 일반적으로 남성보다 종속적인 역할을 하는 이러한 구성을 즐긴 귀족 후원자들에게 여성 누드는 계속해서 즐거움의 대상으로 우세했다.신화적인 주제와 함께 나체여성이 정의, 진실, 관대 등의 개념을 나타내는 우화적인 초상화를 만드는 풍습이 시작되었다.^[101]바로크 나체는 매너리즘과 미켈란젤로의 작품에 존재하는 비틀림과 역동성의 효과를 강조했고, 미켈란젤로가 피렌체의 베키오 궁전에 있는 승리의 알레고리(Allegory of Vecchio)에서 소개한 나선형 구성을 가져왔고, 이는 몸통의 무게를 지탱하는 더 견고한 기반을 만들었다.따라서, 고전적인 "영웅적 대각선"은 "영웅적 나선"이 되었고, 폭력적이고 강제적인 운동이 바로크 예술의 ^[102]극성과 효과를 그럴듯하게 표현할 수 있는 방법이 되었다.

바로크는 나체인 피터 폴 루벤스의 주요 전령으로서 그의 시대 미적 개념의 한 획을 그은 건장하고 육감적인 여성상을 가지고 있었다.그러나, 이러한 성적인 풍부함에도 불구하고, 종교적인 주제에 관한 수많은 작품들의 작가이기도 한 루벤스의 작품에는 특정한 이상주의, 그의 캔버스에 일종의 몽환적인 솔직함, 낙관적이고 통합된 자연과의 관계에 대한 비전이 결여되어 있지 않다.루벤스는 자신의 피규어 디자인에 큰 중요성을 두었고, 이를 위해 그는 이전 예술가들의 작품을 깊이 연구했고, 특히 나체에 관한 그의 최고의 자원을 미켈란젤로, 티티안, 마르칸토니오 라이몬디로부터 얻었다.그는 티티안과 르누아르의 피부톤에 대한 정확한 색조뿐만 아니라 피부톤에 대한 다양한 질감 및 밝기 효과와 빛 반사의 다양한 변형을 찾는 데 명수였습니다.그는 또한 몸의 움직임과 그의 형상에 무게와 견고함을 주는 것에 관심이 있었다.그러나 그는 심리적인 면과 표정을 무시하지 않았고, 그의 인물들의 얼굴에서는 근심 없는 행복, 그들이 아름답다는 것을 아는 것에 대한 어떤 자부심, 그리고 삶의 ^[103]선물 이전에 예술가 자신이 느꼈던 어떤 생명적 감사를 감상할 수 있다.누드와 관련된 그의 작품 중에는 언급할 가치가 있다.세네카(1611–1615), 비너스, 큐피드, 박카스 및 케레스(1612–1613), 큐피드와 프시케(1612–1615), 비너스의 머리 장식(1615), 사자굴의 다니엘(1615), 페르세우스와 안드로메다(1622), 마리세이의 도착(1622)비너스와 아도니스 (1635년), 세 개의 은총 (1636년–1639년), 이자벨라 브랑트와 엘렌 포망, 레우키푸스의 딸들의 강간 (1636년–1638년), 다이애나 (1638년), 다이애나 (1638년)와 콜리스트 (1638년)2000점 이상의 그림을 그린 그는 아마도 역사상 ^[104]더 많은 누드인을 대표하는 화가일 것이다.

종교적 주제에 관해서, 루벤스는 그의 다른 누드들과 같은 합성 능력을 보여주었고, 그의 형상들은 앤트워프 대성당을 위한 그의 두 작품, 다시 미켈란젤레스키의 영향을 보여주는 십자가의 상승과 십자가로부터의 하강에서와 같이 그들의 정신적 측면을 강화한 물리적 실체를 주었다.그리고 라오콘의 기복이 심한 움직임의 동화도 있다.이 이미지들은 그리스도의 창백하고 창백한 모습과 나머지 인물들의 강렬한 색을 대비시켜 주면서 살의 색깔이 중요한 역할을 하는데, 이는 장면의 드라마에 더 큰 효과를 준다.보이만스 반 뷰닝겐 박물관의 십자가 처형(1620년)에서도 같은 효과가 나타나는데, 그리스도와 도둑의 형상이 다른 색채를 띠는 것이 폭풍우의 빛 효과에 더해진다.다른 형상의 해부학에서의 차별성은 ^[105]도둑들의 조잡한 물질성과는 대조적으로 예수의 이상적인 체격을 강조한다.

루벤스의 제자는 앤서니 반 다이크와 제이콥 조던스였다: 최초의 위대한 초상화가로, 그의 프라도에 대한 피에타(1618년-1620년)와 뮌헨의 알테 피나코텍의 성 세바스찬에서와 같이, 강한 이탈리아 영향을 받아 보다 개인적인 스타일로 진화했다.또는 다이애나와 엔디미온에서 사튀르(1622–1627)와 버킹엄 공작과 공작부인이 비너스와 아도니스(1620)로 놀라기도 했다.조던스는 앤트워프 천재에 필적하는 나체들이 급증하는 것에서 알 수 있듯이, 그의 신장에 이르지 못한 채 주인에게 더 충실했다.사튀르와 농민(1615–16), 유로파의 강간(1623–16), 판과 시린스(1625), 아폴로와 마르시아(1625), 프로메테우스 결합(1640), 에리히토니우스를 발견한 세크롭스의 딸(1640), 박카스의 승리(1645)

루벤스의 이상주의의 반대편에는 고딕 기원의 노르딕 누드 원형상의 계승자인 렘브란트의 작품이 있는데, 사실적으로 다루어진 인물들은 루벤스의 인물들처럼 활기가 넘치지만, 살의 주름이나 피부의 주름을 숨기지 않고 더 평범하다.가장 굴욕적이고 가엾은 측면에서 신체의 원재료성을 강조하는 애잔함을 가지고 있습니다.렘브란트는 반항적인 진실성에 의해, 그리고 아마도 사회의 덜 선호된 생물들, 즉 노인, 매춘부, 주정뱅이, 거지, 장애인에 대한 동정심에 의해, 규칙에 반하는 자연에 호소한다.기독교에 대한 성경적 감각으로 가득 찬 그에게 가난과 추악함은 자연에 내재되어 있었고 부와 아름다움만큼 관심을 받을 가치가 있었다.이런 불완전성은 다이애나 목욕탕(1631년), 나체 여성(1631년), 클레오파트라(1637년), 시냇가에서 발을 씻는 여성(1658년) 등 작품에서 나타난다.또한 그는 "Dr. Anatomy Lesson of Dr.의 해부학 수업"에서 인간 해부학의 가장 조잡한 부분을 보여주는 것을 꺼리지 않았다. Nicolaes Tulp(1632).더 기분 좋은 것은 수잔나와 장로들, 천국의 아담과 이브, 황금의 비를 맞은 바칸테와 다나에입니다.아마도 관능적인 아름다움을 보여주려는 시도는 그가 그녀의 연인 헨드릭제 스토펠스를 묘사한 Bathsheba(1654년)로, 그의 명상적인 표현은 육체적 형상에 이상적이 아니라 숭고한 고귀한 감정을 전달하는데 성공했습니다.영혼의 ^[107]수용체로서의 신체에 대한 기독교적 개념을 반영하여 정신적 아우라를 부여합니다.

이탈리아에서는 건축가이자 조각가인 지안 로렌조 베르니니의 작품으로 교황 로마의 화려함을 화려하고 웅장하게 연출했으며 그의 작품은 그의 주요 조각 그룹에서 보여지는 바와 같이 바로크의 특징적인 역동적이고 구불구불한 움직임을 표현했다.트로이를 탈출한 아이네아스, 안치스, 아스카니우스(1618–1619), 프로세르피나의 강간(1621–1622), 다윗(1623–1624), 시간에 의해 밝혀진 진실(1645–1652)과 아폴로와 다프네(1622–1625)가 그의 뛰어난 모델링, 대담무쌍한 행동과 짧은 행동,종종 깨지기 쉬운 균형을 가진 부유식 조끼에서 포착된다.또 다른 위대한 창조자는 자연주의 또는 카라바지즘으로 알려진 스타일을 창시했고, 엄격한 자연 현실에 바탕을 두고 빛과 그림자 사이의 상호작용으로 극적이고 놀라운 효과를 얻기 위해 키아로스쿠로 (테네브리즘)를 사용하는 것이 특징입니다.괴팍하고 도발적인 예술가들은 그의 작품들 중에서 두드러진다: 세례자 요한 (양과 함께 한 청년) (1602–1603), 승리자 큐피드 (1602–1603), 그리스도의 봉안 (1602–1604), 그리스도의 채찍질 (1607), 성 제롬 (1608), 라즈 (1608), 성 제롬 (1608)그의 추종자들은 조반니 바티스타 카라치올로였다. 사막의 요한, 1610–1620; 잠자는 큐피드, 1616; 성인의 순교. 세바스찬, 1625년)과 아르테미시아 젠틸레스키 (수잔나와 장로들, 1610년; 다나에, 클레오파트라, 1621년; 요셉과 포티파르의 아내, 1622년; 잠자는 비너스, 1625년–^[108]30년)

이탈리아와 프랑스 사이에, 고전주의라고 불리는 또 다른 흐름은, 똑같이 현실적이지만, 보다 지적이고 이상적인 현실 개념을 가지고, 그리고 신화적인 주제가 로마 아르카디아에 필적하는 완벽과 조화의 세계를 떠올리게 했다.그것은 박카스와 아리아드네의 개선(1597–1602)는 로마 파르네세 궁전에서 예술가가 만든 장식으로 가득 찬 나체 행렬을 보여주는 아니발레 카라치의 손에 의해 시작되었다.그리스도의 시체 (1583–1585)에서 그는 같은 이름의 만텍나의 작품에서 영감을 받았습니다.이 학교의 또 다른 구성원은 아탈란타와 히포메네스 (1612년), 당나귀의 턱뼈로 술을 마시는 삼손 (1611년-1612년), 데이아니라의 강간 (1620년-1621년)처럼 수많은 신화적 우화와 나체로 그들의 위엄과 장엄을 강조하는 신과 영웅의 그림을 그린 귀도 레니였다.프란체스코 알바니는 신화에서 우아하고 상냥한 주제를 추구했고, 그의 일련의 계절(1616–1617, 다이애나, 가을 또는 비너스와 아도니스, 그녀의 화장실 변기와 여름 또는 벌컨의 대지의 비너스를 포함), 비무장한 사랑(16–16–213)에서와 같이,머큐리와 아폴로 (1623–1625), 다이애나와 액태온 (1625–1630), 물의 알레고리 (1627).귀도 카그나찌는 게르만어권에 고전주의를 수출한 학교의 마지막 대표자 중 한 명이었다.인간의 삶에 대한 우화, 클레오파트라의 죽음, 성 제롬,^[109] 무의식적인 마리아 막달라.

프랑스에서는 신화와 고대사를 테마로 한 박식한 문화의 이미지 표현에 기초한 교양과 이상화를 통해 평온한 고전주의의 예술가인 니콜라스 푸생이 아마도 학술 나체의 창시자였을 것이다.라파엘레스크의 영향 중, 그는 해부학에 관심이 있었고, 그의 모든 작품을 조형적이고 지적인 의미에서 정교하게 다듬었다.그는 클로드 로레인(Claude Lorrain)과 함께 소위 "역사적 풍경"이라고 불리는 고고학에 관심을 가졌고, 이곳에서 풍경 프레임은 건축이나 고대 유적과 함께 다양한 역사적 또는 신화적 인물들을 배치하는 데 사용되었다.그의 업적은 다음과 같다.아폴로와 다프네(1625년), 아폴로와 박카스(1627년), 에코와 나르시스(1628년), 파르나소스(1630년), 세팔로스와 오로라(1630년), 미다스와 박카스(1630년), 플로라 제국(1631년), 갈라테아(1634년), 바카날(1635년)고전주의에서 영감을 받은 다른 예술가들: Simon Bouet (큐피드와 프시케, 1626; 잠자는 비너스, 1630–1640), 샤를 르 브룬 (1658; 멜리거 사망;헤라클레스의 노동자들, 1658–1661)과 자크 블랑차르 (1630; 다나에, 1630–1633; 비너스와 세 개의 미녀들, 1631–1633),^[111]

광학적 효과(트롬프-뢰일)와 호화롭고 화려한 풍경화를 선호하는 장식적이고 화려한 바로크(17세기 후반) 양식에서 많은 예술가들은 베르사유 궁전을 장식하는 작업을 했다.누드는 프랑스 전역의 조각, 광장과 정원에서 특히 발달했고, 피에르 푸제 (1671-1682년; 페르세우스와 안드로메다, 1685년)와 프랑수아 지라르동 (1666년; 님프가 돌보는 아폴로; 프로세르피나의 강간, 1677년)과 같은 예술가들과 함께 발전했다.그는 응용 미술, 특히 청동과 도자기, 심지어 가구 제작에도 ^[112]뛰어났다.

스페인은 이 시기에도 예술적으로 순결하고 얌전한 나체 국가였고, 겸손한 눈으로 나체를 볼 수 있었다.따라서, 바르톨로메 에스테반 무릴로와 같은 예술가는 성모 마리아, 그녀의 아이 예수와 푸티, 그의 작품들의 신성한 공간에서 놀고 날아다니는 그녀의 작은 천사들의 장면을 채우는 어린 시절의 모습의 나체 모습만을 보여준다.하지만, 이 시기에 어떤 개방성이 시작되었고, 후안 리지 수사와 같은 교회의 한 남자는 그가 자신의 글씨로 ^[113]수많은 삽화를 곁들인 상세한 해부학적 연구를 한 그의 지혜로운 회화에 관한 논문의 나체인상을 정당화했다.또한 히스패닉의 군주들은 찰스 5세부터 필립 4세까지 누드 수집가였고, 이 목적을 위해 한때 진짜 ^[114]누드 박물관이었던 마드리드 왕실의 알카자르 황금탑을 의도했다는 사실도 주목해야 한다.

스페인의 나체는 프란시스코 리발타, 유세페 데 리베라, 프란시스코 데 주르바란, 그레고리오 페르난데스, 페드로 데 메나의 작품에서 볼 수 있듯이 종교적 주제가 주를 이뤘다.그의 드렁큰 실레누스(1626), 그의 아폴로와 마르시아(1637), 또는 그의 익시온과 프로메테우스(1630), 알론소의 림보 강림 (1646-1652)과 같은 몇몇 예외들은 Ribera에서 볼 수 있다.주르바란은 또한 ^[115]벨라스케스의 의뢰로 토레 드 라 파라다를 위해 헤라클레스의 그림을 그렸다.

그러나 의심할 여지 없이 스페인 바로크 시대의 위대한 천재는 필립 4세의 화가 디에고 벨라스케스였다. 그의 훌륭한 작품은 미술사의 이정표 중 하나이다.벨라스케스는 틀림없이 왕실 화가로서의 위치 때문에 그의 작품에서 큰 자유를 누렸다. 그래서 그는 그 시대의 다른 스페인 화가들보다 더 많은 누드를 그릴 수 있었다.그럼에도 불구하고, 그는 성직자 검열에 의해 제약을 받았고, 그래서 그는 신화적인 누드 장면에서 장르나 코스텀브리스트 장면으로 그의 작품들 중 일부의 아이콘적 감각을 바꾸어야 했다: 따라서, 디오니스의 테마를 가진 바카날은 술꾼이 되었고, 마르스와 비너스의 간통은 벌컨의 단조가 되었다.^[116]그는 그의 십자가에 못 박힌 그리스도(1639년)와 같은 종교적 표현이나, 나체가 명확한 고전주의적이고 거의 학문적인 요소를 가지고 있는 요셉의 튜닉(1630년) 이후의 그리스도에서는 논리적으로 문제가 적었다.비록 그들은 나중에 시스티나 성당의 미켈란젤레스키의 영향이 분명한 ^[117]스피너즈(1657)의 경우와 같이 옷을 입은 것처럼 보인다.

하지만, 이 세빌리안 화가는 역사상 가장 웅장하고 유명한 누드 중 하나인 그녀의 거울에서 비너스와 함께 자신을 탐험할 수 있었다.그것은 특히 그 당시에는 그다지 흔하지 않은 사실, 그리고 그 개념은 아마도 벨라스케스가 이탈리아에서 확실히 알고 있었던 보르헤스 헤르마프로디테의 영향을 보여주는 위대한 독창성을 지닌 나체이다.한편, 거울에 비친 자신을 바라보는 비너스의 태도는 아마도 허영에 대한 우화일 것이다.이 뛰어난 화가는 필립 4세의 소유였던 큐피드와 프시케, 비너스와 아도니스와 같은 다른 누드들을 만들었고, 도밍고 게라 코로넬이 소유했던 여성 누드 그리고 그가 ^[32]사망할 때 그가 소유하고 있던 바운서인 비너스는 그의 소유였다.

로코코

18세기에 발전한, 즉 세기 초에 바로크 양식과 공존하여, 그리고 ^{[Note 8]}신고전주의 양식과 함께, 그것은 바로크의 주요한 예술적 표현들의 생존을 의미했고, 장식적 취향은 풍부함, 세련됨, 우아함의 발작에 더 강조되었다.계몽주의의 문화적 환경뿐만 아니라 부르주아 계급의 진보적인 사회적 부상과 과학적 진보는 새로운 주제와 보다 세속적인 태도를 선호하는 종교적 주제를 포기하게 했고, 사회적 위신의 ^[118]새로운 요소로서 사치와 허식을 부각시켰다.

이 때의 나체는 루벤스의 계승자(특히 피부색이나 질감)로, 세련되고 우아한 에로티시즘, 미묘하고 환기시키는 에로티시즘의 함축이 컸지만, 도발과 불손한 성격은 아니었다.고전주의 이상화의 기미를 버리고 그 장르의 평범한 성격을 띤다.더욱 발전한 프랑스에서는 르네상스 시대 프랑스 예술을 완전히 버리지 않은 고딕 풍의 풍경이 잔존하고 있으며, 이는 작은 가슴과 튀어나온 배를 가진 가늘고 긴 형상에 반영되어 있다.20세기 중반, 부쉐의 그림 작품이나 클로디온의 조각 작품에서 볼 수 있듯이 작고 호리호리한 모습(작은 몸집)이 더 인기를 끌었다.그것은 또한 뒤에서 나체를 표현하기 시작했지만, 드문 경우를 제외하고는, 벨라스케즈가 거울에 비너스를 비추는 유명한 비너스처럼 더 음탕하고 거의 표현되지 않는 것으로 여겨지기 시작했다. 예를 들면 왓토의 파리 심판이나 부쉐의 ^[119]휴식 중인 소녀와 같은 예들이 있다.

장 앙투아네 와토는 그의 멋진 파티와 신화 속 인물들로 가득한 목가풍경이나 그렇지 않을 때는 익명의 사람들이 삶을 즐기는 장면으로 이 스타일의 창시자 중 한 명이었다.루벤스와 베네치아 학파의 영향을 받은 그의 팔레트는 빠르고 표현력 있고 활기찬 붓놀림으로 밝은 색채를 띠고 있었다.그의 누드는 드물지만, 정성스럽고 우아하게 정교하게 다듬어진 진정한 걸작이다: 파리의 심판 (1718–1721) 외에, 그것은 분수 님프 (1708–1715), 비무장 사랑 (1715–1716), 주피터와 안티오페 (1715–1716), 목욕탕의 다이애나 (1715–1716) 그리고 봄 (16)을 기억할 가치가 있다.왓토의 추종자들은 거장의 용감한 스타일을 따랐던 몇몇 예술가들이다: 프랑수아 르모인, 샤를 조제프 나토아르 그리고 장 프랑수아 드 트로이, 1722-1724;^[120] 수잔나 장로.

프랑수아 바우처는 바로크 거장들로부터 배운 원근법을 완벽하게 익혔을 뿐만 아니라 루벤스와 코레조의 색채를 역사와 초상화부터 풍경화, 풍속화까지 모든 장르에 걸쳐 잘 재현했다.그의 이미지들은 종종 오비디아 신화에서 영감을 받은 목가적이고 전원적인 분위기를 가지고 있으며, 그를 패션 화가이자 학자이며 왕의 첫 번째 화가가 되게 한 용감하고 공손한 감각과 함께 있다.그의 작품들 중에서, 휴식 중인 소녀(루이 15세의 정부이자 부쉐가 그린 다섯 자매 중 막내인 마리 루이즈 오머피의 초상화) 외에도, 다음과 같이 눈에 띈다.비너스의 승리(1740), 레다와 백조(1742), 다이애나 목욕 후 휴식(1742), 라 화장실 드 비너스(1751) 등.^[121]

그의 제자는 장 오노레 프라고나르로, 그는 우아하고 우아한 절정의 섬세한 에로티시즘으로 용감한 사랑이 모든 매력을 드러내는 궁정적인 스타일을 이어갔다.그는 마담 뒤 배리의 제자였다. 그는 그를 위해 다섯 개의 큰 판노로 구성된 "젊은 여인의 마음 속 사랑의 진행" (1771년–1773년)의 순환을 제작했다.만남, 추구, 러브레터, 만족하는 연인, 그리고 포기.그의 다른 작품들은 다음과 같다.비너스의 탄생 (1753–1755), 퇴출된 교대 (1761–1765), 목욕하는 사람들 (1765), 개를 동반한 소녀 (라 짐블렛), 사랑의 샘 (1785), 그리고 레즈비언 테마를 가진 두 여자친구는 더 두드러지게 ^[122]에로틱하다.

조각 분야에서도 로코코의 악랄하고 씩씩한 톤과 17세기 프랑스 조각가로부터 계승된 고전주의적 분위기와 초상화에 대한 관심이 결합된 주목할 만한 나체들이 있었다.가장 좋은 지수 중 몇 가지는 장 밥티스트 르모인(목욕을 떠나는 님프), 에드메 부샤르동(헤라클레스의 메이스에서 활을 만드는 큐피드), 장 밥티스트 피갈레(날개가 달린 샌들을 붙이는 머큐리, 1744; 비너스, 1748; 볼타이르, 1776), 등이다.1757년; 피그말리온과 갈라테아, 1763년; 장 앤토인 후동(모페우스, 1770년; 다이애나 더 헌트리스, 1776년; 겨울의 알레고리, 1783년), 아우구스틴 파주(정신적으로 버려진 1790년), 클로디온(물 사이를 갈라놓는 라인강) 1765년;

프랑스 밖에서는 유럽의 많은 지역에서 바로크가 18세기 중반까지 살아남았고, 로코코의 풍요로움으로 대체되거나 혼합되었다.바로크 양식의 생존에 대한 분명한 예는 후안 카레뇨 데 미란다의 "나체 괴물"이다.잠바티스타 티에폴로는 풍부한 색채, 맑은 하늘, 탁 트인 풍경, 장엄한 건축물, 그리고 그의 작품을 웅장하고 웅장하게 만드는 특정한 풍경적 분위기를 가진 베네치아 학파의 추종자였다.그의 작품들은 우화, 역사, 신화적인 주제들로 가득 차 있으며, 다이애나가 칼리스토 (1720–1722)의 임신을 발견하는 것과 같은 신들과 벌거벗은 영웅들로 가득 차 있다.Corrado Giaquinto는 종교 화가임에도 불구하고 Peace, Justice, Hercles와 같은 나체로 우화와 신화적인 그림을 그렸다.스페인에서 그는 마드리드 왕궁 기둥 홀의 천장을 다수의 나신상(아폴로, 박카스, 비너스, 다이애나)으로 장식했다.독일의 안톤 라파엘 멩스는 이미 신고전주의를 지적하며, 항상 고대 숭배의 배경과 함께 라파엘로의 화려함과 코레지오의 키아로스쿠로의 그림을 합성하려고 노력했습니다.스페인에서 설립된 그는 산 페르난도 왕립미술학교의 이사로서 나체의 표현을 위해 자연에 대한 연구를 주창했다.마드리드 왕궁 가스파리니 홀의 장식에서 그는 주피터, 트라야누스의 승리, 주피터, 비너스와 그레이스, 오로라 등 이전에 이끌었던 헤라클레스의 장면과 같은 신들과 고전 영웅들의 진정한 올림푸스를 전시했다.독일에서 조각가 게오르크 라파엘 도너 (아탈란타)와 프란츠 이그나즈 귄터 (크로노스, 1765–1770)도 눈에 ^[124]띄었다.

로코코에서 로맨틱 정신의 표현주의로 발전한 타의 추종을 불허하는 천재 프란시스코 고야(Francisco Goya)는 미술사상 유례없는 독특한 개성을 지닌 작가다.누드 장르에서 그의 걸작은 라 마자 데스누다 (1797–1800)로, 라 마자 베스티다 (1802–1805)와 병행하여 그렸고, 이것은 음모가 선명하게 ^[125]보이는 최초의 누드 중 하나이다.이것은 역사적, 신화적, 종교적 주제에서 정당화되지 않은 최초의 나체 사례 중 하나입니다. 단순히 ^{[Note 9]}익명의 벌거벗은 여성으로, 우리가 그녀의 친밀함에서 볼 수 있고, 특정한 관음증 기색을 띠고 있습니다.그것은 자랑스럽고 거의 반항적인 나체이며, 마자는 우리를 똑바로 바라보며, 장난기 많고 장난기 많은 태도로 그녀의 몸의 구불구불한 아름다움을 보는 이의 기쁨에 선사한다.초기 아라곤 천재들의 다른 나체로는 피에타 (1774년), 십자가에 못 박힌 그리스도 (1780년), 프시케와 큐피드 (1798년–1805년), 여성의 옷을 벗긴 강도 (1798년–1800년)^[126] 등이 있다.나중에 그의 청각장애, 개인적인 불행, 궁중생활의 피로, 전쟁의 공포, 망명, 외로움, 노년, 그리고 다른 요소들이 그의 성격과 작품에 영향을 끼쳤는데, 그것은 강한 풍자적 맥과 추악한 심미적 심정으로 더욱 표현적이고 자기성찰적이 되었다.사람들과 그를 둘러싼 세상 모두의 가장 거칠고 잔인한 특징을 부각시키고 있다.이 시기에, 그의 누드들은 마녀들의 부엌 (1797–1798), 참수 (1800–1805), 미친 집 (1812–1819), 모닥불 (1812–1813) 또는 그의 아들을 집어삼킨 끔찍한 토성 (181823–1823)에서와 같이 기형적이고 거친 몸을 가진, 때로는 한심한 성격을 가지고 있다.그리고 나서 그는 자신의 고통스런 내부를 이상적인 방식으로 포착할 수 있게 해준 매체인 판화에 더 전념했습니다: Los desastres de la guerra (1810–1815)와 같은 시리즈에는 세 아프로베찬, 에스토 에스페오르, 그랑데 하자냐, 콘 무에르토스와 같이 일반적으로 시체들이 몇 개 있습니다!또는 로스 카프리초스(1799년)에서 그는 마녀와 다른 유사한 존재의 옷을 벗겼다.미렌퀘 무덤에서처럼!세레풀렌, 퀴엔로예라, 소플라, 아구아르다퀘 테운텐, 시아마네스, 노스바모스, 린다 마에스트라, 알라 에스바오, 마마 등이었다.^[127]

신고전주의

프랑스 혁명 이후 부르주아 계급의 부상은 귀족 계급으로 인식되는 바로크와 로코코의 장식적인 과잉과는 대조적으로 보다 순수하고 엄격한 고전적 형태의 부활을 선호했다.고전 그리스-로마 유산에 대한 이러한 감사 분위기는 고대 그리스에 완벽한 아름다움이 있었다고 가정한 요한 요아힘 빙켈만에 의한 고전적 형태의 완벽함의 이데올로기의 전파와 함께 폼페이와 헤르쿨라네움의 고고학적 발견에 의해 영향을 받았다.고전적인 아름다움의 완벽함에 대한 신화를 만들어 내는 것,^{[Note 10]} 오늘날 여전히 예술에 대한 인식을 조절하는 것.

신고전주의 나체는 그리스-로마의 고대 형태를 되찾았지만 이상적인 성격과 모범적인 정신은 결여된 채 생활에서 분리된 순수한 형태로만 자신을 재현했고, 이는 결국 냉정하고 냉정한 예술을 낳았고, 이는 거의 반복적인 반복의 감각으로 학구주의에서 장기화될 것이다.고전주의 연구가 작가 자신의 개인적인 표현을 방해한 것은 인상주의 이후 아방가르드적 예술 정신에 의해 싸웠던 사실, 최초의 파열주의 운동이다.지로데트나 프루드혼과 같은 이 시대의 예술가들은 고전주의와 특정한 매너리즘의 기묘한 혼합을 인식할 수 있다.특히 코레지오의 영향으로 인해 그들은 오래된 고전주의를 부활시키고 싶었지만 맥락이 없고 시대를 ^[128]초월한 작품을 만들었다.

자크 루이 다비드는 신고전주의의 주요 원동력이었으며, 외관상 학구적인 스타일이지만 열정적이고 총명하며 아름답고 화려한 처형을 방해하지 않는 지적인 자제력을 가지고 있었다.화가이자 정치가였던 그는 신고전주의를 옹호하여 혁명적이고 나폴레옹적인 프랑스의 미학적 흐름을 만들었다.1775년에서 1780년 사이에 그는 로마에 살았고, 그곳에서 그는 그를 엄격하고 균형 잡힌 스타일의 기술적 순수함으로 고전주의로 이끈 고대 조각가, 라파엘과 푸신에게서 영감을 받았다.그의 작품 중 눈에 띄는 것은 다음과 같다.파리와 헬렌의 사랑(1788), 마라의 죽음(1793), 사비네 여인의 개입(1799), 테르모필레의 레오니다스(1814), 큐피드와 프시케(1817), 화성은 비너스에 의해 무장 해제(1824)^[129] 등.

다윗의 제자들과 추종자들은 그의 고전적인 이상을 따랐지만, 그의 엄격한 엄격함에서 벗어나 막스 프리들렌더가 volupté décente라고 ^[130]부르는 에로틱한 우아함과 함께 어떤 관능주의적 매너리즘으로 옮겨갔다.프랑수아 제라르는 부드러운 색채와 피부 결을 통해 이상적인 아름다움의 완벽함을 추구했다.그것은 마블한 몸매로, 그러나 부드럽고, 시럽 같은 달콤함이었다.그의 가장 유명한 작품은 프시케와 아모르(1798)로, 학문적인 세공에도 불구하고, 색채의 풍부함은 세련된 서정적인 느낌을 준다.피에르 나르시스 게랭은 또한 오로라와 세팔루스(1810)와 아이리스와 모르페우스(1811)에서와 같이 코레조의 영향을 받은 세련된 에로티시즘을 배양했다.Jean-Baptiste Regnault는 볼로네세 학파에 가까운 고전주의 노선을 개척했습니다.자유와 죽음의 사이 프랑스의 천재(1795년)에서 라파엘의 바티칸 스탠자의 수은주를 떠올린다.다윗의 다른 제자들은 장 브록과 장 루이 세사르 레어였다.반면, 안느 루이 지로데 드 루시 트리오송은 다비드의 도덕적 고전주의, 특히 그녀의 주요 작품인 "The Sleep of Endimion" (1791년)에서 이탈리안 매너리즘을 연상시키는 다소 무미건조한 분위기에서 벗어났다.그의 다른 작품들은: 비너스의 마드모아젤 랑게와 다나에의 마드모아젤 랑게였다.^[131]피에르 폴 프루동은 로코코와 신고전주의 사이(데이비드는 그를 "그 시대의 부케르"라고 폄하했다)였고, 아직도 그를 낭만주의자로 묘사하는 사람들이 있다.그는 로마에서 교육을 받았고, 고전 미술과 함께 레오나르도와 코레조의 영향을 받아 자신만의 개성을 부여받았기 때문에 분류하기 어려운 화가이다.그의 작품들 중에서 그것은 범죄를 추구하는 정의와 신의 복수 (1808년), 제피르의 프시케의 납치 (1800년), 비너스와 아도니스 (1810년)^[132]를 기억할 가치가 있다.

데이비드가 위대한 신고전주의 화가라면 조각에서 그와 동등한 인물이 안토니오 카노바였다.비록 그는 위대한 르네상스 거장들의 작품을 연구했지만, 그가 영감을 얻은 곳은 고전 그리스-로마 조각상이었고, 그것은 그의 고향 이탈리아의 위대한 컬렉션에서 연구할 수 있었다.따라서 그의 작품은 가장 순수한 고전주의의 평온함과 조화를 가지고 있지만, 그의 이탈리아 조상의 전형적인 인간적인 감수성과 장식적인 분위기를 보여주는 데는 실패하지 않는다.그의 업적은 다음과 같다.다이달로스와 이카로스(1777년–1779년), 테세우스와 미노타우로스(1781년–1783년), 큐피드의 키스로 부활한 프시케(1786년–1793년), 비너스와 아도니스(1789년–1794년), 헤라클레스와 리카스(1795년–1815년), 페르세우스 개선 (1800년) 나폴레옹 평화 조정자로서삼총사 (1815–1817) ^[133]등

또 다른 뛰어난 조각가는 덴마크 베르텔 토르발센으로, 그의 고귀하고 평온한 고전주의에도 불구하고, 그의 차갑고 계산적인 솜씨는 그의 작품을 지루하고 공허하다고 부르는 비평가들에게 그의 장점을 꺾어 놓았다.그럼에도 불구하고, 그는 생전에 엄청난 성공을 누렸고, 그의 고향인 코펜하겐에 박물관이 세워졌다.토르발센은 뮌헨 글리토테크에 설치되기 전 아이기나의 아하이아 신전의 페디션을 복원해 그리스 조각품을 직접 연구했다.그의 가장 유명한 작품은 폴리클리투스의 도리포러스에서 영감을 받은 황금 양털을 쓴 제이슨(1803–1828)이며, 그의 다른 작품에는 다음이 포함됩니다.큐피드와 프시케, 화성과 큐피드, 사과가 있는 금성, 빛의 지니가 있는 오로라, 헤베, 목성의 독수리가 있는 가니메데, 큐피드가 있는 세 개의 별자리 등.^[134]

또 다른 주목할 만한 인물은 영국인 존 플락스먼으로, 그는 10살에 이미 조각품을 창조했고 예술가로서, 그리고 학술과 논문 작가로써, 조각과 해부학에 관한 10가지 토론과 같은 조각 연습에 관한 몇 가지 작품을 썼다.그의 작품에는 세팔로스와 오로라 (1790년), 아타마스의 분노 (1790년–1794년), 수성과 판도라 (1805년), 전갈에 의한 아킬레스 (1810년), 사탄을 이겨낸 성 미카엘 (181822년–1822년) 등과 같은 수많은 나체들이 포함되어 있다.게다가, 그는 훌륭한 드로트맨이자 조각가였고, 선묘와 훌륭한 모독주의의 소유주였으며, 수많은 고전 ^[135]문학 작품들을 능숙하게 묘사했다.게르만족 분야에서도 프란츠 안톤 폰 자우너(천재 보르니, 1785), 루돌프 샤도(파리, 1812), 요한 하인리히 다네커(표범의 아리아드네, 1812–1814), 요한 네포무크 샬러(1821, 키모폰과 싸우는 벨러)와 같은 예술가들을 강조하면서 주목할 만한 조각 학교를 개발했다.

스페인에서 신고전주의는 에우세비오 발데페라스(수잔나와 장로)와 디오스코로 테오로 푸에블라(라스 히자 델 시드, 1871년)와 같은 몇몇 학술 화가들에 의해 행해진 반면 신고전주의 조각가들은 호세 알바레스 쿠베로(간니메데, 1804년–1804년)를 포함한다.후안 아단(알라미다의 비너스, 1795), 다미아 캄페니(Damia Campeny, 1803; 죽어가는 루크레티아, 1804; 아킬레우스의 발뒤꿈치 화살 제거, 1837), 안토니 솔라(Meleagro, 1818), 사비노 메디나(Eymphuryda에 물린내 나는 동안 도망치는 요정)

현대 미술

19세기

18세기 말에서 19세기 초 사이에, 절대주의의 종말과 민주 정부의 수립으로 특징지어지는 현대 사회의 토대가 정치 분야에 마련되었고, 프랑스 혁명과 함께 시작된 충동, 그리고 경제 분야에서,산업혁명과 자본주의의 강화에 의해 마르크스주의와 계급투쟁에 대응하게 될 것이다.예술 분야에서, 스타일의 진화적 역동성이 시간적으로 따라붙기 시작했고, 20세기는 공존하고 반대하며 영향을 미치고 대립하는 스타일과 조류의 원자화와 함께 절정에 이르렀다.현대 미술은 학문적인 예술과 반대로 생겨나 예술가를 ^[137]인류의 문화적 진화의 최전선에 놓는다.

19세기 나체는 더 큰 사실주의를 추구하느냐, 아니면 고전적인 뿌리의 이상주의를 추구하느냐에 따라 다른 방식으로 재해석되기는 하지만, 이전 스타일에 의해 지시된 나체의 표현에 대한 지침을 따른다.19세기에 여성 누드는 미술사상 그 어느 시기보다, 특히 후반기에 그 어느 때보다도 풍부하다.그러나 여성의 역할은 여성상이 인간성을 잃는 과정에서 남성적인 사회가 지배하는 성욕의 대상으로 변한다.이들 작품에는 강한 관음증세가 나타나는데, 여성은 잠잘 때나 손질할 때, 친밀한 장면에서 놀라지만, 금지된 이미지를 사색하면서 훔친 순간을 재현할 수 있는 시청자에게 열려 있다.이것은 계획적인 나체도 아니고 모델 포즈도 아닌, 일상의 장면들을 겉으로 자연스러움으로 재현한 것이지만, 예술가에 의해 강요된 것입니다.카를로스 레이에로의 말을 빌리자면, "우리는 여성들과 함께 있는 것을 발견한다. 벌거벗은 것이 아니라 옷을 벗은 것이다."^{[Note 11][138]}

낭만주의

모든 예술 장르에서 심오한 재생의 움직임인 낭만파들은 영성, 상상력, 판타지, 감성, 몽환적 환기, 자연에 대한 사랑, 비합리성, 신비주의, 광기, 꿈이라는 어두운 요소와 함께 특별한 관심을 기울였다.대중문화, 이국적, 과소평가된 과거의 예술적 형태로의 회귀, 특히 중세의 것이 특히 가치 있었다.낭만파들은 "천재"의 형상을 강조하면서 개인으로부터 자연스럽게 생겨난 예술에 대한 생각을 가지고 있었다. 즉, 예술은 예술가의 ^[139]감정의 표현이다.낭만적인 누드는 신고전주의와는 달리 인물의 선보다는 색채에 더 중점을 두고 이국적이고 동양주의에 대한 취향에서 가장 순수한 낭만적인 주제인 드라마, 비극, 영웅적이고 열정적인 행위, 악화된 감정, 자유에 대한 노래에 이르기까지 다양한 주제를 가지고 있다.인간 ^[138]내면의 순수한 표현으로.

낭만주의는 영국에서 두 가지 주목할 만한 전조가 있었다.요한 하인리히 퓌슬리와 윌리엄 블레이크.스위스에서 유래한 전자는 뒤러, 폰토모, 바치오 반디넬리, 미켈란젤로의 영향을 받은 매너리즘 스타일을 발전시켰으며, 한편으로는 에로틱하고 폭력적인 주제, 다른 한편으로는 루소의 영향을 받은 미덕과 단순함이라는 특정한 개념적 이중성을 지닌 작품입니다.1770년에서 1778년 사이에 그는 로코코 장엄함과는 거리가 먼 조잡하고 사실적인 에로시즘과 함께 섹스가 열정과 고통과 관련된 일련의 에로틱 이미지를 정교하게 표현했다.그의 작품들 중 일부는 햄릿, 호레이쇼, 마르셀루스와 유령 (1780–1785), 티타니아와 보텀 (1790), 피아노에 누운 누드와 여인 (1800–^[140]1810), 깃털 장식을 한 궁녀 (1800–1810)이다.윌리엄 블레이크는 공상적인 예술가였고, 그의 꿈 같은 결과물은 초현실주의의 환상적인 비현실성과만 일치한다.예술가이자 작가인 그는 자신의 문학 작품이나, 일반적으로 야간의 환경에서 물리적 법칙의 적용을 받지 않는 공간에 떠 있는 것처럼 보이는 꿈과 감정으로 가득 찬 자신의 내면 세계를 드러내는 개인적인 스타일로, 또는 신 희극 (1825–1827)이나 잡의 책 (1823–1826)과 같은 고전 작품들을 묘사했다.차가운 빛과 액체 빛, 아라베스크의 풍부함.미켈란젤로와 매너리즘의 영향을 받은 그의 인물들은 비록 때때로 고전적인 카논에 기초하지만, 비록 그들이 고전적인 카논에 기초하고 있지만, 미켈란젤로의 최후의 심판은 역동적인 비틀림을 가지고 있다. 알비온의 춤 (글래드 데이) (1794–1796)에서 그 자세는 델라흐치의 빈첸초 스카테의 한 비트루비안 인간에서 가져온 것이다.그의 다른 작품들은: 네부카드네자르, 뉴턴, 아프리카와 미국의 지원을 받는 유럽, 그의 원래 영광의 사탄, 연인의 회오리바람이다.프란체스카 다 리미니와 파올로 말라테스타 ^[141]등

신고전주의와 낭만주의 사이에는 장 오귀스트 도미니크 잉그르의 작품이 있는데, 그의 모습은 관능성과 순수한 형식에 대한 관심의 중간쯤에 있으며, 그는 거의 완고하게 이를 다루었다.그의 여성상은 일정한 고딕적 분위기(작은 가슴, 튀어나온 배)를 가지고 있으며, 예술가가 편안함을 느끼고 그의 경력 내내 반복한 소수의 자세 디자인을 적용받았다.예를 들어, 그 중 하나는 등에 앉은 나체 여성의 것으로, 그는 그것을 발핀송 바터 (1808)에서 소개했고, 이것은 단체 장면에서 터키 목욕에서 식별될 수 있다.또 다른 하나는 보티셀의 분위기를 풍기는 비너스 아나디오메네(1848년)의 서 있는 모습인데, 그는 여러 가지 버전을 만들었고 나중에 물주전자 스프링(1856년)을 가진 젊은 여성으로 변신했다.퐁텐블로파의 매너리즘을 상기시키고 동양주의에 대한 그의 애정을 시작한 그란데 오달리스크(1814)와 같은 다른 작품들은 이국적인 인물과 환경에 대해 더 개인적인 것이다.황금기(1840–1848)에 그는 완전히 나체로 구성된 커다란 벽화를 그렸는데, 이 작품은 미완성으로 남아 있었다.터키 목욕(1862)은 아마도 그의 가장 유명한 작품일 것이며, 평생의 나체 연구의 정점이다.동양주의로 회귀한 그는 하렘을 배경으로 당시 서양 미술에서 보기 드문 관능미를 겸허하게 드러내는 모델들의 곡선과 둥근 형태를 부각시켰다.그의 다른 작품들은 다음과 같다.아가멤논 (1801년), 오이디푸스와 스핑크스 (1808년–1825년), 주피터와 테티스 (1811년), 오시안의 꿈 (1813년), 로저 프리 앤젤리카 (1819년), 오달리스케와 노예 (1842년) ^[142]등의 사절단.

그의 제자는 다음과 같다.나폴레옹의 행위의 연대기 작가 앙투안 장 그로스는 보나파르트에서 자파(1804)의 역병 희생자들을 방문했고, 병의 효과를 투박하게 보여주었다; 그리고 델라크로의 다채로움으로 잉그레스의 라인을 합성하려고 노력한 테오도르 샤세리우.비록 그의 작품은 학술주의 경향이 있다. (비너스 아나디오메네, 1838; 수잔나와 장로들, 1839; 다이애나, 1840; 안드로메다, 네레이드, 1840; 에스더의 화장실, 1841; 잠자는 님프, 테피다리움, 1853)^[143]시스티나 성당의 운동 선수 중 하나인 메두사의 뗏목(1819)의 중심 인물에서 볼 수 있듯이, 테오도르 제리코는 미켈란젤로의 영향을 받았고, 다른 인물들은 라파엘로의 변신을 연상시킨다.해부학을 공부하기 위해, 제리코는 종종 시체 안치소와 죄수들이 처형된 감옥을 방문했다.그의 '레다와 백조'(1822)에서 그는 고전 운동선수의 역동적인 에너지를 여성상으로 옮겼고, 그녀의 자세는 파르테논 신전의 일리소스를 연상시키며 성적 ^[144]흥분을 위해 운동적인 노력을 교환했다.

외젠 들라크루아는 공식적인 학술 예술에서 벗어난 최초의 예술가 중 한 명으로 윤곽선을 덜 정밀하고 유동적인 선, 역동적이고 암시적인 선, 그리고 생동감 있는 인접 색조의 색채주의와 색채분할주의에 기초한 효과로 대체했다.그의 훈련 동안 그는 루벤스와 베네치아 예술가들을 선호하며 루브르 박물관에 전시된 위대한 거장들을 복제했다.이미 그의 첫 작품인 지옥에서의 단테와 버질(1822), 키오스에서의 학살(1824), 사르다나팔로스의 죽음(1827)에서 그는 자신을 특징지을 열정적이고 다채로운 문체와 함께 독창성과 창의성을 보여주었다.1832년에 그는 모로코와 알제리를 여행했고, 그곳에서 이국적이고 풍부한 디테일을 맛보면서 오리엔탈리즘의 영향을 그의 스타일에 접목시켰다.그의 수많은 누드 작품에서 주제는 종교에서부터 매우 다양합니다. (천국에서 아담과 이브의 추방, 기둥에서 그리스도, 십자가 위의 그리스도, 부활한 그리스도, 성 세바스찬 보살핌) 신화(아폴로 왕좌, 헤라클레스, 아킬레우스와 켄타우루스, 아나크레온과 사랑, 안드로메다와 페르세우스, 아리아드네와 테세우스, 메데아와 그 자녀), 역사 문학(신극, 마르피세, 예루살렘 해방)은 장르 자체 또는 나체 장면에까지. 터키 여성 목욕, 실크 스타킹을 신은 여성, 머리를 빗는 여성, 등에 업힌 목욕 여성, 잠자는 님프, 앵무새 쓰다듬는 여성).민중혁명을 이끄는 여주인공이 맨가슴으로 등장하는 '민중을 이끄는 자유'(1830년)의 우화처럼 들라크루아에게는 어떤 핑계라도 육체적 아름다움을 보여주는 것이 좋았다.위대한 드래프트맨인 그는 또한 누드 ^[145]피규어에 대한 많은 스케치와 예비 연구를 남겼다.

들라크루아의 추종자들은: 위대한 풍경화가이자 나르시스 비르질 디아즈 드 라 페냐, 요정 풀, 비너스, 아도니스와 같은 누드의 작가, 숲 속의 님프들과 재탕되고 무장 해제된 사랑의 작가, 주로 드로맨과 일러스트레이터로서 뛰어난 문학적 작품을 보여주는 구스타브 도레였다.성서, 신극, 올란도 푸리오소, 셰익스피어 연극, 괴테의 파우스트 등에서 볼 수 있다.펠릭스 트루타(Félix Trutat)는 마네의 ^[146]올림피아보다 앞선 고야의 '라 마자 데스누다'(1844)를 연상시킨다.

조각에서 프랑수아 루드는 나체가 주도적인 역할을 한 위대한 표현력의 작품에서 신고전주의에서 낭만주의로 진화했고, 수성이 그의 발뒤꿈치 날개를 조이고(1827), 젊은 나폴리 어부가 거북이를 가지고 노는 것을 볼 수 있듯이, 그들의 해부학적으로 행동의 역동성을 해석하는 거대한 인물들과 함께 했다.파리 개선문에서 열린 빅토리어스 러브(1855년), 헤베와 독수리(1855년), 그리고 그의 주요 작품인 라 마르세유즈(1833년).장밥티스트 카르보는 파리 오페라 ^[147]하우스에서 그의 튈르리 궁전의 플로라(1865), 우골리노와 아들들(1863), 무용단(1869)과 같은 강렬한 역동성을 지닌 인물들로 고전적인 평온함에서 낭만적인 느낌까지 같은 스타일적 과정을 표현했다.

이탈리아에서는, 낭만주의가 나폴레옹 정복과 함께, 펠라지오 팔라기 (큐피드와 프시케의 약혼, 1808)나 프란체스코 하예즈 (막달레네, 1825년)와 같은 예술가들과 함께 시작되었다.조각에서, 로렌조 바르톨리니는 고전주의에서, 신을 믿는 것 (1835년)에서와 같이 플로렌타인 콰트로센토의 성형 모형에서 영감을 받은 자연주의로 진화했다.또 다른 대표자는 지오반니 뒤프레(아벨의 죽음, 1842년)^[148]

스페인에서 낭만주의는 에우제니오 루카스가 그린 두 개의 대작 데스누다와 호세 구티에레스 데 라 베가 (라 마자 데스누다, 1840–1850), 안토니오 마리아 에스퀴벨 (베누사디오메네, 1838), 수잔나 (Susanna)와 같은 예술가들의 다른 작품에서 보여지듯이 고야스쿠의 영향을 받았다.Victor Manzano (1860년 종교재판 장면) 등조각에서, 멕시코에 세워진 스페인 사람인 Manuel Vilar는 멕시코 ^[149]헤라클레스의 일종인 Jason과 Tlahuicole의 작가였다.

학술주의

학술 예술은 ^{[Note 12]}예술가의 교육학적 훈련을 규제했던 16세기 이후 미술 아카데미에 의해 장려된 예술이다.학원은 그 당시 만들어진 예술에 맞춰져 있기 때문에, 우리는 뚜렷한 스타일을 말할 수 없다.문체의 진화적 역동성이 고전주의에서 벗어나기 시작한 19세기에 학문적 예술은 엄격한 규칙에 기초한 고전주의 스타일로 코르셋화되었고,^{[Note 13]} 그래서 오늘날에는 프랑스에서 아트 폼피어처럼 다양한 교파를 받는 19세기의 시기로 더 이해된다.그것은 주로 부르주아 대중을 겨냥한 것이었기 때문에, 예술은 가르칠 수 없다는 낭만적인 개념에 따라, 보수주의와 상상력의 부족에 대한 잦은 비난과 함께, "공식" 예술로서의 지위는 19세기 말에 경멸적인 감각을 얻도록 학구주의를 야기했다.그것은 과거에 정박되어 있고 공식을 ^{[Note 14]}재현하는 것으로 여겨졌기 때문이다.

그러나 오늘날에는 학문적 예술을 재평가하고 본질적인 자질을 고려하는 경향이 있으며, 그것은 보통 하나의 양식이라기보다는 예술적인 시기로 받아들여진다.아카데믹리즘은 그리스 로마 고전주의뿐만 아니라 라파엘, 푸신, 귀도 레니와 같은 초기 고전주의 작가들에 바탕을 두고 있다.엄밀히 말하면, 그것들은 사실적이고 조화로운 색채와 함께 세심한 도면, 형식적인 균형, 완벽한 선, 플라스틱의 순도, 그리고 세심한 디테일을 바탕으로 만들어졌다.그들의 작품은 박식한 주제(역사, 신화, 학술 문학)를 바탕으로 아름다움에 ^[150]대한 이상화된 개념을 가지고 있었다.

학술주의에서 나체는 자연계 고귀함의 뛰어난 표현으로 간주되는 특별한 관련이 있었다: 폴 발레리의 말에 따르면, "이야기꾼과 시인에 대한 사랑이 무엇인지,^[151] 나체는 형식의 예술가들을 위한 것이었다."학문적 누드는 19세기 사회의 일반적인 청교도적 환경에 종속된 엄격한 주제와 형식적인 규칙에 따르는 고전적인 전제에서의 표준화를 의미했다.나체는 이상적인 아름다움의 표현으로만 받아들여졌기 때문에 해부학적 연구를 바탕으로 한 절제된 무균 나체였다.미의 이상의 표현으로 고전적인 누드를 받아들인 것은 고전주의적인 규범으로부터의 일탈을 검열하게 했다: 그러므로, 유명한 크리스탈 궁전이 대리석 누드의 갤러리로 장식되었을 때, 1851년 런던의 그레이트 전시회에서, 히람 파워스의 그리스 노예를 제외한 모든 것이 받아들여졌다.크니두스의 아프로디테의 복제품임에도 불구하고 손목에 수갑을 찬 채 나타나 비난을 받았다.그러나, 생활 회화 학원에서 행해진 교육 관행은, 경우에 따라서는, 지적인 ^[152]정교함의 산물로서 장르를 회춘시키는 형식적이고 양식적인 참신성을 도입하는 것을 허용했다.

학구적 누드에 대한 참조의 중심은 잉그레스의 작품이었다: 윈켈만의 이론에 따르면, 남성의 누드는 성격만 표현할 수 있었고, 여성의 누드는 아름다움을 반영할 수 있는 유일한 것이었다. 왜냐하면 이것은 부드럽고 구불구불한 형태로 더 뚜렷하게 나타나기 때문이다.잉그레스의 누드는 그의 몸매에 둥근 형태, 부드러운 질감, 부드러운 윤곽을 주는 스트로크의 연속성을 반영했다.그 결과, 학술 예술은 남성보다 여성 누드에 더 초점을 맞췄고, 매끄러운 형태와 왁스한 ^[153]질감의 형상을 가지고 있었다.

학술주의의 주요 대표자 중 한 명인 윌리엄 아돌페 부그로는 일반적으로 신화적인 주제를 가지고 해부학적으로 완벽하고 창백하며 긴 머리와 관능성이 없는 몸짓적인 우아함을 가진 많은 누드 작품을 만들었습니다.또 다른 대표자는 그의 유명한 비너스의 탄생과 같이 관능적이고 관능적인 아름다움을 지닌 여성들을 대변하기 위한 구실이 되는 신화적이고 우화적인 누드의 작가 알렉상드르 카바넬이다.또 다른 비너스의 탄생(1862년)의 저자인 에겐 에마누엘 아마우리 듀발의 경우도 마찬가지다.장-레옹 게롬은 가장 순수한 잉그레시안 양식의 산토끼와 터키식 목욕탕을 배경으로 한 작품들과 함께 학문적인 오리엔탈리즘의 주요 대표자들 중 한 명이었다.다른 예술가들: 프랑수아-레옹 베누빌 (1847년 아킬레우스의 분노), 오귀스트 클레싱거 (1847년 뱀에 물린 여자; 레다와 백조, 1864년), 폴 보드리 (진주와 파도, 1862년), 쥘 조제프 르페브르 (진주와 파도, 1870년, 마리아 동굴)알렉상드르 자크 샹트롱 (다나에, 1891), 가스통 부시에르 (네레이드, 1902), 기욤 세그낙 (프시케의 각성, 1904) ^[138]등

영국에서 빅토리아 사회는 조지프 노엘 파톤(오베론과 티타니아의 싸움, 1846), 찰스 윌리엄 미첼(하이파티아, 1885), 프레데릭 레이튼(바스의 사이) 등의 작가와 함께 부르주아 계급과 귀족의 권위에 있는 청교도적 도덕성을 가장 잘 표현하는 공식 예술로서 학문주의를 장려했다.1890년 존 콜리어(Lilith, 1887년, Lady Godiva, 1898년; Venusberg의 탄호이저, 1901년), 에드워드 포인터(Diadumene, 1884년; 폭풍의 동굴, 1903년), 로렌스 알마-타데마(A Favorite Cust, 1909년), 존 윌리엄 더 갓워더스(Godwardus)1909년) 등

스페인에서 루이스 리카르도 팔레로는 환상적인 요소와 오리엔탈리즘의 취향이 돋보이는 작품들로 여성상을 특별히 선호했다: 동양적인 아름다움, 파우스트의 비전, 그들의 안식일에 가는 마녀들, 마술사, 1878년, 포즈, 가장 좋아하는 요정, 그리고 쌍둥이 별들.나비(1893) 등

리얼리즘

21세기 중반부터, 현실, 특히 산업 시대의 새로운 틀에서 노동자와 농민에 대한 묘사, 사회적 비난의 특정 요소를 강조하는 경향이 나타났고, 유토피아 사회주의와 같은 정치 운동과 실증주의 같은 철학 운동과 관련이 있다.19세기 상반기에 일어난 고전 예술 이론의 해체의 맥락에서, 사실주의는 많은 새로운 예술가들에게 영감을 준 사진의 출현에 의해 야기된 기술적 해방과 함께, 더 이상 주인공들이 귀족, 영웅 또는 신이 아닌 주제적 해방을 의미했다.하지만 거리에서 온 평범한 사람들은 그들의 비참함과 ^[154]투박함으로 묘사되었다.

이 작품의 주요 주창자는 "로맨틱과 고전주의자들의 오류"를 극복하기로 결심한 열정적이고 정치적으로 헌신적인 기질을 가진 예술가 구스타브 쿠르베였다.쿠르베의 작품은 나체로 리얼리즘을 도입하는 것을 의미했는데, 이전 시대에는 다소 자연주의적 접근법이 있었지만, 그들은 일반적으로 인체에 대한 이상적 개념에 종속되어 있었다.쿠르베는 최초로 인체를 이상화하지 않고 문맥화하지 않고인체를 인식한 그대로 묘사했습니다아이코노그래픽 테마에 짜넣지 않고자연에서 포착한 형태를 옮겨 적었습니다일반적으로, 그의 모델들은 목욕탕 (1853년), 화가 스튜디오 (1855년), 누드 여인 (1862년), 앵무새를 가진 여인 (1865년), 로트와 그의 딸들 (1844년), 두 목욕탕 (1858년), 그리고 봄 (1867년)과 같이 건장한 체격을 가지고 있었다.때때로 그는 잉그레스 감독의 유명한 작품의 복제품인 분수(1868)나 프라고나드의 두 여친을 떠올리게 하는 잠자는 사람들(1866)에서와 같이 다른 예술가들로부터 영감을 받았다.그의 가장 유명한 작품 중 하나는 "The Origin of the World" (1866년)로,^[155] 그는 머리가 없는 여성의 몸을 등장시켜 그 시대의 대중을 놀라게 하고 스캔들을 일으켰던 근본적으로 새로운 시각으로 치골을 전면에 보여준다.

또 다른 대표주자는 주로 풍경화가였던 카밀 코로(Camille Corot)로, 그는 그의 풍경화에 때때로 인간상을 추가했는데, 그들 중 일부는 아카디안풍의 풍경이 있고, 수증기 같은 분위기와 섬세한 톤이 있는 풍경에서, 마치 누운 님프 (1855년)와 해변의 님프 (1860년)처럼.나중에 그는 풍경과 인간의 형상을 분리시켰고, 1865년과 1875년 사이에 그는 중단 독서와 진주녀와 같은 여성 형상에 대한 연구에 초점을 맞춘 많은 작품을 만들었다.그의 다른 작품들은 마리에타, 로마 오달리스케, 핑크 스커트를 입은 소녀, 다이애나의 목욕, 님프의 춤 등입니다.^[156]

사실주의에 해당하는 조각품은 콘스탄틴 뮤니에로, 푸들러 (1885년)와 장로 (Elder)처럼 인물의 체적 감각과 특별한 관련성이 주어지는 작품에서 고전적 영웅을 현대 프롤레타리아로 대체하여 새로운 산업 시대의 노동자와 노동자를 우선적으로 묘사했다.브뤼셀의 노동 기념비(1890–1905)^[157]에 있다.또 다른 주목할 만한 조각가는 카르보의 제자인 아이메 줄 달루로, 그는 자연주의에도 불구하고 바카날, 목욕 건조 그녀의 발 그리고 실레누스의 승리 같은 작품에서 특정한 바로크적 영향을 나타낸다.

유럽에 정착한 미국인 존 싱어 서젠트는 당시 가장 성공한 초상화가이자 풍경화가이자 다수의 학원을 떠난 위대한 드로트맨이었다.벨라스케스, 프란스 할스, 앤서니 반 다이크, 토마스 게인스버러 등의 영향을 받은 그는 우아하고 고결한 스타일을 지녔으며, 해변에서 누드 보이(1878년), 니콜라 디와 같은 누드에서도 이를 보여주었다.인베르노(1892년).

스페인에서도, 사실주의는 세기 중반에 우세했다: 에두아르도 로잘레스는 많은 장르를 다루었고, 비록 그가 누드를 거의 만들지 않았지만, 그것들은 그들의 품질로 부각될 만 하다.라이문도 마드라조(1895년)는 디자인과 구성감각이 뛰어나다는 단 하나의 작품도 언급할 만하다.나사레니즘에서 훈련받은 마리아노 포춘이는 풍경화를 배경으로 한 장르 장면이나 누드 장면과 함께 동양적인 주제를 가진 여러 작품을 만들었습니다. (The Odalisque, 1861년, Idyl, 1868년, Choice of a Model, 1870년–1874년, Nude Odalisque, 1874년, Nortic Beachi)다른 예술가들: 카스토 플라센시아, 호세 히메네스 아란다, 엔리케 시모네, 그리고 조각가로서 리카르도 벨베르가 있었다.^[158]

인상파

인상주의는 학문적 예술과의 단절과 예술적 언어의 변형을 의미하며 아방가르드 운동으로 가는 길을 열었다.인상파 화가들은 자연에서 영감을 받아, 느슨한 붓놀림과 선명하고 밝은 색조, 특히 ^[159]빛을 중시하는 기법으로, 사진의 영향을 받아 캔버스에 순간을 포착하는 시각적 "인상"을 추구했습니다.

인상파 화가들의 작품은 고전적인 전통과 크게 단절되어, 모든 관습과 고전적인 혹은 학문적인 규제에서 벗어나 자연에서 영감을 찾는 새로운 그림 양식을 구상했다.따라서 에두아르 마네의 르 데쥬네 수르 에르베(1863년)는 라파엘의 고전적 윤곽에 분명히 영향을 받았음에도 불구하고 완전한 스캔들이었지만, 논란은 나체 자체에서 비롯된 것이 아니라, 정당하지 않은 나체, 익명의 현대 ^[160]여성에서 비롯되었다.마네에 의해 촉진된 또 다른 혁명은 카라바게스풍의 분위기를 풍기는 올림피아(1863년)였다. 그러나 그의 진실성의 출현은 그 시대에 스캔들을 일으켰고, 그 작가는 파리를 떠나야 했다.올림피아는 진짜 여성이다.그녀는 창녀이기 때문에 수치스러울 정도로 진짜 여성이다.그리고 그녀는 목가적인 숲이나 그림 같은 폐허가 아닌 실제 환경에 있다.인간의 가장 사적인 면인 친밀감을 보여주는 친밀한 장면이다.반면 모델의 구체적이고 개성적인 특징은 클래식 ^[161]누드의 이상화된 얼굴과는 거리가 먼 그녀만의 정체성을 준다.

에드가 드가와 같은 다른 작가들은 마네에 의해 시작된 길을 이어갔다. 에드거 드가는 잉그레시아의 영향을 받은 초기 누드 이후 생동감과 자발성이 넘치는 장면에서 움직임의 전사에 본질적으로 관련된 드로잉 디자인에 기초한 개인 스타일로 진화했다.드가는 자발적으로 전통적인 아름다움의 규범에서 벗어나 젊은 스파르타인들과 그의 무용수들에 대한 묘사에서 보듯이, 발달되지 않은, 사춘기 체형을 선택했다.한편, 그의 작품은 사진과 일본 판화의 영향을 받아 자연스럽게 포착된 스냅숏의 특징을 가지고 있으며, 관음증(Woman in bath, 1880, After bath, 1886, La turette, 1886)^[162]의 특정 요소를 가지고 있다.드가는 19세기 후반과 20세기 초반에 크게 발전한 나체, 화장실의 여성, 개인 위생을 수행하는 하위 장르를 시작했다.1886년 인상파들의 마지막 전시회에서 선보인 목욕, 씻기, 말리기, 머리 빗기, 빗기 등의 일련의 여성 누드에서 그는 훔친 순간의 효과를 강조하기 위해 옆이나 뒤에서 보여지는 나체의 새로운 비전을 제시하려고 했다."지금까지 나체는 청중을 전제로 한 자세로 보여져 왔다.하지만 내 여자들은 단순하고 정직한 사람들이야 몸치장만 챙기는 사람들이지여기 또 있어요.그녀는 발을 씻고 있는데 마치 열쇠 구멍으로 그녀를 보는 것 같아요.^[163]

그러나 르누아르는 여성의 신체에 대한 가장 위대한 해석자 중 한 명이었고, 그는 그것을 사실적으로 묘사했지만, 어느 정도 흠모를 품은 사람으로 이상화된 분위기를 풍겼다.Baigneuse au griffon (1870)에서 그는 크니두스의 아프로디테에 새겨진 글에서 영감을 얻었고, 구성 개념은 쿠르베에서 따왔다.르누아르는 자연과의 교감 이상인 나체의 고요하고 평온한 비전을 전달하는 밝고 환기적인 환경에서 자연스런 현실의 공기와 표준적인 고전주의 자세를 합성하려고 했습니다.그는 인상주의 기법을 따라 빛과 그림자가 군데군데 있는 공간을 통해 그의 형상의 윤곽을 희석하려고 노력했고, 이는 안나(1876)와 토르소(1876)에서 보듯이 색을 통해 형태를 포착하기 위해 베네치아 학파에 영감을 받았다.나중에, 나체를 단순화하려는 시도로, 그는 라파엘의 라 파르네시나의 프레스코화와 폼페이와 허큘라네움의 그림에서 영감을 얻었는데, 이는 라 바이뉴즈 금발(1882)에서 명백하게 나타났다.Les Grandes Baigneuses (1885–1887)에서 그는 기라돈의 님프의 샘에서 영감을 받아 유연한 선과 큰 안도감을 가지고 조각 나체를 그렸다.그의 마지막 작품에서 그는 알렉산드리아의 헬레니즘, 미켈란젤레스키 매너리즘, 그리고 신체와 주변 환경, 일반적으로 강, 호수, 숲과 해변을 향한 활기찬 외모와 자연스러운 태도의 통통한 형상과 함께 바로크 스타일의 바우처와 클로디온에 영향을 받았다.1885년; 스스로 말리는 목욕 소녀, 1895년; 파리의 심판, 1908년-1910년; 목욕,^[164] 1916년).

인상주의의 계승자는 네오인상주의로, 기본적으로 점묘법을 바탕으로 한 색채의 점묘법이다.주요 대표자들 중 한 명은 조르주 쇠라로, 그는 그의 경력을 통해 바다 풍경, 시골 풍경, 서커스, 뮤직 홀, 나체 등 다양한 주제를 선호했다.이 분야에서 그의 주요 작품은 모델 (1886–1888)이었는데, 그는 점묘 기법이 어떤 장르에도 적합하다는 것을 보여주고 싶어했고, 그는 종종 이 기법으로 풍경을 만드는 방법만 알고 있다는 비난을 받았다.이 작품에서 그는 세 개의 그레이스의 잘 알려진 주제를 작가 자신의 작업장에 있는 모델을 그려 잉그레스의 ^[165]작품에 특정한 방식으로 빚어진 비전으로 현대적으로 재해석했다.

그 후, 이른바 포스트 인상파 화가들은 인상파 화가들의 새로운 기술적 발견을 시작으로, 그것들을 개인적인 방식으로 재해석하여 20세기 미술의 진화에 매우 중요한 다른 발전의 길을 열었다.그래서 포스트인상주의는 어떤 스타일보다 다양한 색채를 가진 다양한 예술가들을 묶는 방식이었다.폴 세잔은 입체파의 선구자인 현실의 분석적 합성에서 기하학적 형태(원통, 원뿔, 구체)로 구성을 구성했다.그는 파리의 쁘띠 팔레의 그의 목욕탕 (1879–1882)에서처럼 나체를 풍경 또는 정물화로서, 빛에 젖어 있는 색채의 부피 사이의 관계의 표현으로 다루었다.폴 고갱은 심도 있는 실험을 했고, 상징적인 캐릭터의 평평한 색상으로 그림 평면에 새로운 가치를 부여했습니다.점묘법의 시작(나체의 연구, 1880)과 나비족(황색 그리스도, 1889)과 함께 폰타벤에 머문 후, 타히티에서의 그의 체류는 이 라로 테 오비리(1891), 이브의 결백함 상실(1891)에서 볼 수 있듯이 나체가 자연스럽게 고려되는 원시적인 평온함의 세계를 재현하는 데 도움을 주었다.해변의 두 명의 타히티 여인(1892), 바다의 여인(1892), 마나오 투파파우(1892), 달과 지구(1893), 오타히 또는 고독(1893), 맛있는 날(1896), 망고 여인(1896), 우리는 어디에서 왔을까? 델이란? 우리는 어디로 가는가?(1897), 바이루마티(1897), 네버모어(1897), 그리고 그들의 몸의 황금(1901) 등.앙리 드 툴루즈 로트렉은 학회용 살롱의 나체 스타일과는 달리 서커스와 뮤직홀 장면, 또는 보헤미안이나 매춘부 환경을 선호하면서 신체의 결점을 무시하지 않고 가장 조잡한 육체를 가진 여성의 모습을 연구했다.뚱뚱한 마리 (1884년), 스타킹을 끌어올리는 여자 (1894년), 건강검진 (1894년), 두 친구 (1894년–1895년), 라 토리테 (1896년), 셔츠를 들어올리는 여자 (1901년) 등.빈센트 반 고흐는 강한 드라마와 인테리어 탐험의 작품들로, 꾸불꾸불하고 촘촘한 붓놀림, 강렬한 색채, 변형된 현실을 가지고 있으며, 그로 인해 그는 몽환적인 분위기를 풍겼다.그는 1887년 파리에서 누운 나체, 침대에 누운 여자 나체,^[166] 뒤에서 본 여자 나체 등 몇 점을 그렸다.

조각 분야에서 오귀스트 로댕은 물리적인 면뿐만 아니라 주제적인 혁신에서도 위대한 혁신가였습니다. 신화와 종교와는 거리가 먼 평범한 인간, 그의 시대와 환경에 더 초점을 맞췄습니다.그는 인간의 신체에 대한 깊은 지식을 가지고 있었고, 그는 그것을 친밀한 방식으로 다루었으며, 심리적 자기 성찰의 강한 요소를 가지고 있었다.그는 미켈란젤로와 들라크루아로부터 약간의 영향을 받았지만, 본질적으로 그의 작품은 나체라는 주제에 새로운 활자학을 가져다주며 혁신적이었다.이를 위해 그는 자신의 스튜디오에서 자유롭게 돌아다닐 수 있는 모든 종류의 가능한 형태를 취하면서 모델을 사용했고, 로댕은 그것을 어떤 순간과 자세의 자발성을 영구히 하기 위해 능숙하게 포착했다.그의 그림들은 극적이고 비극적인 긴장감과 인간의 운명에 대한 투쟁의 개념을 표현하는 경향이 있다.따라서, 30년 이상 동안 그는 파리의 데코라티프 미술관을 위한 미완성 프로젝트인 지옥의 문 (1880–1917)의 인물들을 작업하고 있었는데, 그 프로젝트로부터 사상가 (1880–1900)와 같은 독립적인 인물들로 남아 있는 몇몇 작품들이 분리되었다.그는 카포의 우골리노, 또는 파올로와 프란체스카의 사랑을 나타내는 더 키스 (1886–1890)에서 영감을 받아 디바인 코미디에서 내레이션을 했다.그의 다른 작품들은 청동기 시대(1877년), 세례자 요한(1878년), 이브(1881년), 겨울(1881년), 순교자 (1885년), 몸통 (1889년), 뮤즈 (1896년), 세 그림자 (1899년), 단에이드 등이었다.로댕의 뒤를 이어 앙투안 부르델, 카밀 클라우델, 조셉 버나드, 1910년 샤를 드포브와 같은 조각가들이 있었다.^[167]

스웨덴인 안데르스 조른은 In the Open Air (1888년), The Baters (1888년), Women Bathing in the Sanawa (1806년), Girl Sunbating in the Sanaunbating (1806년), Girl Sunbating in the Sa (131917ga), Id Studio (17ga)에서와 같이, 보통 풍경에서처럼 피부에 생동감 넘치는 밝은 빛 효과와 함께 뻔뻔하고 건강한 나체를 만들었습니다.

스페인에서 인상주의를 개인적인 방식으로 해석한 호아킨 소롤라의 작품은 특히 빛과 민감한 색채, 지중해 테마의 장면을 둘러싼 밝은 분위기, 아이들이 노는 해변과 바다 풍경,사교계 여성들이 산책하거나 어부들이 그들의 일에 관여한다.그의 작품에는 슬픈 유산, 데스누도 드 무제르, 말의 목욕, 해변의 아이들, 목욕 후 등 나체들이 포함되어 있다.그의 제자는 사위 프란시스코 폰스 아르나우(콤포시시온), 이그나시오 피나조(데스누도 데프렌테, 1872-1879), 리고베토 솔러(니네타, 데푸에스 델 바뇨), 훌리오 모이스(에바, 필리)^[169]였다.

상징주의

상징주의는 환상적이고 몽환적인 스타일로 현실주의적이고 인상주의적인 흐름의 자연주의에 대한 반작용으로 나타나 꿈의 세계와 악마적이고 무서운 측면, 섹스와 변태에 특히 중점을 두었다.상징주의의 주요 특징은 심미주의였는데, 이것은 그 시대의 지배적인 공리주의와 산업 시대의 추악함과 물질주의에 대한 반작용이었다.이에 반하여, 예술과 아름다움에 그들만의 자치권을 부여하는 경향이 생겨났고, 심지어 "미적 종교"라고까지 언급할 정도로, Théophile Gautier의 공식 L'art pour l'art("예술을 위한 예술")로 합성되었다.이 지위는 예술가를 사회로부터 고립시키고, 자율적으로 자신의 영감을 찾고,^[170] 오로지 개인의 아름다움에 대한 추구에 의해 자신을 움직이게 했다.

상징성의 특징 중 하나는 비뚤어진 여성, 팜므파탈레, 이브에 대한 어두운 매력으로, 마누엘 마차도가 "조금하고 악랄하며 신비로운, 라파엘 전파의 처녀이자 파리 고양이"라고 정의한 수수께끼 같고 거리감이 있는 불안한 여성 릴리스로 변했다는 것이다.그녀는 사랑받고 증오받고, 사랑받고, 비방받고, 고귀하고, 부인되고, 고결하고, 죄 많은 여성으로, 스핑크스, 인어, 키메라, 메두사, 날개 달린 지니 등과 같은 수많은 상징적이고 우화적인 형태를 취할 것입니다.인공적이고 남성적이며 애매한 형태의 아름다움이 유행하게 되었고, 레오나르드풍의 아름다움의 한 종류로, 백합과 같은 꽃이나 백조와 ^[171]공작과 같은 동물에 상징적 등가물을 갖게 될 것이다.

상징주의는 특히 프랑스에서 발전했고, 낭만주의의 예술가 계승자인 구스타브 모로는 이탈리아 콰트로센토의 거장들에게 큰 헌신을 느꼈습니다.그의 작품은 환상적이고 장식적인 스타일로, 온갖 종류의 물건과 식물 요소들로 빽빽하게 채워져 있으며, 그의 두려움과 강박관념을 반영하는 선정적인 에로티시즘과 함께, 애매한 여성의 원형과 함께 순수함과 괴팍함 사이에 있다.오이디푸스와 스핑크스(1864), 오르페우스(1865), 제이슨과 메데아(1865), 레다(1865–1875), 키메라(1867), 프로메테우스(1868), 유로파의 강간(1869), 사이렌(1872–1876), 유령(1876), 헤라클레스 살롬

그의 뒤를 이어 작품(1863년), 가을(1865년), 희망(1872년), 해안가의 소녀들(1879년), 성지(聖地) 등 나체가 풍성한 우울한 풍경으로 인상파 실험 후 선형으로 회귀한 대형 벽화 장식을 만든 피에르 푸비스 드 샤반 등이 있다. 예술과 뮤즈의 사랑(1884년-1889년) 등오딜론 레돈은 꿈속에서 부드러운 그림과 인광학적 색채에 기초한 스타일을 가진 무궁무진한 영감의 원천을 발견하는 강한 단일성 내용의 작품을 개발했습니다(The Cyclops, 1898–1900).Aristide Maillol은 자연 속의 여성상에 큰 관심을 가지고 그림을 그리기 시작했습니다(Mediterian, 1898; The Wave, 1898; Two Nudes in a Straxe, 1900). 나중에 조각으로 옮기기 위해 그는 가장 적절한 표현 수단을 찾았습니다.밤(1902–1909), 지중해(1902–1923), 연쇄 행동(1906), 젊은 사이클리스트(1908), 목욕 소녀 건조(1921), 목걸이를 한 비너스(1930–1937), 산(1937), 강(1938–1939),^[173] 공기(1943).

고갱의 영향을 받고 색채의 표현적 사용에 관심이 있는 나비라고 알려진 예술가 그룹이 퐁타벤에서 만났습니다.회원 중에는 다음과 같은 것이 있었다.블랙 유머가 내포된 아이러니한 스타일을 전개한 펠릭스 발로통, 부끄럽지 않은 에로시즘으로 몸은 납작하고 일본인의 영향을 받은 체질로 가면과 같은 얼굴을 하고 있다(1892년 여름 오후 목욕), 자연과 인공의 다른 종류의 빛 아래에서 누드를 그린 피에르 보나르.일반적으로 친밀한 장면, 침실, 부두아르에서 거울에 비친 성찰에 대한 취향을 가진, 종종 사진에 기초한다(침대에 기대는 여자, 1899년; 낮잠, 1900년; 남자와 여자, 1900년; 빛에 맞선 누드, 1907년; 미러 이펙트, 1909년; 거울과 함께 화장대, 1913년; 양동이의 누드, 1916년; 찰스, 1916년;).그는 홀바인의 무덤 속 그리스도의 시체에서 영감을 받아 심플하고 순수한 형태로 축소되어 그리스도를 초월적이고 연상적인 인물로 만드는 상징적 솔직함을 보여주며, 특히 고딕 스테인드글라스에서 검은 윤곽을 가진 평평한 색상의 스타일을 개발했다.순수함을 ^[174]암시하는 순진함의 상징이죠

벨기에에서 펠리시앙 롭스는 또한 사탄과 죽음에 대한 언급을 선호하는 환상적이고 초자연적인 세계와 사랑의 어둡고 변태적인 측면을 반영하는 에로티시즘에서 영감을 받았습니다.차가운 악마(1860), 성(聖)의 유혹. 앤서니(1878), 포르노크라테스(1878), 희생(1882).장 델빌은 오컬티즘에 관심이 있었고, 그의 작품에서 그의 형상은 육체와 정신이 뒤섞인 비밀의 강박관념을 보여주었다.만행의 우상, 사탄의 보물, 플라톤의 학파, 영혼의 사랑(1900).조각에서, 조지 미네는 젊은이가 무릎을 꿇는 샘(1898–1906)의 저자로, 나르시스가 물에 비친 자신의 이미지를 곰곰이 생각하는 것처럼 연못 주변에서 같은 나체 청년의 모습이 5번 반복되며,^[175] 그들이 반영하는 고통의 해결책을 찾기 위해 시선을 내부 공간으로 이끈다.

네덜란드에서는 긴 팔과 섬세한 실루엣으로 자바의 중국 그림자의 영향을 보여주는 세 신부(1893)의 저자인 얀 투롭이 눈에 띄었다.피에트 몬드리안은 신생물주의 추상화에 도달하기 전에 난해성에 대한 그의 관심으로 인해 다음과 같은 상징주의 작품을 만들었다.에볼루션(1910-1911)은 세 명의 나체가 완전히 영적인 모습을 보여주는 세 폭의 그림으로, 지식과 신비로운 ^[176]빛에 대한 접근을 상징한다.

영국에서는 라파엘 이전의 이탈리아 화가들과 최근 등장한 사진들에 의해 영감을 받은 라파엘 전파의 학파가 생겨났다.비록 그들의 주제는 서정적이고 종교적인 선호였지만, 그들은 단테 가브리엘 로세티, 에드워드 번 존스 (피그말리온 시리즈, 1868년–1870년; 판의 정원, 1876년; 운명의 수레바퀴, 1883년; 1890년 에버렛)와 같은 나체도 다루었다.1870년), 존 윌리엄 워터하우스(Hylas and the Nymphs, 1896년)라파엘 전파의 상징주의와 근대주의 장식주의 사이에는 위대한 풍자적이고 불손한 감각으로 에로틱한 성격의 많은 작품(리시스트라타와 오스카 와일드의 살로메의 삽화 등)을 제작한 삽화가 오브리 비어슬리의 작품이 있었다.스타일리시한 라인과 큰 흑백 ^[177]표면을 바탕으로 한 스타일입니다.

독일인 프란츠 폰 스터크는 모더니즘에 가까운 장식 스타일을 개발했는데, 비록 그 주제는 더 상징주의적이지만, 여성에 대한 개념을 극단성의 의인화로서 반영하는 불타는 관능의 에로티즘을 가지고 있다.신(1893), 스핑크스의 키스(1895), 공기, 물, 불(1913).오스트리아에서 구스타프 클림트는 임신, 레즈비언, 자위 같은 면에서 성과 죽음이 얽혀 있는 장식적인 스타일의 고전주의적 구성과 함께 강한 에로틱 요소를 가진 판타지 세계를 재현했다.누다 베리타스(1899)에서 그는 여성의 나체라는 상징적 상징에서 벗어나 자조적인 상징이 되었다.그 여성은 더 이상 우화가 아니라 자신과 그녀의 성에 대한 이미지이다.그의 다른 작품들은: 동요된 물, 주디스 1세, 베토벤 프리제, 호프 1세, 다나에, 주디스 2세, 여자친구들, 아담, 이브 ^[178]등입니다.알프레드 쿠빈은 무엇보다도 외롭고 절망적인 무시무시한 세계를 그림에서 표현했고, 괴물, 해골, 곤충, 그리고 끔찍한 동물들로 가득 차 있으며, 성에 대한 노골적인 언급이 있는 곳에서 여성의 존재는 윤활성과 같은 작품에서 입증되었듯이 악하고 불안한 역할을 한다.한 구석에 웅크리고 있는 젊은 여성을 괴롭히는 프리아피스의 모습이나, 마치 수영장에서 거대한 암컷 외음부 ^[179]위로 작은 호문쿨루스가 뛰어내리는 듯한 서머스의 모습(1901–1902)이다.

스위스에서 페르디난드 호들러는 뒤러, 홀바인, 라파엘의 영향을 받아 평행, 반복선, 색상 및 음량에 기초한 스타일로 표현되었다.밤 (1890년), 우주에서의 상승 (1892년), 낮 (1900년), 센세이션 (1901년-1902년), 여성에게 존경받는 젊은 남자 (1903년), 진실 (1903년)아놀드 뵈클린은 전설과 상상 속 인물에 기초한 우화적인 문체로 비너스 지니트릭스(1895)처럼 환상적이고 강박적인 분위기에서 재현된 프리드리히의 낭만주의를 계승했다.체코의 프란티셰크 쿠프카도 추상화에 이르기 전에 상징주의 단계를 거치면서 신비주의에 관심이 있었다.머니(1899), 발라드 오브 에포나(1900), 웨이브(1902).러시아에서, 미래의 우월주의 창시자인 카지미르 말레비치는 시작 단계에서 에로티즘과 특정한 난해한 신비주의가 결합된 상징주의 국면을 가졌고, 단색의 경향이 있고, 빨간색과 노란색이 우세한 스타일이 특징이었다.꽃을 따는 여자(1908년), 오크 앤 드라이아드(1908년).^[180]

상징성과도 관련이 있는데, 작가들은 독학으로 다소 순진하고 구조화되지 않은 구성, 본능적이고, 비록 완전히 의식적이고 표현적이긴 하지만 특정한 원시주의를 가지고 있었다.가장 큰 주창자는 앙리 루소로, 그는 학술주의에서 출발하여 매우 신선하고 단순하며 유머러스하고 환상적인 손길과 이국적인 정글 풍경을 선호하는 혁신적인 작품을 개발했다.그는 뱀 차머(1907), 이브(1907), 꿈(1910)^[181]과 같은 누드를 만들었다.

20세기

20세기의 예술은 심오한 변화를 겪었습니다. 좀 더 물질주의적이고 소비지상주의 사회에서 예술은 지성이 아닌 감각에 대처합니다.마찬가지로, 패션의 개념은 통신의 속도와 오늘날 문명의 소비주의적 측면의 조합인 특별한 관련성을 얻었다.그래서 미술을 사회에 접목시키려는 아방가르드 운동이 일어나 작품을 해석하는 것은 후자이기 때문에 예술가와 관객의 상호관계를 도모하고 예술가가 몰랐던 의미를 발견할 수 있었다.최근의 예술적 경향은 예술적 대상에 대한 관심조차 잃었습니다: 전통 예술은 대상의 예술이었고, 현재의 개념 예술이었습니다.활동적인 예술, 행동, 자발적이고 일시적인 현상에 대한 재평가, 비상업적인 예술(개념 예술, 발생, 환경)^[182]이 있다.

20세기에 누드는 특히 영화, 사진, 만화, 그리고 최근에는 인터넷에서 널리 퍼지게 한 대중 매체 덕분에 점점 더 두드러지고 있다.그것은 또한 사회적으로 받아들여지고 사람들에게 큰 매력이 되기 때문에 광고 분야에서도 크게 확산되었다.나체는 더 이상 이전의 부정적인 의미를 지니지 않는데, 이는 주로 나체를 도덕적으로 불쾌하지 않고 더 자연스러운 것으로 인식하는 사회 사이의 세속주의의 증가 때문이다.그런 의미에서, 나체주의와 자연주의는 최근 몇 년 동안 지지자들을 얻고 있고, 아무도 해변에서 다른 사람이 벌거벗은 것을 보고 화를 내지 않는다.또한 신체에 대한 숭배의 증가도 주목할 필요가 있다. 보디빌딩, 피트니스, 에어로빅과 같은 관행은 미적으로 보기 좋은 기준에 따라 신체를 형성할 수 있게 한다.

뱅가디즘

20세기 초에 소위 아방가르드 미술의 토대가 마련되었습니다: 현실의 개념은 새로운 과학 이론(버그슨의 시간 주관성, 아인슈타인의 상대성 이론, 양자 역학)에 의해 질문되었습니다.프로이트의 정신분석 이론 또한 영향을 미쳤다.반면에, 새로운 기술은 예술이 그 기능을 바꾸도록 만들었다. 왜냐하면 사진과 영화는 이미 현실을 포착하는 데 책임이 있었기 때문이다.유럽의 식민주의에 의해 촉진된 민족학적 컬렉션 덕분에, 예술가들은 다른 문명의 예술(아프리카, 아시아, 오세아니아)과 접촉했고, 이것은 예술에 대한 보다 주관적이고 감정적인 비전을 가져왔다.이 모든 요소들은 예술가가 새로운 형태의 ^[183]표현을 찾는 결과를 낳는 감성의 변화를 가져왔다.

예술적 아방가르드주의는 예술에 새로운 생명을 불어넣고 디자인과 예술 구성의 자연적 뿌리로 돌아가는 것을 목표로 했다. 그들은 학문적 예술에 반기를 들었고, 이 새로운 예술가들에게 창의성과 예술적 영감을 무효로 보이게 하는 규칙들을 적용했다.금세기 초 미술의 혁명을 대표하는 첫 번째 작품 중 두 가지는 누드였다.1907년 작품인 마티스의 블루 누드와 피카소의 아비뇽의 레 데모이젤.이 작품들에서 누드는 상징적이고 개념적인 요소가 됩니다. 규칙이나 제약, 자연으로의 회귀, 예술에 대한 주관적인 인식 없이 삶의 순수성을 언급합니다.이 두 가지에서 시작된 기본적이고 도식적인 형태로의 인간 형상의 감소는 기본 선과 여성 몸통이 단순한 ^[184]원통형으로 감소하는 콘스탄틴 브란쿠쉬의 누드 같은 기하학적 구조로 감소하는 형태의 추상화를 향한 경로를 작동한다.

야수파(1905년-1908년)

야수파는 최초의 아방가르드 ^{[Note 15]}운동으로 여겨진다.수도원은 원근법, 모델링, 키아로스쿠로를 배제하고 색을 실험했습니다.색상은 주관적이고 개인적인 방식으로 착안되어 자연으로부터 독립적으로 감정적이고 표현적인 가치를 적용했습니다.그 대표자는 구스타브 모로(Gustave Moreau)의 제자 앙리 마티스(Henri Matisse)로, 그는 색평면에 따라 공간을 정리하고 거친 색채의 격렬한 영역을 통해 새로운 감각을 추구했다.현대화에 대한 그의 열정에도 불구하고, 마티스는 누드와 같은 고전적인 요소들을 보존했다: 1898년 그는 창의 누드로 그의 개인적인 스타일을 시작했다. 그곳에서 그는 임의적이고 모방적이지 않은 방식으로 색을 적용하기 시작했다; 그 그림은 색채가 형태로부터 자율적인 다른 현실을 재현했다.Luxury, Calm and Fleasure(1905)에서는 기본색(빨강, 노랑, 파랑)과 보색(보라, 주황, 초록)을 존별로 배열하고 기하학적 도형으로 구성했다.블루 누드(1906–1907)와 함께 그는 신체 구조의 완벽한 합성을 찾기 위해 인간 형태의 단순화를 시작했는데, 이 과정은 수년간 그를 사로잡았고 결국 핑크 누드(1935)^[185]로 이어졌다.<명품>(1907)에서 그는 삼각형 구성과 임의적인 색채, 인물의 움직임을 강조하며 도식적인 얼굴을 가진 인간 형상에 초점을 맞췄다.Luxury II(1907년)는 마티스의 전형적인 연어 핑크의 살을 강조하는 순수하고 평평한 색상의 두 번째, 더 정확한 버전이다.거북이와 함께 하는 목욕(1908)은 색상의 줄무늬가 있는 엄숙하고 추상적인 배경을 가지고 있으며, 색상의 구별로 공간을 창조한다.누드, 블랙, 골드(1908)는 아프리카 흑인의 조각에 영향을 받아 나무에 가까운 색조와 아몬드 모양의 눈을 가지고 있다.The Dance(1910)는 과장된 도식주의와 색채의 긴밀함을 빨간색과 파란색으로 줄인 움직이는 인간 형상에 대한 연구로, 그는 The Dance에 두 개의 큰 벽화를 그렸는데 하나는 모스크바에 그리고 다른 하나는 필라델피아에 그렸다.^[186]빨간색의 오달리스크(1924년)는 모딜리아니의 영향을 받아 르네상스 풍으로 부드러워졌다.장식적인 배경의 그림(1925)에서 그는 모로의 영향을 회복했고, 장식주의와 공포의 공포를 떨쳤다.핑크 누드(1935)에서는 몽드리안의 영향이 흑백으로 추상화된 인물과 격자무늬 배경으로 인식된다.그의 다른 작품들은 다음과 같다.삶의 즐거움(1906년), 서 있는 나체(1907년), 그릇놀이(1908년), 흑인 두 여성(1908년), 정물화(1909년), 햇빛이 비치는 풍경 속의 나체(1909년), 붉은 물고기와 조각(1911년), 누드 스페인 카펫(1907년), 힌두교식 방석(1923년) 등 푸르스름한 모습.누드(1935년), 누드(1944년) 등

앙드레 데랭과 같은 예술가들은 마티스의 발자취를 따랐는데, 그의 작품은 원시 미술의 영향을 보여준다: 황금시대(1905)에 그는 마티스의 사치, 차분, 쾌락의 영향을 보여주며 어떤 대점론을 실천했다.모리스 드 블라밍크는 순수한 색을 선호하는 편이었고, 세자니아의 책으로 리클라이닝 누드(1905)와 여성 목욕(1908)에서 그는 여성의 나체를 마티세식으로 다루었다.알베르 마르케는 야수파 누드(1898년), 백라이트 누드(1909년-1911년), 블루 배경 누드(1913년)와 같은 누드를 그렸지만 풍경화를 선호하는 더 자연주의적인 스타일을 가지고 있었다.Kees van Dongen은 열정적인 누드 화가였고, 파리 상류 사회의 수많은 모델들에게 의지했고, 그곳에서 그는 전쟁 기간 동안 매우 패셔너블했다.그의 업적은 다음과 같다.보석녀(1905년), 아니타(1905년), 나체녀(1907년) 등.^[187]

표현주의(1905~1923)

인상주의에 대한 반작용으로 등장한 표현주의자들은 보다 개인적이고 직관적인 예술을 옹호했습니다. 여기서 예술가의 내면적 비전인 "표현"은 현실의 표현인 "인상"보다 우선시되어 환상적이고 친밀한 주제를 작품에 반영하고 있습니다.작품의 표현적 특성을 강조하기 위해 현실을 변형시킵니다.독일에서 그의 주요 확산 중심지는 두 그룹으로 구성되었다.Die Brücke(1905년 설립)와 Der Blaue Laughter(1911년 설립)는 어느 ^[188]그룹에도 속하지 않은 예술가도 있었다.

다이브뤼케의 멤버들은 삶과 자연에 초점을 맞춘 소재에 관심이 있었고, 자발적이고 본능적인 방식으로 반영되었다. 그래서 그들의 주된 주제는 나체, 그리고 그들이 삶에서 얻을 수 있는 최대의 강렬함을 발견하는 서커스나 뮤직홀 장면이었다.이 주제는 1909년에서 1911년 사이에 회원들이 드레스덴 근처 호수에 머무는 동안 만든 입욕자들에 관한 작품에서 합성되었다.알센, 당가스트, 니든, 페마른, 히덴제, 모리츠부르크 등그들은 형식과 색채의 주관적인 변형 과정에서 자연과 교감하는 거의 범신론적 느낌인 금기와 편견을 벗은 전원생활과 같은 부끄럽지 않은 자연주의를 표현한 작품들이다.키르치네르의 말을 빌리자면, 그의 목표는 "모든 조형 예술의 근간인 나체를 자연스러운 방식으로 연구하는 것"^[189]이었다.

표현주의의 선구자는 에드바르 뭉크였다: 인상주의와 상징주의의 영향을 받아, 그는 곧 강박적이고 고문을 받은 자신의 내면을 충실하게 반영하는 개인적인 스타일로 흘러갔다. 억압적이고 수수께끼 같은 분위기의 장면들 - 성에 초점을 맞춘다.질병과 죽음—구성의 간결함과 강하고 자의적인 색채로 특징지어진다.마돈나 (1895–1904)에서 그는 상반신이 드러나지 않은 여성의 모습을 애매한 태도로 표현했지만, 몸은 관능성을 암시하는 반면, 눈을 위로 감은 얼굴은 신비주의, 자기성찰의 느낌을 준다; 프레임 안에는 태아가 있다.정자줄과 함께 예술가가 여성에 대한 남성들의 전통적인 태도를 거부했다는 것을 암시한다.사춘기(1914)에서 그는 소녀에서 여성으로 넘어가는 명상적이고 혼란스러운 상태를 얼굴에 반영하며 나른한 표정으로 사춘기 소녀를 묘사했고, 그의 깊은 심리적 자기성찰은 순수한 색채와 왜곡된 선으로 훌륭하게 재현해냈다.1890년에서 1908년 사이에 만들어진 일련의 작품들에 속하는데, 뭉크는 외로움, 질병, 중독, 불만족스러운 사랑, 그리고 노년의 고통에서 비롯되는 모든 문제들을 분석하기로 마음먹었다.이 작품들은 위대한 심리학적 분석을 나타내지만, 인간 ^[190]내면의 가장 깊은 깊이를 거리낌 없이 탐험하면서, 어떤 병적이고 불안한 요소를 드러낸다.

에밀 놀데의 작품 또한 선행 사례였다: 세기 초에 그는 후기 인상파 영향의 매우 두꺼운 인상파와 짧은 붓놀림, 그리고 강한 색채 방출을 가진 분할주의 기법을 사용했다.나중에 그는 현실의 모방 과정을 포기했고, 그의 작품에서 내적 불안, 활력소 긴장, 작품의 내적 맥박에 반영되는 긴장감을 나타냈다.이것은 "황금송아지 주변에서 춤을 추다", "댄서들과 함께 하는 정물화"^[191] 그리고 "열혈귀"와 같은 누드에서 볼 수 있다.또 다른 언급은 로비스코린트였다: 인상주의 훈련을 받은 그는 막스 리버만, 막스 슬레보그트와 함께 독일에서 주요한 인물들 중 한 명이었다.그는 에로틱과 마카브레에 초점을 맞춘 일련의 심리적 자기성찰의 작품들로 표현주의에 대한 성숙함에 표류했다.비록 그는 작품의 창작 방법으로서 광학적 인상 속에 머물러 있었지만, 표현력은 점점 더 중요해져 놀드의 비전에 가까운 주목할 만한 고뇌의 종교 장면인 The Red Christ(1922)에서 절정에 달했다.그의 다른 작품들은 누드 누드(1895)와 살로메(1899)^[192]이다.

디브뤼케 멤버 중 에른스트 루트비히 키르치네르는 뛰어난 드래프트맨으로 1898년 뒤러의 목판화 전시회에 방문한 이후 불규칙하고 다듬지 않은 마무리로 아프리카 영향을 조각한 목판을 만들기 시작했다(발레리나, 1911년).화가로서, 그는 마티스의 영향을 받은 야수파와 같은 원색을 사용했지만, 마티스의 둥근 선과는 달리, 폐쇄적이고 예리한 각도에서, 고딕적인 영향의 연장선들과 함께 끊어진 폭력적인 선들을 사용했다.그의 작품들 중에서 언급할 가치가 있다: 소파 위의 커플, 일본 우산 아래의 젊은 여성, 마르젤라, 방의 목욕탕, 모리츠버그의 목욕탕, 거울 앞에 누운 누드, 1910년 선와이드.욕조와 오븐을 든 두 명의 누드, 검은 모자를 쓴 누드, 파리의 심판, 세 명의 목욕탕 등.^[193]

Die Brücke의 다른 멤버는 다음과 같습니다.1906년부터 1907년 사이에 방고흐의 구성, 짧은 붓놀림, 강렬한 색상의 일련의 그림을 촘촘한 풀로 그렸다.이후 그는 섹스, 외로움, 고립과 같은 표현주의적 주제로 발전했다.갈대밭에서 목욕하는 사람들(1909년), 연못가에서 여자 누드들(1910년), 바닷가 풍경(1912년), 수정절(1913년).^[194]칼 슈미트 로틀루프는 시작부터 도식적인 인물과 날카로운 얼굴, 느슨한 붓놀림과 강렬한 색채의 표현주의로 나아가기 위해 매크로포인트실리즘을 실천했다.욕조 속 여성(1912년), 수영 후(1912년), 해변에서 네 명의 목욕탕(1913년).^[195]맥스 페흐스타인은 1914년 오세아니아로 여행을 떠나 당시 원시적이고 이국적인 예술의 영향을 받은 많은 예술가들과 마찬가지로 카펫 위의 여성과 인디언들, 야외 (모리츠버그의 목욕자들) (1910), 풍경 속의 세 나체 (1911), 해돋이 (1911), 무용수들, 그리고 연못의 세 입욕자들(1912)을 받았다.오토 뮐러는 세잔과 피카소의 영향을 인식할 수 있는 도식적이고 각진 형태의 풍경과 누드에 관한 작품을 만들었다.그의 나체는 대개 자연 경관을 배경으로 하고 있어 고갱의 이국적인 본성의 영향을 보여준다.그의 호리호리한 몸매는 그의 스튜디오에 그의 비너스를 재현한 Cranach에서 영감을 받았습니다.그들은 도발이나 관능적인 특성이 없는, 인간이 자연과 교감하며 살았던 잃어버린 낙원의 향수를 표현하고 있는, 매우 단순하고 자연스러움을 드러낸 사람들이다.숲속의 나체 3명(1911년), 물가에 앉아 있는 소녀들(1913년), 숲속의 연못에서 목욕하는 소녀들(1915년), 장미 덤불 속의 젊은 여성들(1918년), 모래 언덕에 앉아 있는 소녀들(1922년), 풀밭에 앉아 있는 소녀들(1926년)^[197]이다.

주요 표현주의 그룹 밖에는 Paula Modersohn-Becker의 작품이 있었다: 그녀는 1900년에서 1906년 사이에 파리를 방문한 일부에서 세잔, 고갱, 마일롤의 영향을 받았고, 세잔의 3차원 형태와 주로 초상화와 모성 장면에서 고갱의 선형 디자인을 개인적인 방식으로 결합했다.아이와 무릎을 꿇고 있는 어머니(1907년)^[198]처럼 신체와 자연과의 관계에서 새로운 개념을 떠올리게 한다.비엔나에서는 클림트의 제자인 에곤 실레가 눈에 띄었는데, 그의 작품은 성적, 외로움, 고립에 기초한 주제를 중심으로 진행되었고, 관음증적인 태도를 보였고, 심지어 포르노그래피로 투옥되기도 했다.주로 그림 그리기에 전념한 그는 억압적이고 긴장된 공간에 빠져있는 양식화된 인물들로 그의 작품의 기초를 이루는 선에 필수적인 역할을 했다.그는 자연주의와는 거리가 먼 길쭉하고 도식적인 인간의 유형학을 생생하고 높은 색채로 재현하고 선형적인 성격인 윤곽을 강조했다.그의 광범위한 작품들 중 몇 가지는: 팔을 가슴에 댄 나체 젊은 여성, 팔을 뒤로 하고 누운 나체, 두 소녀, 앉은 여자 나체, 포옹 (1915), 누드 (1917), 포옹 (1917)^[199] 등이다.

조각에서 게오르그 콜베는 특히 나체에 전념하고 역동적인 모습, 발레에 가까운 리드미컬한 동작, 활력가, 명랑하고 건강한 태도로 두드러졌다.그의 가장 유명한 작품은 1929년 바르셀로나 국제 박람회를 위해 루드비히 미스 반 데 로에가 지은 독일관에 전시된 모닝이다.반면에, 노르웨이인 구스타프 비글란드는 1924년부터 1942년 사이에 오슬로의 프로그너 공원에서 특별한 조각상 앙상블을 만들었습니다. 후에 비글란드 공원이라고 불렸습니다. 이 앙상블은 어린 시절부터 노년에 이르기까지 삶의 다양한 단계와 나이에서 분석된 인간의 삶을 평온하고 자신감 있는 스타일로 표현합니다.건강하고 낙천적이며,^[200] 편견 없이 표현하거나 삶의 완전하고 자연스러운 의미를 도덕적으로 표현합니다.

프랑스에서는 전후 인상주의, 표현주의, 큐비즘, 초현실주의 등 다양한 예술 양식과 연계된 제2차 세계대전 기간에 활동한 이단적인 예술가 집단인 이른바 파리학파가 결성되었다.이 작품의 주요 대표주자 중 한 명인 아메데오 모딜리아니는 보헤미안 생활의 예술가로서 섹스, 마약, 알코올에 몰두했다.그는 매너리즘과 베네치아 학파에 영향을 받은 고전 교육을 받았다.1902년 그는 플로렌스의 스쿠올라 리베라 디 누오도에서 공부했는데,^[201] 특히 나체에게 헌정되었다.그의 작품에서 그는 모더니즘의 아라베스크를 계승한 유려한 선으로 윤곽을 강하게 강조했고, 공간은 이탈리아 신케센토 거장들로부터 영감을 받은 가늘고 긴 형상과 함께 색 평면의 병치로 형성되었다.그의 작품으로는 고통스런 누드(1908년), 앉은 누드(1910년), 까리아티드(1913년-1914년), 붉은 누드(1917년), 디바인에 앉은 누드(1917년), 목걸이를 맨 누드(1917년), 푸른 방석에 누드(1917년), 누드(1917년), 누드(1917년), 누드(1917년), 누드(1917년), 누드(1917년), 누드(1917년), 누드 등이 있다.

파리 학파의 다른 멤버는 다음과 같습니다.마르크 샤갈은 몽환적인 성격의 작품을 만들었습니다.그는 꿈, 음악, 시의 세계와 뒤섞인 어린 시절의 기억을 떠올리게 하는, 비현실적인 공간, 원근법 또는 스케일의 법칙을 벗어난 장면에서, 자신의 변덕에 따라 현실을 왜곡합니다.비테브스크 위의 나체(1933년), 아내에게(1933년), 하얀 십자가형(1938년).^[203]조르주 루오는 처음에 상징주의와 야수주의로 연결되었지만, 종교에 초점을 맞춘 그의 도덕적 주제와 어두운 색은 그를 표현주의에 더 가깝게 만들었다.그의 가장 상징적인 작품은 나른하고 희끗희끗한 모습으로 씁쓸하고 불쾌한 분위기를 풍기는 여성 누드 작품들이다(Odaliscas, 1907).1903년에서 1904년 사이에 그는 벌거벗은 매춘부들의 여러 그림을 그렸는데, 여기서 그는 그의 신가톨릭 이데올로기에서 비롯된 사회의 타락에 대한 비난과 함께, 이상적 또는 도덕적 요소를 제거한 육체의 물질성을 끔찍한 방식으로 반영했다.빠른 스트로크와 기본 라인의 표현주의 스타일로.그의 작품은 "거울 속의 나체", "젊은 여인" 그리고 "가을"^[204]이다.줄스 파스신은 그의 작품에서 추방된 사람들의 뿌리 없는 소외감, 그리고 청소년기 이후 그를 특징짓는 성적 강박관념을 표현했다.그는 섬세한 기술을 가지고 있었는데, 선명한 선과 무지개 빛깔의 음색이 나른하고 나른한 분위기를 드러내며 드가의 영향을 받았다.마놀리타(1929년).^[205]또한 황토색과 노란색을 선호하는 관능적이고 씩씩한 형태의 누드 작가 마르셀 그로메아르와 일본과 서양의 전통과 광택 있는 그래픽을 합성한 푸지타 츠구하루를 기억해야 한다.마치 옻칠을 한 것처럼 (몽파르나스의 살롱, 1928년)

입체파 (1907년-1914년)

이 운동은 르네상스 기원의 공간적 시각 파괴를 통한 현실의 변형을 바탕으로 사물에 대한 시각, 차가운 색채와 조용한 색채의 범위, 그리고 콜라주의 ^[206]도입과 함께 예술작품의 새로운 개념으로 기하학적 그리드에 따라 공간을 구성하였다.그 주요 주창자는 파블로 피카소였다.학술 훈련(뒤에서 여성 누드, 1899년; 앉은 여성 누드, 1899년)에서 그는 여러 시기를 거쳐 결국 큐비즘으로 끝났다.그것은 잉그레스의 영향을 받은 고전주의의 누드라는 주제에서 기억할 가치가 있다.서커스와 인상파 화장실: 솔트림방키스(1904년), 할리킨 가족(1905년), 코이프와의 듀츠(1905년), 말을 이끄는 소년(1905년), 여자, 페르난데 올리비에(1905년), 두 누데스(1906년), 하미트(1906년),1907년에 그는 전통 예술과 완전히 단절된 아비뇽의 젊은 숙녀들을 그렸고, 전통적인 아름다움과 규칙과 비례에 근거한 아름다움에 대해 탄원했다.이미 선택된 주제인 매춘굴은 저항, 반란의 징후를 나타내지만, 변형되어 단순한 기하학적 몸체로 전락한 인물들에 대한 처리도 미의 고전적인 개념을 부정하게 만들고 싶은 그의 욕구를 나타낸다.이 작품에서 피카소는 형상화된 형태와 기하학적 구조의 단순한 선에 기초한 아프리카 조각의 강한 영향을 보여주며, 육체의 표현에 대한 사실적인 감각보다 더 직관적인 감각으로, 육체적 음부보다 영혼의 존재를 더 많이 불러일으키는 스타일을 보여준다.하지만, 사체의 분할은 무작위적인 것이 아니라 굴절의 법칙을 따르며, 아프리카 ^[207]미술의 공간성에서 가져온 날카로운 윤곽과 오목한 평면으로 틀을 짰다.

아비뇽의 젊은 숙녀들은 피카소의 완전한 입체파 단계까지의 짧은 기간인 소위 "흑인 시대"를 시작했는데, 피카소는 또한 옷과 함께 나체 (1907년), 세 여인 (1908년), 그리고 드리아드 (1908년)를 그렸다.완전한 입체파 시대부터, 비록 이 단계에서는 특별히 나체에 전념하지 않았지만, 누드(1910)와 셔츠를 입은 여인(1913)이 눈에 띈다.1917년 폼페이를 방문한 후, 그는 원시 고전 미술의 신선함과 중요한 요소를 재발견했고, 그 해의 바터스의 그림에서 그는 비록 그의 독창성의 예술적 자유로 양식화되고 다루어지기는 했지만, 보다 자연주의적인 형태의 구성을 만들었다.1920년대 초에 그는 오비드와 아리스토파네스의 삽화에서와 같이 보다 고전적인 개념의 나체를 만들었지만, 그것들은 그들에게 활력을 빼앗은 자발적인 객관성의 나체였다, 그것은 나중에 그가 1929년의 붉은 팔 의자에 앉은 누드 여인처럼 그의 형상의 변형으로 돌아왔을 때 재확인될 것이다.그 왜곡은 고의로 잔인하고 신빙성을 떨어뜨리는 것처럼 보입니다이 작품은 고전적인 누드에 대한 시도가 아니라 현대적 누드에 대한 시도로, 인물의 위치가 몇 년 전에 그려진 마티스의 오달리스크를 연상시킨다.여기서 우리는 항상 새로운 길을 찾고 있고 과거와 현재를 막론하고 모든 관습에 반하는 반항적이고 우상 파괴적인 피카소를 볼 수 있다.그런 의미에서, 그는 마네의 "올림픽" (1901-1903), 거울 속의 비너스 (1932), 르 데쥬네 수르 에르베 (1961)와 같은 여러 버전의 고전 미술사를 만들었다.여기서부터 피카소는 석판화 시리즈 Les Deux Femes nues(1945–1946)에서 볼 수 있듯이 점점 더 왜곡된 과정을 거치면서 점점 더 추상화된 인간 형상의 길을 걷기 시작했다.이는 누워서 자고 있는 모습과 깨어 있는 다른 모습(아마도 큐피드와 프시케의 신화에 대한 암시)을 나타내며 자연주의 형태에서 거의 추상화 단계에 이르기까지 연속적으로 나타난다.그의 다른 작품들은 앉아 있는 소녀(1930), 누드(1932), 뮤즈(1935), 해변의 인물(1937), 머리를 빗는 여자(1940), 한국 대학살(1951), 알제리의 여자(1955), 소나무 아래 나체(1956),^[208] 등이다.

큐비즘의 다른 대표자들: 피카소의 스타일을 창안한 조르주 브라크는 그의 큰 누드(1908)는 아프리카의 영향과 리듬감 있는 움직임으로 아비뇽의 젊은 여성들과 큰 유사성을 가지고 있다.Fernand Léger는 그의 작품에서 튜브를 기반으로 한 체적 구조의 형태를 재현했습니다. 그래서 그의 스타일은 "튜브주의"라고 불렸습니다.누드 인 더 포레스트 (1910), 누드 모델 인 더 스튜디오 (1912–1913), 아침 식사 세 여자 (1921), 누드 인 레드 배경 (1923), 레드 배경의 누드 인 더 레드 배경의 세 여자 (1927), 꽃을 든 두 여자 (1954).Robert Delaunay는 파리의 도시(1910)에서 블록으로 구성된 공간과 주변 환경의 형태를 흐리게 하는 미묘한 색채주의를 가진 구성과 기하학적 추상화 사이의 기이한 혼합물을 만들었습니다.조안 미로는 야수주의와 큐비즘을 거쳐 그의 가장 잘 알려진 무대인 초현실주의에 도달했다.꽃을 든 누드(1917년), 거울을 든 누드(1919년), 서 있는 누드(1921년).

조각에서, 알렉산더 아치펜코는 콜라주의 조각 변형인 "건설"의 창시자였다.Women Walking (1912)에서 그는 물질을 이해하는 새로운 방식으로 고체와 공동 사이에 대조를 이루는 구멍을 가진 기하학적 형태로 분해되고 특정 지점에 구멍을 뚫는 새로운 인간 형상의 분석을 도입했다.머리를 빗는 여자(1915년)에서는 아비뇽의 젊은 여자(1916년)의 입체주의 기준을 따랐고, 앉은 여자(1916년)에서는 오목한 공간을 실험한 반면, 여성 토르소(1922년)에서는 공간의 토르소(1935년)로 절정에 이른 과정인 형상의 스타일화를 강조했다.Julio Gonzallez는 작품의 공허함에 의해 강조된 효과를 인체 전체의 표피, 즉 신체의 부재를 나타내기 위해 그의 조각에 철판을 사용했다(Women Bust, 1934; Torps, 1936).앙리 로렌스는 나무와 금속에서 파피에르 콜레와 테이블로브제, 혼합된 방법과 조립에 이르기까지 다양한 재료에서 일했고, 그 후에 종종 그림을 그렸다.다른 작품들과 함께, 여성상은 부채가 있는 여자, 쪼그려 앉은 여자,^[209] 거울이 있는 누드 등 그의 가장 큰 영감의 원천 중 하나였다.

미래주의(1909년-1930년)

20세기의 기술적, 산업적 진보의 가치를 높이고 움직임, 속도, 행동의 동시성 등의 현실적 측면을 부각시킨 이탈리아의 운동, 미래주의는 세상을 변화시키고 삶을 변화시키기를 열망하며 사회의 ^[210]엔진으로서의 이상적이고 다소 유토피아적인 예술 개념을 보여주었다.미래학자들은 특별히 나체에 헌신하지는 않았지만 움베르토 보치오니와 그가 "유한 선과 닫힌 조각상의 폐지"를 추구한 고전적인 "영웅적 나체"의 현대판인 그의 독특한 형태의 공간 연속성(1913년)을 기억할 가치가 있다.이 조각에서 보치오니는 움직임의 인상을 넘어서 조각의 속도와 힘의 개념을 탐구하려고 노력했고, 조각된 표면에 밝은 가치를 부여하는 척했다.그 조각상은 인간의 육체적 한계를 넘어 바람에 나부끼는 깃발과 닮았다.표현된 몸이 보이지 않는 힘에 맞서 싸우며 휘청거리는 것 같다.(물리적인) 결과는 3차원 초상화이지만, 움직이는 ^[211]물체는 4차원인 시간을 도입한다.

다다이즘(1916년-1922년)

전쟁의 재앙에 대한 반작용의 움직임, 다다이즘은 예술이라는 개념에 대한 급진적인 접근을 의미했다. 예술은 논리와 이성에 기초한 어떤 요소도 잃어버리고, 의심, 우연, 존재의 부조리를 주장한다.이는 예술의 주제와 전통 기술에 대한 의문을 제기하고 콜라주, 포토몬티지,^[212] 기성품과 같은 새로운 형태의 구성과 새로운 재료로 실험하는 파괴적 언어로 해석된다.주요 요인은 마르셀 뒤샹으로, 그는 야수파 단계 이후 (Nude with Black Stockings, 1910; Young Girl and Man in Spring, 1911; The Wicket, 1910–1911)에서 입체주의와 미래주의 사이의 합성을 실현했다.신체가 기하학적 볼륨으로 분해되고 여러 겹친 움직임으로 연속화됩니다.이 작품에서 뒤샹은 나체가 중요하지 않은 현실과 거리를 두고 단지 실험의 수단일 뿐이다.스위프트 누드 왕과 왕비(1912년)에서 그는 체스 조각으로 인간의 모습을 표현했다.그의 가장 유명한 작품 중 하나는 납 프레임으로 연결된 두 장의 유리로 구성된 추상적인 나체로 필라델피아 미술관에 설치된 유리 상자에 넣어진 The Large Glass (또는 The Bridge Strikeed Bare by Her Bachelors, Even, 1915–1923)이다.저자가 남긴 설명서에 따르면 신부는 육체적 분리가 사랑을 완성하는 목표를 달성하는 데 방해가 되긴 하지만 자신의 구애를 받는 총각들을 흥분시키기 위해 옷을 벗는다.그의 또 다른 상징적 작품은 기븐 1이었다. 폭포, 2 조명 가스(1944–1966)는 다양한 재료(목조 문, 가스 램프, 벽돌, 가죽, 장작, 플렉시글라스)를 갖춘 설치물로, 여성의 신체가 수풀 위에 누워 있고, 문 구멍으로 보이는 것을 보여주며, 여성을 접근할 수 없고 수수께끼 같은 ^[213]존재로 지칭한다.

다다이즘의 다른 지지자들은: 강한 개인주의적 기질을 가진 파괴적인 예술가인 프랜시스 피카비아, 여성과 아이돌, 갈색머리와 금발, 두 개의 나체, 그리고 다섯 개의 여자들과 같은 나체의 작가이다.맨 레이는 화가, 조각가, 사진가로서, 이 운동의 가장 독창적인 인물 중 하나이며, 창조적인 판타지가 넘쳐났다.그의 가장 유명한 조각품 중 하나는 그리스 비너스를 연상시키는 여성의 몸통이지만 온몸을 감싼 밧줄로 묶여 있는 복원된 비너스이다.

초현실주의(1924년-1955년)

초현실주의는 정신분석의 강력한 영향을 받아 무의식의 ^[214]순수함을 보여주기 위해 이성적인 속박으로부터 마음을 해방시켜 자신을 표현하려는 "자동 글쓰기"라는 개념에서 알 수 있듯이 상상, 환상, 꿈의 세계에 특히 중점을 두었다.그의 선구자 중 한 명인 조르지오 데 키리코는 소위 형이상학 회화의 창시자로, 불안한 분위기, 공허한 공간, 이상한 원근법, 마네킹을 닮은 인조인형을 가지고 있다.페르세우스와 안드로메다, 아리아나, 침묵의 여신상, 로마 여인, 나체 여인, 나체 자화상, 검투사 학교.

살바도르 달리는 20세기 미술의 위대한 천재 중 한 명으로 과대망상증적이고 연극적인 성격을 가지고 있어 그를 괴짜 예술가의 패러다임으로 극찬했다.그는 학문적인 교육을 받았고, 그의 청소년기의 첫 작품은 점묘주의 인상주의에 가까웠다.나중에 그는 야수주의와 큐비즘에서 미래주의와 형이상학 회화에 이르기까지 아방가르드 운동과 관련된 다양한 단계를 빠르게 거쳤다.1928년, 그는 파리에 정착했고, 그곳에서 그는 초현실주의에 입문했고, 그 다음해에 그는 그의 위대한 뮤즈가 될 갈라 엘루아르를 만났고, 그 중 일부는 나체였다.그 당시에 그는 프로이트 정신분석에 관심을 갖기 시작했고, 그가 "망상증 비판적 방법"이라고 부르는 꿈 해석 방법을 발명했다.그의 심리적 성찰의 대부분은 그의 작품에서 반복되는 주제인 성에 초점이 맞춰져 있는데, 이것은 쾌락의 원리와 현실의 원리 사이의 프로이트식 투쟁을 중심으로 전개된다.그의 작품 대부분은 초현실주의 국면에서 왔다.The Great Maurbator (1929), The Blooding Roses (1930), Untitled (William Tell and Gradiva) (1931), Masochistic Instrument (1933–1934),꿈은 남자의 어깨에 손을 얹는다(1936년), 황금시대- 유대류 센타우루스 가족(1940년-1941년), 대구꼬리가 달린 나체의상(1941년), 꿀이 피보다 달콤하다(1941년), 벌이 석류 주위를 날아다니면서 생긴 꿈(1936년)호메로스의 신전(1944-1945), 내 아내, 벌거벗은 몸, 자신의 몸을 보는 것(1945), 성 안토니오의 유혹(1946년) 등.

1940년에서 1955년 사이에 그는 미국에서 살았고, 1947년부터 그는 황금섹션에 기초한 원근법뿐만 아니라 종교적 신비주의와 원자물리학에 관심을 갖게 되었다.이 시기부터의 작품은 레다 아토미카(1949년, 레다가 그의 아내인 갈라), 파리의 심판(1950년), 십자가 처형(1954년), 달리, 나체, 두 청소년(1954년)이다.그는 나중에 스페인으로 돌아와 박물관을 설립하는 일에 전념했고, 계속 일하면서 피게레스의 달리 극장 박물관 설립에 전념했다: Gala Nude From Behinding in a Invisible Mirror (1960), Untitled (St. John), Tunch Fishing (1966–1967), 환각 (Invisorenic)서 있는 여성 누드(1974년), 20미터 지점에서 아브라함 링컨의 초상화가 되는 지중해를 바라보다 - 로스코에 대한 오마주(1974년-1975년), 달리의 손이 구름 형태로 황금 양털을 그리며 새벽을 완전히 드러내고 있다.클로드 로레인의 오스티아에서 승선하는 로마의 성 파울라에서 영감을 얻어 어린이 여성을 위한 제국 기념비(1977년, 부게로의 레 오레아데스에 근거)달리는 또한 조각가이기도 했다. (The Best of A Retrospective Woman, 1933; Hististical and Airdynamic, Nude – Woman on the Rock, 1934; Venus de Milo with Drawers, 1936; Milo with Drawers, 1936; 미슐랭의 노예, 1964; 미켈란젤로의 죽어가는 미슐랭의 노예; 미슐랭 바퀴로; 1969; 뉴턴에 경의를 표함)사진작가 Philippe Halsman과 여러 사진 합성 작업을 함께 했습니다.우주 달리(1948년), 7명의 나체 여성의 몸으로 구성된 인간의 두개골(1951년).^[215]

Paul Delvaux는 일종의 비유적인 그림으로 그려졌지만 이상하게도 혼란스러웠다.그곳에서는 잠결에 걷는 듯한 인물들이 피에로 델라 프란체스카와 르네상스 시대의 시각에 영향을 받아 건축이나 풍경 공간을 배회하고 있었고, 나체 여성이 열렬한 관음증(관음증)으로 그들을 바라보는 남성들과 공존하고 있었다.혹은 바로크 양식의 바니타 장르를 연상시키는 해골들로 악몽 같은 에로티시즘의 분위기를 재현할 수 있었다.델보는 에로스와 타나토스의 결합으로 종종 죽음과 관련된 비관적인 사랑의 비전을 전달한다.그래서 그는 잠자는 도시(1938년)에서 나체여성이 몽유병자처럼 돌아다니며 꿈의 여인, 얻을 수 없는 신화를 표현하고 한 남성이 이들을 속수무책으로 지켜보는 야행성 도시를 제시한다.피그말리온(1939년)에서 그는 그 역할을 뒤집고, 벌거벗은 여자가 남자 동상을 껴안는다.의회(1941년)는 이미지의 사실성에도 불구하고 벌거벗은 여성들이 눈치채지 못한 채 자신들의 문제를 논의하는 남성들 사이를 걷는 불안한 분위기를 재현한다.The Public Road(1948년)에서 그는 Giorgione 또는 Titian을 연상시키는 뒤로 젖혀진 비너스를 선보이지만, 길 한가운데에 위치하고 그녀를 향해 나아가는 전차 앞에 위치해 있다.그의 다른 작품들은 다음과 같다.인생의 즐거움(1929년), 위기(1930년), 님프 목욕(1938년), 방문(1939년), 도시 진입(1940년), 달빛 인어(1940년), 결혼(1941년), 비너스 잠자고 있는 대화(1944년), 거울 앞의 여자(1945년), 에니그마(1946년)

르네 마그리트는 그가 묘사하는 사물의 모호함을 강조하면서 종종 강한 에로틱 함축과 환상적이고 기묘한 것, 그리고 불안한 분위기에서 종종 강한 에로틱 함축과 함께 공존하는 작품을 개발했다.마술사의 공범(1927년)에서 작가는 사실적인 그림에도 불구하고 상상의 여지가 있는 몽환적인 분위기를 연출한다.그는 '그랜저의 망상'(1961)에서 여성의 몸통을 세 부분으로 분할해 올라가면서 좁아지는 모습을 정교하게 그려 유명한 바벨탑처럼 지그구라트 모양을 만들었다.강간(1934)은 얼굴이 벌거벗은 몸통으로 대체되는 얼굴이다. 눈은 가슴이고 입은 치골이다.그의 다른 작품들은 위험한 관계들(1926), 숲(1926), 극광(1927), 거대한 날들(1928), 집단 발명(1934), 빛과 어둠 사이의 목욕(1935), 악마의 꽃(1946), 화염의 바다(1946), 올림피아(1947), 영혼의 자유(1948)이다.

Oscar Domynguez는 인간 활동의 원동력으로서 유머와 욕망을 결합하는 젤라틴 같은 일관성을 획득하는 물체의 자동 연관성을 만들었다.전기성 재봉틀(1935년)에서는 벌거벗은 여성의 몸을 엎드린 채 육식 식물이 발을 집어삼키고 황소의 머리에서 흘러나오는 깔때기를 통해 등에 피가 떨어지는 산업시대의 기계성과 성적 요소가 결합되는 몽환적인 헛소리를 보여준다.그것은 섹스와 죽음이 뒤섞인 가학적인 에로티시즘의 표현이다.황소는 원시인, 삶과 죽음의 투쟁을 나타내며, 기계는 주변 환경에 ^[218]대한 인간의 의지의 이성적이고 승리를 나타냅니다.

나체를 연습한 다른 초현실주의자들은 다음과 같다: 막스 에른스트는 다다이스트 훈련 때문에 콜라주에서 일했고, 미친 사람들이 만든 불합리성과 예술에 큰 관심을 보였다:위대한 연인(1926년), 젊은 누드(1926년), 신부의 옷차림(1940년), 안드레 마송은 가도마조히즘에 관심을 갖고 제스처리스트적이고 공격적인 작업을 했다.미로의 영향을 받은 수학 나체(1928).

조각에서 콘스탄틴 브란쿠시는 추상화에 가까운 가장 엄격한 단순성을 향해 인간의 형상을 축소하는 과정을 수행했다.알베르토 지아코메티는 그의 뒤를 따랐는데, 그는 그것을 "투명 구조"라고 불렀고 매우 길쭉하고 수척하여, 서 있는 나체(1953년), 키가 큰 여자(1960년)라는 남성의 고립을 보여주었다.한스 벨머는 인형과 같은 다양한 자세로 관절 마네킹을 가진 가학성 에로티시즘을 실천했다.헨리 무어는 많은 그의 작품에서 인체에 의해 영감을 받았는데, 이것은 인체의 기본 형태를 묘사하기 보다는 단순하고 역동적이며 기복이 있는 선으로 신체가 윤곽을 드러내는 형태의 추상화를 포함합니다.거짓말하는 모습(1938년)과 누워있는 모습(1951년)과 같은 그의 작품들 중 일부는 막연히 일리소스나 디오니소스 같은 파르테논 신전의 인물들을 연상시키지만 바위에 ^[219]바다의 침식을 불러일으키는 곡선을 그리며 길게 흐르는 형태로 도식화됐다.

Frida Kahlo의 개인적이고 분류할 수 없는 작품은 초현실주의와 관련이 있으며, 그녀의 등뼈와 남편의 배신을 파괴한 사고로 고통받는 그녀의 삶을 그녀의 캔버스에 반영하고 있다.그녀의 첫 누드 중 하나는 Desnudo de Mujer India(1929년)로, 그녀는 이미 그녀의 스타일을 보여주었고, 환상적인 구성과 강렬한 색채가 풍부한 일화적인 요소들을 가지고 있다.'우노스 쿠안토스 피케티토스'(1935년)에서 그녀는 질투심에 의해 저질러진 잔인한 실제 살인을 표현했다.그때 살인자는 "그러나 그것은 단지 몇 개의 피케티토였다!"라고 말하며 자신을 방어했다.그 장면은 작가가 그녀의 남편의 여동생과의 불륜에 대한 고통을 투영하는 장면이다.그녀가 일을 ^[220]끝내자마자 칼에 찔린 상처로 증명된 사실숲의 두 누드(1939)에서는 두 명의 나체 여성이 등장하는데, 하나는 피부가 희고 다른 하나는 피부가 검다. 그리고 하나는 다른 하나의 위에 기대고, 하나는 죄의 상징인 원숭이에 의해 관찰된다: 첫 번째는 레즈비언 사랑의 그것이고, 두 번째는 프리다의 이중 자화상이 될 것이다.유럽인과 ^[221]멕시코인의 두 가지 본성을 포착한 거죠부러진 열(1944)는 강철 코르셋을 보여주는 자체화화, 그녀의 몸 속에 노출되어, 그녀의 몸 속에 드러났지만, 그 모습이 눈에 띄워졌다.[222]

아르데코(1925년-1945년)

Art^{[Note 16]} Deco는 1920년대 중반 프랑스에서 등장한 운동으로 인테리어와 그래픽, 산업 예술의 혁명이었다.부르주아 대중을 주로 겨냥하여, 소위 벨 에포크라고 불리는 이 작품은 과시성과 사치를 돋보이게 했으며, 광고 일러스트(에르테)와 포스터 디자인(카산드레)에서 특히 발전했다.그림에서 타마라 드 렘피카의 작품은 눈에 띄었다: 그녀는 나비 모리스 데니스와 입체파 앙드레 로테와 함께 훈련했고, 잉그레스에게 큰 매력을 느꼈으며, 그녀의 작품은 "잉그레시아 입체파"라는 별명을 얻었다.나중에 그녀는 초현실주의 국면을 겪었고, 그리고 나서 특정 신고전주의로 나아갔다.그녀의 누드는 마치 패션잡지에서 나온 것처럼 우아하고 세련된, 사치스럽고 화려하지만 때로는 반항하는 듯한 마초 사회의 지시에 따라 활력 넘치는 내면의 힘을 드러내는 현대 여주인공이 되는 여성을 보여준다.천상의 비너스와 세속적인 비너스의 고전적인 이분법과는 대조적으로, 렘피카는 제3의 유형의 여성을 창조한다.신성한 것도 아니고 접근할 수 없는 것도 아니지만, 저속한 것도 아니고 비난받을 만한 것도 아니다.그녀의 성을 방해받지 않고 남자들에게 존경받고 존경받는 현대 여성이다.유행을 따르는 상류 사회의 여성그녀의 작품 중 눈에 띄는 것은 다음과 같다.두 친구(1923년), 원근법(1923년), 잠자는 소녀(1923년), 앉은 누드(1923년), 리듬(1924년), 테라스 누드(1925년), 모델(1925년), 네 명의 여성 누드(1925년), 꿈(1927년), 안드로메다(1927년), 핑크색 라파엘 셔츠(1927년) 등이다.아담과 이브(1932년), 수잔나 인 더 배스(1938년) ^[223]등

스페인

스페인에서는 많은 스페인 예술가들이 국제적인 아방가르드(피카소, 달리, 미로)의 선구자였지만 예술적 아방가르드 구현은 더 느렸다.세기 초에 스페인 예술계는 여전히 학술주의에 의해 지배되었고 인상주의와 모더니즘(특히 카탈루냐에서)과 덜 공존했다. 인상주의와 모더니즘은 1910년대에 지중해 영감의 고전주의 운동인 누센티즘으로 대체되었다.그럼에도 불구하고, 새로운 흐름, 특히 입체주의, 표현주의, 초현실주의가 조금씩 도입되었다.이러한 환경에서, 누드는 한반도에서 행해진 이전의 모든 예술보다 훨씬 더 빈번한 주제였고, 많은 스페인 예술가들이 누드 작품으로 국제 대회에서 경쟁했다.예를 들어 훌리오 로메로 데 토레스는 그의 명성의 많은 부분을 그의 학구적인 누드 덕분이었지만, 그의 시작 때 비도라스 델 아모르(1906년)처럼 점묘주의에 유혹당했지만 곧 그것을 버렸고, 그의 코르도반 출신 특유의 극적이고 관능적인 느낌으로 그것을 버렸다.집시뮤즈(1908년), 사랑의 제단(1910년), 신(1913년), 시의 비너스(1913년), 은총(1915년), 라이벌 관계(1925년-1926년), 소싸움 예술에 대한 선물(1929년), 칸테존도(1929년), 트리니의 손녀(1929년) 등에서 볼 수 있다.이그나시오 줄로가가는 툴루즈 로트렉의 영향을 받았지만, 그의 작품은 이탈리아인, 만티야와 카네이션(1915년)과 라 오테리토(1936년)가 돋보이는 코스튬브리스트 양식의 작품들로 프라도의 거장들에게서 힘을 받고 있다.다른 뛰어난 예술가들: 호세 구티에레스 솔라나, 마르셀리아노 산타 마리아, 1910; 피규어 데 로망스, 1934; 페르난도 알바레스 데 소토마요르, 1904; 엘라파 1907; 유러파, 인도.후벤투드 데 바코), 가브리엘 모르시요(알레고리아 아 바코, 판타시아 모리스카), 에두아르도 치차로(Los amores de Armida y Reinaldo, 1904; Las tentaciones de Buda, 1922), 에우제니오 헤르모소(Egenio Hermoso, 엘바노 데 라자갈라스 자갈라스 자갈라스, 1923, 1923; Tiero, 1923; Fauna, Fa, Fauna, Fara, Fara, Fa, Fara, Fauna, Far1926년, 데스누도 피츠버그, 1926년, 데스누도스 루즈 솜브라, 1929년, 네스토르 마르틴-페르난데스 데 라 토레(Adagio, 1903년, Calma, Pleamar y Borrasca de la Poema del Atlanicto, 1918년-1924년, Juan de Echevarria, 1923년, Mestiza, 1923년)1909년, 호아킴 수네르(Pastoral, 1911; Paisje con cuatro desnudos, 1915; Desnudo en el campo, 1925), 아우렐리오 아르테타(Bannistas, 1930; Hombres del Mar, 1932), 호세프 마리아 세르트(Francisco de Vitoria in Palisa fatia in Pal desna, 제네바),조각 분야에서는 다음과 같이 언급할 수 있습니다.마리아노 베네리우레(Maja desnuda, 1902), 엔릭 클라라소(Eva, 1904), 호세프 리모나(Desp Llimona, 1907), 미겔 블레이(Eclosiön, 1908), 마테오 이누리아(Deseo, 1914; Forma, 1920), 호세파 1907 클라라소(Crepu)빅토리오 마초(산티아고 라몬 이 카할 기념, 1926), 파블로 가르갈로(그란 발레리나, 1929; 엘 프로페타, 1933) ^[224]등

최신 동향

제2차 세계대전 이후, 예술은 시간이 지나면서 점점 더 빠르게 서로를 따라가는 스타일과 움직임과 함께 아찔한 진화적 역동성을 겪어왔다.역사적 아방가르드로부터 시작된 현대 프로젝트는 액션 아트, 개념 아트 등 물질적 실현보다 예술의 지적 기원을 강조하는 다양한 반물질적 스타일로 절정에 달했다.일단 예술에 대한 분석적 성찰의 이 수준에 도달하면, 예술 역사에서 흔히 볼 수 있듯이, 다른 스타일이 서로 대립하고 대립하는, 그리고 그 반대인, 즉, 그 물질적, 미적 요소를 받아들이면서 예술의 고전적인 형태로 되돌아가는 역효과가 발생했다.그리고 혁명적이고 사회를 파괴하는 성격을 버리죠.앙심을 품지 않고 뻔뻔하게 다른 기법과 스타일을 넘나들며 예술가의 본질로 장인의 작품으로 회귀하는 포스트모던 미술이 이렇게 탄생한 것이다.마침내, 21세기 말에, 새로운 기술과 지원들이 예술 분야에 등장했다: 비디오, 컴퓨터, 인터넷, 레이저, 홀로그래피 등.^[225]

비공식주의(1945년-1960년)

비공식주의는 예술가의 표현력에 기초한 경향의 집단으로, 예술의 이성적인 측면 (구조, 구성, 색채의 선입견적 적용)을 포기합니다.비록 몇몇 예술가들은 작품의 물질적 뒷받침이 관련된 구성을 유지하고 있지만, 그것은 매우 추상적인 예술이다. 그것은 어떤 주제나 구성에 대한 주도적인 역할을 한다.그것은 미국의 타키즘, 아트브루트, 물질화, 추상표현주의 등 다양한 흐름을 포함한다.비공식주의 화가들은 전쟁의 공포를 직접 경험했기 때문에 그들의 작품에는 비관주의가 배어 있습니다.그것은 공격적인 작품으로 해석됩니다.그곳에서는 두부페와 같은 예술가들의 작품에서 볼 수 있듯이 인간의 형상이 훼손되고 변형되고 찌그러지며 인간의 연약함과 취약성을 강조합니다.형상을 황소처럼 열어젖히는 자, 인간의 형상을 변형시켜 나체로 만드는 자, 또는 흑백으로 괴물을 만들어내는 안토니오 사우라, 심지어 브리짓 바르도 같은 미녀까지.이 작가들은 아름다움, 누드, 조화, 그리고 학문적 예술이 대문자로 다루었던 모든 이상을 파괴하려고 한다.그들은 서구 문화로부터 거리를 두었고, 서구 문화에서는 이러한 공포가 생겨났으며, 원시주의로 돌아갔으며, 인류의 태동기에 이르기까지 거리를 두었습니다.그렇게 하기 위해 그들은 진흙, 석고, 자루 등과 같이 더럽고, 유해하고, 가치가 없는 것으로 여겨지는 새로운 물질을 사용한다.붓을 사용하는 대신 자신의 손으로 캔버스를 긁어 제스처 ^[226]효과를 강조하기도 한다.

장 푸트리에 씨는 종이 지지대 위에 다양한 색 질감으로 만들어진 형상이 변형된 부분을 누드 형태로 만들어 석고와 접착제로 처리한 뒤 잉크와 가루로 만든 원료를 그리거나 긁어서 원하는 이미지를 얻을 때까지 도포했다.Jean Dubuffet은 1950년에 그의 일련의 "Bodies of a Lady"라는 제목의 반미니안적인 제목으로 시작했는데, 이는 몸의 중요성과 여성에게 높은 존엄성을 주는 "Lady"라는 의미의 영성을 대비시키기 위해서이다.-원료로 만들어지고, 긁힌 자국을 그리고, 몸을 지지대 위에 짓눌린 덩어리로 취급한다.정육점에서처럼요^[227]Willem de Kooning은 여성 누드를 만들었지만, 색채가 훌륭하게 왜곡되었다.그의 여성 시리즈(1945~1950)는 외설적인 길거리 ^[228]그림뿐만 아니라 선사시대 다산의 여신들을 떠올리게 하는 윤곽을 가지고 공격적이고 표현적인 방식으로 여성 형상이 색상의 반점으로 전락하는 형태와 추상화의 중간쯤에 있다.

안토니 타피스는 기본적으로 추상적인 화가이지만, 그의 작품에서 때때로 인간의 신체 일부, 특히 성기를 도식적인 형태로 소개하는데, 종종 타락한 것처럼 보이기도 하고, 신체는 찢어지고, 폭행당하고, 뚫린 것처럼 보인다.이는 화상으로 분해된 삼겹살 형태의 인체 몸통(1953년), 무릎을 꿇고 있는 여성상인 황토색과 분홍색 부조(1965년), 겨드랑이 형태의 물질(1968년), 겨드랑이를 보여주는 몸통 형상에 실제 털을 더하는 신체(1986년)에서 볼 수 있다.그리스 지옥 타르타로스라는 단어로 강조되는 죽음을 연상시킨다.물 1일(1987년)에서 우리는 회색 페인트로 물든 물결 속에 잠겨 영웅과 리안더의 전설을 떠올리게 하는 시체를 본다.그의 다른 작품들은 다음과 같다.두 그림(1980), 바니쉬 누드(1980), 토르소(1980), 프라즈나 = 디아나(1993), 남성(2002), 블랙 저지(2008) ^[229]등

새로운 구성(1945~1960)

비공식적인 추상화에 대한 반응으로, 특정한 표현주의 영향과 완전한 구성의 자유를 가지고 형태를 회복하는 운동이 일어났다.비록 구성이 바탕이 되었지만, 이것은 현실성이 있는 것이 아니라, 예술가의 취향에 따라 변형되거나 도식화될 수 있다는 것을 의미했다.실존주의 철학과 인간에 대한 비관적인 시각은 이 스타일의 기원에 결정적인 영향을 미쳤고, 그것은 박자 운동과 분노하는 젊은이들과 연결되었다.이 작품의 주요 대표주자 중 한 명은 프랜시스 베이컨이었는데, 그는 개인적이고 고독한 궤적을 가지고 있으며 아방가르드와는 동떨어진 화가였다. 1930년대에 그림을 그리기 시작했을 때, 그는 초현실주의적이거나 추상적이지 않다는 이유로 거절당했다.1944년에 그는 그의 모든 이전 작품들을 파괴하고, 그의 가장 개인적인 스타일을 십자가에 못 박힌 세 개의 그림 연구로 시작했다. 그는 전통적인 매체인 세 개의 그림을 사용하여, 나체가 변형되고, 취약하고, 조롱당하고, 비현실적인 공간에서 틀에 박힌 인물들을 노출시키기 위해, 억압적이고, 억압적인 인물들을 둘러싼 상자들과 비슷합니다.괴로운 분위기수컷과 암컷 모두 그의 나체는 비뚤어진 살덩어리처럼 보이며 필사적인 생존을 위해 몸부림치고 있다.그것들은 기름진 농도와 시체의 창백함을 가지고 있으며, 인공적인 전구 같은 빛으로 강조되며, 사람의 살보다는 도살자의 고기를 닮았습니다.그는 미술을 매우 좋아했고, 종종 프라도 미술관을 방문했습니다. 그는 벨라스케스나 렘브란트의 많은 작품을 버전화했습니다.그의 다른 작품들은: 웅크린 나체를 위한 연구 (1952), 나체 (1960), 누워있는 모습 (1966) 등이다.^[230]

루시안 프로이트에게 누드는 그의 주요 주제 중 하나였고, 그는 정맥과 근육에서부터 주름과 피부의 불완전함에 이르기까지 어떤 세부 사항도 빠뜨리지 않고 사실적이고, 적나라하고, 세밀한 방법으로 다루었다.그들은 생피, 표피, 표현력, 친밀한 나체이다. 인간은 세상에 태어나면서 아무런 장신구도 벗어버린다.그들은 다소 괴로운 나체이다. 왜냐하면 그것들은 인간적인 육체의 나약함, 우리의 세속적인 이동의 외로움을 반영하기 때문이다. 그들은 우리에게 삶의 부패성을 상기시킨다.그의 첫 누드들은 그의 잠자는 누드(1950)처럼 여전히 이상화된 학구적인 톤을 가지고 있지만, 그의 딸들 중 하나인 MNaked girl 웃음(1963년)에서처럼 느슨한 붓놀림과 강렬한 색채주의로 조금씩 표현력이 높아진다.1960년대와 1970년대 사이에 그는 친밀하고 근심 없는 자세로 사진을 연상시키는 액자에 인물들을 그려넣고 강렬한 빛과 강렬한 색채와 강렬한 색채주의로 강렬한 색조를 띠며 색색의 점으로 배열된: 벌거벗은 소녀 잠자는 모습(1968년)에 도달했다.쥐를 든 벌거벗은 남자(1977~1978), 로즈(1979), 착석한 모습(1980~1982), 침대 위의 벌거벗은 남자(1987), 뒤에서 본 벌거벗은 남자(1992), 두 여자(1992), 그리고 신랑(1993), 작업 중인 화가, 반성(1993), 푸른 발톱을 가진 플로라(2000-2001), 벌거벗은 팬에게 놀란 화가 (^[231]2005년).

발서스는 젊은 청소년의 성적 각성이라는 주제에 사로잡힌 화가였다.그는 나른한 외모와 강렬한 조명의 인테리어에서 다소 순진한 에로티시즘으로 표현하곤 했지만, 어떤 괴팍한 분위기를 나타냈다.기타 레슨(1934년), 거실(1941년–1943년), 잠자는 소녀(1943년), 침실(1947년), 방(1952년), 거울 앞의 누드(1955년), 목욕 준비 중인 젊은 여성(1958년), 거울 속의 고양이(1977년–1980년), 누드(1985년),^[232] 잠복(1983년)이반 올브라이트는 퇴폐, 부패, 그리고 시대의 전리품들을 매우 감정적인 강도로 엄밀하게 묘사하는, 세심한 문체로 소위 마술적 사실주의라는 틀에 박혀 있다.

조각에서 제르메네 리치에, 길쭉한 팔다리를 가진 양식화된 형상을 한 지아코메티의 전철을 밟은 저메인 리치에, 마치 부패한 것처럼 찢어지고 너덜너덜한 모습으로, 공허함과 물질에 동등하게 중요성을 부여했다(Landes의 양치기, 1951년), 페르난도 보테로,부풀어 오른 인형을 닮은 대형 피규어의 저자(여성 토르소(La Gorda), 1987; 거울을 든 여성, 1987; 유럽의 강간, 1994).

팝아트(1955~1970)

그것은 영국과 미국에서 추상적 표현주의를 거부하는 운동으로 나타났는데, 여기에는 광고, 사진, 만화, 대중매체 등의 세계에서 이미지를 가져다가 대중의 영감의 뚜렷한 요소를 가지고 있는 일련의 작가들이 포함되어 있다.팝아트는 히피 운동이 주창했던 1960년대 성적 해방의 틀 안에서 섹스를 부끄러워하지 않고 자연스러운 것으로 가정했다.팝아트로 여겨지는 첫 번째 작품은 리처드 해밀턴의 "오늘의 집을 그렇게 다르게 만드는 것은 무엇인가?"(1956)로, 런던 화이트 채플 아트 갤러리에서 열린 "디스 이즈 투모로우" 전시의 포스터였다; 그것은 현대화 요소로서 소비주의를 높인 포토논티지였다.일상의 물건들이 예술품이 되고 보디빌더와 반쯤 잠든 여성이 등장하는 장면.^[233]

톰 웨셀만은 시리즈 '그레이트 아메리칸 누드'(1960년대)에서 나체가 소비자 상품으로 보여지는 일련의 작품들을 만들었고, 작품의 평면성과 마티시안적 뿌리로 강조된 플레이보이 타입의 에로틱 잡지에 가깝다.다양한 장식물, 과일 또는 꽃과 함께 가장 객관적인 신체 부위(빨간 입술, 하얀 치아, 금발 머리, 돌출된 가슴)를 강조 표시합니다.몸은 부풀릴 수 있는 인형과 같이 차갑고 인위적인 일관성을 가지고 있으며, 대개 비키니가 남긴 전형적인 하얀 부분을 더 그을린 나머지 신체와 대조시킨다.시리즈 욕실(1963년)에서 그는 자신의 전형적인 누드화가 커튼, 수건, 세제, 매니큐어 등 실제 물체와 함께 나타나거나 반쯤 열린 문을 통해 보여 관음증 효과를 강조하는 입체감으로 옮겨갔다.정물화(1963년)에서 누드 여성이 오목한 재떨이(여성의 상징)와 담뱃불을 들고 순수한 색채의 다소 ^[234]촌스러운 환경에서 등장한다.

멜 라모스는 콘플레이크양(1964년)이나 필립 모리스에서처럼 핀업처럼 보이는 여성 인물과 함께 포르노에 가까운 보다 명백한 에로티즘의 작품을 제작했다. Tobaco Rose(1965년.로이 리히텐슈타인은 만화와 유사한 이미지를 전문으로 다루어 인쇄 과정의 특징적인 특징까지 부각시켰다.1993년과 1994년 사이에 그는 누드 시리즈를 만들었다. 누드 사고, 두 누드, 파란 머리 누드

뉴 리얼리즘 (1958~1970)

주변 현실, 소비지상주의, 산업사회에서 영감을 얻은 프랑스 운동으로 팝아트와는 달리 해로운 소재를 특히 선호하며 가장 불쾌한 면을 추출한다.그 주요 대표주자 중 한 명은 개념과 액션 예술의 선구자였던 혁명적인 예술가 이브 클라인이었다.그의 "청색 시대" 동안, 그는 강렬한 초청색으로 단색의 그림을 그렸고, 그는 고전적인 비너스에서 영감을 받아 여러 개의 나체 조각품을 만들었지만, 푸른색으로 물들였고, 미켈란젤로의 죽어가는 노예의 버전도 만들었다.그는 또한 클로드 파스칼의 부조 초상화와 아르만의 부조 초상화와 같이 모두 나체이고 파란색으로 칠해진 그의 친구들의 석고 깁스를 여러 개 만들었다.1958년 그는 자신의 "인류계"를 시작했는데, 그는 "살아있는 붓"이라고 불렀던 누드 모델이 캔버스에 누워 캔버스에 그려진 그녀의 몸의 자국을 남겼고, 캔버스에 몸의 위치나 움직임에 따라 다양한 자국을 남겼습니다.때로는 모델을 캔버스 앞에 놓고 페인트를 뿌려 실루엣을 표시하는 네거티브 인체측정법도 만들었다.클라인은 종종 대중 앞에 있는 갤러리에서 음악과 함께 저녁 ^[235]식전주제를 맛보면서 이러한 깨달음에 부여한 스테이징 때문에 이러한 경험들은 사건의 서막과 동시에 바디 아트의 기원을 나타낸다.

액션 아트(1960년 이후)

예술 창작 행위에 근거한 다양한 경향입니다.중요한 것은 작품 자체가 아니라 예술가와 더불어 대중이 자주 개입하는 창작 과정입니다.즉흥의 큰 요소입니다.해프닝, 퍼포먼스, 환경, 설치 등 다양한 예술적 표현을 망라하고 있습니다.일본의 구타이 그룹 멤버는 선구자라고 할 수 있다.시라가 가쓰오씨는 「백 투 더 머드」에서, 진흙에 나체로 몸을 담그고, 죽음을 생각하면서, 원초적인 물질로 되돌아가는 행동을 했다.이들은 제2차 세계대전의 경험으로 매우 두드러졌다.유럽에서는 플럭서스 그룹과 볼프 보스텔 같은 예술가들이 눈에 띄었는데, 그는 여러 번 나체를 개입시키는 일을 저질렀다. 재난(바기나 시멘트 거푸집)(1972년)에서는 열차 객차와 나체 여성을 철근 콘크리트로 24시간 동안 움직이지 못하게 했고, 판당고(1975년)에서는 바이올린 2개를 위한 콘서트를 만들었다.오퍼레이터와 모델: 그가 바이올린을 연주하는 동안, 산악 체인을 가진 오퍼레이터는 자동차 문을 잘랐고, 벌거벗은 모델은 눈을 가린 채 귀를 기울였다.Vostell의 행동은 사회적 불공정, 자연 파괴, 군비 경쟁, 여성에 대한 차별 및 기타 유사한 원인을 ^[236]규탄하는 것을 목표로 하는 강력한 정치적 요소를 가지고 있었다.

하이퍼리얼리즘(1965년부터)

1950년대와 1960년대에 유행한 미니멀리즘에 대한 반작용으로, 이 새로운 비유적 흐름은 거의 사진적인 측면과 함께 모든 세부 사항에서 매우 정확하게 포착된, 현실에 대한 최상급과 과장된 비전을 특징으로 한다.존 카세레는 여성의 신체, 특히 성별과 엉덩이의 파편을 꽉 끼는 팬티로 그린다.조각에서, John De Andrea는 강한 성적 흥분으로 누드를 만든다.스페인에서 안토니오 로페스 가르시아는 학술작품의 작가이지만, 현실의 가장 세심한 묘사가 마술적 사실주의에 가까운 막연한 비현실적인 측면과 결합되어 있다.그의 누드 중 몇 가지는 다음과 같다: 사진 효과의 작품인 욕조 속의 여자, 욕실 타일에 반사되는 전등 환경에서 한 여자가 목욕을 하면서 강렬하고 활기찬 구성을 만든다; 그가 20년 이상 작업하고 미완성 상태로 남겨둔 작품인 남자와 여자.남성과 여성의 공통된 프로토타입을 만드는 것을 목표로 하고 있으며,^[237] 이를 위해 그는 거리에 있는 모든 사람에게 대응할 수 있는 표준 형태로 다양한 모델의 여러 노트를 작성했다.

개념미술(1965~1980)

미니멀리즘의 재료 제거 후 개념 예술은 예술 창작의 정신적 과정에 초점을 맞추기 위해 재료 기저를 포기했고, 예술이 대상이 아닌 아이디어 안에 있음을 확언했다.언어 개념 예술, 아르테 포베라, 바디 아트, 랜드 아트, 바이오 아트 등 여러 가지 경향을 포함합니다.페미니스트 예술과 호모에로틱 예술과 같은 다양한 장르의 사회적 정당성도 이러한 추세에 포함될 수 있다. 페미니스트나체와 관련하여, 특별한 관련이 있는 것은 신체 예술로, 특히 폭력, 섹스, 과시주의 또는 특정 신체 현상에 대한 신체적 저항과 관련하여 신체와 관련된 다양한 주제를 다루었다.이 움직임에는 두 가지 선이 분명히 있습니다.작품이 더 가치 있는 미국적인 분석적인 부분, 중요하고 순간적인 요소, 인식과 시청자와의 관계를 더 가치 있게 여기는 부분, 비디오로 기록되는 부분, 그리고 유럽적인 부분, 더 극적인 부분.이는 보다 객관적으로 신체를 다루며 복장, 문신, 고통과 같은 문제를 다루며 사진, 메모 ^[238]또는 그림을 통해 결과를 기록한다.

그것의 가장 위대한 지수 중 한 명인 데니스 오펜하임은 몸의 일부를 하얗게 만드는 태닝을 실험했다.스튜어트 브리스리는 피를 흉내내면서 몸에 반점을 만들었다.빈의 행동주의 그룹(귄터 브루스, 오토 뮐, 헤르만 니치, 루돌프 슈바르츠코글러)은 자신의 몸을 자해했다.유리 메센-자신(Yuri Messen-Jaschin)은 바디 페인팅에 초점을 맞추어 사이키델릭 색상과 생물학적 색상으로 벌거벗은 몸을 전체적으로.Urs Lüthi는 다양한 매체(사진, 그림, 조각, 비디오)를 사용하여 자신의 몸을 탐색하고, 키치한 자화상을 통해 신체, 시간, 삶, 그리고 타인과의 관계에 대한 반성을 구성하는 강한 아이러니한 충동을 가졌습니다.2001년 베니스 비엔날레에서 그는 그의 가장 잘 알려진 작품 중 두 작품(Run for your life and Placebos and replaces)을 선보였는데,^[239] 여기서 중심 주제는 과도한 육체 숭배이다.

페미니스트 예술은 그녀의 본질, 물질적, 정신적, 그리고 그녀의 성적 조건 페미니스트menstr 페미니스트motherhy 등에 초점을 맞추어, 대상이 아닌 한 인간으로서의 여성의 이미지를 정당화하려고 노력해왔다.도발을 통해 필요하다면 양심을 뒤흔드는 충격적인 작품들로 시청자를 성찰하게 하려는 시도인 메시지다.성별 차이를 희석시키는 방법 중 하나는 몸의 부패나 훼손을 통해 왔다. 따라서 도나 하라웨이는 중립적이고 트랜스인간의 신체를 만들고 이를 "사이보그 몸"^[240]이라고 부른다.Cindy Sherman은 성별을 명확히 하기 위해 일부러 못생기고 혐오스러운 여성 나체들을 만든다.Judy Chicago는 Red Flag(1971년)와 같은 작품에서 여성의 가치를 단순히 아름다운 신체 이상의 것으로 옹호한다.조이 레너드는 쿠르베의 '세계의 기원'에서 영감을 받은 그녀의 시리즈 '바질'(1990년)에서와 같이 가장 더러운 현실에서 몸을 보여준다.Kiki Smith는 ^[241]산란학적 요소로 생식의 과정을 강조하면서 조각난 사체의 깨지기 쉬운 조각품을 만듭니다.

1970년대에, 강간 반대 여성 단체인 "강간에 반대하는 여성들"은 그림에서 여성의 나체를 표현하는 것이 일종의 강간이라는 점을 고려해 비판했습니다.1980년대 게릴라걸스는 메트로폴리탄 박물관에 들어가려면 여성이 나체여야 하는가라는 슬로건을 내걸고 이 박물관의 현대미술가 중 여성이 5%도 안 되지만 나체의 85%가 ^[138]여성이라는 점을 부각시켰다.

최근 가장 성공한 예술가 중 한 명인 제니 새빌은 특이한 시각에서 본 인물들로 거대한 작품을 만들어냈다. 제니 새빌은 몸이 마치 공간을 가득 채운 것처럼 보이는 산더미 같은 살점을 가지고 있으며, 성기 부위나 피부의 결함과 상처를 밝고 강렬한 색상으로 보여주는 것을 선호한다.주로 빨간색과 갈색의 점으로 배열되어 있습니다.그들은 일반적으로 살이 접히고 주름이 잡히는 비만한 몸으로, 아이가 어른의 환영을 보는 것과 비슷한 기념비적인 형태를 가지고 있다.쿠르베와 벨라스케즈에게서 영감을 받아, 그녀는 어떠한 이상화도 없이, 아름다움을 추구하지 않고, 진실만을 추구하지 않고, 자신을 "몸의 풍경"^[242]이라고 부르는 것을 그립니다.

포스트모던 아트(1975년 이후)

이른바 현대미술과는 반대로 포스트모더니즘에 적합한 예술이다.포스트모던 예술가들은 아방가르드 운동의 실패를 현대 프로젝트의 실패로 간주한다: 예술과 삶의 거리를 없애고 예술을 보편화하려는 아방가르드; 반면에 포스트모던 예술가는 자기반성적이고 예술에 대해 말하고 사회사업을 할 의도가 없다.다양한 포스트모던 운동 중 이탈리아 트랜스아방가르드, 독일 신표현주의, 신매너리즘 등이 두드러진다.^[243]

이탈리아에서 산드로 치아는 예술사, 특히 세잔, 피카소, 샤갈과 같은 예술가에 대한 언급과 함께 그의 존재의 순간들을 묘사하는 자전적인 작품을 만듭니다.'노예'(1980년)에서 그는 미켈란젤로의 '죽어가는 노예'와 보티첼리의 '비너스의 탄생'^[244]의 공생을 예술의 신격화를 위해 만들었다.

독일에서, 마르쿠스 뤼페르츠는 그의 형식의 웅장함과 그의 그림에 스며드는 매혹적인 색채를 강조하는 강한 표현력 있는 작품을 만듭니다.주제적으로, 그는 보통 비유적인 주제에서 시작해 추상화를 향해 나아가 과거의 예술로부터 다양한 영향을 받는다. 특히, 그는 종종 풍경과 인체에 영감을 받아 개인적이고 자발적인 방식으로 재해석한다: St. 프랜시스는 쥐의 박멸을 막는다(1987년).Georg Baselitz는 루벤스에서 영감을 받아 반전된 형상과 물체, 회전하고 무거운 형태를 가진 이미지로 특징지어진다.침실(엘케와 게오르크)(1975), 남성 누드(1975).레이너 페팅은 밝은 색을 사용하여 신적인 측면과 방고풍의 영향을 가진 그의 현실에 대한 비전을 재현하기 위해 신체적인 요소를 사용합니다:^[245] 2개의 그림(1981년).

미국에서 데이비드 살레는 시뮬레이션주의나 배드 페인팅과 같은 다양한 포스트모던 트렌드에 기인한다.포르노 잡지에 실린 그의 첫 작품 중 하나는 그의 가장 빈번한 영감의 원천 중 하나였습니다: 에로티시즘, 겸손하지 않고 현실적으로 다루어진 벌거벗은 여성의 이미지.살레 스타일의 주요 특징은 이미지의 병치, 미술사, 디자인, 광고, 미디어, 만화, 대중문화 등으로부터 오는 이미지의 무질서하고 일관성이 없는 중첩이다.그의 작품들 중 일부는: 시대정신 그림 4호, 킹콩, 밀러 이야기이다.^[246]Eric Fischl은 미국 그림 전통(Winslow Homer, Edward Hopper)에서 영감을 얻어 강렬한 색채 범위로 강화된 불안한 이미지로 어머니의 모습을 지칭하는 듯한 나체 여성을 묘사하는 사실적인 스타일을 개발했습니다.노인의 개와 노인의 배(1982)^[247]

스페인에서 미켈 바르셀로는 그의 작품에서 자유롭고 개인적인 방식으로 해석된 스페인의 바로크에서 고야까지 과거의 유산을 나타내며, 말리에 머물면서 파생된 특정한 원시주의적 분위기인 비너스 브루타(1980년)^[248]를 가지고 있다.

비서양 미술

누드는 서양 미술에서 특별한 의미를 가지고 있으며 고대 그리스 이후 미술에서 빈번한 주제가 되어 왔다.그러나 모든 문화에서 같은 의미를 가진 것은 아니며, 그 중요성은 지역에 따라 다양하며, 그 표현의 실질적인 무효화에서부터 인도의 경우처럼 서양에서보다 훨씬 더 강렬하게 발생한다.나체에 대한 사회적 인식은 지리적 영역에 따라, 일반적으로 그 지역의 종교적 개념에 따라 다르며, 어떤 곳에서는 그것이 자연스럽게 그리고 제약 없이 고려되는 것처럼, 다른 곳에서는 금지되고 수치스러운 것이다.예를 들어 중국에서는 나체가 사실상 중국 미술에는 존재하지 않는 사적인 영역인 로마 동양미술관과 같은 의료 상담용 상아 조각상은 작은 예외로 여겨질 수 있다.콜럼버스 이전의 예술에서는 그 ^[249]지역 사람들의 사회적 나체화가 빈번함에도 불구하고 그것은 사실상 존재하지 않는다.이슬람 문화에서는 벌거벗은 몸뿐만 아니라 옷도 거부 대상이다.이슬람에 따르면 예술 작품은 신의 작품에 비해 본질적으로 결함이 있기 때문에 어떤 동물이나 사람을 사실적으로 묘사하려고 하는 것은 신에 대한 오만이라고 여겨진다.그렇다 하더라도, 사실, 인간이나 동물의 묘사가 이슬람 예술에서 완전히 금지된 것은 아니다: 사실, 그 이미지는 종교 당국에 의해 받아들여지는 정도가 다른 모든 이슬람 문화에서 발견될 수 있다; 유일하게 우상 숭배로 간주되고 샤리아 ^[250]법에서 금지된 것은 예배를 위한 목적의 인간 묘사일 뿐이다.

아프리카

아프리카에서는 성생활이 의식화되어 있으며, 일반적으로 다산 숭배와 관련이 있다.아프리카 미술은 미적 목적보다는 다양한 아프리카 애니미스트와 다신교 신앙의 의식과 의식을 목적으로 하는 마법-종교적 특징을 지니고 있다.그의 작품 대부분은 나무, 돌 또는 상아로 만들어졌으며, 가면과 다소 의인적인 성격의 자유로운 형상을 하고 있으며, 커다란 머리, 곧은 몸통, 짧은 팔다리의 전형적인 규범이다.아프리카 미술은 식민주의와 대부분의 유럽 도시에 민족학 박물관의 개장으로 인해 20세기 초 유럽 예술 전위 예술에 강력한 영향을 끼쳤다.특히 유럽의 젊은 예술가들은 아프리카 조각의 기하학적 양식화, 표현적 성격, 자연과 ^[251]인간 사이의 강한 상호 관계의 산물인 원시적이고 독창적이고 자발적이며 주관적인 분위기에 매우 관심이 있었다.

인도

인도 예술은 주로 종교적 특성을 가지고 있으며, 인도를 표방한 다양한 종교의 전승 수단 역할을 합니다.힌두교, 불교, 이슬람, 기독교 등그것은 또한 대부분의 자연 요소(산, 강, 나무)가 인도인들에게 신성한 성격을 가지고 있다는 것을 고려하면서, 세계 질서에 대한 적응으로서 자연과 통합하려는 욕구의 인도 미술의 특징으로서 주목되어야 한다.

서양인들에게 인도 미술의 가장 놀라운 측면 중 하나는 에로티시즘의 부끄러운 표현이다: 힌두교에 따르면, 성은 기도의 한 형태이며, 인간과 신 사이의 통로이며, 초월과 영성의 표시이다.이것의 좋은 예는 고대 신석기 시대의 불임 의식에서 유래한 리감(남성 성징)과 요니(여성 성징) 숭배이며 힌두교에 의해 계승되었다.리감은 시바의 창조력을 상징하며, 이 신에게 바쳐진 사원의 예배당에서 숭배의 주요 대상이다.가장 자연스러운 형태에서 원통형으로 이루어진 추상적인 형태, 또는 얼굴이 있는 팔(암바카리감), 얼굴이 있는 팔(카무카리감), 얼굴이 있는 네 개의 얼굴(채터무카리감) 등 다양한 형태로 표현될 수 있지만, 보통 글란(마니) 형태로 끝나는 기둥(스탬바)으로 표현된다.요니는 악티(대신)와 시바의 아내인 파르바트(자연과 풍요의 여신)를 상징한다.질로서 자연주의 형태로 표현되거나 삼각형의 형태로 기하학화 될 수도 있다.리감은 종종 리감이 돌출된 오목한 모양의 용기를 형성하는 요니 옆에 나타난다.이 기호는 우주의 이중성, 창조적인 에너지, 그리고 성충동이 정신 에너지로 변환되는 것, 감각의 세계에서 영적인 초월으로 올라가는 것, 요가 명상을 통해 달성되는 것을 나타냅니다.이 고대의 의식들은 육체에서 뿜어져 나오는 에너지에서 진실을 찾는 철학인 탄트라(tantra)와 결합되었는데, 탄트라(kuṇalin)는 정신적인 강화제이다.카마 수트라 ("사랑의 서")의 이야기와 함께, 이들 종교는 인도 예술, 특히 카주라호와 코샤락의 ^[252]사원에서와 같이 미쓰나 또는 에로틱한 장면이 많은 조각품에서 훌륭한 대표성을 가지고 있었다.

신석기 시대의 첫 번째 인도 문명은 기원전 2500-1500년 경 인더스 강 지역, 모헨조-다로(현 파키스탄)와 하라파(펀자브)의 도시 주변에서 일어났다.병거, 동물, 인간의 형상을 나타내는 다양한 테라코타 형상이 발견되었으며, 그들 중 일부는 벌거벗고 성적 상징(수컷 리감과 암컷 요니)을 가지고 있으며, 이는 다산을 숭배하는 것과 관련이 있다.또한 원형 해부학적 형태를 가진 '모헨조 다로의 춤추는 소녀'와 같은 청동 작품들이 발견되어 ^[253]전후의 모습을 부각시키고 있다.

기원전 3세기에서 1세기 사이에 인도의 도상학적 유형학이 발전했고, 여기서 산치의 스투파 동쪽 문에서 볼 수 있는 것처럼 일반적으로 보석으로 장식된 나체 여성의 형태로 야쿠(자연의 정령)의 형상과 함께 최초의 인도 도상학적 유형학이 나타났다.이 그림들은 보통 세 개의 곡선을 이루는 구불구불한 움직임의 포즈인 트리반가(Trivha"ga, 트리플 벤딩)로 묘사되었으며, 그 이후로는 인도 조각의 전형적인 형태이다.이러한 유형의 표현은 관능성과 ^[254]영성의 묘한 결합과 함께 인도에서 에로틱 예술 장르를 시작했다.

굽타 미술(4~8세기)에서는 선이 매끄럽고, 이상적인 아름다움을 나타내는 얼굴의 완성도, 다소 신비로운 색조, 그리고 5세기 산치(山ī)의 보살 몸통에서 볼 수 있는 약간의 트리반가 같은 움직임이 특징이었다.매끄러운 피부와 함께 보석과 ^[255]의류에 매우 정밀함을 드러냅니다.

8-13세기는 힌두교 예술의 황금기로, 코사락의 수리아(1240-1258)와 카주라호(마디아 프라데시, 21세기)와 같은 사원에서 에로틱한 조각이 풍부하게 나타났다.프리제(카마반다)를 입은 다양한 그룹(미쓰나)이 다양한 에로틱한 자세를 발달시키고 있다.이런 종류의 에로틱한 조각품 또한 인도 밖에서 개발되었는데, 앙코르 와트(캄보디아)에서는 사원 벽의 대부분이 여성상이 많이 눈에 띄는 부조로 장식되어 있으며, 이 중 1500개가 사원 전체에 걸쳐 집계되고 있다.그리고 압사라스(또는 천상의 댄서)는 ^[256]약 2000명으로 집계된다.

나체는 또한 옷이 영혼을 가둔다고 생각하기 때문에 옷을 입는 것과 옷을 벗은 것이 다르다는 점에서 두 개의 주요 종파가 정확히 다른 자이나교에서 특별한 의미를 가진다.그러므로 그들의 예술은 자인 마스터 바후발리를 ^[257]대표하는 높이 17미터의 웅장한 인물인 고마테슈바라(978~993)의 조각상으로 나체 승려와 고행자를 대표하는 것이어서 자연스럽게 이러한 사실을 반영한다.

일본

일본 미술은 때때로 대륙 문명, 특히 중국과 한국의 영향을 받았음에도 불구하고 섬나라로 특징지어져 왔다.일본 문화에서 예술은 가장 화려하고 강조된 것부터 가장 단순하고 일상적인 것까지 인간과 자연의 자기성찰과 상호연관성이 크다.이것은 불완전함, 사물의 덧없는 성질, 일본인이 환경과 함께 확립하는 정서적 감각에 부여되는 가치에서 잘 드러난다.일본에서 예술은 물질을 넘어 생명을 창조하는 원리를 찾는 보편적인 조화를 추구한다.일본 미학은 예술을 통해 삶의 의미를 찾고 있다: 아름다움은 조화, 창조성과 동등하다; 그것은 시적 충동, 작품의 실현으로 이어지는 감각적 경로이며, 그 자체로는 목적이 없지만 ^[258]그 이상의 것을 추구한다.

일본 미술의 나체는 공식 매체에서 널리 다루어지지는 않았지만, 성적인 것과 관련된 모든 것은 사생활과 관련이 있다고 여겨졌다.일본인의 이미지에는 나체가 등장한다고 해도 목욕탕 등 친밀하고 일상적인 장면의 맥락이지만,^[259] 인간의 몸 자체는 예술작품의 대표성이 되지 않았다.There was, however, an artistic genre devoted especially to erotic images, called shunga (春画, "spring prints"), generally linked to Japanese ukiyo-e prints (浮世絵, "prints of the floating world"), although it also occurred with other typologies.^[260]이 그림들은 주로 에도시대(1603~1867)에 유행하였고, 주로 목판본으로 히시카와 모노노부, 이소다 고류사이, 기타마로, 게이세이 에이센, 도리키요나가, 스즈키 하루노부, 가쓰시가, 호쿠시카이와 같은 당대 최고의 예술가들에 의해 실천되었다.배우나 상인, 승려, 심지어 환상적이고 신화적인 존재에 이르기까지 모든 종류의 성관계를 묘사했다.제작은 정부의 규제와 금지조치가 있었지만,^[261] 1907년 민법에서 '장면' 소재가 금지되는 등 메이지 시대 말까지 실질적으로 계속되었다.19세기 중반 일본이 서양에 개방된 후, 일본 미술은 자포니스메라고 알려진 운동의 발전에 기여했고, 오브리 비어들리, 에드가 드가, 앙리 드 툴루즈-라우트렉, 구스타프 클림트, 오귀스트 로댕,^[262] 빈센트 피카소 등 몇몇 유럽 예술가들이 숭가를 수집했다.슝가는 종종 만화 ^[263]만화의 에로틱한 면인 헨타이의 이전 작품으로 여겨진다.

누드 민족

이 용어는 미국의 다큐멘터리 및 내셔널 지오그래픽 잡지뿐만 아니라 민족학 및 인류학 연구 작업에도 사용되고 있습니다.경우에 따라, 미디어는 다큐멘터리나 뉴스 프로그램에서 "자연적인" 또는 자발적인 상황에서 발생하는 나체를 보여주는 반면, 연극화된 작품에서는 나체를 흐리게 하거나 검열할 수 있다.민족지학적 초점은 화가와 사진작가가 전통문화의 ^[264]나체가 관습이나 특정 테두리 안에서 용인되거나 여전히 용인되는 사람들을 보여줄 수 있는 특별한 틀을 제공했다.

민족적 누드를 비난하는 사람들은 종종 그것을 단지 민족적 이미지로 보존된 식민주의적 시선으로 치부한다.그러나 어빙 펜, 카시미르 자구르스키,^[265] 휴고 베르나치크, 레니 리펜스탈과 같은 몇몇 화가와 사진작가의 민족지학적 작품은 평범한 ^[266]현대성의 맹공격을 받는 "낙원"의 죽어가는 관습의 문서로 인식되는 것을 보존하는 것으로 세계적으로 호평을 받고 있다.

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• 누드(아트)
• 미술사
• 미학의 역사
• 에로틱 묘사의 역사
• 페미니스트 미술
• 모델(아트)
• 나체력
• 나체 묘사
• 누드
• 미술 스캔들

레퍼런스

메모들

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참고 문헌

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외부 링크

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• 회화의 간단한 역사.(스페인어)
• Ars Summ : 미술사 전체 무료 이미지 갤러리 (스페인어)
• 에로틱 예술의 역사: 예술의 나체. (스페인어)
• 프라도의 비밀 그림들.(스페인어)