아프리카 미술

African art
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아프리카 미술
Nok sculpture Louvre 70-1998-11-1.jpg
Plaque- Warrior and Attendants MET DT1231.jpg
Brooklyn Museum 61.33 Ndop Portrait of King Mishe miShyaang maMbul (5).jpg
상단: 녹좌상(기원전 5세기-5세기); 중앙:전사 및 수행원이 있는 베냉 명판(16-17세기)하단:쿠바은탑 미셰미샹마불왕([1]18세기)
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오세아니아 예술
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기술
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아프리카 미술은 아프리카 원주민과 아프리카 대륙의 현대적이고 역사적인 그림, 조각, 설치물, 그리고 다른 시각 문화를 묘사한다.정의에는 아프리카계 미국인, 카리브해 또는 아프리카 전통에서 영감을 받은 남미 사회의 예술과 같은 아프리카 디아스포라의 예술도 포함될 수 있다.이러한 다양성에도 불구하고 아프리카 [2]대륙에서 온 시각문화의 전체성을 고려할 때, 현재 존재하는 예술적 테마는 통일되어 있다.

도예, 금속공예, 조각, 건축, 섬유예술, 섬유예술은 아프리카 전역에서 중요한 시각예술 형태이며 아프리카 예술 연구에 포함될 수 있다."아프리카 미술"이라는 용어는 지중해 연안의 북아프리카 지역의 미술을 포함하지 않는다. 왜냐하면 그러한 지역은 오랫동안 다른 전통의 일부였기 때문이다.천년 이상 동안, 그러한 지역의 예술은 베르베르 또는 이슬람 예술의 일부를 형성했지만, 많은 특정한 지역적 특징을 가지고 있었다.

오랜 기독교 전통을 가진 에티오피아의 예술은 20세기까지 [3]전통적인 아프리카 종교(이슬람교 포함)가 지배적이었던 대부분의 아프리카와는 다르다.아프리카 미술은 선사 및 고대 미술, 서아프리카의 이슬람 미술, 동아프리카의 기독교 미술, 그리고 이것들과 다른 지역의 전통 공예품을 포함합니다.많은 아프리카 조각품들은 역사적으로 나무와 몇 세기 전에 살아남지 못한 다른 천연 재료들로 만들어졌지만, 희귀한 오래된 도자기들과 금속 조각품들은 많은 [4]지역에서 발견될 수 있다.조개구슬과 페인트의 증거와 같은 최초의 장식물들 중 일부는 중세 석기 [5][6][7]시대로 거슬러 올라가는 아프리카에서 발견되었다.가면은 인간의 모습과 함께 많은 사람들의 예술에서 중요한 요소이며, 종종 매우 스타일화된다.다양한 양식이 있으며, 종종 같은 원산지 내에서 그리고 그 물체의 사용에 따라 다르지만, 광범위한 지역적 경향은 명백하다. 조각은 [8]서아프리카의 니제르와 콩고의 강에 의해 배수된 지역의 정착된 경작자들의 집단에서 가장 흔하다.신들의 직접적인 이미지는 상대적으로 드물지만, 특히 탈은 의례적인 의식을 위해 만들어지거나 종종 만들어졌다.19세기 후반부터 서양의 수집품에는 아프리카 미술의 양이 증가해 왔으며, 그 중 가장 훌륭한 작품들은 식민지 역사의 일부로 전시되어 있다.

아프리카 미술은 추상 묘사에 대한 그들의 관심에서 영감을 받은 유럽 모더니스트 [9]미술에 중요한 영향을 끼쳤다.이러한 아프리카 조각에 대한 감상은 유럽과 미국의 예술가들과 미술사학자들이 [10]보는 바로 그 개념의 "아프리카 예술"에 기인한다.

서아프리카의 문화는 12-14세기부터 유명한 베닌 브론즈처럼 궁궐을 장식하고 테라코타나 금속으로 된 에도 주 베닌 시의 비니 마을 주변의 매우 자연주의적인 왕족들을 위해 부조를 위한 청동 주조를 개발했습니다.아칸 골드웨이트는 1400~1900년 동안 제작된 작은 금속 조각의 한 형태이다. 어떤 것들은 속담을 나타내는 것으로 보이며, 아프리카 조각에서 보기 드문 이야기적 요소를 제공한다. 그리고 왕실 레갈리아는 인상적인 금 조각 [11]요소들을 포함하고 있다.많은 서아프리카 인물들은 종교적인 의식에 사용되며 종종 의례적인 제물로 그 위에 올려진 재료로 덮여 있다.같은 지역에서 만드를 사용하는 사람들은 넓고 평평한 표면과 원기둥 모양의 팔과 다리를 가진 나무로 조각을 만듭니다.그러나 중앙아프리카에서는 안쪽으로 휘어진 하트 모양의 얼굴과 원과 점의 무늬가 주요 특징입니다.

주제 요소

  • 예술적 창의성 또는 표현적 개인주의:특히 서아프리카 미술에서는 표현적 개인주의가 널리 강조되면서 동시에 선인들의 작품에도 영향을 받고 있다.댄의 예술성과 서아프리카 [12][13]디아스포라에서의 존재감이 그 예가 될 것이다.
  • 인물에 대한 강조:인간의 모습은 항상 대부분의 아프리카 미술의 주요 주제였고, 이러한 강조는 심지어 특정 [9]유럽 전통에 영향을 끼쳤다.예를 들어, 15세기에 포르투갈은 서아프리카 코트디부아르 근처의 사피 문화와 무역을 했는데, 그들은 아프리카와 유럽의 디자인을 혼합한 정교한 상아 소금 셀라를 만들었고, 특히 인간의 모습은 포르투갈 소금 셀라에는 일반적으로 나타나지 않았다.인간의 모습은 산 사람이나 죽은 사람을 상징하고, 족장, 무용수 또는 드럼 연주자나 사냥꾼과 같은 다양한 직업을 언급할 수도 있고, 심지어 신을 의인적으로 표현하거나 다른 봉헌 기능을 할 수도 있다.또 다른 공통적인 주제는 인간과 동물의 상호 형태이다.
  • 시각적 추상화: 아프리카 예술작품은 자연주의적 표현보다 시각적 추상화를 선호하는 경향이 있다.이것은 많은 아프리카 예술 작품들이 양식 [14]규범을 일반화 하기 때문이다.

범위

최근까지 아프리카 미술에 대한 연구는 대륙에서 잘 알려진 특정 집단의 전통 예술에 초점을 맞췄고, 특히 비이슬람적인 서아프리카,[15] 중앙아프리카, 그리고 남 아프리카로부터의 전통적인 조각, 가면 그리고 다른 시각 문화에 특히 중점을 두었다.그러나 최근 아프리카 미술사학자 등 학자들 사이에서 다른 지역과 시대의 시각문화를 포함하려는 움직임이 일고 있다.아프리카 예술에 모든 아프리카 문화와 그들의 시각 문화를 포함시킴으로써, 시간이 지남에 따라 대륙의 시각 미학을 더 잘 이해할 수 있게 될 것이라는 개념이다.마지막으로 브라질, 카리브해, 미국 남동부의 아프리카 디아스포라 사람들의 예술도 아프리카 예술 연구에 포함되기 시작했다.

자재

수단 바스켓 트레이, 직조 천연 식물 섬유로 된 타바르, 다양한 색상으로 색칠됨

아프리카 미술은 많은 형태를 취하며 많은 다른 재료들로 만들어진다.대부분의 아프리카 예술품은 나무 조각품인데, 아마도 나무가 매우 널리 퍼져있는 재료이기 때문일 것이다.주얼리는 인기 있는 예술 형태이며 계급, 그룹 또는 순수하게 [16]미학을 나타내기 위해 사용됩니다.아프리카의 장신구는 호랑이의 눈석, 해마타이트, 사이잘, 코코넛 껍질, 비즈, 흑단나무 등 다양한 재료로 만들어진다.조각은 유명한 [17]쇼나 조각처럼 나무, 도자기, 돌로 조각할 수 있으며, 장식이나 조각된 도자기는 여러 지역에서 유래했습니다.키텐지, 진흙 천, 켄테 천 등 다양한 형태의 직물이 만들어진다.나비 날개나 색깔 있는 모래로 만든 모자이크는 서아프리카에서 인기가 있다.초기 아프리카 조각들은 테라코타와 [18]청동으로 만들어진 것으로 확인될 수 있다.

아프리카 전통 종교

주요 기사:아프리카 전통 종교

전통적인 아프리카 종교는 대륙 전체의 아프리카 예술 형태에 매우 큰 영향을 끼쳤다.아프리카 미술은 종종 종교적 상징주의, 기능주의, 공리주의의 주제에서 비롯되며, 많은 예술 작품들은 순수하게 창조적인 목적보다는 영적인 목적을 위해 창조된다.많은 아프리카 문화는 살아있는 자, 신, 최고 창조자 사이의 중개자로서 조상의 중요성을 강조하며, 예술은 이러한 조상의 영혼을 접촉하는 방법으로 여겨진다.예술은 또한 신을 묘사하는 데 사용될 수 있으며, 기능적인 [citation needed]목적으로 가치가 있다.하지만, 기독교와 이슬람의 도래는 아프리카 대륙의 예술에도 큰 영향을 미쳤고, 양자의 전통이 전통적인 아프리카 [19]종교의 믿음과 예술에 통합되었다는 것에 주목하는 것이 중요하다.

역사

상세 정보:선사시대 미술 ▷아프리카와 미술사 ▷아프리카
녹 남성 피규어; 기원전 500년-500년; 테라코타; 49.5 × 22.2 × 16.8cm(19.4 × 8.7 × 6.6인치), 나이지리아 북부 출신; 킴벨 미술관(미국 텍사스 포트워스)
베냉 명판; 16-17세기; 청동; 베냉 왕국; 베를린 민족학 박물관(독일)
이페(나이지리아)에서 온 머리; 서기 14세기-15세기; 청동; 높이: 36cm(14)대영박물관(런던)

아프리카 미술의 기원은 기록된 역사 훨씬 전에 있다.이 지역에서 가장 오래된 것으로 알려진 구슬은 나사리우스의 조개껍데기로 만들어졌으며 7만2천년 [5]전에 개인 장신구로 착용되었다.아프리카에서는 복잡한 과정에 의한 물감의 제조에 대한 증거가 약 10만 년[6] 전에 존재하며 색소의 사용은 약 32만 년 전에 존재한다.[7][20]니제르 사하라 사막의 아프리카 암각화는 6000년 된 [21]조각품을 보존하고 있다.사하라 사막 이남의 아프리카와 함께, 서양의 문화 예술, 고대 이집트의 그림과 공예품, 그리고 토착 남부 공예품도 아프리카 예술에 큰 기여를 했습니다.종종 주변 자연의 풍요를 묘사하는 예술은 종종 동물, 식물, 또는 자연의 디자인과 모양을 추상적으로 해석하는 것이었다.현대 수단의 누비아 쿠시 왕국은 이집트와 밀접하고 종종 적대적인 접촉을 가졌으며, 대부분 북부로 이어지지 않은 스타일의 파생된 기념비적인 조각품을 제작했습니다.서아프리카에서 가장 먼저 알려진 조각품들은 현대 나이지리아에서 1500년에서 500년 사이에 번성했던 녹 문화에서 온 것으로, 일반적으로 길쭉한 몸체와 각진 모양을 가진 점토 조각상들이 있다.

[22]

10세기경에 사하라 이남 아프리카에서는 보다 복잡한 예술 제작 방법이 개발되었고, 가장 주목할 만한 발전들 중 일부는 이그보 우쿠의 청동 세공과 일레 이페 청동의 테라코타의 금속 세공과 종종 상아와 보석으로 장식된 놋쇠 주물들이 서아프리카의 많은 지역에서 매우 명성이 높아졌습니다.베냉 브론즈처럼 궁정 장인의 일에 한정되고 왕족과 동일시되는 메타임.

서양 미술에 대한 영향

상세정보 : 큐브조어 » 아프리카, 이집트, 그리스, 이베리아, 해양미술
파블로 피카소; 1907; 누 라 세르비에트, 캔버스에 기름, 116 x 89cm

19세기와 20세기 식민지 시대 이후 서양인들은 오랫동안 아프리카 미술을 "원시적"으로 특징지었다.그 용어는 저개발과 빈곤의 부정적인 의미를 내포하고 있다.19세기 동안 식민지화는 낮은 사회경제적 지위 때문에 아프리카 예술이 기술적 능력이 부족하다는 믿음에 따라 서양의 이해를 형성했다.

20세기 초에 칼 아인슈타인, 미하우 소베스키, 레오 프로베니우스 같은 미술사학자들은 아프리카 예술에 민족학적 [23]대상뿐만 아니라 미적 대상의 지위를 부여하면서 주제에 관한 중요한 작품들을 발표했다.동시에, 폴 고갱, 파블로 피카소, 조르주 브라크, 앙드레 데랭, 앙리 마티스, 조셉 차키, 그리고 아메데오 모딜리아니와 같은 예술가들은 다른 예술 [9]형태들 중에서 아프리카 예술에 대해 알고 영감을 받았다.확립된 아방가르드들이 외모의 세계에 봉사함으로써 부과된 제약에 맞서고 있는 상황에서, 아프리카 예술은 매우 잘 조직된 형태의 힘을 보여주었다; 시각 능력뿐만 아니라, 상상력, 감정, 신비주의 그리고 종교에 대한 능력에도 반응함으로써 그리고 종종 생산된다.우리의 경험.이들 예술가들은 아프리카 미술에서 형식적인 완벽함과 세련미를 경이적인 표현력과 결합했다고 보았다.20세기 초에 예술가들이 아프리카 미술에 대해 연구하고 이에 대응함으로써 지금까지 서양 미술에서 볼 수 없었던 추상화, 조직화, 재구성, 감정적, 심리적 영역의 탐구에 대한 관심이 폭발적으로 증가했다.이러한 수단에 의해 시각예술의 위상이 바뀌었다.예술은 단순하고 일차적으로 미적인 것이 아니라 철학과 지적 담론의 진정한 매개체가 되었고,[24] 따라서 이전보다 더 진실하고 심오한 미적인 것이 되었다.

전통 예술

상세정보 : 아프리카 직물, 회화 ① 아프리카, 회화사 ③ 아프리카

전통 예술은 박물관 소장품에서 전형적으로 발견되는 가장 인기 있고 연구된 형태의 아프리카 미술을 묘사한다.

사람, 동물 또는 전설의 생물일 수 있는 나무 가면은 서부 아프리카에서 가장 흔하게 발견되는 예술 형태 중 하나이다.본래의 맥락에서, 의식용 가면은 축하, 시작, 농작물 수확, 전쟁 준비에 사용된다.그 가면은 선택되거나 초심된 무용수가 착용한다.탈을 쓰는 동안 무용수는 깊은 무아지경에 빠지고, 이 마음 상태에서는 그의 조상들과 "소통"을 한다.마스크는 얼굴을 수직으로 가리고 머리 전체를 감싸고 머리에 얹는 등 세 가지 다른 방법으로 착용할 수 있는데, 이는 일반적으로 변장의 일부로 소재로 가려졌다.아프리카 가면은 종종 영혼을 나타내며, 조상들의 영혼이 착용자를 소유한다고 강하게 믿고 있다.대부분의 아프리카 가면은 나무로 만들어지며 다음과 같이 장식할 수 있습니다.상아, 동물 털, 식물 섬유(라피아 등), 색소(카올린 등), 돌, 반보석 등도 마스크에 포함된다.

보통 나무나 상아로 만든 조각상에는 종종 카우리 조개껍데기, 금속 막대기, 못이 박혀 있다.장식적인 옷 또한 흔한 일이며 아프리카 미술의 또 다른 큰 부분을 차지한다.아프리카 직물 중 가장 복잡한 것은 가나의 화려한 줄무늬 켄테 직물입니다.대담한 무늬의 진흙 천도 잘 알려진 기술이다.

현대 아프리카 미술

주요 기사:현대 아프리카 미술
Fest für Naptun, 본에 있는 도이치벨레(쉬르만바우) 건물 외부에 있는 조각품

아프리카는 현대 미술 문화가 번성하는 곳이다.이것은 학자들과 미술 수집가들이 전통 예술에 중점을 두고 있기 때문에 최근까지 충분히 연구되지 않았다.주목할 만한 현대 예술가로는 엘 아나츠이, 마를렌 뒤마, 윌리엄 켄트리지, 카렐 넬, 켄델 기어스, 잉카 쇼니바레, 제리훈 예템게타, 오디암보 시앙라, 엘리아스 젠고, 올루 오귀베, 루바인지, 비딜리 등이 있다.예술 비엔날레는 세네갈 다카르와 남아프리카공화국 요하네스버그에서 열린다.많은 현대 아프리카 작가들이 박물관 소장품에 전시되어 있으며, 그들의 작품은 미술품 경매에서 높은 가격에 팔릴 수 있다.그럼에도 불구하고, 많은 현대 아프리카 작가들은 그들의 작품을 위한 시장을 찾는데 어려움을 겪는 경향이 있다.많은 현대 아프리카 예술들이 전통적인 선인들의 작품들로부터 많은 것을 차용했다.아이러니하게도, 이러한 추상화에 대한 강조는 서양인들에게는 20세기 초에 전통적인 아프리카 미술의 영향을 많이 받았던 파블로 피카소, 아메데오 모딜리아니, 앙리 마티스와 같은 유럽과 미국의 입체파 화가와 토템 예술가의 모방으로 보여진다.이 시기는 피카소의 획기적인 그림인 '아비뇽의 [25]데모이젤'로 상징되는 시각 예술에서의 서구 모더니즘의 진화에 결정적인 시기였다.

오늘날 파티 하산은 현대 흑인 아프리카 미술의 주요한 초기 대표자로 여겨진다.현대 아프리카 미술은 1950년대와 1960년대에 남아프리카에서 이르마 스턴, 시릴 프라단, 월터 바티스와 같은 예술가들에 의해 그리고 요하네스버그의 굿맨 갤러리와 같은 갤러리를 통해 개척되었다.최근에는 런던의 10월 갤러리와 로마의 장 피고지,[26] 아르투르[27] 발터, 지아니 바이오치와 같은 수집가들이 이 주제에 대한 관심을 넓히는 데 도움을 주고 있다.신디카 도콜로 아프리카를 전시한 뉴욕 아프리카미술관과 2007 베니스 비엔날레 아프리카관 등 다양한 전시.

현대 미술 컬렉션은 현대 아프리카 미술을 괴롭히는 많은 신화와 편견에 대항하는 데 큰 도움이 되었습니다.나이지리아 Okwui Enwezor가 Documenta 11의 예술감독으로 임명된 것과 그의 아프리카 중심의 예술 비전은 수많은 아프리카 예술가들의 경력을 국제무대로 끌어올렸다.

붉은 수탉 모양의 현대판 판타지 관, 가나

다양한 전통 예술 형태 또는 전통 스타일을 현대적 취향에 맞게 개조한 예술이 관광객 등에게 판매되고 있다.많은 왕성한 대중 전통이 서구의 영향을 아프리카 스타일에 동화시키고 있습니다.예를 들어 남가나의 정교한 환상 관은 고인의 직업이나 이익을 나타내거나 그들의 지위를 높이는 다양한 형태로 만들어졌습니다.가씨는 정교한 장례식이 그들의 사후에 사랑하는 사람들의 신분에 도움이 될 것이라고 믿기 때문에, 가족들은 종종 그들의 [28]친척들에게 어떤 관을 줄지 결정할 때 비용을 아끼지 않는다.이 관들은 자동차, 코코아 꼬투리, 닭, 또는 가족들이 죽은 사랑하는 [29]사람을 가장 잘 나타내도록 결정할 수 있는 다른 어떤 형태든 가질 수 있다.

팝아트 및 광고아트

이발소, 영화관, 가전제품점 등 현지 사업을 위한 광고에 사용된 예술은 갤러리에서 국제적으로 유명해지고 케냐의 조셉 베르티에스부터 [30]가나에 있는 몇몇 영화 포스터 화가들에 이르기까지 많은 현대 아프리카 작가들의 경력을 시작했다.1980년대와 1990년대의 캔버스와 밀가루 자루에 손으로 그린 가나 영화 포스터가 세계 각지의 박물관에 전시되었고 서양 [31][32]영화에 대한 매우 창의적이고 양식화된 묘사로 인해 소셜 미디어의 관심을 불러일으켰다.이러한 아프리카 미술 양식으로 서양 문화를 창조적으로 해석하는 것은 종종 상점 광고 예술로 사용되던 국제적인 유명인사들을 찬양하는 전통과 함께 전시되고 있으며, 이후 세계 미술 시장에서 널리 평가되고 수집되고 수집되고 있다.

미니멀리즘 아프리카 미술

또 다른 주목할 만한 현대 아프리카 아티스트는 현재 시카고에 거주하는 수단 예술가인 Amir Nour이다.1960년대에 그는 그의 [33]조국에 대한 기억과 연결되는 기하학적인 모양으로 구성된 "선디 방목"이라고 불리는 금속 조각을 만들었다.그 조각상은 멀리 양떼를 방목하는 모습을 하고 있다.그는 문화, 전통, [34]배경을 포함한 예술가의 사회 안에서 예술을 발견하는 것을 가치 있게 여겼다.

국가, 문명 또는 국민별

서아프리카

상세 정보:보둔 아트

가나

가나는 목각, 놋쇠 세공, 피규어, 보석, 그리고 다양한 종류의 재료를 만드는 진정한 아프리카 표현과 제조에서 가장 유명한 것으로 유명하다.가나는 여전히 금, 다이아몬드, 은, 청동 등과 같은 광물을 무궁무진하게 비축하고 있는 국가로서 악명이 높다.가나는 현대적이든 전통적이든 장인이 주얼리를 만들고 디자인할 수 있도록 많은 도움을 준다.

가나산 켄테 원단

켄테는 전통적인 다색, 손으로 짠 누빔 천입니다.그것은 또한 헝겊을 엮어 만든 비단과 면직물의 일종이다.이 옷은 가나 문화의 중심이며, 전통적으로 남녀를 감싸는 데에도 사용되었으며, 남녀에 따라 조금씩 다른 변형을 보이고 있다.이 천은 가나 부족의 거의 모든 사람들이 착용한다.

색상과 의미

켄테에는 다양한 색상의 차이가 있으며, 각각의 색상은 다른 의미를 가지고 있습니다.다음은 몇 가지 예입니다.

검정: 성숙

흰색: 정화

노란색 : 소중함

파란색: 평화로움

빨강: 유혈

주요 기사:아칸 미술과 아딩크라의 상징
다음 항목도 참조하십시오.아카페나
아칸 금의 무게

아칸 예술은 아칸족에서 유래했다.아칸 예술은 직물, 조각, 아칸 골드웨이트, 금은 보석 등 활기찬 예술 전통으로 알려져 있다.아칸족은 시각적 표현과 언어적 표현 사이의 강한 연관성과 예술과 철학의 독특한 혼합으로 알려져 있다.아칸 문화는 다른 모든 금속보다 금을 중시하고, 그것이 왕권과 문화적 가치를 포함한 많은 것의 배후에 있는 초자연적인 요소를 묘사할 수 있다고 믿는다.가나에서 지배적인 아칸어족의 언어인 아산테족은 그들의 기원을 현재 아산테족의 영혼을 담고 있는 황금 지팡이의 도래로 거슬러 올라간다.금은 태양에 대항하는 물질로 여겨졌고 종종 왕의 중요성을 나타내기 위해 예술에 사용되었고, 이것은 그들의 문화적,[35] 사회적 가치를 나타내는 필수적인 표현이었다.켄테 천은 아칸 문화의 또 다른 매우 중요한 예술 전통이다.켄테 천은 거미줄로 거미의 짜는 능력을 베끼려다 생긴 것으로 전해지고 있다.켄테 천은 색상과 무늬로 세계적으로 유명합니다.그것의 원래 목적은 왕권과 권위를 묘사하는 것이었지만, 지금은 전통의 상징이 되었고 몇몇 다른 [36]문화권에서 채택되었다.


퀸 마더 펜던트 마스크 - 이요바 MET DP231460
Ladi Kwali 수제 냄비 (YORYM-2004.1.919)

나이지리아

나이지리아 문화는 예술과 민속학을 통해 설명된다.나이지리아는 그 지역의 전통 민속 유산으로부터 그들의 예술에 영감을 얻습니다.나이지리아 문화에는 다양한 종류의 예술작품이 있다.이러한 예술 작품들 중 일부는 석각, 도자기, 유리 세공, 목각, 청동 세공 등이 될 수 있다.베냉과 아우카는 목각의 중심지로 여겨진다.목각공은 태고적부터 나이지리아 남부 전역에서 번성해 왔다.

나이지리아 전통예술의 예

마스크

가면은 요루바 사람들의 애니미스트적 자신감의 한 부분이다.베일은 칠해져 있고, 팬들은 제사와 다른 행사 때 영혼을 달래기 위해 그것들을 착용한다.

도예

도예는 나이지리아에서 오랜 관습이 있다.도자기는 기원전 100년부터 잘 알려져 있었다.오늘날 술레자, 아부자, 일로린은 관습적인 도자기의 중요한 인물로 여겨진다.나이지리아의 도공들은 종종 여성이며, 보통 그 방법이 가족을 통해 전해지는 것을 연습한다.

직물

요루바는 덤불을 이용하여 남색 바탕의 원단을 만듭니다.여자들은 보통 시드는 일을 하지만, 북쪽에서는 남자들만 전문을 한다.전국의 직조공들은 리본 구조로 화려한 질감을 연출합니다.오요주는 베틀 소재가 미세하고 아비아주는 광폭 전략을 구사한다.

주요 기사:녹문화

녹 문화는 초기 철기 시대 인구로 재료의 이름은 1928년 그들의 유명한 테라코타 조각상이 처음 발견된 나이지리아 카두나 주에 있는 햄 마을의 이름을 따서 지어졌다.녹 문화는 기원전 1500년경에[37] 나이지리아 북부에서 나타났고 서기 500년경에 알려지지 않은 상황에서 사라졌고, 따라서 약 2,000년 [38]동안 지속되었다.

녹 테라코타 조각의 기능은 아직 알려지지 않았다.테라코타는 대부분 파편이 흩어진 형태로 보존되어 있다.그래서 녹미술은 오늘날 특히 머리 모양이 세밀하고 세련되어 남녀 모두 머리만 아는 것으로 가장 잘 알려져 있다.이 조각상들은 파편화되어 있는데, 이는 물의 침식에 의해 만들어진 지형의 충적 [39][40][41]진흙에서 발견되기 때문이다.그곳에서 발견된 테라코타 조각상들은 숨겨져 있고, 굴리고, 닦고, 부서져 있다.규모가 큰 작품들이 고스란히 보존되어 국제 미술 시장에서 높은 평가를 받는 경우는 드물다.테라코타 인물은 속이 비어 있고, 코일 형태로 만들어졌으며, 사람의 머리와 몸집이 거의 실물 크기이며, 매우 양식화된 특징과 풍부한 보석, 그리고 다양한 자세로 묘사되었다.

작품의 본래 기능에 대해서는 거의 알려져 있지 않지만, 설에는 조상 묘화, 묘표, 흉작, 불임, 병을 예방하는 부적 등이 있다.또한 여러 개의 형상에서 발견된 돔 형태의 기단들로 보아 고대 건축물 지붕의 장식품으로 사용되었을 수도 있다.클리블랜드 미술관의 미주·아프리카·오세아니아 미술 담당 부 큐레이터인 마가렛 영 산체스는 녹 도자기는 대부분 굵은 입자의 점토로 손으로 모양을 만들어 목각의 영향을 짐작케 하는 방식으로 감산적으로 조각했다고 설명한다.약간의 건조 후에, 조각들은 미끄러짐으로 덮여 매끄럽고 광택이 나는 표면을 만들기 위해 광택을 냈다.이 그림들은 속이 비어 있고, 철저한 건조와 소화를 용이하게 하기 위해 여러 개의 구멍이 있습니다.발화 과정은 오늘날 나이지리아에서 사용되는 것과 가장 유사하며, 그 조각들은 풀, 나뭇가지, 나뭇잎으로 덮여 있고 몇 시간 동안 불에 탔습니다.

녹테라코타는 자연 침식과 퇴적작용으로 사헬 초원 곳곳에 산재해 있어 연대와 분류에 어려움을 겪고 있다.사문두키야와 타루가라는 두 개의 고고학 유적지에는 움직이지 않았던 녹 예술품이 남아 있었다.방사성 탄소와 열발광 테스트를 통해 이 조각품들은 2,000년에서 2,500년 전으로 연대를 좁혀 서아프리카에서 가장 오래된 조각품 중 하나가 되었다.새로운 고고학적 발굴 과정에서 더 많은 날짜가 발견되었고, 녹 전통의 시작은 [42]훨씬 더 과거로 연장되었다.

고고학자 그레이엄 코나는 두 유적지의 유사성 때문에 "녹 예술품은 종종 주장되어 온 특정 인간 집단의 진단적 특징이라기 보다는 다양한 문화의 다양한 철을 사용하는 농경 사회에서 채택된 스타일을 나타낸다"고 믿고 있다."

  • Nok seated figure; 5th century BC – 5th century AD; terracotta; 38 cm (1 ft. 3 in.); Musée du quai Branly (Paris). In this Nok work, the head is dramatically larger than the body supporting it, yet the figure possesses elegant details and a powerful focus. The neat protrusion from the chin represents a beard. Necklaces from a cone around the neck and keep the focus on the face.

    녹좌상; 기원전 5세기-5세기; 테라코타; 38cm(1피트 3인치), 파리 뒤 퀴브랑리 박물관.이 녹의 작품에서는 머리를 받치고 있는 몸통보다 훨씬 크면서도 우아한 디테일과 강렬한 초점감을 가지고 있다.턱부터 깔끔하게 튀어나온 것은 수염을 연상시킨다.목에 원뿔 모양의 목걸이로 얼굴에 초점을 맞춘다.

  • Relief fragment with heads and figures; 5th century BC – 5th century AD; length: 50 cm (19.6 in.), height: 54 cm (21.2 in.), width: 50 cm (19.6 in.); terracotta; Musée du quai Branly. As most African art styles, the Nok style focuses mainly on people, rarely on animals. All of the Nok statues are very stylized and similar in that they have this triangular shape eye with a perforated pupil, with arched eyebrows.

    머리와 형상을 가진 부조 조각; 기원전 5세기-5세기; 길이: 50cm(19.6인치), 높이: 54cm(21.2인치), 폭: 50cm(19.6인치), 테라코타; 콰이 브란리 박물관.대부분의 아프리카 예술 양식처럼 녹 스타일은 동물에 거의 초점을 맞추지 않고 주로 사람에게 초점을 맞춘다.녹상들은 모두 매우 양식화되어 있고 눈동자가 뾰족하고 눈썹이 아치형인 삼각형 모양의 눈동자를 가지고 있다는 점에서 유사합니다.

  • Male head; 550–50 BC; terracotta; Brooklyn Museum (New York City, USA). The mouth of this head is slightly open. It maybe suggests speech, that the figure has something to tell us. This is a figure that seems to be in the midst of a conversation. The eyes and the eyebrows suggest an inner calm or an inner serenity.

    남성 머리; 기원전 550-50년; 테라코타; 브루클린 박물관(미국 뉴욕시).이 머리의 입은 약간 열려 있다.어쩌면 그 인물이 우리에게 말해 줄 것이 있다는 것을 암시하는 것일 수도 있다.이 수치는 지금 대화 중에 있는 것 같은 수치입니다.눈과 눈썹은 내면의 고요함 또는 내면의 평온함을 암시합니다.

  • Male figure; terracotta; Detroit Institute of Art (Michigan, USA)

    남성 피규어; 테라코타; 디트로이트 예술대학(미치건, 미국)

베냉 미술
주요 기사:베냉 브론제스와 베냉 아트
참고 항목: 베냉 왕국

베냉 미술은 현재 나이지리아의 남쪽-남쪽 지역으로 알려진 식민지 이전의 아프리카 국가인 베냉 왕국 또는 에도 제국 (1440–1897)의 예술이다.베닌 브론제스는 현재 [a]나이지리아에 있는 베냉 왕국의 왕궁을 장식한 천 개 이상의 금속 조각과 조각들로 이루어진 단체이다.집합적으로, 이 물건들은 유명한 초상화 머리나 작은 조각 등 놋쇠나 청동으로 된 다른 조각품들도 포함하여 에도 사람들이 13세기 이후 만든 베냉 미술의 가장 잘 알려진 예를 형성한다.

1897년 나이지리아 남부에서 영국의 통치가 [45]강화되면서 벌어진 1897년의 베냉 원정 기간 동안 소장품 중 대부분의 명판과 다른 물건들은 영국군에 의해 빼앗겼다.200점은 대영박물관으로, 나머지는 유럽의 [46]다른 박물관에서 구입했다.오늘날, [45]대영박물관은 물론 독일과 [47]미국 박물관의 다른 주목할 만한 소장품들을 많이 보유하고 있다.

  • Plaque with warriors and attendants; 16th–17th century; brass; height: 47.6 cm (183⁄4 in.); Metropolitan Museum of Art (New York City)

    전사 및 수행원이 있는 명판; 16-17세기; 황동; 높이: 47.6cm(183⁄4인치); 메트로폴리탄 미술관(뉴욕시)

  • Plaque equestrian an Oba on horseback with attendants; between 1550 and 1680; brass; height: 49.5 cm (197⁄16 in.), width: 41.9 (161⁄2 in.), diameter: 11.4 cm (41⁄2 in.); Metropolitan Museum of Art

    수행원과 함께 말을 탄 오바마 승마 명판; 1550~1680년; 황동; 높이: 49.5cm(197~16인치), 폭: 41.9cm(161⁄2인치), 지름: 11.4cm(41⁄2인치), 메트로폴리탄 미술관

  • Plaque that probably represents a musician; 17th century; bronze; 48.26 cm (19 in.) x 18.42 (71⁄4 in.) x 8.89 cm (31⁄2 in.), irregular; Los Angeles County Museum of Art (USA)

    아마도 음악가를 나타내는 명판; 17세기; 청동; 48.26cm(19인치)×18.42cm(31인치)×8.89cm(31인치) 불규칙; 로스앤젤레스 카운티 미술관(미국)

  • Rooster figure; 18th century; brass; overall: 45.4 cm (177⁄8 in.); Metropolitan Museum of Art

    수탉상; 18세기; 황동; 전체: 45.4cm(177⁄8인치); 메트로폴리탄 미술관

  • Bronze Head of Queen Idia; early 16th century; bronze; Ethnological Museum of Berlin (Germany). Four cast bronze heads of the queen are known and are currently in the collections of the British Museum, the World Museum (Liverpool), the Nigerian National Museum (Lagos) and the Ethnological Museum of Berlin

    이디아 여왕의 청동 머리; 16세기 초; 청동; 베를린 민족학 박물관(독일).여왕의 주조 청동 머리 4개가 알려져 있으며, 현재 대영박물관, 세계박물관(리버풀), 나이지리아 국립박물관(라고스), 베를린 민족학박물관의 소장품이다.

  • Leopard aquamanile; 17th century; brass; Ethnological Museum of Berlin. The bronze leopards were used to decorate the altar of the oba. The leopard, a symbol of power, appears in many bronze plaques, from the oba's palace

    레오파드 아쿠아마닐레; 17세기; 황동; 베를린 민족학 박물관.청동표범은 오바의 제단을 장식하는 데 사용되었다.권력의 상징인 표범은 오바 궁전에서 나온 많은 청동판에 등장한다.

  • Figure of a horn blower; 1504–1550; copper alloy; 62.2 x 21.6 x 15.2 cm (241⁄2 x 81⁄2 x 6 in.); Brooklyn Museum (New York City). Blowing a horn or flute with his right hand, his left arm is truncated. He also wears a netted cap with chevron design decorated with a feather

    호른 송풍기 그림; 1504–1550; 구리 합금; 62.2 x 21.6 x 15.2 cm (241⁄2 x 81⁄2 x 6 인치), 브루클린 박물관(뉴욕시).오른손으로 호른이나 피리를 불면 왼팔이 잘립니다.그는 또한 깃털로 장식된 쉐브론 무늬의 그물모자를 쓰고 있다.

  • Benin ivory mask of the Queen Mother Idia; 16th century; ivory, iron & copper; Metropolitan Museum of Art. One of four related ivory pendant masks among the prized regalia of the Oba of Benin; taken during the Benin Expedition of 1897 in the Southern Nigeria Protectorate

    마더 이디아 여왕의 베냉 상아 가면(16세기), 상아, 철, 구리, 메트로폴리탄 미술관.1897년 남부 나이지리아 보호령에서 베닌 탐험대에 찍힌 베냉의 소중한 레갈리아 중 관련된 4개의 상아 펜던트 마스크 중 하나

주요 기사:이그보우쿠의 이그보 미술과 고고학

이그보는 전통 인형, 탈, 공예품, 직물 등 다양한 예술작품을 생산하고 있으며, 청동과 같은 금속 작품도 생산하고 있다.이그보를 구성하는 예술품들은 이그보욱우에서 발견된 청동 공예품과 함께 9세기부터 발견되었다.그들의 가면은 팽이와 비슷한데, 거의 같은 부분이 흰색과 검은색입니다.

주요 기사:요루바 미술

요루바 미술은 도자기, 황동, 그리고 다른 재료로 만들어진 Ife의 머리들로 가장 잘 알려져 있다.그들의 미술품 대부분은 왕실 궁정과 관련이 있다.그들은 또한 정교한 가면과 문들을 만들었고, 디테일이 가득했고 파란색, 노란색, 빨간색, 흰색과 같은 밝은 색으로 칠했다.

의

mali

다음 항목도 참조하십시오.말리의 문화

말리의 주요 민족은 밤바라족과 도곤족이다.소규모 민족은 마르카족과 니제르강의 보조 어부로 구성되어 있다.고대 문명은 다양한 고대 청동과 테라코타 조각상이 출토된 젠과 팀북투와 같은 지역에서 번성했다.

주요 기사:이너 니제르 델타 지역의 젠네-젠노 terra 테라코타 피규어

젠네-젠노는 뱀과 말을 포함한 인간과 동물을 묘사한 조각상으로 유명하다.그것들은 서아프리카에서 약 10,000년 동안 사용되어 온 재료인 테라코타로 만들어졌다.

  • Terracotta seated figure; 13th century; earthenware; 29.9 cm (113⁄4 in.) high; Metropolitan Museum of Art (New York City, USA) The raised marks and indentations on the back of this hunched Djenné figure may represent disease or, more likely, sacrification patterns. The facial expression and pose could depict an individual in mouring or in pain

    테라코타 좌상; 13세기; 토기; 높이 29.9cm; 메트로폴리탄 미술관 (미국 뉴욕시) 이 웅크린 젠네상의 뒷면에 새겨진 자국과 움푹 들어간 자국이 질병 또는 더 가능성이 높은 천골 패턴을 나타낼 수 있습니다.얼굴 표정과 자세는 애도하고 있거나 고통스러워하는 개인을 묘사할 수 있다.

  • Female figure; 13th-–15th century; terracotta covered with red ochre; height: 37.5 cm (14.7 in.), width: 31 cm (12.2 in.), depth: 24 cm (9.4 in.); Musée du quai Branly (Paris)

    여성상; 13-15세기; 붉은 황토로 덮인 테라코타; 높이: 37.5cm(14.7인치), 폭: 31cm(12.2인치), 깊이: 24cm(9.4인치); 파리 뒤콰이 브랑리 박물관

  • Equestrian figure; 13th–15th century; height: 70.5 cm; National Museum of African Art (Washington D.C., USA)

    승마상; 13세기-15세기; 키: 70.5cm; 국립아프리카미술관 (미국 워싱턴 D.C.)

  • Male figure; 14th-17th century; Cleveland Museum of Art (Ohio, USA)

    남성 인물; 14-17세기; 클리블랜드 미술관 (미국, 오하이오)

두 개의 밤바라 치와라, 19세기 말, 20세기 초 시카고 미술원.여성(왼쪽) 및 남성 수직 스타일

밤바라족(밤바라: 바마난코)은 많은 예술적 전통을 받아들여 전시 작품을 만들기 시작했다.돈이 그들의 예술작품을 창조하는 주된 원동력이 되기 전에 그들은 그들의 능력을 오직 정신적 자존심, 종교적 신념, 관습의 전시를 위한 신성한 공예품으로만 사용했다.예술작품의 예로는 바마나 은토모 가면을 들 수 있다.다른 조각상들은 사냥꾼이나 농부들과 같은 사람들을 위해 만들어졌는데, 그래서 다른 조각상들은 긴 농사철이나 집단 사냥 후에 공물을 남길 수 있었다.밤바라 미술의 양식적 변형은 극단적인 조각, 마스크와 머리 장식, 양식화된 또는 사실적인 특징, 풍화되거나 덮인 파티나입니다.꽤 최근까지, 밤바라 조각의 기능은 미스터리에 싸여 있었지만, 지난 20년 동안, 현장 연구는 특정한 유형의 인물과 머리 장식이 밤바라 삶을 구성하는 많은 사회와 연관되어 있다는 것을 밝혀냈다.1970년대에 소위 '세구 스타일'에 속하는 약 20명의 인물, 가면, 치와라 머리 장식이 확인되었다.이 스타일은 전형적인 납작한 얼굴, 화살 모양의 코, 전신 삼각 흉터, 피규어 상의 갈라진 손 등으로 뚜렷하고 알아볼 수 있다.

밤바라 가면에는 크게 세 가지와 작은 한 가지 종류가 있습니다.은토모 사회에서 사용되는 첫 번째 유형은 얼굴 위쪽에 전형적인 빗살 모양의 구조를 가지고 있으며, 춤출 때 착용하고 카우리 조개껍데기로 덮여 있을 수 있습니다.코모 사회와 관련된 두 번째 유형의 가면은 위에 두 개의 영양 뿔이 있는 구형 머리와 크고 납작한 입을 가지고 있다.그것들은 춤출 때 사용되지만, 일부는 다른 의식에서 얻은 두껍게 덮인 파티나를 가지고 있으며, 그 위에 리빙을 붓는다.

세 번째 유형은 나마 사회와 연결돼 있고, 네 번째 유형의 작은 형태는 동물의 머리를 형상화한 것으로 한국 사회에서 사용되고 있다.다른 밤바라 가면은 존재하는 것으로 알려져 있지만, 위에서 설명한 것과 달리 특정한 사회나 의식과 연관될 수 없다.밤바라 조각가는 치와라 사회 구성원들이 착용하는 주모픽 머리장식으로 명성을 쌓았다.비록 모두 다르지만, 그들은 매우 추상적인 몸을 보여주며, 종종 태양의 방향을 동쪽에서 서쪽으로 나타내는 지그재그 모티브와 두 개의 큰 뿔을 가진 머리를 포함합니다.치와라 사회의 밤바라 사람들은 수확량을 늘리기 위해 파종 때 그들의 밭에서 춤을 출 때 머리장식을 착용한다.

밤바라 조각상은 구안 사회의 연례 행사 때 주로 사용된다.이 의식들 동안, 80에서 130cm 크기의 7명의 인물들이 사회의 원로들에 의해 그들의 은신처에서 옮겨진다.조각상들은 씻겨지고, 기름을 칠하고, 그들의 사당에서 제물을 바칩니다.이 그림들 중 일부는 14세기에서 16세기 사이에 만들어진 것으로, 보통 부적으로 장식된 전형적인 볏이 있는 털모양을 보여준다.

이들 인물 중 두 명은 매우 중요한 것으로 여겨졌는데, 서양에서는 '밤바라 여왕'으로 알려진 관두라고 불리는 앉거나 서 있는 모성애 인물과 보통 칼을 들고 있는 것처럼 보이는 관티구이라고 불리는 남성 인물이었다.이 두 인물은 관음보살로 둘러싸여 있고, 그릇이나 악기, 가슴 등을 들고 서 있거나 앉아 있었다.1970년대에 이 조각들을 바탕으로 한 바마코의 수많은 모조품이 시장에 들어왔다.그것들은 바마코에서 생산되었다.

댜오위다오라고 불리는 다른 밤바라 인물들은 남부 댜오위다오 사회 또는 콰르 사회와 관련이 있는 것으로 생각된다.이들 여성 또는 암수동물은 보통 큰 원뿔형 가슴과 같은 기하학적 특징을 가지고 나타나며 높이는 40에서 85cm 사이이다.료 사회의 대장장이들은 그들의 입문식이 끝난 것을 축하하기 위해 춤출 때 그것들을 사용했습니다.그것들은 다루어지고, 댄서들에 의해 잡히고, 의례적인 원들 가운데에 놓였다.

밤바라 피규어의 말뭉치 중, 보우 조각이 가장 잘 알려져 있을 것이다.이 조각상들은 고도로 양식화된 동물이나 사람의 형상을 나타내며, 기장, 닭 또는 염소 피, 콜라 열매, 알코올 음료와 같은 제물 재료들이 스며든 두꺼운 층의 흙으로 반복적으로 덮여 있습니다.고노와 고모에 의해 고용되어 영적 힘의 용기로 사용되었으며, 다시 원생적인 목적으로 사용될 수 있었다.

한 사람이 얻은 각각의 특별한 창조적 특성은 더 높은 정신을 만족시키기 위한 다른 방법으로 보여졌다.

도곤

도곤 미술은 주로 조각으로 구성되어 있다.그들의 예술은 도곤의 종교적 가치, 이상, 자유를 중심으로 전개된다.도곤 조각상은 공공장소에서 볼 수 없도록 만들어졌으며, 보통 가족이나 은신처 안에서 공공의 눈에 띄지 않게 숨겨져 있거나 호곤과 함께 보관되어 있다.비밀의 중요성은 조각들과 조각들이 만들어지는 과정 뒤에 있는 상징적인 의미 때문이다.

도곤 조각에서 볼 수 있는 테마는 팔을 든 인물, 수염을 기른 인물, 마부, 중완돌, 아이를 가진 여성, 얼굴을 가린 인물, 진주 기장을 가는 여성, 머리에 그릇을 든 여성, 컵을 든 당나귀, 악사, 개, 네발자국 모양의 수조, 벤치를 든 여성, 구부린 인물 등이다.허리부터 거울, 앞치마, 입상 (라우드, 46-52)도곤 미술에는 다른 접촉과 기원의 흔적이 뚜렷하다.도곤족은 반디아가라 절벽의 첫 번째 거주자가 아니었다.Tellem art의 영향은 직선적인 디자인으로 인해 Dogon art에서 뚜렷하게 나타난다(Laude, 24).

도곤 예술은 매우 다재다능하지만, 양식화 경향과 같은 일반적인 양식적 특성이 조각상에 뚜렷하게 나타난다.그들의 예술은 복잡한 앙상블이 개인의 삶을 지배하는 신화를 다룬다.이 조각품들은 수많은 예배 장소, 개인 또는 가족 분향소, 비를 위한 분향소, 사냥꾼을 보호하기 위한 분향소에 보존되어 있다.도곤상의 일반적인 특징으로서 인체를 단순하게 표현하여 본질에 맞게 축소시킨다고 할 수 있다.어떤 것들은 기하학적 형태에 중점을 두고 극도로 길쭉하다.주관적인 인상은 엄숙하고 고요한 위엄과 신비로운 감각을 가진 움직이지 않는 것 중의 하나이다.도곤 조각은 텔렘의 자웅동체 실루엣을 재현하고 있으며, 팔을 들어 올리고 피와 밀레 맥주로 만든 두꺼운 파티나를 특징으로 합니다.신화의 조상인 네 명의 노모 커플은 아마 신의 탄생으로 장식용 걸상, 기둥 또는 남자들의 모임장, 문고리, 곡창문 등입니다.원초적인 커플은 걸상에 앉아있는 모습으로 표현되며, 그 밑부분은 지구를, 윗부분은 하늘을 나타낸다. 두 커플은 Nommo에 의해 서로 연결되어 있다.복부에 손을 얹고 앉아 있는 여성상은 출산 중에 사망한 최초의 조상을 형상화한 다산 숭배와 연계되어 있으며, 아이를 낳을 여성들에 의한 음식과 제물의 대상이다.

고인의 머리에는 무릎을 꿇은 수호신상을 세워 영적 힘을 흡수하고 고인의 세계와의 매개자로 삼은 뒤 다시 조상의 사당에 안치한다.마부들은 신화에 따르면 말이 지구상에 존재하는 최초의 동물이었다는 사실을 상기시킨다.도곤 스타일은 일종의 큐비즘으로 진화했다: 타원형 머리, 네모난 어깨, 끝이 뾰족한 가슴, 팔뚝, 그리고 평행평면의 허벅지, 서너 개의 절개선으로 스타일링된 헤어스타일.도곤 조각은 시작의 물리적 매개체이자 세계를 설명하는 역할을 한다.그들은 그들의 지식 수준에 따라 조각상을 해독할 수 있는 이해를 시작하는 사람들에게 전달하는 역할을 한다.개, 타조 등 동물 조각상이 마을 기초 제단에 올려져 제사를 지내며, 곡창문, 걸상, 집기둥 등도 인물과 상징으로 장식된다.

가면에는 80여 가지 스타일이 있지만, 그 기본적인 특징은 다양한 동물과 무관하게 기하학적 형태를 사용하는 데 있어 매우 대담하다는 것이다.많은 마스크의 구조는 수직과 수평의 선과 형상의 상호작용을 기반으로 한다.또 다른 큰 그룹은 삼각형 원뿔 모양을 하고 있다.모든 마스크는 큰 기하학적 눈과 스타일리시한 특징을 가지고 있습니다.이 가면들은 종종 다색이지만, 많은 경우 색이 사라진다; 의식 후에 그것들은 땅에 남겨졌고 흰개미와 다른 조건 때문에 빠르게 악화되었다.도곤족은 죽음의 기원을 기념하는 고대의 가장 전통을 이어갑니다.그들의 신화에 따르면, 죽음은 원시인이 신질서에 반하는 타락의 결과로 세상에 나왔다.다마 제사는 죽은 자들과 함께 조상의 영역으로 들어가 우주의 질서를 회복하기 위해 행해진다.이러한 의식에서 가면을 쓴 사람들(때로는 400명까지)의 공연은 절대적으로 필요한 것으로 여겨진다.다마의 경우, 시기, 탈의 종류, 그리고 다른 의례적인 요소들은 종종 한 두 마을에서만 볼 수 있고, 단지 몇 킬로미터 떨어진 곳에서 볼 수 있는 것과 비슷하지 않을 수 있다.수컷 도곤을 묻기 전에 소수의 탈을 쓰는 사람들이 행하는 바가분도 의식에서도 탈이 등장한다.도곤 가면은 그들의 신화와 관련된 동물의 형태를 떠올리게 하지만, 그들의 중요성은 매혹적인 청중들에게 각각의 가면의 의미를 설명하는 역할을 하는 최고위 컬트 멤버들에 의해서만 이해된다.

  • Person who wears a Satimbe mask

    사팀베 탈을 쓴 사람

  • Figure of a kneeling woman; circa 1500; wood; height: 35.2 cm (137⁄8 in.); Metropolitan Museum of Art (New York City)

    무릎을 꿇고 있는 여성의 모습; 약 1500; 목재; 키: 35.2cm(137⁄8인치); 메트로폴리탄 미술관(뉴욕시)

  • Equestrian figure; 16th–17th century; wood; height: 68.9 cm (271⁄8 in.); Metropolitan Museum of Art

    승마상, 16~17세기, 목재, 높이: 68.9cm(271⁄8인치); 메트로폴리탄 미술관

  • Stool; possibly late 19th to early 20th century; wood & pigment; National Museum of African Art (Washington D.C., USA)

    걸상, 아마도 19세기 후반에서 20세기 초반, 나무와 안료, 국립아프리카미술관(미국 워싱턴DC)

말리의 다른 민족

부르키나파소

주요 기사:부르키나파소의 예술
다음 항목도 참조하십시오.노몰리 피규어와 부르키나 파소
19세기 초에 만들어진 부르키나파소의 보보탈(냥가).브루클린 박물관

부르키나 파소는 가나 북쪽과 말리와 니제르 남쪽의 육지로 둘러싸인 작은 나라입니다.경제적으로는 세계에서 4, 5대 빈곤국 중 하나다.문화적으로 매우 풍부합니다.부분적으로, 이것은 부르키나 출신이 무슬림이나 [49]기독교인이 된 사람이 거의 없기 때문이다.아프리카가 잘 알려진 많은 고대 예술 전통들이 부르키나파소에 보존되어 온 것은 많은 사람들이 조상의 영혼과 자연의 영혼을 계속 기리고 있기 때문이다.대부분, 그들은 가면과 조각상을 사용하여 영혼을 기린다.부르키나파소 북쪽의 많은 나라들은 대부분 이슬람교도들이고, 부르키나파소 남쪽의 많은 나라들은 기독교인들이 많다.이와는 대조적으로 부르키나파소의 많은 사람들은 자연의 영혼과 조상들의 영혼에게 계속해서 기도와 제사를 드리고 있습니다.그 결과 그들은 [50]유럽과 미국의 박물관에서 볼 수 있는 종류의 예술을 계속 사용하고 있다.

Bwa의 예술을 포함한 Burkina Faso의 예술을 이해하는 데 있어 가장 큰 장애물 중 하나는 Bwa, Gurunsi, Mossi의 스타일과 Bwa의 서쪽 이웃인 Bobo 사람들의 혼란이었다.이러한 혼란은 21세기 초에 줄라 통역사의 프랑스 식민지 관리들이 사용한 결과였다.이 통역가들은 두 민족이 같다고 생각했고 그래서 보보를 "보-핑"이라고 부르고 브와를 "보-울레"라고 불렀다.사실 이 두 민족은 전혀 관련이 없다.언어도 다르고 사회제도도 다르고예술도 다르고예술적 스타일에 있어서, Bwa, Gurunsi, Mossi는 붉은 흰색과 검은색의 기하학적 무늬로 덮인 가면을 만들고 있기 때문이다.이것은 단순히 볼타이어족이나 구르족의 스타일이며, 도곤족과 [51]볼타이어족 언어를 사용하는 다른 민족도 포함된다.

코트디부아르(코트디부아르)

주요 기사:코트디부아르의 문화
코트디부아르의 어린이 병사 길버트 G. 그루드, 2007년, 혼합 재료: 송곳니와 왁스 크레용

바울레족, 세누포족, 단족은 나무를 조각하는 데 능숙하며, 각 문화는 다양한 나무 가면을 생산한다.코트디부아르 사람들은 동물을 캐리커처로 표현하여 신을 묘사하거나 죽은 자의 영혼을 표현하기 위해 가면을 사용합니다.

탈은 정신적인 힘이 큰 것으로 여겨지기 때문에, 특별한 훈련을 받은 사람이나 선택된 사람 이외에는 특정한 탈을 쓰거나 소지하는 것을 금기로 여겨집니다.이러한 의례적인 가면은 각각 영혼이나 생명력을 가지고 있다고 생각되며, 이러한 가면을 쓰는 것은 착용자를 가면이 나타내는 실체로 변화시킨다고 생각됩니다.

코트디부아르(코트디부아르)에는 현대 화가와 일러스트레이터도 있습니다.Gilbert[52] G. Groud는 그의 그림책 Magie Noire에서 위에서 언급한 영적인 가면과 같은 흑마법의 고대 신념을 비판합니다.

동아프리카

상세 정보:선사시대 미술 ①아프리카의 뿔, 바위 미술 ② 동아프리카

케냐

다음 항목도 참조하십시오.케냐의 문화

투르카나 호수 주변에는 인간의 형상과 동물을 묘사한 고대 암각화가 있다.반투족은 장례식을 치르고 기하학적 무늬 위에 사람의 머리를 새긴 조각품들이 여전히 만들어지고 있다.비록 원래의 게시물은 더 이상 존재하지 않지만, 이 보다 최근의 창작물은 그 관행의 연속이라고 생각된다.기쿠유족은 [53]방패에 그려진 무늬에도 옛 전통을 이어갑니다.

반투의 현대 케냐 작가들은 나이로비에 본부를 둔 예술가 [54]워크숍인 Pa Ya Paa Art Centre의 설립자인 Elimo Njau를 포함한다.나이로비 대학 미술 디자인 스쿨에서는 Bulinya Martins와 Sarah Shiundu가 나왔다.디자인에서 많은 기본 기술을 배웠기 때문에 스타일, 색채 사용, 실행 모두에서 매우 혁신적입니다.대부분의 현대 케냐 화가들과 달리 이들은 유화, 아크릴, 수채화 [55][56]및/또는 조합을 사용하여 그림을 그립니다.

인디애나 대학의 에스케나지 미술관은 보석, 용기, 무기, 지팡이, 머리 받침대, 의자, 식기, 그리고 온라인에서 [57]구할 수 있는 다른 물건들을 포함한 케냐의 많은 전통 예술품 컬렉션을 가지고 있습니다.

에티오피아

주요 기사:에티오피아 미술
벳 메리암 교회, 랄리벨라.에티오피아 전통 교회 예술

4세기부터 20세기까지의 에티오피아 미술은 크게 두 가지로 나눌 수 있다.첫째, 주로 교회를 위한 독특한 기독교 미술 전통이 그림, 십자가, 아이콘, 조명된 원고, 그리고 왕관과 같은 다른 금속 세공품을 포함한 형태로 온다.둘째, 직물, 바구니, 보석과 같은 대중적인 예술과 공예품들이 있는데, 에티오피아 전통은 이 지역의 다른 민족들과 더 가깝다.그 역사는 거의 3천 년 전 D'mt 왕국으로 거슬러 올라간다.에티오피아 정교회 테와헤도 교회는 1500년 이상 에티오피아에서 지배적인 종교였고, 이 기간 대부분은 이집트의 콥트 기독교와 매우 밀접한 관계 또는 연합을 맺고 있습니다. 그래서 콥트 예술은 에티오피아 교회 예술에 주요한 조형적 영향을 미쳤습니다.

랄리벨라에 있는 바위에 새겨진 벳 마리아의 교회.

다른 아프리카 유적지에 버금가는 선사시대 암각화가 여러 곳에 남아 있으며, 기독교가 들어오기 전까지 종종 단순한 부조로 조각된 석탑이 무덤 표시나 다른 목적으로 많은 지역에 세워졌습니다.티야는 중요한 장소 중 하나입니다.기원전 5세기~기원전 1세기 전 철기문화는 북쪽으로 쿠시왕국과 아라비아에서 온 정착민들의 영향을 받아 기원전 4, 5세기 예하 폐허와 같은 단순한 사원을 돌로 만든 도시를 만들었다.

강력한 악숨 왕국은 기원전 1세기에 등장하여 4세기부터 [58]기독교 신자가 되어 10세기까지 에티오피아를 지배했다.일부 건물과 기독교 이전 대형 석탑이 존재하지만 액수미테 시대의 에티오피아 기독교 미술품은 남아 있지 않은 것으로 보인다.그러나 남아있는 초기 작품들은 이전 시기의 콥트 예술과 분명한 연속성을 보여준다.16세기에 이슬람 이웃들의 침략을 받은 교회와 그 내용물이 상당히 파괴되었다.이후 예술의 부활은 도상학이나 문체 요소 모두에서 가톨릭 유럽 미술의 영향을 받았으나 에티오피아적 성격을 유지했다.20세기에 들어서면서 서양의 예술가와 건축가가 정부의 위탁을 받아 지역 학생들을 양성하기 시작했고, 전통 교회 [58]예술의 계승과 함께 더욱 완전한 서양화가 이루어졌습니다.

에티오피아의 교회 그림은 서기 [59]4세기 기독교가 도입된 시기까지 그려졌을 가능성이 높지만, 현존하는 가장 오래된 예는 [60]서기 11세기로 거슬러 올라가는 티그레이 지역의 데브레 셀람 미카엘 교회이다.하지만, 임시 망명지인 이슬람 예언자 무함마드의 7세기 추종자들은 시온의 성모 마리아 교회가 [60]그림으로 장식되었다고 언급했습니다.다른 초기 그림으로는 서기 12세기 랄리벨라의 바위 조각 교회와 [60]13세기 근처의 제네타 마리아암에 있는 그림들이 있다.하지만, 조명된 필사본의 그림들은 현존하는 가장 오래된 교회 그림들보다 앞서 있다; 예를 들어, 서기 4-6세기의 에티오피아 가리마 복음서는 현대의 비잔틴 [61]스타일을 모방한 조명된 장면들을 포함하고 있다.

벽, 책, [62]아이콘의 에티오피아 그림은 매우 독특하지만 문체와 도상학은 후기 골동품 및 비잔틴 기독교 미술의 단순화된 콥트 판과 밀접하게 관련되어 있습니다.16세기부터 로마 가톨릭 교회 예술과 유럽 예술이 전반적으로 어느 정도 영향을 미치기 시작했다.그러나 에티오피아 미술은 매우 보수적이며 현대에 이르기까지 뚜렷한 특징을 많이 유지하고 있다.조명 원고의 제작은 [63]오늘날까지 계속되었다.

에티오피아 미술의 또 다른 중요한 형태는 콥트 양식과 관련이 있는데, 나무와 [64][65]금속으로 만들어진 십자가이다.보통 구리 합금 또는 황동으로, 금 또는 은으로 도금됩니다.헤드는 일반적으로 정교하고 복잡한 오픈워크 장식이 있는 평평한 주조판입니다.십자 모티브는 장식을 통해 나타나며, 디자인은 매우 다양하고 독창적이지만 전체 디자인은 종종 회전 정사각형 또는 원형 모양을 형성합니다.많은 것들이 "아담의 팔"이라고 불리는 곡선의 모티브를 베이스에서 솟아올랐다.최근의 서양의 영향을 받은 예를 제외하고, 그들은 보통 말뭉치나 예수의 형상을 가지고 있지 않으며, 디자인은 종종 수많은 작은 십자가를 포함하고 있다.조각된 비유적인 이미지들이 종종 추가되었다.십자가는 대부분 긴 나무 지팡이에 금속 머리를 장착하고 종교적인 행렬이나 예배 중에 운반하는 행렬식 십자가이거나 머리와 같은 주물에 짧은 금속 손잡이를 가진 핸드 십자가입니다.보석으로 착용하는 작은 십자가도 흔하다.

에티오피아는 민족과 언어의 다양성이 크고, 세속적인 전통 공예의 스타일은 나라마다 크게 다릅니다.직물에는 다양한 전통이 있고, 많은 종류의 기하학적 장식이 짜여져 있지만, 많은 것들이 보통 평범합니다.에티오피아의 교회 관습은 다채로운 직물을 많이 사용하고 있으며, 더 정교한 형태는 교회 조끼나 교회의 옷걸이, 커튼, 포장재로 널리 사용되고 있지만, 현재는 서양의 직물로 대체되고 있다.두 유형의 예는 기사 맨 위에 있는 그림에 나와 있습니다.아이콘은 보통 반투명 또는 불투명한 천으로 가려질 수 있습니다. 매우 얇은 시폰 타입의 면직물은 에티오피아에서 특산품이지만, 일반적으로 무늬가 없습니다.

에티오피아 시골에서는 코일 구조의 화려한 바구니 장식이 흔하다.곡류, 씨앗, 음식을 보관하고 테이블이나 그릇으로 사용하는 등 다양한 용도를 가지고 있습니다.이슬람 도시 하라르는 고품질의 바구니 [66]장식으로 잘 알려져 있고, 이슬람 소수민족의 많은 공예품들은 더 넓은 이슬람 장식 전통과 관련이 있다.

탄자니아

주요 기사:탄자니아의 문화 arts예술
흑단색으로 조각한 현대 마콘드

탄자니아 미술은 팅가 팅가나 조지 릴랑가 같은 현대 화가들의 그림과 전통적인 마콘드 조각으로 알려져 있다.다른 지역과 마찬가지로 섬유예술의 [8]생산 전통도 다양합니다.

팅가 팅가 예술은 탄자니아 중부와 남부의 오두막 벽을 장식하는 데 뿌리를 두고 있다.1968년 에드워드 사이드 팅가팅가 미술이 알려지면서 에나멜 색상으로 나무판에 그림을 그리기 시작했다.마콘드의 예술은 다른 분야로 세분되어야 한다.마콘드족은 동아프리카 전역에서 뛰어난 조각가로 알려져 있으며, 관광 시장과 박물관에서 모두 판매되고 있습니다.그들은 전통적으로 가재, 인물, 가면을 조각한다.1950년대부터 소위 모던 마콘드 미술이 발달했다.중요한 단계는 주로 특별한 역할을 하는 정령(셰타니)인 추상적인 형상으로 눈을 돌리는 것이었다.Makonde는 또한 오늘날 아프리카의 중요한 현대 예술가들 중 한 명이다.George Lilanga가 뛰어난 위치를 차지합니다.

중앙아프리카

콩고 민주 공화국

쿠바 왕국
주요 기사 : Kuba 아트
참고 항목: 쿠바 직물, 쿠바 점, 쿠바 가면극, 은도프(쿠바), 19세기 음용혼 k 쿠바 왕국

쿠바 왕국(Kuba Kingdom, Songora 또는 Bushongo라고도 함)은 중앙 아프리카의 식민지 이전 왕국이었다.쿠바 왕국은 17세기에서 19세기 사이에 오늘날 콩고 민주 공화국의 남동쪽에 있는 산쿠루, 룰루아, 카사이 강에 접한 지역에서 번성했습니다.많은 예술품들이 족장과 왕의 궁정을 위해 만들어졌고, 부, 위신, 권력의 상징으로 소의 껍질과 동물의 가죽(특히 표범)을 포함시키면서, 화려하게 장식되었다.가면은 쿠바족에게도 중요하다.그것들은 궁중의 의식과 소년들의 성년 입문, 장례식에서 모두 사용된다.

  • Ngady-Mwash mask; 19th century; Ethnological Museum of Berlin (Germany). The colors, red, brown & beige create a warm atmosphere of a savanna, being in contrast with the rows of blue beads. Like many other Kuba masks, this one is decorated with cowrie shells. Like many Kuba types of masks, ngady-mwash mask is extensively polychromed, or multicolored

    Ngady-Mwash 마스크; 19세기; 베를린 민족학 박물관(독일).빨강, 갈색, 베이지의 색상은 푸른 구슬의 줄과 대비되는 따뜻한 사바나 분위기를 연출합니다.다른 많은 쿠바 가면과 마찬가지로, 이 가면은 카우리 조개껍데기로 장식되어 있다.많은 Kuba 타입의 마스크와 마찬가지로 ngady-mwash 마스크는 광범위한 다색 또는 다색입니다.

  • Mulwalwa mask; 19th or early 20th century; painted wood and raffia; Ethnological Museum of Berlin. This mask embodies a powerful nature spirit. As there are no holes through which a performer could see, it was probably mounted on a wall at an initiation camp, signaling that the initiation was almost complete

    물발와 가면; 19세기 또는 20세기 초; 나무와 라피아를 칠했다; 베를린 민족학 박물관.이 가면은 강력한 자연정신을 구현합니다.연주자가 볼 수 있는 구멍이 없기 때문에 입문 캠프 벽면에 설치했을 것으로 추정되며 입문이 거의 완료되었음을 알 수 있다.

  • Pwoom Itok mask; late 19th century; 39.1 x 28.6 x 29.8 cm (153⁄8 x 111⁄4 x 113⁄4 in.); Brooklyn Museum (USA). This mask may have represented a wise older man at boys' initiations. One of the principal Kuba dance masks is called pwoom itok. The chief identifying characteristic is the shape of the eyes, whose centers are cones surrounded by holes through which the wearer sees

    품 이톡 마스크, 19세기 후반, 39.1 x 28.6 x 29.8 cm (153 88 x 111 4 4 x 113 4 4 인치), 브루클린 박물관 (미국).이 가면은 소년들의 시작에서 현명한 연상의 남자를 상징했을지도 모른다.쿠바의 주요 춤 탈 중 하나는 품잇옥이라고 불립니다.주요 특징 식별은 눈의 형태이며, 그 중심은 착용자가 볼 수 있는 구멍으로 둘러싸인 원추형이다.

  • Belt (Yet); possibly early 1900s; cord, leather, glass beads, shells; Cleveland Museum of Art (USA). Like some of the masks, this belt is decorated with colorful beads

    벨트(아직), 1900년대 초반, 코드, 가죽, 유리구슬, 조개, 클리블랜드 미술관(미국).다른 탈들처럼 이 벨트는 화려한 구슬들로 장식되어 있다.

  • Ndop of King Mishe miShyaang maMbul; 1760–1780; wood; 49.5 x 19.4 x 21.9 cm (191⁄2 x 75⁄8 x 85⁄8 in.); Brooklyn Museum (New York City). Ndops are royal memorial portraits carved by the Kuba people of Central Africa. They are not naturalistic portrayals but are intended as representations of the king's spirit and as an encapsulation of the principle of kingship

    Mishe miShaang maMbul 왕의 Ndop; 1760–1780; 목재; 49.5×19.4×21.9cm(191⁄2×75⁄8×85⁄8인치), 브루클린 박물관(뉴욕시).Ndops는 중앙아프리카의 쿠바족이 조각한 왕실 기념 초상화입니다.자연주의적 묘사가 아니라 왕의 정신을 표현하고 왕권 원칙을 함축하기 위한 것이다

  • Head goblet (Mbwoongntey); 19th century; wood; Brooklyn Museum. It has one-inch cylindrical lip with linear decoration. The hair is made up of crosshatched lines with a raised diamond-shaped segment on the back of the head. Its cheeks have curved multilinear scarification

    헤드 고블렛(Mbungntey); 19세기, 목재, 브루클린 박물관.1인치 원통형 립에 선형의 장식이 되어 있습니다.머리카락은 머리 뒤쪽에 솟아오른 다이아몬드 모양의 부분이 있는 십자선으로 이루어져 있습니다.볼은 구부러진 다선형 흉터가 있다

  • Itoon (diviner's instrument, in form of a hippopotamus); 19th century; wood; 7.5 × 26.6 × 6.4 cm (215⁄16 × 101⁄2 × 21⁄2 in.); Brooklyn Museum

    이툰(하마의 형태인 신자의 악기), 19세기, 목재, 7.5 × 26.6 × 6.4cm(215516 × 10122 × 2122인치), 브루클린 박물관

  • Cloth; raffia; 20.3 x 85.7 cm (8 x 333⁄4 in.); Brooklyn Museum. In Kuba culture, men are responsible for raffia palm cultivation and the weaving of raffia cloth.[67] Several types of raffia cloth are produced for different purposes, the most common form of which is a plain woven cloth that is used as the foundation for decorated textile production

    천, 라피아, 20.3x85.7cm(8x333⁄4인치), 브루클린 박물관.쿠바 문화에서 남성은 라피아 야자 재배와 라피아 [67]천 짜기를 담당한다.여러 종류의 라피아 원단이 다양한 용도로 생산되는데, 가장 일반적인 형태는 장식된 직물 생산의 기초가 되는 평직물이다.

루바 왕국
주요 기사 : Luba art
참고 항목: Luba Kingdom, Lukasa(Luba), Ngo ya Chintu

루바 또는 루바 제국(1585–1889)은 식민지 이전 중앙아프리카 국가였으며 현재의 콩고 민주 공화국 남부 우펨바 공황의 늪지대 초원에서 일어났다.오늘날, 루바족 [68]또는 바루바는 콩고민주공화국의 중남부 지역에 토착하는 민족 언어 집단이다.그들 대부분은 카탕가, 카사이, 마니에마 주에 주로 거주하며 이 나라에 살고 있다.

쿠바 왕국과 마찬가지로 루바 왕국은 예술을 존중했다.비교적 높은 지위에 있던 조각가는 어깨에 메고 있던 도끼로 나타났다.루바 예술은 왕국이 지배하는 광대한 영토 때문에 그다지 통일되지 않았다.단, 몇 가지 특징은 일반적입니다.창조신화와 정치사회에서 여성의 중요한 역할은 많은 명성 있는 물건들이 여성으로 장식되는 결과를 낳았다.

  • Headrest; 19th century; wood; height: 18.5 cm (7.2 in), width: 19 cm (7.4 in), thickness: 8 cm (3.1 in); Musée du quai Branly (Paris). This headrest presents 19th century Luba hairstyles, as well as the long limbs, bent-back legs, cylindrical torso and dynamic pose typical of the artist who made it

    목받침; 19세기; 목재; 높이: 18.5cm(7.2인치), 폭: 19cm(7.4인치), 두께: 8cm(3.1인치);콰이 브랑리 박물관(파리).이 헤드레스트는 19세기 루바 헤어스타일을 비롯해 긴 팔다리, 구부러진 다리, 원통형 몸통, 역동적인 자세를 보여줍니다.

  • Figurine of a standing woman; late 19th or early 20th century; wood; 27.9 × 8.3 × 10.2 cm (11 × 31⁄4 × 4 in.); Brooklyn Museum (New York City)

    서 있는 여성의 피규어;19세기 후반 또는 20세기 초;목재;27.9 × 8.3 × 10.2cm(11 × 31⁄4 × 4인치), 브루클린 박물관(뉴욕시)

  • Heddle pulley with female head; late 19th or early 20th century; wood; 20.6 × 5.4 × 4.8 cm (81⁄8 × 21⁄8 × 17⁄8 in); Brooklyn Museum

    헤들풀리(여성머리 포함), 19세기 후반 또는 20세기 초반, 목재; 20.6 × 5.4 × 4.8cm(81⁄8 × 21⁄8 × 17⁄8인치), 브루클린 박물관

콩고민주공화국의 다른 민족
상세 정보:망베투 도자기

차드

사오
주요 기사:상오문명

기원전 6세기경부터 서기 16세기까지 아프리카 중부의 상파울루 문명은 차드 호수 주변의 샤리 강가에서 살았으며, 후에 카메룬과 차드의 일부가 되었다.그들의 가장 중요한 예술품은 테라코타 인형이다.이 조각상들은 인간과 동물을 상징합니다.다른 종류의 유물들은 Saos가 청동, 구리, 그리고 [69]철의 숙련공이었다는 것을 보여준다.

  • Antropomorphic figurine; terracotta; 9th-16th century; Musée du quai Branly (Paris)

    반형상; 테라코타; 9세기-16세기; 파리 뒤콰이 브랑리 박물관

  • Antropomorphic figurine; 9th-16th century; terracotta; Musée du quai Branly

    반형상; 9세기-16세기; 테라코타; 브랑리 박물관

  • Antropomorphic figurine; 9th-16th century; terracotta; Musée du quai Branly

    반형상; 9세기-16세기; 테라코타; 브랑리 박물관

  • Antropomorphic figurine; 9th-16th century; terracotta; Musée du quai Branly

    반형상; 9세기-16세기; 테라코타; 브랑리 박물관

  • Head; terracotta; Muséum d'Histoire naturelle de La Rochelle (La Rochelle, France)

    헤드;테라코타;자연사 박물관 (프랑스, 라로셸)

  • Zoomorphic figure; 9th-16th century; terracotta; Musée du quai Branly

    줌모픽 피규어; 9-16세기; 테라코타; 브랑리 박물관

  • Fragment of a pectoral; 9th-16th century; cuprous alloy; Musée du quai Branly

    가슴의 파편; 9-16세기; 구리 합금; Musée du Quai Branly

가봉

가봉이나 카메룬의 Ngil 가면, 카올린(치니 점토)으로 채색된 목재, 팡족, 베를린 민족학 박물관.야간에 분규를 해결하고 비행을 진압하기 위해 정장 차림의 이 차분한 모습은 악당들에게 공포를 안겨주었다.
다음 항목도 참조하십시오.가봉과 푸누룸보 가면의 문화

팽족은 가면과 바구니, 조각품, 조각품을 만든다.송곳니 예술은 조직적인 선명함과 뚜렷한 선과 모양을 특징으로 한다.비에리, 조상의 유해를 보관하는 상자는 보호용 형상이 새겨져 있다.가면은 의식이나 사냥에서 쓰입니다.얼굴들은 검은색 이목구비로 하얗게 칠해져 있다.마이네 미술은 죽음을 위한 마이네 의식을 중심으로 합니다.여성 조상은 남성 친척들이 착용한 흰색 탈로 표현된다.베코타족은 놋쇠와 구리를 사용하여 조각품을 덮습니다.그들은 조상들의 유해를 안치하기 위해 바구니를 사용한다.가봉에서는 관광이 드물고, 다른 아프리카 국가들과는 달리 예술은 상업에 의해 촉진되지 않는다.

남아프리카 공화국

상세 정보:선사시대 미술 ▷남아프리카, 산록아트

보츠와나

주요 기사:보츠와나 미술
다음 항목도 참조하십시오.보츠와나의 문화

보츠와나 북부 에차 마을과 구마레[70] 마을의 여성들은 모콜라 팜과 지역 염료로 바구니를 만드는 기술로 유명하다.바구니는 일반적으로 큰 뚜껑이 있는 큰 바구니, 머리에 물건을 나르거나 탈곡한 곡물을 까는 데 쓰이는 열린 바구니, 찧은 곡물을 까는 데 쓰이는 작은 접시 등 세 가지 유형으로 짜여져 있다.상업용으로 제작되는 바구니가 늘어나면서 컬러 사용과 디자인 개선을 통해 예술성이 꾸준히 향상되고 있습니다.

가장 오래된 그림은 보츠와나와 남아프리카의 고대 그림들을 보여준다.동물과 인간의 형상이 모두 칼라하리 사막에서 2만 년 이상 된 문명 이전의 산족에 의해 그려졌다.

짐바브웨

주요 기사: 짐바브웨 예술

그레이트 짐바브웨의 문화는 조각보다 더 인상적인 건물들을 남겼지만, 여덟 개의 비눗돌 짐바브웨 새들은 특별한 의미를 가지고 있고 아마도 모노리스 위에 세워져 있었을 것으로 보인다.현대 짐바브웨의 비눗돌 조각가들은 상당한 국제적 성공을 거두었다.남아프리카의 가장 오래된 점토 조각상은 서기 400년에서 600년 사이이며 인간과 동물의 특징이 혼합된 원통형의 머리를 가지고 있다.

남아프리카 공화국

주요 기사:남아프리카 미술
마풍구베
주요 기사: 마풍구베 왕국
마풍구베의 황금코뿔소; 1075–1220; 마풍구베 국립공원(남아공 림포포)에서 왔다.마풍구베 컬렉션 (프리토리아 대학 박물관)

마풍구베 왕국(1075년–1220년)은 대 짐바브웨 남쪽의 샤시 강과 림포포 강의 합류점에 위치한 남아프리카의 식민지 이전 국가였다.가장 유명한 마풍구베 작품은 마풍구베의 황금 코뿔소로 알려진 작은 황금 코뿔소이다.마펜구베의 다른 무덤에서는 철, 금, 구리, 도자기, 유리구슬 등으로 만들어진 물건들이 발견되었다.

은데벨레 주
주요 기사:남부 은데벨레족 arts 예술과 공예, 은데벨레 주택화

남부 은데벨레 사람들은 집을 칠하는 방식으로 유명하다.극명하고 대조적인 색채에 대한 뚜렷한 기하학적 형태는 사람들의 건축, 옷, 도구에서부터 모든 것을 아우르는 은데벨레 스타일의 기초를 형성합니다.색은 거의 항상 예술에서 감정을 그리는 역할을 해왔지만, 은데벨레는 그들의 삶의 일부로서 특정한 의미를 전달하기 위해 광범위한 색채를 사용한 최초의 남아프리카 부족들 중 하나였다.

북아프리카

상세 정보:선사시대 미술 » 북아프리카

이집트

주요 기사:고대 이집트 미술, 고대 이집트 건축, 이집트 현대미술
다음 항목도 참조하십시오.이집트의 문화와 건축과 시각예술에 대한 이집트의 영향

3000년, 30대 동안 지속된 고대 이집트의 공식 예술은 그 시대의 국교를 중심으로 이루어졌다.거대한 조각상과 작은 조각상의 석각에서부터 역사와 신화를 모두 묘사한 벽화까지 다양했다.기원전 2600년에 이집트 조각의 성숙도는 라메세스 [71]2세의 통치 기간 동안 1,500년 동안 다시 절정에 도달하지 못했다.

많은 예술 작품들이 일정한 강성을 가지고 있으며, 인물들은 왕족적인 방식으로 직립하고 단단하게 서 있다.신체비율 또한 수학적으로 도출된 것으로 보이며, 묘사된 그림에서 환상적인 완성감을 불러일으킨다.이것은 지배 카스트의 경건함을 강화하기 위해 사용되었을 가능성이 높다.

  • Both sides of the Narmer Palette; circa 3100 BC; greywacke; height: 63 cm (243⁄4 in.); from Hierakonpolis (Egypt); Egyptian Museum (Cairo). The Narmer palette is the quintessential statement of the Egyptians' mythology of kingship. A clear manifesto of royal power, it is also one with multiple layers of symbolism

    나르메르 팔레트의 양면; 기원전 3100년경; 그레이와케; 높이: 63cm(243⁄4인치), 이집트 히에라콘폴리스(이집트)에서;이집트 박물관(카이로).나르메르 팔레트는 이집트 왕위 신화의 전형적인 표현이다.왕권의 분명한 선언으로 여러 겹의 상징성을 지닌 것이기도 하다.

  • Stele of Princess Nefertiabet eating; 2589-2566 BC; limestone & paint; height: 37.7 cm (147⁄8 in.), length: 52.5 cm (205⁄8 in.), depth: 8.3 cm (31⁄4 in.); from Giza; Louvre (Paris). This finely executed relief represents the most succinct assurance of perpetual offering for the deceased

    네페르티아벳 공주가 식사를 하는 비석; 기원전 2589~2566년; 석회암과 페인트; 높이: 37.7cm, 길이: 52.5cm, 깊이: 8.3cm; 파리; 루브르에서 왔다.이 정교한 부조는 고인을 위한 영구제물의 가장 간결한 보증이다.

  • The Bust of Nefertiti; 1352-1336 BC; limestone, plaster & paint; height: 48 cm (197⁄8 in.); from Amarna (Egypt); Egyptian Museum of Berlin (Germany). Perhaps the most iconic image of a woman from the ancient world, the bust of Nefertiti is difficult to contextualize because it seems so exceptional

    네페르티티 흉상; 기원전 1352-1336; 석회암, 석고, 페인트; 높이: 48cm(197~8인치), 이집트 아마르나(이집트) 출신;이집트 베를린 박물관(독일).아마도 고대 세계에서 온 여성의 가장 상징적인 이미지인 네페르티티 흉상은 매우 예외적으로 보이기 때문에 문맥을 파악하기가 어렵다.

  • The Mask of Tutankhamun; circa 1327 BC; gold, glass and semi-precious stones; height: 54 cm (211⁄4 in.), width: 39.3 cm (151⁄2 in.), depth: 49 cm (191⁄4 in.); from the Valley of the Kings (Thebes, Egypt); Egyptian Museum. The mummy mask of Tutankhamun is perhaps the most iconic object to survive from ancient Egypt

    투탕카멘의 가면; 기원전 1327년경; 금, 유리 및 반보석; 높이: 54cm(211⁄4인치), 폭: 39.3cm(151⁄2인치), 깊이: 49cm(191⁄4인치), 왕들의 계곡(테베, 이집트) 출신;이집트 박물관투탕카멘의 미라 가면은 아마도 고대 이집트에서 살아남은 가장 상징적인 물건일 것이다.

누비아와 수단

주요 기사:수단의 시각예술과 수단의 건축

이집트 남부와 수단 북부 지역에 사는 누비아 사람들은 북쪽의 이집트 이웃들과 비슷한 역사적 예술 양식을 발전시켰다.그러나 누비아 미술은 단순히 고대 이집트에 의한 식민화의 산물이 아니라 나일 계곡을 따라 사상과 이데올로기의 상호 교환에 의한 것이었다.이 지역의 가장 초기 예술은 케르마 문화에서 유래했는데, 케르마 문화는 고대 및 중왕국 이집트와 동시대였다.이 시기의 예술은 누비아에서 유래한 독특한 검은 탑의 도자기와 함께 이집트인의 멋을 보여준다.쿠시 왕국의 후기 나파탄 시대에는 이집트 사람들이 이집트 [72]신을 숭배하면서 예술이 더 큰 영향을 받았다.

아프리카 디아스포라

상세정보 : 아프리카계 미국인 미술

박물관

주요 기사 : 아프리카 미술의 서양 소장품
개관 당시 베오그라드에 있는 아프리카 미술관

많은 예술 및 민족학 박물관에는 사하라 사막 이남의 아프리카 예술에 특화된 섹션이 있습니다.예를 들어 대영박물관, 파리의 자크 시라크 박물관, 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관, 베를린의 민족학 박물관 등이 있습니다.브뤼셀의 아프리카 박물관, 워싱턴 D.C.의 국립 아프리카 미술관,[73] 메릴랜드 콜롬비아의 아프리카 미술관과 같이 아프리카 미술에만 전념하는 서양 미술관은 많지 않다.워싱턴 DC에 있는 하워드 대학과 조지아 주 애틀랜타에 있는 스펠만 대학과 같은 일부 대학과 대학들은 아프리카 미술 컬렉션을 보유하고 있다.

아프리카의 거의 모든 나라에는 아프리카 미술품을 소장한 국립 박물관이 적어도 있다. 예를 들어 시에라리온 국립 박물관과 라고스에 있는 나이지리아 국립 박물관이 있다.지방에는 작은 박물관들도 많이 있다.

유럽 박물관에 아프리카 미술품과 유물을 전시하는 것은 여러 면에서 오랫동안 논란이 되어 왔으며, 프랑스가 위탁한 '아프리카 문화유산 반환에 관한 보고서'(2018년)는 유물 반환 증가로 이어지는 중요한 순간을 맞고 있다.하지만, 비동맹 운동으로 유고슬라비아와 많은 아프리카 국가들과의 관계 때문에 1977년에 문을 연 베오그라드의 아프리카 미술관과 같은 다른 예가 있다.유고슬라비아가 아프리카 국가들과 친분을 나눈다는 인식이 뿌리 깊게 자리 잡고 있어 유고슬라비아 국민들과 아프리카의 예술과 문화를 잘 알고 싶다는 의지에서 개관한 것으로, 소장품들은 모두 유고슬라비아 대사와 언론인이 합법적으로 구입한 것이다즈드라브코 페차르와 그의 부인 베다 자고락은 박물관이 최근 구입한 물건으로 아프리카에 사는 유고슬라비아인들로부터 선물을 받았거나 아프리카 [74]국가 대사들로부터 박물관에 외교적인 선물을 받았다.

콩고 활동가인 음와줄루 디야반자는 아프리카 [75][76]소유라고 주장하는 물건들을 되찾기 위해 유럽 박물관들을 상대로 직접 행동에 나섰다.

「 」를 참조해 주세요.

메모들

  1. ^ 정확한 개수는 [43]불명확하다.대부분의 출처는 천 조각 또는 천 조각에 대해 언급합니다.Nevadomsky에 따르면,[44] 총 3,000개에서 5,000개의 조각이 있었다고 한다.

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일반 소스

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  • Roy, Christopher D., "The Art of Burkina Faso", Art & Life in Africa, Iowa 대학.
  • 팅가팅가미술: 동아프리카 현대미술

추가 정보

외부 링크

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