펑크

Funk

펑크(Funk)는 1960년대 중반 아프리카계 미국인 사회에서 음악가들이 20세기 중반 아프리카계 미국인들 사이에서 인기 있었던 다양한 음악 장르의 혼합을 통해 리드미컬하고 을 출 수 있는 새로운 형태의 음악을 창조하면서 유래된 음악 장르입니다.그것멜로디와 코드 진행을 강조하고 일렉트릭 베이시스트가 연주하는 베이스라인타악기 연주자가 연주하는 드럼 파트의 강한 리듬적인 그루브에 초점을 맞추고 있으며, 종종 다른 대중음악보다 느린 템포로 연주합니다.펑크는 일반적으로 복잡한 퍼커시브 그루브로 구성되어 있으며 리듬 악기들이 서로 연결된 그루브를 연주하여 "하이포틱"하고 "춤출 수 있는" 느낌을 줍니다.[3]그것은 7분의 1과 11분의 1이 추가된 마이너 코드와 9분의 1과 13분의 1이 변경된 우세한 7분의 1 코드와 같은 비밥 재즈에서 볼 수 있는 것과 같은 풍부한 색상의 확장 코드를 사용합니다.

펑크는 1960년대 중반 제임스 브라운이 모든 척도의 첫 박자("The One")에 큰 중점을 두고 다운비트를 강조하는 특징적인 그루브를 개발한 것과 모든 베이스라인, 드럼 패턴, 기타 리프에[4] 스윙 16음표싱커페이션을 적용한 것, 록과 사이키델리아의 영향을 받은 음악가 슬리 앤 더.펑크에서 즉흥성을 길러내는 패밀리 스톤지미 헨드릭스.[5] ,[6] 의회 펑카델릭, 오하이오 플레이어스, 팻백 밴드, 지미 캐스터 번치, 어스, 윈드 & 파이어, B.T. 익스프레스, 샬라마,[7] 원웨이, 레이크사이드, 대즈 밴드, 갭 밴드, 슬레이브, 오라, 로저 트라우트맨 & , 콘 펑크 슌, 카메오,Bar-KaysChic은 1970년대와 1980년대에 브라운의 혁신을 채택하고 개발하기 시작했습니다.

펑크 파생에는 펑크의 아방가르드한 변종인 아방 펑크; 일렉트로닉 음악과 펑크의 혼합인 부기; 펑크 메탈; 갱스터 랩사이키델릭 펑크의 혼합인 지펑크; 펑키 쿠바 댄스 음악의 한 형태인 팀바; 그리고 펑크 잼이 포함됩니다.펑크 하위 장르인 워싱턴 고고의 주요 영향이기도 합니다.[8]펑크 샘플브레이크 비트는 힙합일렉트로닉 댄스 음악에 광범위하게 사용되었습니다.

어원

펑크(funk)라는 단어는 처음에는 강한 냄새를 가리켰습니다.이것은 원래 고대 프랑스어 "펑기에르(fungiere)"를 통해 라틴어 "후미가레(fumigare)"에서 유래되었으며, 이러한 의미에서 1620년 영어로 처음 기록되었습니다.1784년에 "머티"를 의미하는 "펑키"가 처음으로 기록되었고, 이는 다시 1900년경에 "깊이 또는 강하게 느껴지는" 것을 의미하는 초기 재즈 속어에서 "흙 같은" 감각으로 이어졌습니다.[9][10]백인 문화에서 "펑크"라는 용어는 냄새가 나거나 기분이 나쁘다는 부정적인 의미를 가질 수 있지만, 아프리카 공동체에서 "펑크"라는 용어는 여전히 체취와 연관되어 있지만, 음악가의 노력과 정직한 노력이 땀으로 이어진다는 긍정적인 감각을 가지고 있습니다.그리고 그들의 "신체적인 노력"에서 "exquisite"과 "최고"의 연기가 나왔습니다.

초기 잼 세션에서, 음악가들은 서로에게 "이제, 냄새 좀 맡아!"라고 말함으로써 서로에게 "엎드려"라고 격려하곤 했습니다.적어도 1907년 에는, 재즈곡들이 펑키와 같은 제목들을 달았습니다.첫 번째 예는 버디 볼든이 녹음하지 않은 숫자로, "펑키 버트" 또는 "버디 볼든의 블루스"로 기억되며, 도널드 M. 마르퀴스에 따르면 "코믹하고 가볍고" 또는 "조잡하고 완전히 외설스러운" 가사였지만, 어떤 식으로든 볼든의 밴드가 연주하는 춤에서 땀에 젖은 분위기를 언급했습니다.[12][13]"펑크"와 "펑키"가 재즈 음악의 맥락에서 점점 더 많이 사용되었던 1950년대 후반과 1960년대 초반까지만 해도, 그 용어들은 여전히 우아하지 않고 정중한 회사에서 사용하기에 부적절하다고 여겨졌습니다.한 소식통에 따르면, 뉴올리언스 태생의 드러머 얼 파머는 "다른 음악가들에게 그들의 음악이 더 싱커페이션되고 춤출 수 있어야 한다고 설명하기 위해 '펑키'라는 단어를 처음으로 사용했습니다."[14]그 스타일은 나중에 좀 더 육질적인 특징을 암시하면서, 다소 딱딱하고 고집스러운 리듬으로 발전했습니다.이 음악의 초기 형태는 후대의 음악가들을 위한 패턴을 세웠습니다.[15]이 음악은 느리고 섹시하며 느슨하고 리프 지향적이며 춤을 출 수 있는 것으로 확인되었습니다.[citation needed]

펑크(funk)의 의미는 흑인 음악, 느낌, 지식이라는 장르를 계속해서 사로잡고 있습니다.최근 흑인 연구의 학문은 흑인의 이동과 문화의 범위를 고려하기 위해 많은 반복에서 "펑크"라는 용어를 사용했습니다.특히 L.H. 스탤링스의 펑크에로틱: 트랜스 에스테틱과 흑인 문화는 "펑크"의 많은 장소에서 섹슈얼리티, 문화, 서구 헤게모니를 이론화하기 위한 방법으로 "펑크"의 다양한 의미를 탐구합니다: "거리 파티, 드라마/극장, 스트리퍼와 스트립 클럽, 포르노그래피, 그리고 자체 출판된 소설.[16]

특성.

리듬 앤 템포

펑크 밴드의 리듬 섹션인 일렉트릭 베이스, 드럼, 일렉트릭 기타, 키보드는 펑크 사운드의 심장박동입니다.여기 사진은 미터스입니다.

소울과 마찬가지로 펑크도 댄스 음악을 기반으로 하기 때문에 '리듬적인 역할'이 강합니다.[17]펑크의 소리는 연주되는 음들만큼 "음들 사이의 공간"에 기반을 두고 있기 때문에, 음들 사이의 휴식이 중요합니다.[18]펑크와 디스코 사이에는 리듬적 유사성이 있지만 펑크는 "디스코보다 느리고 섹시하며 더 싱커페이션된 중심 댄스 비트"를 가지고 있으며 펑크 리듬 섹션 뮤지션은 프로그램된 신스 기반 디스코 앙상블보다 더 많은 "서브 텍스쳐", 복잡성 및 "개성"을 메인 비트에 추가합니다.[19]

펑크 이전에는 대부분의 팝 음악이 8분 음표의 시퀀스에 기반을 두었는데, 빠른 템포가 비트의 더 많은 세분화를 불가능하게 만들었기 때문입니다.[3]펑크의 혁신은 느린 템포(60년대 초반 블루스의 부활에 확실히 영향을 받은)를 사용함으로써 펑크는 "추가적인 리드미컬한 세분화를 위한 공간을 만들어 4/4의 막대가 이제 가능한 16개의 음표 배치를 수용할 수 있습니다."[3]특히, 기타와 드럼을 "모터링"된 16분 음표 리듬으로 연주하게 함으로써, 다른 악기들이 "더 싱커페이션되고 해체된 스타일"을 연주할 수 있는 기회를 만들었고, 이것은 더 "자유로운" 베이스라인으로 이동하는 것을 용이하게 했습니다.이 "상호작용적인 부분"들은 함께 "하이포틱"과 "춤출 수 있는 느낌"을 만들어 냈습니다.[3]

많은 펑크는 사하라 사막 이남의 아프리카 음악 전통에서 유래된 2셀 온비트/오프비트 구조에 리드미컬하게 기반을 두고 있습니다.뉴올리언스는 1940년대 후반에 아프로-쿠반 맘보와 콩가의 두 갈래로 갈라진 구조물을 흡수하여 그것을 독자적인 것으로 만들었습니다.[20]뉴올리언스 펑크는 이른바 국제적인 찬사를 받았는데, 이는 주로 제임스 브라운의 리듬 섹션이 큰 효과를 내도록 사용했기 때문입니다.[21]

심플한 킥과 스네어 펑크 모티브.발차기는 처음에 두 번의 박자로 울리고, 그 다음에 두 번의 엇박자로 답합니다.올가미가 뒷심을 냅니다.

하모니

열세 번째 화음 (E 13, 플랫 7번째와 9번째도 포함) 플레이

펑크는 7분의 1과 11분의 1이 추가된 마이너 코드 또는 9분의 1이 변경된 우세한 7분의 1 코드와 같은 비밥 재즈에서 볼 수 있는 것과 같은 풍부한 색상의 확장 코드를 사용합니다.펑크에 사용된 코드의 일부 예는 마이너 11번째 코드(예를 들어, F단조 11번째); 샤프 9번째 및 서스펜디드 4번째가 추가된 우세한 7번째 코드(예를 들어, C7 (#9) sus 4); 우세한 9번째 코드(예를 들어, F9); 및 마이너 6번째 코드(예를 들어,[18] C단조 6).펑크(예: F 6/9)에서 6번째와 9번째 코드가 추가된 주요 코드입니다.[18]펑크에서, 마이너 7화음은 마이너 3화음보다 더 흔합니다. 왜냐하면 마이너 3화음이 너무 얇은 것으로 밝혀졌기 때문입니다.[22]펑크에서 가장 잘 알려지고 가장 능숙한 솔로들 중 일부는 재즈 배경을 가지고 있습니다.트롬본 연주자 프레드 웨슬리(Fred Wesley)와 색소폰 연주자 피 위 엘리스(Pee Wee Ellis), 메이시오 파커(Maceo Parker)는 제임스 브라운(James Brown), 조지 클린턴(George Clinton), 프린스(Prince)와 함께 작업한 펑크 음악 장르에서 가장 주목할 만한 음악가입니다.

비밥 재즈와는 달리, 복잡하고 빠른 화음 변화로 펑크는 사실상 코드 변화를 포기하고, 멜로도하모닉 움직임과 복잡한 리듬감을 추동하는 정적인 싱글 코드 뱀파이어(종종 A단조에서 D7과 같은 단조로운 7번째 코드와 관련된 지배적인 7번째 코드를 번갈아 나타냄)를 만듭니다.일부 펑크 곡들이 주로 한 개의 코드를 가진 뱀파이어이지만, 리듬 섹션 음악가들은 이 코드를 반음반이나 음조로 위나 아래로 움직여서 유채색의 통과 코드를 만들 수 있습니다.예를 들어, "Play That Funky Music" (Wild Cherry 작)은 주로 E 9번째 코드를 사용하지만, F#9와 F9도 사용합니다.[23]

펑크 음악에 사용되는 화음은 대부분의 대중 음악의 주요한 또는 자연적인 작은 음조와 대조적으로, 일반적으로 도리안 또는 믹솔리디안 모드를 암시합니다.이러한 모드와 블루스 스케일을 혼합하여 멜로디컬한 내용을 도출하였습니다.1970년대에 재즈 음악은 펑크에 이끌려 새로운 재즈 펑크 장르를 창조했습니다. 이것은 마일스 데이비스(라이브 에블, 온 코너)와 허비 행콕(헤드 헌터스)의 녹음에서 들을 수 있습니다.

즉흥곡

펑크는 펑크 밴드에서 그룹이 일반적으로 변할 때 "재밍"과 "그루빙"을 통해 변화를 "느끼는" 아프리카 음악의 전통을 이어나가고 있는데, 심지어 각 곡의 뼈대 틀에만 기반을 둘 수 있는 스튜디오 녹음 단계에서도 그러합니다.[24]펑크는 "집단 즉흥"을 사용하는데, 리허설에서 음악가들은 은유적으로 음악적인 "대화"를 할 수 있었고, 이는 무대 위 공연까지 확장된 접근 방식이었습니다.[25]

악기

베이스

1996년 별 모양의 베이스로 공연한 부티 콜린스

펑크는 전기 베이스로 연주되는 강한 기타 리프와 베이스 라인을 사용하여 강렬한 그루브를 만듭니다.모타운의 녹음처럼 펑크 음악은 베이스라인을 곡의 중심으로 사용합니다.실제로 펑크는 베이스 라인이 노래에서 가장 두드러지는 스타일로 불려져 왔는데,[26] 베이스는 노래의 "후크"를 연주합니다.[27]초기 펑크 베이스라인은 싱커페이션(일반적으로 싱커페이션된 8분의 1음)을 사용했지만 뉴올리언스 펑크보다 더 많은 "드라이빙 느낌"을 더했고, 블루스 스케일 노트와 근본 위의 장조 3분의 1음을 사용했습니다.[28]나중에 펑크 베이스라인은 16분 음표의 싱커페이션, 블루스 스케일, 반복 패턴을 사용하며, 종종 옥타브 또는 더 큰 간격의 점프를 사용합니다.[27]

이 펑키한 베이스 라인은 퍼커시브 슬랩, 리드미컬한 고스트 노트, 글리산도 효과를 포함합니다.

펑크 베이스라인은 반복적인 패턴, 고정된 그루브, 지속적인 연주, 그리고 슬랩과 팝핑 베이스를 강조합니다.슬랩핑과 팝핑은 엄지를 두른 저음("Thumped"라고도 함)과 손가락을 "팝핑(popped)"한 고음(혹은 뽑힌)을 혼합하여 사용하는데, 이는 펑크의 독특한 요소가 된 드럼과 같은 리듬감 있는 역할을 하게 해줍니다.버나드 에드워즈, 로버트 쿨 벨, 마크 애덤스, 조니 플리핀,[29] 부시 콜린스 등이 대표적인 선수.[30]슬랩과 펑키가 중요하지만, (타워 오브 파워 출신의) 로코 프레스티아와 같은 펑크를 연주하는 일부 영향력 있는 베이시스트들은 이 접근법을 사용하지 않았고, 대신 제임스 제이머슨모타운 연주 스타일에 기초한 전형적인 손가락 스타일 방법을 사용했습니다.[30]Sly and the Family StoneLarry Graham은 영향력 있는 베이시스트입니다.[31]

펑크 베이스는 부분적으로 뮤트되고 리드미컬한 고스트 노트[31](dead notes)를 사용하기 때문에 "토성적이고 퍼커싱적인 느낌"을 가집니다.[30]일부 펑크 베이스 연주자들은 전자 효과 장치를 사용하여 악기의 음색을 변경하는데, 예를 들어, "봉투 필터"("구이, 흐물흐물하고, 돌팔매질하고, 끈적거리는" 소리를 내는 오토와 효과)[32]와 키보드 신디사이저 베이스 음[33](: 머트론 봉투 필터)[27]과 오버 드라이빙 퍼즈 베이스 효과를 모방합니다."오래된 학교 펑크 레코드처럼 들리는 고전적인 퍼즈 톤"을 만들기 위해 사용됩니다.[34]사용되는 다른 효과로는 플레인저와 베이스 코러스가 있습니다.[27]콜린스는 또한 Mu-Tron 옥타브 디바이더를 사용했는데, 는 헨드릭스가 대중화한 옥타비아 페달과 마찬가지로 한 옥타브 위 아래의 음을 두 배로 늘려 "미래지향적이고 뚱뚱한 저사양 사운드"를 만들어낼 수 있습니다.[35]

드럼

펑크 드럼은 드러머의 "느낌과 감정"을 강조함으로써 그루브를 만들어 내는데, 여기에는 "가끔 템포 변동", 일부 곡(예: 반쯤 스윙한 느낌의 The Meters의 "Cissy Strut"과 Stain Singers의 "I'll Take You There"), 그리고 (그 그루브를 줄일 수 있기 때문에) 필의 사용이 적습니다.[36]드럼 채움은 일정한 템포와 그루브로 드럼이 "주머니에" 머물도록 하기 위해 "적고 경제적"입니다.[37]이러한 연주 기술은 드럼 키트를 위한 셋업(set-up)에 의해 보충되는데, 이 셋업은 종종 머플러 처리된 베이스 드럼과 탐 그리고 팽팽하게 조율된 스네어 드럼을 포함합니다.[36]더블 베이스 드럼 사운드는 펑크 드럼 연주자들이 하나의 페달로 수행하는 경우가 많은데, 이 접근 방식은 "두 번째 음을 강조하고...드럼 헤드의 공명을 막습니다"라고 짧게 목이 잠긴 베이스 드럼 사운드를 들려줍니다.[36]

"Cissy Strut"의 드럼 그루브

제임스 브라운은 녹음과 소울 쇼에서 클라이드 스터블필드와 존 자보 스타크 같은 두 명의 드럼 연주자를 사용했습니다.[38]두 대의 드러머를 사용함으로써 JB 밴드는 "솔리드 싱커페이션된" 리듬 사운드를 유지할 수 있었고, 이것은 밴드의 독특한 "펑키 드러머" 리듬에 기여했습니다.[38]

타워 오브 파워의 드러머 데이비드 가리발디의 연주에는 많은 고스트 노트와 림 이 있습니다.[36]펑크 드럼 스타일의 핵심은 하이햇을 사용하는 것이며, 연주 중 하이햇을 여닫는 것이 중요한 접근법입니다.[39]하이햇의 16분 음표는 때때로 어느 정도 스윙감이 있는 것으로 펑크에 사용됩니다.[36]

짐 페인(Jim Payne)은 펑크 드럼이 라틴 음악의 리드미컬한 아이디어인 오스티나토(ostinato)를 중심으로 즉흥 연주에 "와이드 오픈(wide-open)" 접근법을 사용하며, 이 접근법이 펑크의 "매혹적인" 특성을 유발한다고 말합니다.[40]페인은 펑크가 "더 싱커페이션된 방식으로 연주되는 록"으로 간주될 수 있으며, 특히 드러머 클라이브 윌리엄스(조 텍스와 함께), 조지 브라운(쿨 갱과 함께), 제임스 "다이아몬드" 윌리엄스(오하이오 플레이어스와 함께)에 의해 혁신된 8음과 16음 패턴을 연주하는 베이스 드럼과 함께 더 싱커페이션된 방식으로 연주한다고 말합니다.[41]록과 마찬가지로, 스네어는 대부분의 펑크에서 백비트를 제공합니다. (단, 추가적으로 부드러운 고스트 음들도 포함되어 있습니다.)[40]

일렉트릭 기타

펑크에서 기타리스트들은 종종 짧은 기간의 화음을 더 빠른 리듬과 리프와 혼합합니다.[17]리듬감 있는 파트를 연주하는 기타리스트들은 종종 퍼커시브 고스트 노트를 포함하여 16분 음표를 연주합니다.[17]9화음과 같이 코드 확장이 선호됩니다.[17]일반적으로 펑크는 리듬 기타리스트와 싱글 노트를 연주하는 "테너 기타리스트"와 함께 "두 개의 연동되는 [전기] 기타 파트"를 사용합니다.두 기타리스트는 서로의 라인을 교환하여 "통화와 응답, 서로 얽혀있는 주머니"를 만듭니다.[42]밴드에 기타리스트가 한 명뿐인 경우 스튜디오에서 오버더빙을 하거나 라이브 쇼에서 한 명의 기타리스트가 두 파트를 모두 연주하게 함으로써 이러한 효과를 재현할 수 있습니다.[42]

펑크 밴드에서 기타리스트들은 일반적으로 "chank" 또는 "chicken scratch"라고 불리는 선택 스타일을 사용하여 퍼커시브 스타일로 연주합니다.기타 줄이 핑거보드에 가볍게 눌린 다음 다리 근처에서 다른 손의 빠른 리듬 연주에 의해 생성되는 음소거된 scratch링 사운드를 얻을 수 있을 정도로 빠르게 해제되는 것입니다.리듬 앤 블루스에 사용된 기술의 초기 예는 1957년 James Brown 밴드의 기타 연주자 Jimmy Nolen과 함께 Johnny Otis의 노래 "Willie and the Hand Jive"를 들은 것입니다.이 기법은 "치카(chika)", "행크(chank)", 그리고 "초크(choke)"의 세 가지 접근법으로 나눌 수 있습니다."chika"와 함께 현이 핑거보드에 부딪히는 음소거된 소리가 나옵니다. "chank"는 불안해하는 손으로 코드를 풀어주는 스태카토 공격입니다. 그리고 "choking"은 일반적으로 모든 현이 진동하고 심하게 음소거된 것을 사용합니다.[18]

기타리스트 나일 로저스시크와의 공연으로 가장 잘 알려져 있습니다.

이러한 요인들의 결과는 일렉트릭 베이스의 저음 쿵, 스네어하이햇의 커팅톤 사이 어딘가에 떠 있는 듯한 리듬 기타 사운드로 주머니 깊숙한 곳까지 떨어지는 리드미컬한 멜로디감이 돋보였습니다.James Brown의 오랜 기타리스트인 기타리스트 Jimmy Nolen이 이 기술을 개발했습니다.그러나 브라운의 "Give It Up or Turn it a Loose" (1969)에서 지미 놀렌의 기타 부분은 뼈가 앙상한 음색 구조를 가지고 있습니다.공격 포인트의 패턴은 투구의 패턴이 아니라 강조입니다.기타는 아프리카 드럼이나 관용구를 사용하는 방식으로 사용됩니다.놀렌(Nolen)은 펜더 트윈 레버(Fender Twin Reverbamp)에 연결된 "싱글 코일 P-90 픽업이 있는 중공체 재즈 기타"를 사용하여 "깨끗하고 트레블한 음색"을 만들었습니다.[44]

리듬 기타를 연주하는 펑크 기타리스트들은 일반적으로 깨끗한 사운드를 얻기 위해 왜곡 효과와 과구동을 피하며, 바삭바삭하고 높은 사운드의 중요성을 감안하여 펜더 스트라토캐스터텔레캐스터가 그들의 컷팅 트레블 톤으로 널리 사용되었습니다.[44]기타가 경적 부분, 키보드 및 기타 악기와 다른 소리를 낼 수 있도록 기타리스트에 의해 중간 부분이 잘려지는 경우가 많습니다.[44]리듬적인 그루브를 제공하는 것에 집중하고, 악기 기타 멜로디와 기타 솔로에 대한 강조가 부족한 점을 고려할 때, 펑크 리듬 기타리스트들은 지속 가능성을 추구하지 않습니다.[44]펑크 리듬 기타리스트들은 컴프레셔 음량 조절 효과를 사용하여 음소거된 음의 소리를 강화합니다. 이것은 "클럭" 소리를 높이고 "펑크 리듬에 대한 퍼커시브 흥분"(Nile Rodgers가 사용하는 접근법)을 더합니다.[45]

펑카델릭의 기타리스트 에디 헤이즐(Eddie Hazel)은 마에스트로 FZ-1 퍼즈톤 페달에 의해 형성된 기타 리프와 솔로 즉흥 연주로 유명합니다.[35]헤이즐은 아이즐리 브라더스기타리스트 어니 아이즐리함께 지미 헨드릭스의 즉흥적인 와와 주입된 솔로의 영향을 받았습니다.어니 아이즐리는 어린 나이에 헨드릭스에게 과외를 받았는데, 그 때 헨드릭스는 아이즐리 브라더스의 후원 밴드의 일원이었고 일시적으로 아이즐리 가족의 집에서 살았습니다.펑크 기타리스트들은 그들의 기타 리프를 위한 타악기적인 사운드를 만들기 위해 음을 음소거하는 것과 함께 와와 효과음을 사용합니다.페이저 효과는 펑크와 R&B 기타 연주에서 필터 스위핑 사운드 효과로 자주 사용되며, 예를 들어 아이즐리 브라더스의 노래 "Who's That Lady"가 있습니다.[46]또 다른 P-Funk 기타리스트 마이클 햄프턴(Michael Hampton)은 "Maggot Brain"에서 Hazel의 거장다운 솔로를 연주할 수 있었고, 스트링 벤드와 헨드릭스 스타일의 피드백을 더한 솔로 접근법을 사용했습니다.[35]

키보드

1973년 키보드 연주하는 아이작 헤이즈

펑크에는 다양한 건반 악기들이 사용됩니다.어쿠스틱 피아노는 Earth Wind & Fire의 "September"와 Billy Preston의 "Will It Go Round in Circles"를 포함하여 펑크에서 사용됩니다.전기 피아노는 Herbie Hancock의 "카멜레온" (펜더 로즈)과 Joe Zawinul (울릿저)의 "Mercy, Mercy, Mercy"와 같은 곡에 사용됩니다.클래비넷은 타악기적인 음색으로 사용되며 스티비 원더의 "Superstition", "Higher Ground", 빌 위더스의 "Use Me" 등의 곡에서 들을 수 있습니다.해먼드 B-3 오르간은 펑크에서 더 미터스의 "Cissy Strut"과 "Love the One You're With" (아레사 프랭클린이 노래하고 빌리 프레스턴이 키보드로)와 같은 노래에 사용됩니다.

의회 펑크델릭과 함께 녹음버니 워렐의 다양한 키보드는 해먼드 오르간(펑키 우먼, 히트 잇 앤 킷 잇, 아마겟돈의 전쟁), RMI 일렉트릭 피아노(아이 워너 노우 잇 잇 굿 투 유?), 프리 유어 마인드(Free Your Mind), 루즈 부티(Loose Booty), 어쿠스틱 피아노(펑키 인형) 등을 포함하여 펑크에 사용되는 다양한 키보드를 보여줍니다.ar Bill, "Jimmy's Got a Little Bitch in Him", 클라비넷("Joyful Process", "Up for the Down Stroke", "Red Hot Mama"), 미니무그 신디사이저("Atmosphere", "Flash Light", "Aqua Boogie", "Knee Deep", "Let's Take It to the Stage"), 그리고 ARP 스트링 앙상블 신스("Chocolate City", "Give Up the Funk", "Give Up the Funk (Tear the Roof of the Sucker)",언디스코 키드).

신시사이저는 펑크에서 일렉트릭 베이스의 깊은 소리를 더하거나 심지어 몇몇 노래에서 일렉트릭 베이스를 완전히 대체하기 위해 사용되었습니다.[47]펑크 신시사이저 베이스, 대부분 미니무그(Minimumoog)가 사용되었는데, 이는 전기 베이스에서는 불가능한 층상 사운드와 새로운 일렉트로닉 톤을 만들 수 있기 때문입니다.[47]

보컬과 가사

1970년대에 펑크는 블루스, 가스펠, 재즈 그리고 두웁의 노래 영향을 포함하여 1960년대 아프리카계 미국인 음악에서 사용되었던 것과 같은 많은 보컬 스타일을 사용했습니다.[38]다른 아프리카계 미국인 스타일과 마찬가지로 펑크는 통화와 응답, 이야기의 내레이션과 같은 스타일과 함께 "y"ells, shouts, hollers, 신음소리, 허밍, 멜로디 리프"를 사용했습니다.[48]펑크에서의 통화와 응답은 리드 싱어와 백업 보컬로 활동하는 밴드 멤버들 사이에서 이루어질 수 있습니다.[49]

펑크가 소울에서 등장하면서 펑크 보컬은 소울의 접근 방식을 공유하지만 펑크 보컬은 장식으로 "더 간헐적이고, 에너지 넘치고, 리드미컬한 퍼커시브 [,]가 덜 장식된 경향이 있고, 보컬 라인은 호른 파트를 닮고 "밀어낸" 리듬을 가지고 있는 경향이 있습니다.[50]Earth, Wind & Fire와 같은 펑크 밴드는 하모니 보컬 파트를 가지고 있습니다.[19]제임스 브라운의 "Super Bad"와 같은 곡들은 "소리, 고함, 비명"과 함께 "더블 보이스"를 포함했습니다.[51]펑크 가수들은 "블랙 에스테틱"을 사용하여 매력적인 공연을 만들기 위해 "제스처, 표정, 자세, 그리고 목소리의 다채롭고 활기찬 교환"을 사용했습니다.[52]

가수 찰리 윌슨

펑크 음악의 가사는 1970년대에 미국의 아프리카계 미국인 사회가 직면한 문제를 다루었는데, 이는 산업적인 노동자 계급 경제에서 정보 경제로 이동하여 흑인 노동자 계급에 해를 끼쳤기 때문입니다.[53]오하이오 플레이어스, 어스, 윈드 앤 파이어, 제임스 브라운의 펑크 곡들은 가난한 "흑인 공동체의 가난한 도시 생활의 경제적 조건과 주제"와 같은 저소득층 흑인들이 직면한 문제들을 노래 가사에서 제기했습니다.[54]

Funkadelic song "One Nation Under A Groove"(1978)는 흑인들이 1960년대 민권 운동 기간 동안 극복했던 도전들에 대한 것으로, 1970년대 흑인들이 이용할 수 있게 된 새로운 "사회적, 정치적 기회"를 이용할 것을 권고하는 내용을 담고 있습니다.[55]Isley Brothers의 노래 "Fight the Power" (1975)는 정치적인 메시지를 담고 있습니다.[56]의회의 노래 '초콜릿 시티'(1975)는 워싱턴DC를 비롯한 흑인 인구가 많은 미국 도시들을 은유적으로 언급하면서 흑인 유권자들이 휘두르는 잠재적인 힘에 주목하고 향후 흑인 대통령을 고려할 것을 제안합니다.[57]

펑크 노래의 정치적 주제와 흑인 관객에게 보내는 메시지의 목표는 "흑인 남성과 여성이 자신의 입장을 고수하고 옳은 것을 위해 싸우는" 블랙스플로테이션 영화에서 만들어진 흑인의 새로운 이미지를 반복했습니다.[58]펑크 영화와 블랙스플로테이션 영화 모두 흑인들이 직면한 문제들을 다루었고 흑인의 관점에서 이야기를 풀어냈습니다.[58]1970년대 펑크와 블랙스플로테이션 영화 사이의 또 다른 연결고리는 이 영화들 중 많은 영화들이 펑크 사운드트랙(예: 슈퍼플라이커티스 메이필드, 블랙 시저의 제임스 브라운과 프레드 웨슬리, 영블러드전쟁)을 사용했다는 것입니다.[59]

펑크 음악에는 "흑인의 미학과 [흑인] 방언에 익숙한" 청취자들이 가장 잘 이해하는 은유적인 언어가 포함되어 있었습니다.[60]예를 들어, 펑크 음악에는 "돈 버는 사람을 흔들어라", "펑크 아웃", "부기 몸을 움직여라"와 같은 표현이 포함되어 있습니다.[61]또 다른 예는 "Super Bad"(1970)라는 노래에서 "bad"를 사용한 것인데, 흑인 청취자들은 이 노래가 "좋다" 또는 "위대한"을 의미한다고 알고 있었습니다.[49]

1970년대에, 라디오 외설적인 제약들을 피하기 위해, 펑크 아티스트들은 이러한 제약들을 극복하기 위해 허용되지 않는 단어들과 이중적인 엔터테이너들처럼 들리는 단어들을 사용했습니다.[62]예를 들어, 오하이오 플레이어스는 "Fopp me right, Don't you don't fopp me right/We'll be foppin' long night..."[62]를 언급하는 "Fopp"라는 제목의 노래를 가지고 있었습니다. 일부 펑크 음악은 의회의 "Aqua Boogie (A Psychalpadiscobetabioquadoloop)"와 같이 "계속되는 마리화나 연기 속에서 가사를 쓰고 있다"는 가짜 단어를 사용했습니다."바이오아쿠아둘루프"와 같은 단어들을 포함하고 있습니다.[62]주류 백인 청취자층은 종종 펑크의 서정적인 메시지를 이해하지 못했는데, 이것은 1970년대 동안 펑크가 백인 청중들에게 대중 음악 차트 성공을 거두지 못한 원인이 되었습니다.[63]

기타악기

금관악기 그룹과 함께하는 호른 섹션 편곡은 펑크 곡에 자주 사용됩니다.[19]펑크 호른 섹션에는 색소폰(종종 테너 색소폰), 트럼펫, 트롬본, 그리고 5중주와 6중주와 같은 더 큰 호른 섹션을 위한 바리톤 색소폰이 포함될 수 있습니다.[3]호른 부분은 "리듬적이고 동기화된" 부분을 연주했고, 종종 "리듬 변위"를 강조하는 "비정상적인 문구"를 사용했습니다.[3]펑크 곡 소개는 호른 편곡을 위한 중요한 장소입니다.[3]

펑크 혼 섹션에는 일반적으로 색소폰과 트럼펫이 포함됩니다.호른 부분이 클수록 색소폰이나 트럼펫 중 하나를 위한 두 번째 악기가 추가되는 경우가 많으며, 트롬본이나 바리삭도 사용할 수 있습니다.사진은 지구, 바람, 불의 경적 부분입니다.

펑크 혼 섹션은 펑크 리듬 기타리스트들이 사용하는 접근 방식을 모방한 "리듬 퍼커시브 스타일"로 공연되었습니다.[64]호른 섹션은 "짧은 스타카토 리듬 블라스트(staccato rhythm blast [s])"[64]를 사용하여 보컬 사이의 공간에서 연주함으로써 가사를 "문장화"했습니다.유명한 펑크 혼 연주자로는 알프레드 "피위" 엘리스, 트롬본 연주자 프레드 웨슬리, 알토 색스 연주자 메이시오 파커 등이 있습니다.[64]피닉스 혼즈(지구, 바람과 불), 호니 혼즈(의회), 멤피스 혼즈(아이작 헤이스), MFSB(커티스 메이필드) 등 주목할 만한 펑크 혼 섹션.[64]

펑크 혼 섹션의 악기들은 다양했습니다.호른 연주자가 두 명이라면 트럼펫과 색소폰, 트럼펫과 트롬본, 혹은 색소폰 두 개일 수 있습니다.[3]일반적인 호른 트리오는 트럼펫, 색소폰, 트롬본으로 구성되지만, 두 개의 색소폰이 있는 한 개의 트럼펫, 또는 하나의 색소폰이 있는 두 개의 트럼펫의 트리오도 꽤 흔했습니다.[3]4중주는 일반적인 호른 트리오와 동일하게 설치되지만, 추가적인 트럼펫, 색소폰, 혹은 (자주는) 트롬본 연주자와 함께 설치됩니다.5중주는 트럼펫과 트롬본이 있는 3인조 색소폰(일반적으로 알토/테너/바리톤 또는 테너/테너/바리톤)이거나, 트럼펫과 색소폰 각각 한 쌍과 트롬본이 있는 1쌍입니다.6개의 악기로, 호른 부분은 보통 트럼펫 2개, 색소폰 3개, 트롬본 1개입니다.[3]

펑크 혼 섹션의 주목할 만한 곡들은 다음과 같습니다.

밴드나 쇼에서 경적 부분을 사용할 수 없는 경우, 키보드 연주자는 경적 부분을 황동 패치로 신시사이저에서 재생할 수 있습니다. 하지만, 진짜 소리가 나는 신시사이저와 황동 패치를 선택하는 것이 중요합니다.[3]2010년대에는 마이크로 MIDI 신스를 통해 다른 악기 연주자가 키보드 브라스 파트를 연주하도록 할 수도 있었을 것입니다. 따라서 키보드 연주자는 곡 내내 계속해서 작곡할 수 있습니다.[3]

의상과 스타일

1970년대 펑크 밴드들은 "나팔바지, 플랫폼 슈즈, 후프 귀걸이, 아프로 [헤어스타일], 가죽 조끼,... 구슬 목걸이",[65] 다시키 셔츠, 점프슈트, 부츠를 포함한 아프리카계 미국인의 패션과 스타일을 채택했습니다.[66]백인 주류 관객들에게 어필하기 위해 "어울리는 정장"과 "깔끔한 이발"을 착용했던 The Temptations와 같은 이전의 밴드들과는 대조적으로, 펑크 밴드들은 그들의 의상과 스타일에 "아프리카 정신"을 채택했습니다.[60]조지 클린턴과 의회는 상상력이 풍부한 의상과 예복과 망토 역할을 하는 침대 시트를 포함한 "의상의 자유"로 유명합니다.[67]

역사

펑크는 20세기 중반 아프리카계 미국인들 사이에서 유행했던 다양한 음악 장르의 혼합을 통해 형성되었습니다.음악학자 앤 대니얼슨은 펑크가 리듬 앤 블루스, 재즈 그리고 소울의 계보에 놓일지도 모른다고 썼습니다.[68]사회학자 다비 E.사우스게이트는 펑크가 "복음, 영혼, 재즈 퓨전, 리듬 앤 블루스, 블랙 록의 혼합물"이라고 썼습니다.[1]

아프리카계 미국인 음악적 표현의 독특한 특징은 사하라 사막 이남의 아프리카 음악 전통에 뿌리를 두고 있으며, 영적, 작품 구호/노래, 찬양 함성, 복음성가, 블루스, 그리고 "몸의 리듬"(햄본, 토닥토닥 주바, 그리고함성 박수와 쿵쿵 치는 패턴)에서 그들의 가장 초기 표현을 발견합니다.

재즈, 소울 음악 그리고 R&B를 포함한 다른 스타일의 아프리카계 미국인 음악적 표현과 마찬가지로 펑크 음악은 민권 운동 기간과 그 후에 많은 항의 운동을 동반했습니다.펑크는 일상적인 경험들이 하층민과 노동자 계급 공동체들에 의해 싸우는 일상적인 투쟁과 고난에 도전하도록 표현되도록 했습니다.

뉴올리언스

게르하르트 쿠빅뉴올리언스를 제외하고 초기 블루스는 복잡한 폴리리듬이 부족했고, 사실상 모든 20세기 초 아프리카계 미국인 음악에서 비대칭적인 타임라인 패턴(키 패턴)이 매우 구체적으로 결여되어 있었다고 지적합니다.일부 뉴올리언스 장르에서만 단순한 타임라인 패턴의 힌트가 일시적인 소위 '스톰프' 패턴이나 스톱타임 코러스의 형태로 나타나기도 합니다.이것들은 아프리카의 타임라인과 같은 방식으로 작동하지 않습니다."[69]

1940년대 후반에 두 개의 셀로 된 타임라인 구조가 뉴올리언스 블루스에 도입되면서 이것은 다소 변화했습니다.뉴올리언스 음악가들은 특히 R&B가 처음 형성되던 시기에 아프로-쿠반의 영향을 받았습니다.[70]데이브 바르톨로뮤롱헤어 교수(헨리 로랜드 버드)는 "Carnival Day" (Barttholomew 1949)와 "Mardi Gras In New Orleans" (Longhair 1949)와 같은 노래에서 클레이브 패턴과 관련된 두 개의 세포를 가진 인물들뿐만 아니라 아프로-쿠반 악기들을 통합했습니다.로버트 팔머는 1940년대 롱헤어 교수가 이 섬 출신 음악가들의 음악을 듣고 연주했으며 "페레즈 프라도맘보 음반에 매료됐다"고 보도했습니다.[20]롱헤어 교수의 특별한 스타일은 현지에서 룸바 부기로 알려져 있었습니다.[21]

롱헤어의 큰 공헌 중 하나는 뉴올리언스 리듬 블루스(R&B)에 두 개의 셀로 된 클레이브 기반 패턴을 채택한 그의 특별한 접근 방식이었습니다.롱헤어의 리드미컬한 접근법은 펑크의 기본적인 틀이 되었습니다.박사(말콤 존 "맥" 리벤낙 주니어)에 따르면, 이 교수는 "음악에 펑크를 집어넣었습니다.롱헤어의 것은 뉴올리언스에서 진화한 펑크 음악의 상당 부분과 직접적인 관련이 있습니다."[71]그의 "뉴올리언스의 마디 그라"에서, 그 피아니스트는 룸바 부기 "과저"에서 2-3개의 클레이브 온 비트/오프 비트 모티브를 사용합니다.[72]

쿠바 음악의 싱커페이션되되 곧은 세분화된 느낌은 이 시기 동안 뉴올리언스 R&B에 뿌리를 내렸습니다.알렉산더 스튜어트(Alexander Stewart)는 다음과 같이 말합니다. "결국, 뉴올리언스 밖에서 온 음악가들이 [크레센트 시티]의 리듬 연습을 배우기 시작했습니다.이들 중 가장 중요한 것은 제임스 브라운과 그가 고용한 드럼 연주자와 편곡자들이었습니다.브라운의 초기 레퍼토리는 주로 셔플 리듬을 사용했으며, 그의 가장 성공적인 곡들 중 일부는 12/8 발라드(예: "Please, Please, Please" (1956), "Be wildered" (1961), "I Don't Mind" (1961))였습니다.더 펑키한 소울 브랜드로의 브라운의 변화는 4/4 미터와 다른 스타일의 드럼이 필요했습니다."[73]스튜어트는 다음과 같이 주장합니다: "제2차 세계 대전 이후 몇 년 동안 뉴올리언스에서 나타난 독특한 스타일의 리듬 앤 블루스는 펑크의 발전에 중요한 역할을 했습니다.이와 관련하여, 미국 대중 음악의 근본적인 리듬은 기본적이지만, 일반적으로 인정받지 못하는 삼중주 혹은 셔플 느낌에서 짝수 혹은 곧은 8분 음표로의 전환을 겪었습니다."[74]

1960년대

제임스 브라운

펑크음악의 창시자 제임스 브라운.

제임스 브라운(James Brown)은 리틀 리처드의 1950년대 R&B 로드 밴드인 뉴올리언스 출신의 업스터즈(The Upsters from New Orleans)를 로큰롤의 "처음으로 펑크를 리듬에 넣었습니다."라고 평가했습니다.[75]1957년 전도사가 되기 위해 잠시 세속 음악에서 탈퇴한 후, 리틀 리처드의 밴드 멤버들 중 일부는 브라운 앤 더 페이머스 플레임즈에 합류하여 1958년에 그들을 위한 긴 일련의 히트곡을 시작했습니다.1960년대 중반까지, 제임스 브라운은 아프리카계 미국인 음악을 대표하는 백비트가 아니라, 그의 독특한 사운드를 식각하기 위한 모든 측정의 첫 번째 비트에 큰 중점을 두고 다운비트를 강조하는 그의 특징적인 그루브를 개발했습니다.[76]브라운은 종종 "On the one!"이라는 명령으로 밴드에게 큐잉을 시켰으며, 전통적인 소울 음악의 원-투-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰-쓰이 원-쓰리 비트는 1964년 히트 싱글인 "Out of Sight"와 1965년 히트곡인 "Papa's Got a Brand Bag"과 "I Got You (I Feel Good)"를 시작으로 브라운의 대표적인 음악 스타일에 변화를 가져왔다.

브라운의 펑크 스타일은 연동, 대위법의 부분들에 기초를 두었습니다: 싱커페이트 된 베이스 라인들, 16비트 드럼 패턴들, 그리고 싱커페이트 된 기타 리프들.[4]"Ain't it Funky"(1960년대 후반)의 주요 기타 오스티나토는 뉴올리언스 펑크(거절할 수 없는 춤을 출 수 있는 리프)를 리드미컬한 본질로 다듬은 예입니다."A't it Funky"에서 음색 구조는 맨 뼈입니다.브라운의 혁신은 그와 그의 밴드를 대표적인 펑크 액트로 이끌었고, 그들은 또한 그의 초기 음악에 등장했던 12마디 블루스를 버리고 "Cold Sweat" (1967), "Mother Popcon" (1969), "Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine" (1970)과 같은 발매로 펑크 음악 스타일을 더욱 전면에 내세웠습니다.대신, 브라운의 음악은 "광범위한 뱀파이어"에 기반을 둔 "캐치, 무반주 보컬"로 덧씌워졌고, 그는 또한 그의 목소리를 "자주 리듬을 타는 그르렁거리는 소리와 리듬 섹션 패턴을 가진 타악기"로 사용했습니다.서아프리카 폴리리듬 (West African polyrhythm)[77] – 아프리카계 미국인 작품 노래와 구호에서 분명한 전통.그의 경력 내내, 종종 비명과 투덜거림으로 끝나는 브라운의 광란적인 보컬은 세속적인 맥락에서 "흑 교회의 황홀한 분위기"를 전달했습니다.[77]

외부영상
video icon 유투브에서 "클라이드 스터블필드/펑키 드러머" 보기

1965년 이후 브라운의 밴드 리더이자 편곡자는 알프레드 "피 위" 엘리스였습니다.엘리스는 클라이드 스터블필드가 뉴올리언스 드럼 기법을 채택한 것이 현대 펑크의 기본이라고 평가합니다. "만약 스튜디오에서 당신이 거의 모든 것을 암시할 수 있는 '펑키하게 연주하라'고 말했다면.하지만 '뉴올리언스 비트를 주세요' – 당신은 당신이 원하는 것을 정확하게 얻었습니다.그리고 클라이드 스터블필드는 이 펑키 드럼의 전형이었습니다."[78]스튜어트는 대중적인 느낌이 "뉴올리언스"에서 제임스 브라운의 음악을 거쳐 1970년대의 대중 음악으로 전해졌다고 말합니다.[74]다양한 펑크 모티브와 관련하여 스튜어트는 이 모델이 정확한 패턴이 아니라 느슨한 조직 원리라는 점에서 타임라인(클레이브 및 트레실로)과 다르다고 말합니다.[79]

1990년 인터뷰에서 브라운은 자신의 음악 리듬을 바꾼 이유를 다음과 같이 제시했습니다.정말 간단합니다."[80]브라운의 전 색소폰 연주자인 메이시오 파커(Maceo Parker)에 따르면, 처음에는 강박 상태에서 연주하는 것이 어려웠고 익숙해지는데 시간이 걸렸다고 합니다.브라운의 밴드에서 활동했던 초창기를 되돌아보면, 파커는 두 번째 비트의 악센트를 듣고 연주하는 데 익숙했기 때문에 솔로 공연 중에 "온 더 원"을 연주하는 데 어려움을 겪었다고 보고했습니다.[81]

의회펑카델릭

2006년 조지 클린턴의회 펑카델릭

새로운 음악가 그룹이 "펑크 록" 접근법을 더욱 발전시키기 시작했습니다.혁신은 조지 클린턴이 그의 밴드인 의회펑카델릭과 함께 눈에 띄게 이루어졌습니다.그들은 함께 재즈와 사이키델릭 록의 영향을 많이 받은 새로운 종류의 펑크 사운드를 만들었습니다.두 그룹은 멤버를 공유하고 종종 "의회-펑카델릭"으로 통칭됩니다.의회-펑클릭의 폭발적인 인기는 조지 클린턴의 밴드들의 음악을 지칭하는 "P-Funk"라는 용어를 낳았고 새로운 하위 장르를 정의했습니다.Clinton은 P-Funk 대기업의 일부인 Parlet, Horny Horns, 그리고 Brides of Funkenstein을 포함한 여러 다른 밴드에서 주요한 역할을 했습니다."P-funk"는 또한 본질적으로, 우수한 품질, 또는 sui generis를 의미하게 되었습니다.

1960년대 후반 지미 헨드릭스의 작업 이후, Sly and the Family Stone과 같은 아티스트들은 헨드릭스의 사이키델릭 록을 펑크와 결합시켰고, 블루스 록재즈뿐만 아니라 와 페달, 퍼즈 박스, 에코 체임버, 보컬 디스터를 빌렸습니다.[82]그 후 몇 년 동안 클린턴의 의회-펑카델릭과 같은 그룹들은 신디사이저와 록 지향 기타 작업을 사용하면서 이러한 감성을 이어갔습니다.[82]

1960년대 후반 ~ 1970년대 초반

다른 음악 그룹들은 제임스 브라운과 그의 밴드에 의해 발전된 리듬과 보컬 스타일을 알게 되었고, 펑크 스타일이 성장하기 시작했습니다.애리조나주 피닉스에 기반을 둔 다이크 블레이저스는 1967년에 "펑키 브로드웨이"를 발표했는데, 아마도 소울 음악 시대 중 제목에 "펑키"라는 단어가 들어간 첫 번째 음반일 것입니다.1969년 지미 맥그리프(Jimmy McGriff)는 이글거리는 호른 부분에 자신의 독특한 오르간을 특징으로 하는 일렉트릭 펑크(Electric Funk)를 발매했습니다.한편, 웨스트 코스트에서는 찰스 라이트 & 더 왓츠 103번가 리듬 밴드가 1967년 첫 앨범을 시작으로 펑크 트랙을 발표했고, 1971년 클래식 싱글 "Express Yourself"로 끝이 났습니다.또한 웨스트 코스트 지역, 구체적으로 캘리포니아의 오클랜드는 1968년에 결성된 타워 오브 파워(Tower of Power, TOP) 밴드가 되었습니다.1970년에 발매된 그들의 데뷔 앨범 East Bay Grease는 펑크의 이정표로 여겨집니다.1970년대 내내, TOP는 많은 히트곡들을 보유했고, 밴드는 펑크 음악이 더 많은 청중들과 함께 성공적인 장르가 되도록 도왔습니다.

1970년 Sly & the Family Stone의 "Thank You (Falettin me Be Mice Elf Agin)"가 차트 1위에 올랐고 1971년의 "Family Affair"도 차트 1위에 올랐습니다.특히, 이것들은 그룹과 장르를 넘나드는 성공과 더 큰 인지도를 제공했지만, 그러한 성공은 비교적 재능 있고 적당히 인기 있는 펑크 밴드 동료들로부터 벗어났습니다.1969년 그들의 R&B 히트곡 "Sophistated Cissy"와 "Cissy Strut"을 시작으로, The Meters는 뉴올리언스에서 펑크를 정의했습니다.이 시기에 펑크를 정의한 또 다른 그룹은 펑키한 1969년 1위 R&B 히트곡인 "It's Your Thing"으로 아프리카계 미국인 음악의 돌파구를 열었고, 지미 헨드릭스사이키델릭 록, 슬리 앤 더 패밀리 스톤과 마더즈 파인의 흥겨운 소울 사이의 간격을 좁혔습니다.이전에 팝 소울의 뚜렷한 혼합인 "모타운 사운드"를 정의하는 데 도움을 주었던 유혹자들은 1960년대 말에 이 새로운 사이키델릭 사운드를 채택했습니다.그들의 프로듀서인 Norman WhitfieldEdwin Starr의 "War", Unpwetting Truth의 "Smiling Faces Somes", 그리고 Temptions의 "Papa Was A Rollin' Stone"을 포함하여, 많은 Motown 공연들을 위해 더 새롭고 펑키한 사운드로 히트곡들을 만들면서, 사이키델릭 소울 분야의 혁신가가 되었습니다.모타운의 프로듀서 프랭크 윌슨("Keep On Truckin')과 할 데이비스("Dancing Machine")가 그 뒤를 이었습니다.스티비 원더마빈 게이는 또한 1970년대의 가장 큰 히트곡들 중 일부인 "Superstition"과 "You Have Don' Nothing", 그리고 "I Want You"와 "Got To Give It Up"을 위해 각각 펑크 비트를 채택했습니다.

1970년대

오리지널 패밀리 스톤 라이브, 2006.제리 마티니, 로즈 스톤, 신시아 로빈슨

1970년대는 펑크 음악에 대한 가장 높은 주류 가시성의 시대였습니다.의회 펑크델릭 외에도, Sly and the Family Stone, Rufus & Chaka Khan, Bootsy's Rubber Band, Isley Brothers, Ohio Players, Con Funk Shun, Kool and the Gang, Bar-Kays, Comdores, Roy Ayers, Curtis Mayfield, 그리고 Stevie Wonder와 같은 아티스트들이 라디오 재생을 받았습니다.디스코 음악은 펑크에 큰 빚을 졌습니다.많은 초기 디스코 음악과 연주자들은 펑크 지향적인 배경에서 직접 나왔습니다.배리 화이트의 모든 히트곡, 비두와 칼 더글라스의 "쿵푸 파이팅", 도나 서머의 "러브 러브 베이비", 다이애나 로스의 "러브 행오버", KC와 선샤인 밴드의 "아임 유어 부기 맨", 차카 칸의 "아임 에브리 우먼" (펑크의 여왕으로도 알려져 있음),그리고 칙의 "Le Freak"는 펑크에서 파생된 리프와 리듬을 눈에 띄게 포함하고 있습니다.1976년 로즈 로이스는 순수 댄스 펑크 음반인 "Car Wash"로 1위 히트를 기록했습니다.디스코가 등장했음에도 불구하고 펑크는 1980년대 초반까지 점점 더 인기를 끌게 되었습니다.

펑크 음악은 아프리카에도 수출되었고, 아프리카의 노래와 리듬이 어우러져 아프로비트를 형성했습니다.제임스 브라운(James Brown)의 음악에 많은 영향을 받은 나이지리아 음악가 펠라 쿠티(Fela Kuti)는 이 스타일을 창조하고 "아프리카 비트(Afrobeat)"라고 칭한 것으로 알려져 있습니다.

재즈 펑크

재즈 펑크(Jazz-funk)는 강한 백 비트(그루브), 전기가 흐르는 소리[83], 아날로그 신시사이저의 초기 보급으로 특징지어지는 재즈 음악의 하위 장르입니다.펑크, 소울, R&B 음악과 스타일이 재즈에 통합되면서 재즈 편곡, 재즈 리프, 재즈 솔로, 그리고 때로는 소울 보컬이 가미된 강렬한 재즈 즉흥곡부터 소울, 펑크 또는 디스코까지 스펙트럼이 상당히 넓은 장르가 탄생했습니다.[84]재즈펑크는 주로 미국의 장르로 1970년대와 1980년대 초반에 걸쳐 인기를 끌었지만 1970년대 중반에는 영국의 클럽 서킷에서도 주목을 받았습니다.비슷한 장르로는 소울 재즈재즈 퓨전이 있지만 재즈 펑크와 완전히 겹치지는 않습니다.특히 재즈 펑크는 소울 재즈보다 덜 발성적이고, 더 편곡적이며, 즉흥성이 더 강하며, 재즈 퓨전 프로덕션의 일부에 비해 그루브와 R&B의 강한 느낌을 유지합니다.

1980년대 신스-

1980년대, 디스코의 지나친 방종으로 간주된 것에 대한 반작용으로, P-Funk 공식의 기초를 형성한 많은 핵심 요소들이 전자 악기, 드럼 머신신디사이저에 의해 탈취되기 시작했습니다.색소폰과 트럼펫의 호른 섹션은 신스 키보드로 대체되었고, 남아있는 호른에는 단순한 라인이 주어졌고, 솔로들에게는 호른 솔로가 거의 주어지지 않았습니다.해먼드 B3 오르간, 호너 클라비넷 그리고/또는 펜더 로즈 피아노와 같은 펑크의 고전적인 전기 키보드들은 프로그레시브-5, 오버하임 OB-X, 그리고 야마하 DX7과 같은 새로운 디지털 신시사이저로 대체되기 시작했습니다.롤랜드 TR-808, 린 LM-1, 오버하임 DMX와 같은 전자 드럼 머신들은 과거의 "펑키 드럼 연주자들"을 대체하기 시작했고, 슬랩과 팝 스타일의 베이스 연주는 종종 신스 키보드 베이스라인으로 대체되었습니다.펑크 곡의 가사는 암시적인 이중 엔트렌드에서 더 그래픽적이고 성적으로 노골적인 내용으로 바뀌기 시작했습니다.

크래프트워크(Kraftwerk)의 영향을 받은 아프리카계 미국인 랩 DJ 아프리카 밤바타(Afrika Bambaataa)는 1982년 싱글 "Planet Rock"으로 미니멀리즘 기계 구동 펑크 스타일인 일렉트로 펑크(Electro-funk)를 개발했습니다.[85]간단히 일렉트로라고도 알려진 이 스타일의 펑크는 신시사이저와 TR-808 드럼 머신의 전자 리듬에 의해 주도되었습니다.1983년 싱글 "Renegades of Funk"가 그 뒤를 이었습니다.[85]마이클 잭슨 또한 일렉트로 펑크의 영향을 받았습니다.[86]1980년, 테크노 펑크 음악은 TR-808 프로그램이 가능한 드럼 머신을 사용했고,[87] 크래프트워크의 사운드는 맨트로닉스와 같은 후대의 일렉트로 펑크 아티스트들에게 영향을 미쳤습니다.[89]

제임스(Rick James)는 1970년대 P-Funk에 의해 지배된 펑크 맨틀을 가정한 1980년대 최초의 펑크 뮤지션이었습니다.1981년 싱글 "Give It to Me Baby"와 "Super Freak"가 수록된 그의 1981년 앨범 Street Songs는 제임스를 스타로 만들었고, 펑크의 미래적인 방향성을 위한 길을 열었습니다.

프린스는 영향력 있는 멀티 악기 연주자, 밴드 리더, 가수, 작곡가였습니다.

프린스는 원래 자신을 위한 오프닝 공연으로 생각되었고 펑크, R&B, , , 뉴웨이브가 혼합된 자신의 "미니애폴리스 사운드"에 기반을 둔 타임을 결성했습니다.결국, 밴드는 타이트한 음악성과 성적인 주제를 바탕으로 그들만의 스타일의 헐벗은 펑크를 정의했습니다.

프린스와 비슷하게, 다른 밴드들은 P-Funk 시대에 나타났고 펑크 히트곡을 계속 만들기 위해 자유로운 섹슈얼리티, 댄스 중심의 테마, 신디사이저 및 기타 전자 기술을 통합하기 시작했습니다.여기에는 1980년대 초에 가장 큰 히트곡을 발견한 카메오, , 갭 밴드, 바케이즈, 데즈 밴드 등이 포함되었습니다.1980년대 후반까지 순수 펑크는 상업적 영향력을 잃었지만 마이클 잭슨부터 컬처 클럽까지 팝 아티스트들은 종종 펑크 비트를 사용했습니다.

1980년대 후반부터 2000년대까지 누펑크

펑크는 매끄러운 상업 힙합, 현대적인 R&B 그리고 스윙에 의해 라디오에서 멀어졌지만, 그것의 영향력은 계속 확산되었습니다.스티브 애링턴과 카메오와 같은 아티스트들은 여전히 주요 방송 활동을 받았고, 전 세계적으로 엄청난 팬들을 보유하고 있습니다.록 밴드들은 펑크의 요소들을 그들의 사운드에 도입하기 시작했고, "펑크 록"과 "펑크 메탈"의 새로운 조합을 만들었습니다.Extreme, Red Hot Chili Peppers, Living Color, Jane's Addiction, Prince, Primus, Urban Dance Squad, Fishbone, Faith No More, Rage Against the Machine, Infectious Grooves, 그리고 Incubus는 1980년대 중후반에서 1990년대 사이에 펑크 개척자들로부터 얻은 접근 방식과 스타일을 새로운 청중들에게 전파했습니다.이 밴드들은 이후 1990년대 중반 언더그라운드 펑크코어 운동과 아웃캐스트, 말리나 모예, 반 헌트, 그날스 바클리와 같은 현재 펑크에 영감을 받은 아티스트들에게 영감을 주었습니다.

1990년대에 M'shell Ndegeocello, Brooklyn Funk Essentials와 같은 아티스트들과 Jamiroquai, Incognito, Galliano, Omar, Los Tetas, Brand New Heavies와 같은 아티스트들과 밴드들을 포함한 (주로 영국에 기반을 둔) 애시드 재즈 운동이 펑크의 강한 요소들을 가지고 진행되었습니다.그러나, 그들은 전세계적으로 약 1,[90]150만장이 팔렸고 역사상 가장 많이 팔린 펑크 앨범으로 남아있는 Jamiroquai를 제외하고는 전성기에 펑크의 상업적 성공에 거의 도달하지 못했습니다.한편, 호주와 뉴질랜드에서는 Supergroove, Skunkhour, Truth와 같은 펍 서킷을 연주하는 밴드들이 더 악기적인 형태의 펑크를 보존했습니다.

전기 베이스를 연주하는 N'shell Ndegeo cello

1980년대 후반부터 힙합 아티스트들은 정기적으로 오래된 펑크 곡들을 샘플링해 왔습니다.제임스 브라운(James Brown)은 힙합 역사상 가장 많이 샘플링된 아티스트라고 일컬어지는 반면, 피펑크(P-Funk)는 두 번째로 많이 샘플링된 아티스트라고 일컬어지고 있으며, 오래된 의회펑크델릭(Funkadelic) 노래의 샘플은 웨스트 코스트 지펑크(West Coast G-funk)의 기초를 형성하고 있습니다.

펑크 스타일의 베이스나 리듬 기타 리프가 특징인 오리지널 비트 또한 드물지 않습니다.(지펑크 장르의 창시자로 여겨지는) 닥터 드레는 조지 클린턴의 환각제에 많은 영향을 받았다고 자유롭게 인정했습니다: "70년대로 돌아가 보면 사람들은 약에 취해 아프로를 입고, 종을 신고, 의회 펑크 음악을 들었습니다.그래서 제 앨범을 The Chronic이라고 부르고 제 음악과 컨셉을 바탕으로 했습니다. 왜냐하면 그의 똥이 제 음악에 큰 영향을 끼쳤기 때문입니다.엄청 커요.[91]Digital Underground는 청취자들에게 펑크의 역사와 아티스트에 대한 지식을 교육함으로써 1990년대 펑크의 재탄생에 큰 기여를 했습니다.조지 클린턴(George Clinton)은 디지털 언더그라운드(Digital Underground)를 "Sons of the P"로 브랜드화했으며, 두 번째 정규 앨범의 제목도 붙여졌습니다.DU의 첫 번째 발매작인 Sex Packets는 펑크 샘플로 가득 차 있었고, 가장 널리 알려진 "Humpty Dance"는 의회의 "Let's Play House"를 샘플링했습니다.DU's의 매우 강력한 펑크 앨범은 1996년 발매된 Future Rhythm입니다.현대 클럽 댄스 음악, 드럼 및 베이스의 대부분은 특히 펑크 드럼 브레이크를 많이 샘플링했습니다.

펑크는 1990년대 후반과 2000년대의 잼 밴드 장면과 동일시되는 특정 아티스트들의 주요 요소입니다.1990년대 후반, 밴드 피시는 춤을 출 수 있는 딥 베이스 그루브로 구성된 라이브 사운드 "cow funk" (일명 "space funk")를 개발했고, 종종 기타 연주자의 무거운 "와" 페달과 기타 사이키델릭 효과를 강조하고 키보드 연주자의 클래비넷을 레이어드했습니다.[92]피쉬는 1996년경부터 그들의 세트장에서 펑크 잼을 연주하기 시작했고, 1998년의 The Story of the Ghost는 펑크의 영향을 많이 받았습니다.피쉬의 펑크는 종종 4/4 박자의 1박자를 강조한다는 점에서 전통적인 것이었지만, 그것은 또한 매우 탐색적이었고 고도로 구성된 프로그레시브 로큰롤로 전환하기 전에 에너지가 넘치는 피크를 향해 잼을 쌓는 것을 수반했습니다.

메데스키 마틴 우드, 로버트 랜돌프 앤 더 패밀리 밴드, 갤럭틱, 잼 언더그라운드, 소울라이브, 칼 덴슨의 타이니 유니버스 등이 모두 펑크의 전통에서 크게 유래했습니다.덤프스타펑크는 뉴올리언스의 펑크 전통에 기반을 두고 있으며, 투박한 그루브와 소울풀한 4부작 보컬로 구성되어 있습니다.

1990년대 중반 이후 딥 펑크 컬렉터 씬을 중심으로 한 뉴 펑크 또는 펑크 리바이벌 씬은 희귀한 펑크 45의 사운드에 영향을 받은 새로운 재료를 생산하고 있습니다.데스코, 소울 파이어, 댑톤, 티미온, 나폴리타닉, 바나라마, 케이디, 트램프 등의 레이블이 있습니다.이러한 레이블은 종종 45rpm 레코드로 출시됩니다.드문 펑크 DJ들을 위한 음악을 전문으로 하고 있지만, 2005년 Sharon Jones의 Late Night with Conan O'Brien과 같은 주류 음악 산업으로의 크로스오버가 있었습니다.펑크에 애시드 재즈, 애시드 하우스, 트립합, 기타 장르를 혼합하는 사람들로는 탐 [93]톰 클럽, 브레인티켓,[94] 그루브 아르마다 등이 있습니다.[95][96]

2010년대 펑트로니카

2000년대와 2010년대 초반에 아웃 허드(Out Hud)와 몽골 몽크피쉬(Mongolian Monk Fish)와 같은 펑크 펑크 밴드들인디 록 씬에서 공연했습니다.인디 밴드 릴로 카일리는 록적인 다양한 스타일을 탐구하는 경향을 따라 앨범 Under the Blacklight에 수록된 그들의 노래 "The Moneymaker"에 펑크를 포함시켰습니다.프린스는 그의 후기 앨범들로 "The Everlasting Now", "Musicology", "Ol' Skool Company", 그리고 "Black Sweat"과 같은 곡들로 펑크 사운드에 재탄생했습니다.예를 들어,[97] 파티클은 컴퓨터, 신시사이저, 샘플들로 만들어진 디지털 음악의 요소들과 아날로그 악기들, 소리들, 그리고 펑크의 즉흥적이고 구성적인 요소들을 결합한 장면의 일부입니다.[98][99]

파생상품

1970년대 초반부터 펑크는 다양한 하위 장르를 개발했습니다.조지 클린턴(George Clinton)과 의회(Parliament)가 펑크의 더 어려운 변형을 만드는 동안 쿨 앤 더 갱(Kool and the Gang), 오하이오 플레이어스(Ohio Players), 어스, 윈드 앤 파이어(Earth, Wind and Fire)와 같은 밴드들이 디스코 영향을 받은 펑크 음악을 만들고 있었습니다.[100]

펑크 록

펑크 록(Funk-rock)은 펑크와 록 요소결합한 것입니다.[101]60년대 후반부터 70년대 중반까지 지미 헨드릭스, 프랭크 자파, 게리 라이트, 데이비드 보위, 마더스 파인, 펑카델릭과 같은 음악가들이 그들의 초기 앨범에서 처음으로 화신을 들었습니다.

많은 악기들이 펑크 록에 포함될 수 있지만, 전체적인 소리는 확정적인 베이스 또는 드럼 비트와 전기 기타에 의해 정의됩니다.베이스와 드럼 리듬은 펑크 음악의 영향을 받지만 강도가 더 세고, 기타는 펑크나 록의 영향을 받을 수 있으며, 대개 왜곡이 있습니다.프린스, 제시 존슨, 레드 칠리 페퍼스 그리고 피시본은 펑크 록의 주요 아티스트입니다.

아방펑크

"아반트 펑크(avant-funk)"라는 용어는 펑크(funk)와 아트 록(art rock)의 관심사를 결합시킨 행위들을 설명하기 위해 사용되었습니다.[102]사이먼 프리스(Simon Frith)는 이 스타일을 멜로디와 화음보다는 리듬에 진보적인 록 정신을 적용한 것으로 묘사했습니다.[102]사이먼 레이놀즈(Simon Reynolds)는 아방펑크를 "신체 위로 올라가는 것이 아니라, 동물주의를 통해 육체적, 자아 상실에 몰입함으로써 망각을 달성하려는" 일종의 사이키델리아로 묘사했습니다.[102]

Talking Heads는 펑크와 아트 록의 요소를 결합했습니다.

이 장르의 배우들독일[103]크라우트록 밴드 캔, 미국의 펑크 아티스트 슬리 스톤조지 클린턴, 그리고 [104]디스코와 펑크와 같은 흑인 댄스 음악 스타일을 받아들인 1980년대 초 영국과 미국의 아티스트들(Public Image Ltd, Talking Heads, Pop Group, Gang of Four, Bauhaus, Cabaret Voltaire, Defunkt, A Secert Ratio, 23 Skidoo를 포함)을 포함합니다.[105][106]1970년대 후반 뉴욕 노 웨이브 씬의 예술가들은 Ornette Coleman과 같은 인물들의 영향을 받아 아방펑크를 탐구하기도 했습니다.[107]레이놀즈는 서양 근대소외, 억압, 기술 정치와 같은 문제들에 대한 이 예술가들의 집착에 주목했습니다.[102]

고고

고고는 중부 대서양의 다른 지역들과 함께 워싱턴 D.C.에서 유래되었습니다.'고고의 대부' 척 브라운 등 가수들에게 영감을 받아 펑크, 리듬 블루스, 얼리 힙합이 혼합된 곡으로, 댄스 트랙 대신 로파이 타악기와 직접 잼을 하는 것에 중점을 두고 있습니다.이처럼 주로 관객들의 라이브콜과 호응에 중점을 둔 댄스음악입니다.고고 리듬은 또한 길거리 타악에도 포함되어 있습니다.

부기

부기는 펑크와 포스트 디스코의 영향을 주로 받은 일렉트로닉 음악입니다.신디사이저와 키보드로 구성된 부기의 미니멀리즘 접근법은 일렉트로닉과 하우스 음악을 확립하는 데 도움을 주었습니다.부기는 일렉트로와 달리 베이스 기타의 슬랩핑 기술과 베이스 신시사이저를 강조합니다.아티스트로는 비키 "D", 코미코, 피치 보이즈, 카시프, 후에 에블린 킹 등이 있습니다.

일렉트로 펑크

일렉트로 펑크(Electro funk)는 전자 음악과 펑크(funk)의 혼합물입니다.본질적으로 펑크와 동일한 형태를 따르며 펑크의 특징을 유지하지만 TR-808과 같은 전자 악기를 사용하여 전체적으로(또는 부분적으로) 만들어집니다.보컬을 변형시키기 위해 일반적으로 보코더토크박스가 구현되었습니다.선구적인 일렉트로 밴드 Zapp은 흔히 그런 악기들을 그들의 음악에 사용했습니다.부티 콜린스는 이후 솔로 앨범에도 일렉트로닉 사운드를 접목하기 시작했습니다.다른 아티스트로는 허비 행콕, 아프리카 밤바타, 이집션 러버,메이슨 & 크루, 미드나잇 스타, 사이봇론 등이 있습니다.

펑크 메탈

펑크 메탈(Funk Metal)은 1980년대에 얼터너티브 메탈 운동의 일부로 등장한 퓨전 음악 장르입니다.그것은 일반적으로 펑크와 헤비 메탈(종종 스래시 메탈)의 요소를 포함하며, 일부 경우에는 펑크실험 음악과 같은 다른 스타일을 포함합니다.하드 드라이빙 헤비 메탈 기타 리프, 펑크 특유의 쿵쿵거리는 베이스 리듬, 때로는 힙합 스타일의 라임이 작곡에 대한 얼터너티브 록 접근법을 특징으로 합니다.대표적인 예가 롤링 스톤에 의해 "펑크 메탈 개척자"로 일컬어지는 아프리카계 미국인 록 밴드 리빙 컬러입니다.[108]1980년대 후반과 1990년대 초반에는 캘리포니아, 특히 로스앤젤레스샌프란시스코에서 스타일이 가장 널리 퍼졌습니다.[109][110]

지펑크

닥터 드레(2011년 사진)는 지펑크의 영향력 있는 창작자 중 한 명이었습니다.

G-funk는 갱스터 랩과 펑크가 결합된 퓨전 음악 장르입니다.그것은 일반적으로 웨스트 코스트 래퍼들에 의해 발명되고 닥터 드레에 의해 유명해진 것으로 여겨집니다.그것은 다층적이고 멜로디적인 신디사이저, 느린 최면 그루브, 깊은 베이스, 배경 여성 보컬, P-Funk 튠의 광범위한 샘플링, 그리고 고음의 포르타멘토 톱파 신디사이저 리드를 포함합니다.펑크 샘플(예: EPMDBomb Squad)을 사용한 이전의 다른 랩 활동과는 달리, G-funk는 종종 곡당 더 적은 수의 변경되지 않은 샘플을 사용했습니다.

팀바 펑크

팀바는 펑키한 쿠바의 대중 댄스 음악의 한 형태입니다.1990년까지, 몇몇 쿠바 밴드들은 펑크와 힙합의 요소들을 그들의 편곡에 포함시켰고, 미국 드럼 세트, 색소폰 그리고 두 개의 키보드 형식을 가진 전통적인 컨토의 악기로 확장했습니다.라 샤랑가 하바네라나 밤볼레오와 같은 팀바 밴드들은 지구, 바람과 불, 쿨과 갱 또는 다른 미국 펑크 밴드들의 짧은 곡들을 연주하는 호른이나 다른 악기들을 자주 가지고 있습니다.많은 펑크 모티프들이 클레이브 기반의 구조를 나타내지만, 그것들은 다양한 부분들을 가이드 패턴에 맞추려는 의식적인 의도 없이 직관적으로 만들어집니다.팀바는 펑크의 모티브를 겉으로 드러나고 의도적인 클레이브 구조에 접목시켰습니다.

사회적 영향

우먼 앤 펑크

차카 칸(Chaka Khan, 1953년 ~ )은 "펑크의 여왕"으로 불립니다.

펑크가 현대 음악에서 인기가 있음에도 불구하고 펑크 여성의 작품을 조사한 사람은 거의 없습니다.주목할 만한 펑크 여성으로는 차카 칸, 라벨, 브리즈 오브 펑켄슈타인, 클라이맥스, 마더스 파인즈, 콜린스, 베티 데이비스, 티나 마리 등이 있습니다.문화평론가 셰릴 키스가 자신의 에세이 "She Was Too Black for Rock and Too Hard for Soul: (Re) Betty Mabry Davis의 음악적 경력을 발견하다"에서 설명하듯이, 펑크를 둘러싼 대부분의 학문은 남성의 문화적 작업에 집중되어 왔습니다.그녀는 "베티 데이비스는 펑크와 록의 연대기에 선구자로 이름이 알려지지 않은 아티스트입니다.이러한 음악 장르에 대한 대부분의 글들은 전통적으로 지미 헨드릭스, 조지 클린턴(의회-펑카델릭), 베이시스트 래리 그레이엄과 같은 남성 아티스트들을 록 음악 감성을 형성하는 트렌드 세터로 배치했습니다."[111]

베티 데이비스와 르네 스타우트의 페미니스트 펑크 파워에서 니키 A.그린은[112] 데이비스의 자극적이고 논란의 여지가 있는 스타일이 1970년대에 성적 동기를 부여하고 자기 권력을 가진 주제에 집중하면서 인기를 얻는데 도움이 되었다고 지적합니다.게다가, 이것은 많은 관객을 끌어 모을 수 있는 젊은 예술가의 능력과 상업적인 성공에도 영향을 미쳤습니다.그린 씨는 데이비스 씨가 당시 시민권과 페미니즘 운동의 공식 대변인이나 옹호자가 된 적이 없지만, 최근에는[when?] 그녀의 작품이 유색인종 여성들에게 성적 해방의 상징이 되고 있다고 지적했습니다.데이비스의 데뷔 앨범에 수록된 "If I'm In Luck I Just Mayst Picked Up"은 논란을 일으켰고 디트로이트 NAACP에 의해 금지당했습니다.[113]음악학자이자 인류학자인 모린 마한은 "They Say She's Different: Race, Gender, Genre, and the Releved Black Feminity of Betty Davis"라는 그녀의 기사에서 데이비스가 음악 산업과 미국 대중에 미친 영향을 조사합니다.

레이나 도스, '여기서 뭐해: 헤비메탈에서의 흑인 여성의 삶과 해방'의 저자,데이비스와 같은 예술가들이 남성들과 같은 인정을 받지 못하는 이유는 존경의 정치 때문이라고 생각합니다. "저는 70년대 여성들 중 일부가 잘 알려지지 않은 이유 중 일부로 제가 존경의 정치라고 부르는 것을 비난합니다.그들의 음악과 존재감의 중요성에도 불구하고, 많은 펑크 록 여성들은 많은 사람들이 편안하지 않은 공격적인 행동과 섹슈얼리티를 나타냈습니다."[114]

자넬 모나(Janelle Monáe, 1985 ~ )는 여성 펑크 아티스트의 새로운 물결의 일원입니다.

프란체스카 T에 의하면.Royster, Rickey Vincent의 책 Funk: The Music, The People, 그리고 The Rhythm of The One, 그는 Labelle의 영향을 제한적인 부분에서만 분석합니다.로이스터는 그룹에 대한 빈센트의 분석을 비판하며 다음과 같이 진술합니다: "그렇다면 빈센트가 자신의 연구에서 라벨의 공연에 최소한의 관심을 기울이는 것은 부끄러운 일입니다.이것은 불행히도 펑크 음악에 대한 평가를 형성하는 여전히 일관된 성차별을 반영합니다.펑크에서 빈센트의 라벨에 대한 분석은 간단합니다. 세 페이지의 하위 장인 '펑키 우먼'에서 포인터 시스터즈와 한 단락을 공유합니다.그는 '레이디 마멀레이드'가 '성적 모욕의 기준에서 뚜껑을 날려버리고 그룹의 스타 지위를 급상승시켰다'는 반면, '3인조가 솔로 지위를 찾아 해체하면서 밴드의 빛나는 이미지는 디스코 언더우드로 미끄러져 결국 낭비되었다'(Vincent, 1996, 192)고 쓰고 있습니다.[115]펑크 장르로 여겨지는 많은 여성 아티스트들 또한 디스코, 소울, R&B 장르의 노래를 공유합니다. 라벨은 음악 이론에 대한 비판적인 관점과 미국의 성차별의 역사 때문에 여러 장르로 나뉘어진 여성들의 범주에 속합니다.[116]

최근 몇 년 동안 자넬 모나(Janelle Monáe)[when?]와 같은 아티스트들은 펑크 음악 장르에 대한 여성의 영향에 대해 더 많은 장학금과 분석의 문을 열었습니다.[dubious ]모나에의 스타일은 펑크의 일부 남성 개척자들이 경계를 허물었던 방식과 유사한 방식으로 성별, 섹슈얼리티, 자기 표현의 개념을 구부립니다.[117]그녀의 앨범은 여성과 흑인의 권한 부여 요소와 디스토피아적인 미래에 대한 비전을 중심으로 하는 아프로 미래적인 개념에 초점을 맞추고 있습니다.[118]매튜 발네스는 그의 기사 "Janelle Monáe and Afro-sonic Feminist Funk"에서 모네의 펑크 장르 참여는 펑크를 남성 중심의 장르로 보는 전통적인 관점과 병치된다고 썼습니다.발네스는 펑크가 남성 중심적이라는 것을 인정하지만, 이러한 상황을 초래한 사회적 상황에 대한 통찰력을 제공합니다.[117][clarification needed]

모나에의 영향은 그녀의 멘토 프린스, 펑크델릭, 로린 힐, 그리고 다른 펑크와 알앤비 아티스트들을 포함하지만, 에밀리 로디에 따르면, "[베티] 데이비스는 자넬 모나에의 많은 영향을 받은 사람들 중에 거의 이름을 올리지 못했고, 확실히 젊은 가수의 하이테크 컨셉, 가상 공연,그리고 꼼꼼하게 제작된 곡들은 데이비스의 원 펑크 미학에서 멀리 떨어져 있습니다.그렇지만.....데이비스처럼 그녀도 선견지명이 있는 남성 멘토(프린스)와 긴밀하게 연결되어 있습니다.모네의 2013년 앨범 제목인 The Electric Lady는 헨드릭스의 Electric Ladyland를 암시하지만, 그것은 또한 암시적으로 헨드릭스 자신에게 영감을 준 여성들의 무리를 인용합니다: The Cosmic Ladies 또는 Electric Ladies라고 불리는 그 그룹은 헨드릭스의 연인인 데본 윌슨과 베티 데이비스가 함께 이끌었습니다."[119]

참고 항목

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