아일랜드 전통 음악

Irish traditional music
전통적인 음악 세션은 아일랜드 전역의 공공 주택에서 흔히 볼 수 있다.
전통음악가 리스둔바르나 동상

아일랜드 전통 음악(아일랜드 전통, 아일랜드 민속 음악, 그리고 다른 변형으로 알려져 있음)은 아일랜드에서 발전한 포크 음악의 한 장르이다.

W. H. Grattan Flood는 A History of Irish Music (1905)에서 게일어 아일랜드에는 적어도 10개의 악기가 일반적으로 사용되었다고 썼다.이것들은 순항(작은 하프)과 클라이어시치(일반적으로 30개의 현이 있는 큰 하프), 팀판(이나 플렉텀으로 연주하는 작은 현악기), 페아단(파이프), 부인(오보에플루트), 구스부인(바순 타입의 뿔), 벤부할(bennbuabhal), 옥수수(hipeshan) 쿠이페나(pagespagena)였다.스토크스투르간(트럼펫 또는 트럼펫)과 크남하([1]뼈)입니다.또한 바이올린이 [1]8세기에 사용되었다는 증거도 있다.

18세기 아일랜드 포크 음악 컬렉션이 몇 개 있지만, 19세기에 이르러서야 더블린에 발라드 프린터가 설립되었습니다.중요한 수집가로는 콜름 오 로클레인, 조지 페트리, 에드워드 번팅, 프랜시스 오닐, 제임스 굿맨 등이 있다.비록 민속 전통에서 독주 공연이 선호되기는 하지만, 이것은 민족음악학자들 사이에서 많은 논쟁의 대상이지만, 밴드나 최소한 작은 앙상블은 아마도 적어도 19세기 중반 이후 아일랜드 음악의 일부가 되어 왔을 것이다.

아일랜드 전통 음악은 대부분의 유럽 국가들의 토착 민속 음악보다 영화, 라디오, 대중 매체의 힘에 더 강하게 저항해 왔다.제2차 세계대전이 끝난 후부터 50년대 후반까지 포크 음악은 낮은 평가를 받았다.컴할타스 셀토이리 에이런(아일랜드 전통 음악 협회)과 플라드 셰오일의 인기는 음악의 부활을 이끌었다.영국 포크 음악계는 또한 아일랜드[citation needed] 음악가들을 격려했다.1959년 미국에서 클랜시 브라더스와 토미 메이켐의 성공에 이어 아일랜드 포크 음악은 다시 유행하게 되었다.Delia Murphy와 같은 풍부한 감성적인 가수들의 스타일은 The Dubliners와 같은 기타 주도의 남성 그룹으로 대체되었다.아일랜드 쇼밴드는 팝 음악과 포크 댄스 곡의 혼합물을 선보였지만, 이것들은 70년대에 사라졌다.The Chieftains와 그 이후의 음악가들과 그룹들의 국제적인 성공은 아일랜드 포크 음악을 세계적인 브랜드로 만들었다.

역사적으로 많은 미국의 오래된 음악문화적 확산의 결과로 아일랜드, 영국, 스코틀랜드의 음악에서 비롯되었다.1970년대까지 아일랜드의 전통 음악은 다시 미국과 호주와 유럽에서 음악에 영향을 끼쳤다.그것은 때때로 로큰롤, 펑크록 그리고 다른 장르들과 융합되었다.

음악적 특징

구성.

아일랜드 댄스 음악은 등각선상으로 통화와 응답과 같은 긴 멜로디 구절의 패턴을 중심으로 만들어졌다.일반적인 패턴은 A 구, B 구, 부분 해상도, A 구, B 구, A 구, A 구, A 구, 최종 해상도입니다만, 이것은 유니버설은 아닙니다.예를 들어 마주르카는 부분 및 최종 해상도 전에 반복되는 A 구가 아닌 C 구를 특징으로 하는 경향이 있습니다.많은 곡에는 픽업 노트가 있어 A 또는 B 파트의 선두로 이어집니다.마주르카나 혼파이프는 스윙감이 있고, 다른 곡들은 스트레이트감이 [2]있습니다.

음정은 보통 2진법 형식으로, 각각 4~8개의 막대가 있는 두 개(때로는 더 많은) 부분으로 나뉩니다.부품을 A 부품, B 부품 등이라고 합니다.각 파트는 2회 연주되며 전체 음정은 AABB, AABB, AABB의 3회 연주됩니다.많은 곡들이 A와 B 파트 모두에서 유사한 엔딩 문구를 가지고 있으며, 각 파트의 후반부가 동일한 것이 일반적입니다.또한 호른파이프의 경우 각 부품의 끝에 3개의 쿼버 또는 쿼터노트가 있는 경우가 많으며, 그 후 픽업노트가 이어지며 A부분의 선두로 B부분으로 돌아갑니다.많은 항공기가 AABA [3]형식을 가지고 있다.

에어는 보통 단독으로 연주되는 반면, 댄스곡은 [3]세트라고 불리는 2-4곡의 메들리로 연주된다.

모드

아일랜드 음악은 일반적으로 모달이며, 이오니아, 에올리언, 도리아, 믹솔리디아 모드와 더불어 육음계와 오음계사용합니다.어떤 곡들은 우발적인 [4]특징을 가지고 있다.

장식

가수들과 악기 연주자들은 종종 우아한 노트, , , 크랜 또는 슬라이드사용하여 [3][4]장식을 통해 멜로디를 장식한다.

반주

유란 파이프는 드론과 체인지로 화음을 백업하고 피들러는 종종 더블 스톱을 사용하지만 아일랜드 음악에서 멜로디의 중요성 때문에 화음은 일반적으로 단순하거나 존재하지 않습니다.[4]보통, 악기들은 항상 선두 주자를 따라가며 엄격하게 한 목소리로 연주된다.부즈키나 기타 연주자의 반주에 즉흥적인 "반주"의 형태가 종종 사용되기는 하지만, 진정한 대척점은 전통 음악에는 거의 알려지지 않았다.많은 종류의 서양 포크 음악과는 대조적으로, 선율에 정해진 코드 진행이 없다; 많은 반주자들은 파워 코드를 사용하여 멜로디가 음색을 정의하게 하거나 울리는 드론 현과 함께 부분 코드를 사용하여 음색의 중심을 강조합니다.Bouzouki의 [5]GPAD 튜닝과 마찬가지로 DAD 튜닝은 이러한 접근방식을 유연하게 사용할 수 있기 때문에 많은 기타 연주자가 DAD 튜닝을 사용합니다.

노래를 위한 음악

모든 전통 음악처럼 아일랜드 민속 음악도 천천히 변화해 왔다.대부분의 포크송은 200년 미만이다.그 연령의 척도 중 하나는 사용되는 언어이다.현대 아일랜드 노래는 영어와 아일랜드어로 쓰여져 있다.가장 오래된 노래와 곡의 대부분은 시골에서 유래했고 오래된 아일랜드 언어 전통에서 유래했다.현대의 노래와 곡조는 종종 도시와 마을에서 유래하고, 아일랜드 노래는 아일랜드어에서 [citation needed]영어로 바뀌었다.1900년대 후반에 프랭크 하트는 도시 술집 장면을 위해 더 많은 리발드 곡을 작곡했다; 그 장르는 쉽게 시골에서 마을로 옮겨갔다.

숀노스의 노래

베 유 마이 비전(Be You My Vision)은 개러스 휴즈가 고대 아일랜드어로 부른 아일랜드 찬송가입니다.

무반주 보컬은 "구식"으로 불리며 전통적인 노래의 궁극적인 표현으로 여겨진다.이것은 보통 혼자 연주된다(매우 가끔 듀엣으로).숀노스의 노랫소리는 장식이 높고 음색이 음역 꼭대기에 배치되어 있다.레니한과 같은 진정한 션노스의 가수는 모든 구절의 멜로디를 바꾸지만 멜로디만큼 중요하다고 여겨지는 가사에 간섭할 정도는 아니다.

션노스는 "diddly die-dely"와 같은 소리로도 언급되는 릴링이라고 불리는 비렉스한 단어를 포함할 수 있습니다.

논센노 전통 노래는 반주를 사용하더라도 장식 패턴과 션노스의 노래에서 파생된 선율의 자유로움을 사용하며, 일반적으로 비슷한 목소리 배치를 사용한다.

카이네이아드의 노래

Caoineadh /kii:nʲ/는 슬픔과 고통을 강조하는 가사로 대표되는 한가를 뜻하는 아일랜드어이다.그 단어는 "키닝"으로 영어화되어 있다.전통적으로 카오이네드 노래에는 정치적, 재정적 이유로 이민을 간 뒤 아일랜드에 대해 한탄하는 가사가 담겨 있었다.이 노래는 또한 가족의 죽음이나 사랑하는 사람들로부터 소식이 없는 것을 슬퍼할 수도 있다.아일랜드 음악에서, 카이네아드의 전통은 한때 널리 퍼져있었지만, 18세기 이후 쇠퇴하기 시작했고 20세기 중반에는 거의 완전히 사라졌습니다.Caoineadh 노래의 예는 다음과 같습니다.멀리 호주, 더니갈과 개의 푸른 [6]들판으로 돌아가며 정말 사랑했던 마을.많은 아일랜드 [who?]소식통에 따르면, 카이네아드 가수들은 원래 장례식장에서 죽은 사람들을 애도하기 위해 돈을 지불받았다.

댄스 음악

'아일랜드 댄스'도 참조.

소셜 설정

아일랜드 전통 음악과 춤은 하우스 파티, 컨트리 댄스, 킬리 댄스, 무대 공연과 대회, 결혼식, 성인의 날 또는 다른 행사까지 다양한 배경을 보여왔다.아일랜드 댄스 음악에서 가장 흔한 배경은 춤이 전혀 없는 것이 특징인 세이쉰이다.

헤이메이커스 지그

레퍼토리

전통적인 댄스 음악에는 (2
2
또는), 혼파이프(4
4
흔들린 8번째 ), 지그(더블 지그와 싱글 지그)가 있습니다.
지그는 춤을 추기 위해 다양한 형태로 제공되며, 슬립 지그와 홉 지그는 일반적으로 시간에 [3][4]맞춰 작성됩니다.

나중에 레퍼토리에 추가된 것은 왈츠(3
4
다운 비트에 강한 악센트가 있는 것)와 도니갈에서는 두 번째 비트에 악센트가 있는 동시 시그니처의 마주르카입니다.
더니걸은 또한 아일랜드 버전의 스코틀랜드 스트라스스피어인 "하이랜드"로 유명하지만, 가끔 스코틀랜드[3]스냅되는 릴에 가까운 느낌을 준다.

폴카는 아일랜드 남부 코크와 케리경계에 있는 슬리아브 루아흐라 지역에서 주로 볼 수 있는 곡의 한 종류이다.또 다른 독특한 먼스터 리듬은 슬라이드[3]타임입니다.

스타일.

"스타일"의 개념은 아일랜드 전통 음악가들에게 매우 중요합니다.지난 세기가 시작될 무렵(1900년)에는 지역별 공연 스타일에 뚜렷한 차이가 있었다.아일랜드 전통 음악가(예: Michael Coleman 1927)의 미국 음반이 발매되고 커뮤니케이션과 여행 기회가 증가하면서, 지역 스타일은 더욱 표준화되었습니다.그럼에도 불구하고 지역 연주 스타일은 여전히 남아 있으며, 더니걸(예: 토미 피플), 클레어(예: 존 & 제임스 켈리 형제), 슬리아브 루아흐라(예: 잭키 달리) 출신 뮤지션들의 매우 다른 연주 스타일에서 확인할 수 있습니다.더니걸 바이올린은 빠르고 활기찬 절을 하는 것이 특징이며, 활은 장식의 대부분을 차지하며, 클레어 바이올린은 장식의 대부분을 차지하는 느린 절을 하는 것이 특징입니다.더니걸에서는 활이 거꾸로 된 세 개의 개별적인 음표인 세 개가 더 흔하지만, 클레어에서는 손가락 세 개로 된 세 개의 음표와 손가락 두 개로 된 롤이 매우 흔합니다.

1970년대와 1980년대의 무대 연주자들은 전통적인 '세트'나 댄서들을 위한 연주의 제약과 상관없이 그들만의 곡 그룹을 만들기 위해 전통 음악의 레퍼토리를 사용해 왔다.버크의 연주는 그의 클래식 훈련, 전통적인 슬리고 바이올린 스타일, 그리고 다양한 [citation needed]영향의 혼합된 개인적이고, 독특하고, 독특한 스타일의 예이다.

아일랜드 전통 음악에 사용되는 악기

역사가 수백 년 전으로 거슬러 올라가는 아일랜드 전통 춤 음악에 사용되는 가장 흔한 악기는 바이올린, 주석 호루라기, 플루트, 그리고 유리안 파이프입니다.버튼 아코디언과 콘서티나와 같은 악기는 19세기 후반에 아일랜드 전통음악에 등장했습니다.1920년대 미국에서 아일랜드 음악가들이 처음 사용했던 4현 테너 밴조는 현재 완전히 받아들여지고 있다.기타는 1930년대 마이클 콜먼과 그의 동시대 사람들의 음반에 처음 등장했을 때 사용되었다.부즈키는 1960년대 후반에야 아일랜드 전통 음악계에 입문했다.

북을 가리키는 bodhrann이라는 단어는 17세기에 [7]번역된 영어 문서에서 처음 언급되었다.색소폰은 패디 킬로란의 프라이드 오브 에린 오케스트라에서 20세기 초 녹음된 곡에 가장 많이 등장한다.1940년대의 Céilidh 밴드는 종종 색소폰뿐만 아니라 드럼 세트와 스탠드업 베이스도 포함했다.전통적인 하프 연주는 18세기 말에 사라졌고 20세기 중반 벨파스트의 맥피크 가문, 데릭 벨, 메리 오하라 에 의해 부활했다.자주 접하지만 아일랜드 전통 댄스 음악에서 프린지 역할을 한다.

피아노는 반주로 많이 쓰인다.20세기 초에는 마이클 콜먼, 제임스 모리슨, 존 맥케나, PJ 콘론 등이 참여한 78RPM 레코드에 피아노 반주가 유행했다.이 녹음들 중 많은 부분에서 피아노 반주는 슬프다. 왜냐하면 후원자들은 아일랜드 음악에 익숙하지 않았기 때문이다.하지만 모리슨은 스튜디오 피아노 연주자의 사용을 피하고 자신의 피아노 연주자를 직접 골랐다.이 피아노 후원자들이 사용한 뱀파이어 스타일은 대부분 남아 있다.최근에는 Michheal O O Suilleabhain, Brian McGrath, Liam Bradley, Josephine Keegan, Ryan Molloy 등의 혁신가가 몇 명 있었습니다.

바이올린과 활

바이올린(바이올린

전통적인 레퍼토리에서 가장 중요한 악기 중 하나인 바이올린은 매우 다양한 지역 [8]스타일로 다르게 연주된다.표준 GDA 튜닝을 사용합니다.가장 잘 알려진 지역 만지작거리는 전통은 Donegal, Sliabh Luachra, Claire입니다.

바이올린은 아일랜드에서 유래한 것으로, 아일랜드에서 바이올린을 가장 먼저 언급한 것은 7세기 [9]오커리에 의해서였다.1674년 리처드 헤드는 아일랜드에 대해 '모든 분야에서 바이올린과 라스가 거품이 될 때까지 서 있다'고 썼다.최초의 아일랜드산 만두는 1720년대에 존 닐과 그의 동생 윌리엄이 더블린에서 대량으로 생산했다.18세기 더블린에서 11세기 것으로 추정되는 악기가 출토되었는데, 그것은 개나무로 만들어졌고 그 끝에 동물이 새겨져 있어 세계에서 가장 오래된 활로 여겨졌습니다.린스터의 책 (1160년경)[10]에는 아일랜드 바이올린에 대한 언급도 있을 수 있다.

슬라이고의 만지작거리는 전통은 아마도 마이클 콜먼, 제임스 모리슨, 패디 킬로란과 같은 미국인 연주자들의 인기 때문에 외부인들에게 가장 잘 알려져 있을 것이다.이 바이올린 연주자들은 1920년대와 1930년대에 미국에서 아일랜드 음악을 대중화하는데 많은 기여를 했다.다른 슬리고 피들로는 마틴 프레드 [citation needed]핀이 있었다.

클레어 출신의[citation needed] 주목할 만한 피들로는 메리 커스티, 패디 캐니, 패트릭 켈리, 피다르 오로플린, 마틴 헤이스 [citation needed]이 있습니다.

Donegal은 James Byrne, John Doherty, Tommy [citation needed]People을 배출했습니다.

케리와 코크 사이의 작은 지역인 Sliabh Luachra는 줄리아 클리포드, 그녀의 오빠인 데니스 머피, 맥과이어, 패디 크로닌, 파드라이그 오키프알려져 있다.Sliabh Luachra 출신의 현대 피들로는 Matt Cranitch와 Connie O'[citation needed]Connell이 있습니다.

현대 공연에는 케빈 버크, 메이어 브리어나치, 맷 크랜치, 패디 크로닌, 프랭키 개빈, 패디 글래킨, 캐셜 헤이든, 마틴 헤이스, 피터 호란, 션, 메리어드모네이, 메리어드 네스비트포함됩니다.

최근[when?] 몇 년간 위니프레드 호란,[11] 브라이언 콘웨이, 리즈 캐롤, 그리고 에일린 아이버스와 같은 유명한 미국 출신 바이올린 연주자들이 많이 있었다.

피리와 휘파람

깡통 휘파람 소리와 낮은 휘파람 소리(오른쪽)를 다양한 제조원 및 열쇠로 사용

플룻은 대략 19세기 중반부터 아일랜드 전통음악의 필수적인 부분이 되어왔는데, 그 때 예술가들은 오늘날 클래식 음악의 금속인 Boehm 시스템 플룻을 위해 나무 심플한 시스템 플루트를 대부분 버렸다.공장에서 만든 휘파람은 1840년 맨체스터에서 생산되기 시작했고,[12] 피도그 아일랜드산 주석 휘파람은 아일랜드에서 가장 인기 있는 양산 모델이었다.

비록 앨버트 시스템의 선택, 금속보다 나무 플루트의 선택이 처음에는 오래된 피리들이 중고로 싸게 구할 수 있었다는 사실에 의해 추진되었지만, 나무 악기는 독특한 소리를 가지고 있고 오늘날까지도 전통적인 음악가들에 의해 일반적으로 선호되고 있다.아마도 가장 잘 알려진 Joanie Madden과 같은 많은 뛰어난 연주자들이 서양 콘서트 플루트를 사용하지만, 많은 다른 연주자들은 심플한 시스템 플루트가 전통적인 플루팅에 가장 적합하다고 생각합니다.봄 이전 시대의 플룻이 계속 사용되고 있지만, 1960년대 이후 많은 장인들이 나무 플룻을 만드는 기술을 부활시켰다.일부 플룻은 PVC로 만들어지기도 합니다. 이 플룻은 나무 악기보다 가격이 저렴하고 습도 변화에 훨씬 강하기 때문에 초보 학습자와 여행용 악기로 특히 인기가 있습니다.

A(키리스)아일랜드 플루트

손가락이 거의 같은 금속 호루라기나 금속 호루라기도 인기가 있는데, 이 호루라기는 단순한 시스템 플루트의 사촌이라고 할 수 있다.그것은 19세기 맨체스터 영국에서 저렴한 악기로 대량 생산되었다.Clarke의 휘파람은 그 회사가 만든 첫 번째 휘파람과 거의 동일하지만, 비록 C로 된 원래 버전은 대부분 전통 음악의 "기본 키"인 D로 된 것으로 대체되었다.다른 일반적인 디자인은 플라스틱이나 나무 마우스피스에 끼워진 이음새 없는 튜브로 만들어진 배럴로 구성됩니다.

숙련된 장인은 알루미늄, 황동 및 강철 튜브뿐만 아니라 합성 재료 및 열대성 경목재를 포함한 다양한 재료로 정교한 맞춤 휘파람을 만듭니다. 그럼에도 불구하고, 많은 오랜 전문가들이 일반 공장에서 만든 휘파람을 사용합니다.

깡통 호루라기가 눈에 띄는 세션에서 골웨이 음악가들이 연주한다.

많은 다른 나라의 학생들이 소프라노 리코더를 배우듯이 아일랜드 학생들은 일반적으로 주석 호루라기를 부는 기초적인 것을 배운다.한때 많은 전통 음악가들이 호루라기를 그저 "초보자 피리"라고 생각했지만, 70년대 초반 페아도가 스타인을 녹음메리 베르긴과 같은 재능 있는 호루라기 앞에서 그러한 태도는 종종 호루라기를 혁명적으로 만들었다.전통을 고수하다

비록 일부 음악가들은 이것이 플룻이나 일반적인 D 호루라기보다 세션 연주에 덜 민첩하다고 생각하지만, 일반적인 주석 호루라기의 파생물인 낮은 호루라기도 인기가 있다.

오늘날 플루트 연주자로는 맷 몰로이, 케빈 크로포드, 피터 호란, 마이클 맥골드릭, 데시 윌킨슨, 코날 오그라다, 제임스 카티, 에머 메이옥, 조니 매든, 마이클 터브리디 있다.메리 버긴, 패키 번, 코맥 브리드나흐.[13][14][15]

우이란 파이프

리암 오플린이 유리안 피리를 연주하다

의란파이프복잡한 악기이다.전통에 따르면 피리 부는 사람이 악기를 [16]마스터했다고 하기 위해서는 7년 동안 배우고, 7년 동안 연습하고, 7년 동안 연주해야 한다.우일란 파이프는 18세기 초에 발전했고, 그 역사는 영국과 아일랜드의 동시대 자료에서 목축 파이프와 연합 [17]파이프로 묘사되었다.그것의 현대적인 형태는 18세기 말에 도착했고, 리머릭의 18세기 중반의 파이퍼 잭슨과 탠더지 파이프 제작자 윌리엄 케네디, 성공회 성직자 캐논 제임스 굿맨 (1828–1896) 그리고 스키브린 출신의 그의 친구 존 힝스턴과 같은 신사 피리 연주자들에 의해 연주되었다.캐시조니 [18]도란과 같은 여행 피플 연주자들이 연주하는 화려하고 장식적인 형태뿐만 아니라 세아무스 에니스, 리오 로섬, 윌리 클랜시와 같은 곡들이 20세기에 이어졌다.우엘란 파이프의 전통은 (치프테인의) 패디 몰로니, 그리고 연구자이자 수집가인 브리안 브리드나흐와 같은 연주자를 포함한 파이퍼에게 개방된 조직인 나 피오바이리 우엘란의 설립에 의해 다시 대중화되기 전에 거의 사라졌다.리암 오플린은 패디 키넌, 데이비 스필레인, 제리 오설리번, 믹 오브라이언함께 가장 인기 있는 현대 가수 중 한 명이다.퓨리스, 도란, 키난과 같은 많은 페이브 가문은 [citation needed]그들 사이에서 파이프로 유명하다.

백파이프의 가장 복잡한 형태 중 하나입니다.백파이프는 이중 리드와 2옥타브 레인지의 채널터, 3개의 싱글 리드 드론을 갖추고 있으며, 완전한 버전에서는 파이퍼의 팔뚝에 의해 동작하는 이중 리드와 키가 모두 선율을 지원할 수 있는 3개의 (조절기)를 갖추고 있습니다(가상).모든 uilane piper는 조정기가 없고 벨로우즈, 가방, chanter, 드론만으로 구성된 하프세트로 연주를 시작합니다.풀 세트를 재생하지 않는 것도 있고, 규제 기관을 거의 사용하지 않는 것도 있습니다.)그 가방은 연주자의 폐가 아니라 하이랜드 파이프와 거의 모든 다른 형태의 백파이프 대신 팔꿈치와 옆구리 사이에 있는 벨로우즈로 공기를 채운다.스코틀랜드작은 파이프, (규제 기관과 함께 연주하기도 함), 잉글랜드 북부의 노섬브리아 파이프, 그리고 양쪽에서 볼 수 있는 국경 파이프이다.영국-스코틀랜드 국경 국가의 예술

우엘란 파이프는 폰 몰이라고 불리는 기악곡의 형태에서 중요한 역할을 하는데, 이는 무반주자가 션 노스부르는 것과 밀접한 관련이 있다.Willie Clancy, Leo Rowsome, Garret Barry는 그들 시대에 유명한 많은 파이프 연주자들 중 한 이었다. Pady Kinan과 Davy Spilane은 다른 [citation needed]많은 연주자들 중에서 이러한 전통 음악을 연주하고 있다.

하프

에든버러에 있는 스코틀랜드 국립박물관의 중세 쇄골

하프는 아일랜드의 주요 상징 중 하나이다.아일랜드의 주화에서 보여지고 기네스 광고에 사용된 켈트 하프는 10세기 전에 연주되었다.고대에는 하퍼들은 매우 존경받았고, 시인이나 서예가들과 함께 귀족과 족장들의 옛 게일어 기사단의 가장 중요한 가신들 사이에서 높은 지위를 배정받았다.오늘날 이 하핑 전통의 가장 잘 알려진 대표자는 아일랜드의 비공식적인 국가 작곡가라고 종종 여겨지는 18세기 시각장애인 하퍼인 털로프 오 캐롤란일 것이다.슬리고 하퍼의 초기 작품인 토마스 코넬란은 "The Dawning of the Day"/"Raglan Road"와 "Carolan's Dream"과 같이 잘 알려진 방송을 작곡했다.

사진: Patrick Byrne, harper, by Hill & Adamson (1845), 203 × 164 mm, Scottish National Gallery

아일랜드의 하핑 전통은 그 자체의 규범과 편곡과 구성 구조를 위한 규칙을 가진 귀족적인 예술 음악이었고, 오늘날 아일랜드 전통 음악의 조상인 평민들의 민속 음악과 접선적으로만 연관되어 있었다.오카롤란과 같은 하핑 전통의 후기 주창자들 중 일부는 더블린의 극장과 콘서트 홀에서 들을 수 있는 비발디와 같은 작곡가들의 이탈리아 바로크 예술 음악에 영향을 받았다.하핑 전통은 그것을 지지하는 토착 게일 귀족들보다 오래 지속되지 않았다.19세기 초까지 아일랜드 하프와 그 음악은 사실상 죽었다.하핑 전통에서 나온 곡들은 민요 전통에 의해 채택된 조화되지 않은 선율들로만 살아남았고, 또는 앙리의 응접실 피아노에 적합하도록 곡들이 가장 자주 변형된 에드워드 번팅과 같은 컬렉션에서 보존되었다.중상류층.

긴 손톱으로 뽑힌 오래된 놋쇠로 된 하프보다는 손가락 패드로 주로 거트스트링(2차 세계대전 이후 종종 나일론으로 대체됨) 네오셀틱 하프를 연주한 20세기 부흥주의자들의 1세대는 아일랜드 전통음악의 춤 가락과 노래 흥겨움을 그렇게 오래된 음악과 함께 가져가는 경향이 있었다.그들이 찾을 수 있는 하프의 선율은 그들에게 오케스트라 하프와 리듬, 편곡, 템포에 대한 접근에서 파생된 기술을 적용했는데, 그것은 종종 오래된 하프의 전통이나 아일랜드 음악의 살아있는 전통보다 주류 클래식 음악과 더 공통적인 것이었다.하프 반주 포크송의 벨파스트 전통은 맥피크 가문에 의해 보존되었다.지난 30년[when?] 동안 중세 악기들의 복제품이 놋쇠, 은, 심지어 금줄을 사용하여 연주되면서 초기 아일랜드 하프의 부활이 성장하고 있습니다.1930년대 영국의 아놀드 돌메치, 1960년대 브리트니의 알란 스티벨, 1970년대부터 [citation needed]현재까지 미국의 앤 헤이먼 등 여러 음악가의 작품을 통해 부활이 이뤄졌다.

현대 하프 연주자로는 데릭 벨(치프테인의 선수), 로이즈 켈리(범블비의 선수), 그레인 햄블리, 마이어 채서사이, 메리 오하라, 앙투아네트 맥케나, 아인 미노그, 패트릭[citation needed]있다.이들 중 최고는 진정한 아일랜드 전통음악의 탄탄한 배경을 가지고 있으며, 종종 바이올린이나 콘체르티나와 같이 살아있는 전통음악에 더 흔한 다른 악기에 강한 능력을 가지고 있으며, 하프를 전통음악에 적응시키고, 그들이 할 수 있는 것을 바탕으로 재구성하는 데 매우 열심히 노력합니다.존재하는 [original research?]원고 출처가 적다.

하지만, 하프는 아일랜드 전통 음악에서 주로 독주 기악 연주나 개인 가수의 유일한 반주로 자리를 차지하고 있습니다.선율적인 전경 역할과 현악기로서의 배경 반주는 기타, 만돌린, 아일랜드 부주키 등에 의해 앙상블 연주에 반영되었다.

아코디언과 협주곡

2010년 더블린 성 패트릭의 날에 아코디언을 연주하는 소녀

아코디언은 현대 아일랜드 음악에서 중요한 역할을 한다.아코디언은 19세기 후반에 아일랜드로 퍼졌다.10열쇠 형태(멜로디언)로 섬 전체에서 인기가 있었다고 한다.미국에서는 존 키멜, 플래너건 브라더스, 에디 허본, 피터 콘론녹음했다.흔치 않지만, 멜로디언은 여전히 아일랜드의 일부 지역, 특히 조니 코놀리에 의해 코네마라에서 연주된다.

현대의 아일랜드 아코디언 연주자들은 일반적으로 2열 버튼 아코디언을 선호한다.다른 유럽과 미국 음악 전통에서 사용되는 유사한 아코디언과는 달리, 행들은 반음 간격으로 조율된다.이를 통해 악기를 멜로디로 색상으로 연주할 수 있습니다.현재 B/C와 C#/D의 키에 맞춰 튜닝된 아코디언은 단연코 가장 인기 있는 시스템입니다.

B/C 아코디언은 플로우 스타일에 적합하며 1940년대 후반과 1950년대 티퍼리패디 오브라이언, 1950년대와 60년대 조 버크, 소니 브로건의해 대중화되었습니다.더블린 출신인 제임스 킨은 1970년대부터 현재까지 영향력 있는 녹음과 연주 경력을 유지한 뉴욕에 이 악기를 가져왔다.다른 유명한 B/C 선수들로는 County Offaly의 Pady O'Brien, Bobby Gardiner, Finbar Dwyer, John Nolan, James Keane, 그리고 Billy McComiskey[19]있다.

C#/D 아코디언은 펀치한 스타일로, 특히 Kerry Music의 슬라이드와 폴카에서 인기가 있습니다.주목할 만한 선수들로는 토니 맥마흔, 마이어틴 오코너, 샤론 섀넌, 찰리 피곳, 재키 달리, 조 쿨리,[citation needed] 조니 오리어리있다.

피아노 아코디언은 1950년대에 매우 인기를 끌었고 오늘날까지 케일리 밴드와 아일랜드 댄스 음악으로 번성했다.음역, 키 변경의 용이성, 보다 유창한 액션, 그리고 강력한 뮤제트 튜닝이 다른 악기와 매끄럽게 어우러져 이 [citation needed]기간 동안 높은 평가를 받았다.그들은 아일랜드와 스코틀랜드 최고의 ceilidh [citation needed]밴드들의 주축이다.더모트 오브라이언, 말라키 도리스, 퀸, 믹 포스터는 이 악기의 아일랜드 솔로 거장들로 잘 알려져 있고 [citation needed]잘 녹음되어 있다.1970년대 후반부터의 전통음악의 최근 부활은 또한 이 다재다능한 [citation needed]악기에 대한 관심을 되살렸다.버튼 키 아코디언처럼, 드라이 튜닝, 가벼운 연주 스타일, 그리고 보다 리드미컬하게 변화된 베이스로 새로운 연주 스타일이 등장했습니다.이 현대적인 스타일의 주목할 만한 선수로는 캐런 트위드(잉글랜드)와 앨런 켈리(로스커먼)[citation needed]있다.

1920년경 휘트스톤에 의해 만들어진 영국의 콘체리나

협주곡은 여러 가지 형태로 제작되는데, 아일랜드 전통 음악에서 가장 흔한 것은 현재 영국 시스템을 연주하는 소수의 음악가들이 있는 앵글로 시스템이다.구성이나 플레이 기술에서 각각 다르다.앵글로 시스템의 가장 독특한 특징은 벨로우즈가 압축되어 있는지 확장되어 있는지에 따라 버튼마다 다른 음이 난다는 것입니다.앵글로 콘서티나는 일반적으로 음을 내는 두 줄 또는 세 줄의 버튼과 연주자가 음을 내지 않고 벨로우즈를 채우거나 비울 수 있는 "에어 버튼"을 가지고 있다.

2열 앵글로 콘체르티나에는 보통 음을 내는 20개의 버튼이 있다.버튼 10개의 각 행은 공통 키 내의 메모로 구성됩니다.따라서 두 개의 주요 행에는 C와 G와 같은 두 개의 음악 키의 음이 포함됩니다.각 행은 2개로 나누어져 있으며, 악기의 왼쪽 끝에서 소정의 음을 낮게 재생하는 버튼 5개와 오른쪽 끝에서 고음을 재생하는 버튼 5개가 있습니다.높은 키의 버튼 열은 양손 손목에 가깝습니다.20개의 주요 협주곡은 이용 가능한 우연의 범위가 제한적이기 때문에 아일랜드 전통 음악에 제한적으로 사용된다.

3열 협주곡은 악기가 거의 모든 키로 연주할 수 있도록 하는 세 번째 줄의 우발적 음표(즉, 두 개의 메인 줄로 표현되는 키에 포함되지 않는 샤프와 플랫)와 중복 음표(즉, 세 번째 가장 바깥쪽 줄에 위치하는 음표)를 추가한다.버튼을 누르거나, 벨로우즈를 누르거나, 같은 버튼을 누르거나, 벨로우즈를 늘리거나, 다음 버튼으로 이동하거나, 이 과정을 반복하거나 하면 일련의 연속 음표를 홈키열에서 연주할 수 있다.그 결과, 연주자는 벨로우즈 방향의 변경이 필요한 상황에 자주 직면하게 되고, 이로 인해 인접한 두 음의 소리가 명확하게 분리된다.이것은 특히 호른파이프나 지그에 잘 어울릴 수 있는 음악에 더 펑크나고 통통 튀는 소리를 주는 경향이 있다.

반면 영국의 협주곡은 벨로우즈가 이동하는 방향에 관계없이 주어진 버튼에 대해 같은 음을 낸다.따라서 벨로우즈가 확장되거나 압축된 상태에서 어떤 음도 연주할 수 있습니다.그 결과, 벨로우즈 방향을 변경하지 않고 순차 음을 연주할 수 있다.이를 통해 벨로우즈 방향의 변경 없이 연속적으로 음표를 재생할 수 있습니다.

앵글로 특유의 통쾌함과 영국 콘서티나 시스템의 자연스러운 부드러움에도 불구하고 아일랜드 전통음악의 숙련된 연주자들은 연주 스타일을 적응시킴으로써 각각의 악기에 영향을 미칠 수 있다.예를 들어, 앵글로에서는 여러 행의 음이 부분적으로 겹치고 세 번째 행에는 추가 장황한 음이 포함되어 있기 때문에 여러 개의 버튼으로 같은 음을 울릴 수 있습니다.종종 한 버튼에서 벨로우즈 압축에 대한 특정 음이 울리는 반면 다른 행의 다른 버튼에서도 벨로우즈 확장 시 동일한 음이 울립니다.따라서 여러 줄에 걸쳐 연주함으로써 연주자는 음표에서 음표까지의 벨로우즈 방향의 변화를 피할 수 있다.마찬가지로, 영어 시스템은 음표 사이의 고유한 부드러움과 연속성을 상쇄하는 연주 스타일을 수용합니다.구체적으로는 음악이 요구될 때 연주자는 벨로우즈 방향을 반대로 선택할 수 있기 때문에 순차 음이 보다 명확하게 [20]발음됩니다.

인기[according to whom?] 있는 연주자는 니얼 발레리, 키티 헤이스, 기어로이드 알름후라인, 노엘 힐, 파드라이그이다.리암 클랜시 또한 2009년 [citation needed]사망할 때까지 콘서티나를 연주했다.

반조

몰로니가 연기하는 밴조

4현 테너 밴조는 아일랜드 전통 연주자들에 의해 멜로디 악기로 연주되며 보통 바이올린보다 한 옥타브 아래인 GDAE로 조율된다.그것은 미국에서 돌아온 이민자들에 의해 아일랜드로 가져왔고, 그곳에서 아프리카 노예들에 의해 개발되었다.아일랜드 음악에서는 거의 연주되지 않고(오래된 음반에서는 밴조가 백킹 악기로 사용되기도 하지만), 대신 플렉텀이나 심블을 [21]사용하여 멜로디 악기로 연주된다.

더블리너스의 바니 맥케나는 종종 밴조의 현재 인기의 길을 열어준 것으로 알려져 있으며, 2012년 72세의 나이로 사망할 때까지도 여전히 활발하게 활동했다.주목할 만한 선수로는 키런 한라한, 찰리 피그콧, 존 카티, 안젤리나 카베리, 게리 오코너, 엔다 스카힐, 케빈 그리핀, 전 아일랜드 플리드 챔피언 브라이언 스캔넬 [citation needed]등이 있다.

핸웨이[22]같은 몇 가지 예외를 제외하고, 5현 밴조는 아일랜드 전통 음악에서 멜로디 악기로서의 역할을 거의 하지 못했다.이 곡은 가수 마가렛 배리, 페커 던, 루크 켈리, 알 오도넬, 바비 클랜시, 토미 메이켐의 반주로 사용되었다.

만돌린

A-4 스타일의 만돌린(오발 홀)의 예

만돌린은 아일랜드 전통 음악가들 사이에서 흔한 악기가 되었다.만돌린 연주자는 두 악기의 음역이 동일하고 왼손 손가락이 거의 동일하기 때문에 바이올린 선율에 쉽게 접근할 수 있습니다.

아일랜드 전통음악에는 거의 모든 종류의 어쿠스틱 만돌린이 적합할 수 있지만, 사실상 모든 아일랜드 연주자들은 이탈리아 스타일의 볼백 만돌린이나 블루그래스 만돌린 연주자들이 선호하는 f홀이 있는 조각된 상단 만돌린보다 타원형 사운드 홀이 있는 평평한 등받이의 악기를 선호한다.전자는 종종 세션에서 자신의 것을 유지하기에는 너무 부드러운 톤인 반면, 후자는 전통적인 귀에 거칠고 고압적으로 들리는 경향이 있다.공식적인 공연과 녹음에는 납작한 탑의 "아일랜드 스타일" 만돌린(제1차 세계대전 시대의 마틴 육군 해군 만돌린의 근원)과 1920년대의 깁슨 A 스타일과 같이 타원형의 사운드 홀이 있는 조각된 (아치형) 탑 만돌린이 매우 선호된다.National Resophonic의 RM-1과 같은 공명 만돌린은 쉽게 들을 [citation needed]수 있을 만큼 소리가 크기 때문에 미국에서 아일랜드 세션에 등장하기 시작했다.

주목할 만한 아일랜드 만돌린 연주자는 앤디 어바인(조니 모이니한처럼 거의 항상 E를 [23]: 38 D로 낮춘다), 믹 몰로니, 폴 켈리, 데클란 코리, 클라우딘 랭길이다.더블리너스의 바이올린 연주자이자 테너 밴조 연주자인 존 쉬한과 바니 맥케나도 각각 뛰어난 만돌린 연주자들이다.

기타

통기타

기타는 아일랜드 음악에서는 전통적이지 않지만 현대 음악에서는 널리 받아들여지고 있다.이들은 보통 멜로디 연주자나 때로는 가수에게 도움을 주기 위해 플렉트럼(픽)으로 채워진다.아일랜드 백킹은 기본적인 제1 또는 제2의 위치인 "카우보이 코드"보다는 목 위아래로 코드 보이스링을 사용하는 경향이 있다.재즈에서 사용되는 것과 달리, 이러한 코드 보이스링은 통에 의한 핑거를 거의 수반하지 않으며, 종종 5번째 또는 그 이상의 프레트에서 정지된 스트링과 조합하여 하나 이상의 열린 스트링을 사용한다.모달(루트와 5번째, 줄자 또는 단자가 없는) 화음은 현수되고 때로는 더 이국적인 증강 화음과 같이 일반적인 장조 및 단조 화음과 함께 광범위하게 사용된다. 그러나 장조 및 단조 7번째 화음은 많은 다른 음악 스타일보다 덜 사용된다.

이상적으로는 기타리스트가 리듬과 템포를 조절하기보다는 리드하는 멜로디 연주자나 가수를 정확히 따라하는 것이 좋다.대부분의 기타 부품은 다른 어쿠스틱 [24]장르에서처럼 멜로디를 구동하기보다는 멜로디에서 영감을 얻고 방향을 잡습니다.

Daithi SproouleThe Bothy Band's Michheal O O Domhnaill과 같은 전통 음악에서 일하는 많은 초기 저명한 기타리스트들은 비록 많은 연주자들이 "Standard"(EADGBE)와 "Drop"(DADGBE) 튜닝으로 악기를 조율했다.다른 많은 대체 튜닝도 일부 플레이어에 의해 사용됩니다.이 튜닝의 특징은 하나 이상의 열린 현이 손가락 모양의 코드 샤핑과 함께 연주되어 [citation needed]화음의 일부인 드론 음을 제공한다는 것이다.

기타 연주자와 부즈키 연주자는 화음을 내는 대신 단음 멜로디를 연주할 수 있지만, 2~3명 이상의 연주자가 라이브 어쿠스틱 세션에서는 드럼과 피리, 페니 [citation needed]휘파람의 날카로운 소리를 낼 수 있는 충분한 음량을 내기 어렵다.

부조키

아일랜드 부주키

비록 전통은[23] 아니지만, 아일랜드 부주키는 현대 아일랜드 전통 음악계에서 터전을 찾았다.그리스 부주키는 1960년대 후반 조니 모이니한에 의해 아일랜드 전통음악에 소개되었고 그 후 도날 루니, 앤디 어바인, 그리고 알렉 핀에 의해 대중화되었다.

오늘의 아이리쉬 부주키(보통)는 G2-D3-A3-D4 튜닝된 2줄 4코스가 있습니다.베이스 코스는 유니슨으로 조율되는 경우가 가장 많은데, 아일랜드 부주키와 그리스어의 선행주를 구별하는 한 가지 특징이지만, 베이스의 옥타브는 일부 연주자들이 선호합니다.그리스 부주키의 둥근 뒷면 대신, 아일랜드 부주키는 보통 평평하거나 가볍게 아치형 등을 가지고 있다.1970년 도날 루니를 위해 아일랜드 부주키를 만든 최초의 악기 제작자인 피터 애브넷은 세 조각을 다시 보관한다.꼭대기는 평평하거나 아치탑 기타나 만돌린처럼 조각되어 있지만, 일부 건축가들은 등과 상판을 모두 조각한다.

알렉 핀과 믹 코넬리는 [citation needed]D3-A3-D4 튜닝된 구식 트릭소르도 3코스(6현) 악기 중 하나인 그리스 부주키를 여전히 사용하는 유일한 주목할 만한 선수들이다.

보드란과 기타 타악기

티퍼 포함 보드란

보통 구부러진 나무와 염소 가죽으로 된 프레임 드럼인 보드란은 전통적인 댄스 음악의 비교적 현대적인 추가물로 여겨진다.일부 음악학자들은 이것이 원래 세인트루이스렌보이들에게만 사용되었다고 주장한다. 스티븐스 데이와 다른 준법행렬들.1960년대 숀 리아다에 의해 소개/유행되었고(19세기 중반부터 질을 연주하지 않은 "탬버린"에 대한 언급이 있었지만) 빠르게 [citation needed]대중화 되었다.주목할 만한 선수로는 Liam O Maonlaie (The Hothouse Flowers),[citation needed] 조니 '링고' 맥도너, 토미 헤이스, 베오의 Eamon Murray, Columm Murphy, Flook의 John Joe Kelly, Corr 있다.

여기에 뼈(뼈 또는 나무의 가늘고 구부러진 두 조각)와 "스푼"에 대해서도 언급해야 합니다.어느 쪽이든 한 손에 한 쌍을 잡고 리드미컬하게 부딪쳐 부딪치는 소리를 낸다.

때때로 술집 세션에서는 서아프리카의 젬베 드럼과 같은 전통적이지 않은 핸드 드럼이 사용되는데, 서아프리카의 젬베 드럼은 낮은 저음과 높은 음을 낼 수 있고 카리브해 봉고 드럼도 있습니다.이러한 드럼은 세션 [citation needed]중에 보드란에 대한 변형 또는 조합으로 사용됩니다.

하모니카

아일랜드 하모니카의 전통은 다른 자유악기만큼 잘 문서화되어 있지는 않지만, 릭 에핑, 믹 킨셀라, 폴 모란, 웩스포드 카운티의 머피 가족, 에디 클라크, 브렌던 파워(후자는 뉴질랜드 [25]출신)로 대표됩니다.패디 클랜시는 클랜시 브라더스와 토미 메이켐의 일원으로 1960년대 초에 세계적으로 유명한 아일랜드 민속 조화주의자가 되었다.

아일랜드 전통음악의 부활

19세기 후반과 20세기 초반

아일랜드 전통문화에 대한 관심의 부활은 독립을 요구하는 민족주의자들의 요구와 밀접하게 연관되어 있었고 1893년 게일 동맹의 설립에 의해 촉진되었다.이것은 아일랜드어에 초점을 맞춤으로써 아일랜드 전통 예술의 재발견과 확인을 장려하기 위해 노력했지만, 1903년 활동의 초점으로 매년 열리는 페이스 체오일 대회를 설립하기도 했다.

미국에서는 시카고와 같은 대도시에 있는 아일랜드 공동체에서 전통 음악가들이 인기를 유지했다.프랜시스 오닐(1848–1936)은 아일랜드 전통음악의 수집가이자 창시자였으며 그의 작품은 "20세기 아일랜드 전통 무용음악의 진화에 큰 영향을 미쳤다"[26]고 합니다.오닐은 방대한 곡의 요약본을 출판할 뿐만 아니라 에디슨 밀랍 [27]원통 위에 아일랜드 음악가의 초기 음반을 만든 것으로 알려져 있다.1920년대와 1930년대에 에드 리비, 마이클 콜먼, 제임스 모리슨, 존 맥케나같은 이민 음악가들이 아일랜드에서 [28]연주되는 음악에 새로운 생명을 불어넣었다.

종교 또한 아일랜드 문화의 재발전에 한몫을 했다.영국으로부터의 실제 독립의 성취는 유럽의 주류로부터 아일랜드 문화를 분리하려는 새로운 아일랜드 기득권층의 욕망과 밀접하게 일치했지만, 새로운 아일랜드 정부는 또한 '재즈 댄싱'과 아일랜드 도덕성에 대한 다른 제안들을 줄이라는 성직자들의 요구에 주의를 기울였다 - 비록 1935년이 되어서야 공개가 되었다.ic Dance Halls 법은 모든 사람이 그들 자신의 행사를 개최할 권리를 축소시켰다; 그때부터, 어떤 공공 뮤지컬이나 춤 행사도 면허 없이 공공 장소에서 열릴 수 없었고, 그것들 중 대부분은 보통 '적합한' 사람들 - 종종 교구 신부에게만 주어졌다.

1917년 어네스틴 슈만 힝크(1861년-1936년)가 해석한 대니 보이.

계속되는 이민과 무허가 행사를 끝내기 위한 사제단의 불가피한 열의와 결합되어, 결국 전통음악을 몰아내고 1960년대 초에 돌아온 이주자들이 술집 주인들이 회의를 열도록 설득할 때까지 남아있던 오두막으로 다시 춤을 추는 것이었다.

1960~1970년대 제2차 부흥

리아다치프테인스, 클랜시 브라더스, 아일랜드 로버스, 더블리너스, 스위니맨은 1960년대에 아일랜드 포크 음악의 제2의 물결을 일으켰고, 70년대에 플랜시, 보티 밴드, 클래나드가 그 뒤를 이었다. 부활은 부분적으로 1951년 전통음악을 보존하기 위한 목적으로 설립된 음악가들의 느슨한 움직임으로 인해 도움을 받았고, 이것은 인기 있는 Fleadh Cheoil (음악 축제)로 이어졌다.

1960년대에는 혁신적인 연주자들이 많이 있었다.를 들어 Christy Moore와 Dodnal Lunny는 처음에 듀오로 활동했고, 후에 그 시대의 가장 유명한 밴드인 Planxty와 Moving Hearts(1980년대)를 만들었다.클랜시 가족은 10년 초에 미국에서 활동하기 시작했고, 이는 더블린 사람들과 같은 보컬 그룹에게 영감을 준 반면, 첼토이리 츄알란의 기악곡은 1963년에 결성된 가장 유명한 아일랜드 전통 밴드인 치프테인스를 탄생시켰다.

1970년대까지, Planxty와 Clannad는 아일랜드 [29]음악의 주요한 인기 꽃 피우기 위한 무대를 마련했습니다.1974년에 결성된 Bothy Band는 그 무브먼트의 선구자가 되었다.그들의 데뷔 앨범인 1975년(1975년)은 수많은 팬들에게 [30]영감을 주었다.그 후 등장한 새로운 그룹에는 도날 루니와 크리스티 무어에 의해 결성된 무빙 하츠(Moving Hearts)가 포함되어 있으며, 실제로 록 환경에서 [31]일어난 것은 이번이 처음이다.아일랜드 민속 음악 협회[32]1971년에 설립되었고 아일랜드 전통 음악 보관소[33]1987년에 설립되었습니다.

Van Morrison은 또한 Trad-Rock 씬으로 알려져 있으며, Soul과 R&B[citation needed]통합한 것으로 알려져 있습니다.

켈트 록

켈트 록은 포크 록의 한 장르이며 켈트 음악, 악기, 테마를 록 음악 맥락에 통합하는 아일랜드에서 개척된 켈트 퓨전의 한 형태이다.그것은 매우 성공적인 주류 켈트 밴드들과 인기 있는 음악 연주자들의 발전의 핵심 토대라고 볼 수 있고, 더 나아가 [34]퓨전을 통해 중요한 파생상품을 만들어 낼 수 있다.아마도 이 장면에서 가장 성공적인 제품은 Thin Lizzy 밴드였다.1969년에 결성된 그들의 첫 두 앨범은 아일랜드 전통음악의 영향을 받았고 1972년 첫 히트 싱글 'Whiskey in the Jar'는 아일랜드 [35]전통음악의 록 버전이었다.이 시점부터 그들은 일련의 히트 싱글과 앨범을 얻을 수 있게 해준 하드 록 쪽으로 움직이기 시작했지만, Jailbreak (1976년)와 같은 이후의 앨범에서는 켈트 록의 일부 요소를 유지했다.1970년에 결성된 호스립스는 아일랜드 그룹 최초로 '셀틱 록'이라는 용어를 적용한 그룹으로 아일랜드 전통/셀틱 음악과 악기, 켈트 신화에 기초한 주제와 이미지, 아일랜드 신화기초한 콘셉트 앨범 등을 제작했으며 모두 하드 [36]록 사운드에 의해 작동되었다.호스립은 고국을 떠나지 않고 성공을 누린 최초의 메이저 밴드였고 아일랜드와 그 [37]밖의 다른 곳에서 켈트 록의 본보기를 제공하는 것으로 보여지기 때문에 아일랜드 록 역사에서 중요한 것으로 여겨진다.

20세기 후반:포크 록 등

현대 보드란 선수

전통 음악, 특히 션 노스는 21세기 후반 아일랜드 대중음악에서 중요한 역할을 했는데, 밴 모리슨, 온트하우스 플라워스, 시네아드 오코너는 대중가요에서 전통적인 요소를 사용했다.EnyaNew Age/Celtic Fusion으로 세계적인 성공을 거두었습니다.셰인 맥고완이 이끄는 포그스는 아일랜드 사람들과 펑크 록을 융합시키는 데 도움을 주었다.이는 아일랜드, 영국, 미국에서 상위 10개의 히트곡으로 이어졌다. 아프로-셀트 사운드 시스템은 1990년대에 서아프리카의 영향과 드럼 앤 베이스를 켈트 악기와 결합시켰다.

1980년대에 유명한 포크 밴드에는 드 다난, 알탄, 더비쉬, 패트릭 스트리트 등이 있었다.이 시기에 아일랜드 음악에 대한 관심이 높아지면서 메리 블랙과 샤론 섀넌을 포함한 많은 아티스트들이 해외에서 더 많은 인정을 받게 되었다.BBC는 "Bring it all Back Home"이라고 불리는 아일랜드 음악의 영향에 관한 다큐멘터리 시리즈를 상영했다.이 시리즈는 또한 아일랜드 밖에서는 비교적 잘 알려지지 않은 많은 예술가들의 인지도를 높이는 데 도움을 주었다.

2000년대 베가, 그라다, 다누, 티다는 전통적인 성향을 가진 가장 젊은 주요 악기 밴드 중 하나였다.

Fluk, Kyla, Grada, The Dave Munnelly Band와 같은 많은 아일랜드 밴드들이 현지와 아일랜드 음악의 퓨전을 개발하고 있다.

컬렉션

몇몇 단체들은 아일랜드 전통 음악을 수집하고 홍보하는 일에 관여하고 있다.여기에는 아일랜드 민속 음악 협회, 아일랜드 전통 음악 아카이브, 아일랜드 세계 음악 및 무용 아카데미([38]리메릭 대학) 등이 포함됩니다.

지역 중심 조직으로는 [39]코크 카운티 발리보르니에 있는 전통 및 현대 예술을 위한 지역 문화 센터인 이오나드 컬투르타가 있습니다.또한 음악과 시각 [citation needed]예술 행사도 연다.

퍼브 세션

펍 세션은 이제 컨트리 및 도시 펍의 비공식 모임에서 열리는 아일랜드 전통 음악의 본거지입니다.이러한 현대적인 펍 세션 중 처음으로 알려진 것은 1947년 런던의 캠든 타운에서 데본셔 암스라고 불리는 바에서였다. (일부 민족음악학자들은 미국에 있는 아일랜드 이민자들이 이 전에 세션을 열었을 것이라고 믿지만); 그 관습은 후에야 아일랜드에 소개되었다.1960년대에 더블린 오도노그와 같은 펍은 그들만의 펍 세션을 열었다.

「 」를 참조해 주세요.

메모들

레퍼런스

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외부 링크