디스코

Disco
이 기사는 음악 장르에 관한 것이다.오락 장소는 나이트클럽을 참조하라.다른 용도는 디스코(동음이의)를 참조하십시오.
디스코
Disco TGI Bar by John Vance.jpg
텍사스 주 알링턴의 천장
양식적 기원
문화적 기원1960년대 후반 – 1970년대 초반, 필라델피아 및 뉴욕시[1]
파생형식
하위 유전자
퓨전 장르
지역신
로컬씬
  • 뉴욕 시
  • 필라델피아
  • 애틀랜타
  • 마이애미
  • 휴스턴
  • 로스앤젤레스
  • 몬트리올
기타 항목

디스코는 댄스 음악의 한 장르로 1970년대 미국의 도시 나이트라이프 장면에서 등장한 하위문화다.이 소리는 4개의 온 플로어 비트와 싱코프 베이스라인, 현악 부분, 뿔, 전기 피아노, 신디사이저, 전기 리듬 기타로 특징지어진다.

디스코는 1960년대 후반과 1970년대 초반에 필라델피아와 뉴욕시에서 이탈리아계 미국인, 히스패닉계, 라틴계 미국인, 아프리카계 미국인들에게 인기 있는 장소들의 혼합된 음악으로 시작되었다.[2][3]디스코는 1960년대 역문화에 의한 반작용으로 볼 수 있는데, 당시 록음악의 지배와 댄스음악의 낙인찍기에 대한 반응이다.미국에서 디스코가 인기를 끌던 시기에 '범프'와 '허슬' 등 여러 춤 스타일이 개발됐다.

1970년대에 들어서면서 디스코 음악은 미국과 유럽의 예술가들에 의해 더욱 발전되었다.Well-known artists include: ABBA, the Bee Gees, ELO, Donna Summer, Gloria Gaynor, Giorgio Moroder, Baccara, Boney M., Earth Wind & Fire, Chaka Khan, Chic, KC and the Sunshine Band, Thelma Houston, Sister Sledge, The Trammps and the Village People.[4][5]공연자들이 대중의 관심을 받는 동안, 뒤에서 일하는 음반 제작자들은 이 장르를 발전시키는데 중요한 역할을 했다.1970년대 후반까지 대부분의 미국 주요 도시들은 디스코 클럽 장면이 성행했고, DJ들은 유명인들 사이에서 인기 있는 장소인 맨해튼의 스튜디오 54와 같은 클럽에서 댄스 레코드를 섞었다.나이트클럽을 찾는 사람들은 종종 비싸고 사치스럽고 섹시한 패션을 입었다.디스코 장면에서도 마약 하위문화가 성행했는데, 특히 코카인이나 퀘알루드 같은 시끄러운 음악과 번쩍이는 불빛에 맞춰 춤을 추는 경험을 강화시켜 줄 마약의 경우 후자는 디스코 하위문화에서 너무나 흔해 '디스코 비스킷'이라는 별명이 붙었다.디스코 클럽도 이 시대의 성혁명을 대중사에 반영하는 것으로 문란함과 결부되어 있었다.토요일 밤의 열기(1977년)와 감사하는 하느님 금요일(1978년)과 같은 영화들이 디스코의 주류 인기에 기여했다.

디스코는 악명 높은 디스코 해체 나이트에 이어 미국 대중음악의 주요 트렌드로 쇠퇴했고, 1980년대 초 미국에서도 급격한 인기 하락을 이어갔지만, 1980년대 내내 이탈리아와 일부 유럽 국가에서도 인기를 유지했고, 이 시기에도 여러 곳에서 유행하기 시작했다.인도와[6] 중동을 포함한 다른 곳에서는 가잘과 벨리댄스와 같은 지역 민속 양식과 혼합되어 있었다.[7]디스코는 결국 일렉트로닉 댄스 음악, 하우스 음악, 힙합, 뉴 웨이브, 댄스 펑크, 포스트 디스코의 발전에 중요한 영향을 미칠 것이다.이 스타일은 1990년대 이후 몇 가지 새로운 장면들을 가지고 있으며, 미국과 유럽 팝 음악 전반에 걸쳐 디스코의 영향력은 여전히 강하다.현재의 부흥은 2010년대 초부터 진행되어 2020년대 초에 큰 인기를 얻고 있다.이러한 부활에 기여한 앨범으로는 Confessions On A Dance Floor, Random Access Memory, The Slow Rush, Cuz I Love You, Future Oristance, Hey U X, What's Your Lunice? 등이 있다.It Is What It Is,[8][9][10][11] Kylie Minogue의 앨범 자체가 디스코라는 제목을 붙였다.

어원

"disco"라는 용어는 "bibliothéque"에서 유래된 "축음기 기록 도서관"을 뜻하는 프랑스어인 discoteque의 줄임말이다."discotteque"라는 단어는 1950년대 영어에서도 같은 뜻을 가지고 있었다.[12]

1940년대 초 나치 점령 당시 프랑스 파리의 나이트클럽이 레코드를 연주하는 데 의존한 후 프랑스어로 "Discotteque"가 사용되게 되었다.몇몇 클럽들은 그것을 그들의 고유 이름으로 사용했다.1960년에는 영국 잡지에 파리의 나이트클럽을 묘사할 때도 사용되었다.[12]

1964년 여름, 미국에서 "디스코텍 드레스"라고 불리는 짧은 민소매 드레스가 잠깐 동안 큰 인기를 끌었다.약칭 "disco"의 가장 일찍 알려진 용도는 이 드레스를 묘사했고 1964년 7월 12일 "The Salt Lake Tribune"[12]에서 발견되었지만 플레이보이 잡지는 같은 해 9월 LA 나이트클럽을 묘사하기 위해 그것을 사용했다.

빈스 알레티는 디스코를 사운드 또는 음악 장르로 묘사한 최초의 인물 중 한 명이었다.그는 1973년 9월 롤링스톤 잡지에 실린 특집 기사 '디스코텍 록 파아아티'를 썼다.[13][14][15]

음악적 특성

디스코 베이스 패턴.audio speaker icon재생(도움말/인포)
록&디스코 드럼 패턴: 디스코는 4대 1의audio speaker icon 플레이(Help·info)인 비트를 더 크게 세분화한 것이 특징이다.

음악은 전형적으로 치솟고 종종 반복적으로 들려오는 보컬을 레이어드하여 전기 피아노의 배경 "패드"와 전기 기타로 연주되는 "치킨 스크래치" 리듬 기타 위에 종종 뿔로[citation needed] 두 배로 만들었다.리드 기타는 디스코에서 록에서보다 덜 자주 연주된다."루스터 스크래치" 사운드는 기타 줄을 프레트보드에 가볍게 눌렀다가, 계속해서 다리 가까이에서 매우 가까이에서 걸으면서 약간 음소거된 포커[소리]가 나올 정도로 빠르게 풀어주는 것이다.[16]그 밖에 피아노, 전기 오르간(초창기), 현악 신시사이저, 펜더 로도스 전기 피아노, 워리처 전기 피아노, 호너 클라비넷 등 전자기계 키보드가 뒤를 잇고 있다.신디사이저는 디스코에서도 상당히 흔하며, 특히 1970년대 후반에는 더욱 그러하다.

리듬은 베이스 기타에서 연주되는 눈에 띄는 싱코핑된 베이스라인(깨진 옥타브, 즉 음이 차례로 울리는 옥타브)과 드럼 키트를 사용하는 드러머, 아프리카/라틴 타악기, 시몬스·롤랜드 드럼 모듈 같은 전자 드럼에 의해 내려진다.그 소리는 하프, 바이올린, 비올라, 첼로, 트럼펫, 색소폰, 트롬본, 클라리넷, 플루오르겔호른, 프렌치 호른, 튜바, 잉글리쉬 호른, 오보에, 플루트(때로는 알토 플루트와 때때로 베이스 플루트), 피콜로, 팀파니, 신스 현, 현악기, 현악기, 현악기 등이 연주하는 독창적인 부분들로 풍부하게 되었다.지휘관 또는 현악 오케스트라[citation needed].

대부분의 디스코 곡은 꾸준한 4온 플로어 비트, 오프 비트에 오픈 하이하트가 있는 쿼버 또는 세미 쿼버 하이하트 패턴, 묵직하고 싱크로핑된 베이스 라인이 있다.다른 라틴 리듬인 룸바, 삼바, 차차차도 디스코 녹음에서 발견되며, 멜렝게 위에 층을 이룬 룸바 비트 같은 라틴 폴리 리듬이 흔하다.쿼버 패턴은 종종 리듬 기타와 같은 다른 악기에 의해 지지되며 명시적으로 존재하기 보다는 암시될 수 있다.

노래들은 종종 예상치 못한 비트의 억양인 싱크로포테이션을 사용한다.일반적으로 디스코, 즉 어떤 댄스곡이나 락이나 대중가요의 차이점은 댄스음악에서는 베이스 드럼이 적어도 1박자(4/4회 4박자)를 4층까지 친다는 것이다.[citation needed]디스코는 전형적인 록 드럼 패턴에 이어 아래 두 번째 드럼 패턴에서 보이는 것처럼 쿼터 음을 16번째 음으로 나눈 것이 더욱 특징이다.

관현악 사운드는 보통 "디스코 사운드"라고 알려져 있는데, 이는 치솟고, 종종 울려 퍼지는 보컬이나 악기 채우기 연주와 함께 선형을 연주하는 현악 부분과 뿔에 크게 의존하는 반면, 전기 피아노와 치킨 스크래치 기타는 조화 추이를 정의하는 배경 "패드" 사운드를 만들어낸다.전형적으로, 부품들의 두 배와 추가 기구의 사용은 풍부한 "소리의 벽"을 만들어낸다.그러나, 치크가 개척한 축소되고 투명한 도구와 함께 디스코의 더 미니멀한 맛이 있다.

조화롭게, 디스코 음악은 일반적으로 팝 음악보다 재즈에서 더 자주 발견되는 7개의 크고 작은 화음을[citation needed] 포함하고 있다.

생산

"디스코 사운드"는 1970년대 다른 많은 대중음악 장르보다 제작비가 훨씬 더 많이 들었다.1960년대 후반의 소울 음악, 또는 작은 재즈 오르간 트리오의 단순한 4피스 밴드 사운드와는 달리 디스코 음악은 여러 개의 현악기(기타, 키보드, 신디사이저), 여러 개의 드럼 또는 타악기(드럼킷, 라틴 타악기, 전자 드럼), 경음기 부문, 현악단, 그리고 v가 있는 대형 밴드가 종종 포함되어 있었다."classical" 단독 악기의 아리송함(예: 플루트, 피콜로 등).

디스코 곡은 숙련된 편곡자와 오케스트레이터가 편곡하고 작곡했으며, 음반 제작자들은 멀티트랙 녹음 기법과 효과 단위를 사용하여 전체적인 소리에 창작의 손길을 더했다.이렇게 많은 악기와 섹션으로 복잡한 정리를 기록하기 위해서는 지휘자, 카피스트, 음반 제작자, 그리고 혼합 엔지니어를 포함하는 팀이 필요했다.디스코 곡들은 무려 64곡의 보컬과 악기를 사용했기 때문에 믹싱 엔지니어들은 디스코 제작 과정에서 중요한 역할을 했다.엔지니어들과 음반 제작자들을 혼합하여 편곡자들의 지휘 아래, 이 트랙들을 빌드와 브레이크로 완성한 시, 브릿지, 재구성 등의 유동적인 구성으로 엮었다.믹싱 엔지니어들과 음반 제작자들은 독특하고 정교한 디스코 믹스를 만들어냄으로써 "디스코 사운드"를 발전시키는데 도움을 주었다.

초기 음반은 톰 몰튼이 클럽의 댄서들을 한 단계 더 끌어올려 춤을 더 오래 추게 할 수 있는 방법을 고안하기 전까지는 "표준" 3분 버전이었다.그는 그 당시의 45RPM 비닐 싱글은 보통 5분 이하의 좋은 음질의 음악을 담을 수 있기 때문에 더 길게 만드는 것이 불가능하다는 것을 알았다.그의 리마스터/마스터링 엔지니어인 호세 로드리게스의 도움으로 그는 7" 대신 10" 디스크로 싱글을 눌렀다.그들은 다음 싱글 앨범을 표준 앨범과 같은 포맷인 12인치 디스크로 잘라냈다.Moulton과 Rodrights는 이 더 큰 음반들이 훨씬 더 긴 노래와 리믹스를 가질 수 있다는 것을 발견했다. "Maxi singles"로도 알려진 12" 싱글 음반들은 빠르게 디스코 장르의 모든 DJ들의 표준 형식이 되었다.[17]

클럽 문화

나이트클럽

참고 항목:서킷 파티
블루 디스코 쿼드 롤러스케이트.

1970년대 후반까지 대부분의 미국의 주요 도시들은 디스코 클럽 장면이 번창했다.가장 큰 장면은 뉴욕뿐만 아니라 필라델피아, 샌프란시스코, 마이애미, 워싱턴 D.C.에서도 볼 수 있다.그 장면은 디스코텍, 나이트클럽, 개인 로프트 파티가 중심이었다.

In the 1970s, notable discos included "Crisco Disco", "The Sanctuary", "Leviticus", "Studio 54" and "Paradise Garage" in New York, "Artemis" in Philadelphia, "Studio One" in Los Angeles, "Dugan's Bistro" in Chicago, and "The Library" in Atlanta.[18][19]

70년대 후반, 맨해튼 미드타운에 있는 스튜디오 54는 거의 틀림없이 세계에서 가장 잘 알려진 나이트클럽이었다.이 클럽은 일반적으로 디스코 음악과 나이트클럽 문화가 성장하는데 큰 역할을 했다.스티브 루벨과 이안 슈라거에 의해 운영되었고, 내부에서 일어나는 쾌락주의로 악명이 높았으며, 발코니는 성적인 만남으로 유명했으며, 약물 사용이 만연했다.그것의 댄스 플로어는 애니메이션 코카인 스푼을 포함한 "달의 사나이"의 이미지로 장식되었다.

1940년대에 만들어진 또 다른 뉴욕 나이트클럽인 "코파카바나"는 1970년대 후반에 디스코를 받아들였을 때 부활했다; 그것은 같은 이름의 배리 매닐로 노래의 배경이 될 것이다.

워싱턴 D.C.에서는 "The Pier" ("Pier 9")와 "The Other Side"와 같은 대형 디스코 클럽들이, 원래는 "게이 바"로만 여겨졌던, 70년대 후반에 수도권의 동성애자 이성애자 및 이성애자 대학생들 사이에서 특히 인기를 끌었다.

1979년까지 미국에는 1만 5천에서 2만 개의 디스코 나이트클럽이 있었는데, 그 중 많은 나이트클럽이 교외 쇼핑센터, 호텔, 레스토랑에 문을 열었다.2001년 클럽의 가맹점은 전국에서 가장 많은 디스코 클럽 체인이었다.[20] 다른 많은 시도들이 디스코 클럽의 프랜차이징을 시도했지만, 2001년만이 이 기간 동안 성공적으로 한 유일한 시도였다.[21]

음향 및 경량 장비

주요 디스코 클럽들은 비트를 보완하기 위해 불빛이 번쩍이는 댄스 플로어를 가지고 있었다.
반사광 디스코 공은 많은 디스코텍들의 천장에 고정되어 있었다.

강력하고 베이스가 많은 하이파이 사운드 시스템은 디스코 클럽 경험의 핵심 부분으로 여겨졌다."[로프트파티 진행자 데이비드] 만쿠소는 1970년대 초, 틈틈이 트레블과 베이스를 끌어올리기 위해 트위터 어레이(고급 주파수를 방출하는 소형 확성기의 클라스, 바닥 위에 위치하는 추가 서브우퍼 세트)와 베이스 보강재(지상 레벨에 위치하는 추가 세트) 기술을 도입했다.리차드 롱과 같은 10년 동안 건전한 기술자들은 차고와 같은 장소에서 이러한 혁신의 효과를 배가시켰다."[22]

디스코 댄스 플로어의 전형적인 조명 디자인은 주위를 빙빙 돌거나 박자에 맞춰 번쩍이는 멀티 컬러 조명, 스트로보 조명, 조명 댄스 플로어 및 미러 볼 등을 포함할 수 있다.

DJ들

디스코 시대의 디스크 자키(DJs)는 종종 릴토 리엘 테이프 머신을 사용하여 기존의 노래를 리믹스하고, 타악기 휴식시간, 새로운 섹션, 그리고 새로운 사운드를 추가하곤 했다.DJ들은 댄서들이 원하는 대로 노래와 그루브를 골라 DJ 믹서로 한 곡에서 다른 곡으로 전환하고 마이크를 이용해 노래를 소개하고 관객들에게 말하기도 했다.기타 장비를 기본 DJ 설정에 추가해 리버브, 이퀄라이제이션, 에코 효과 유닛 등 독특한 사운드 조작을 제공했다.DJ는 이 장비를 이용해 곡의 베이스라인을 제외한 모든 부분을 잘라낸 뒤 DJ 믹서의 크로스페이더를 이용해 다른 곡의 초반에 천천히 섞는 등의 효과를 볼 수 있다.Notable U.S. disco DJs include Francis Grasso of The Sanctuary, David Mancuso of The Loft, Frankie Knuckles of the Chicago Warehouse, Larry Levan of the Paradise Garage, Nicky Siano, Walter Gibbons, Karen Mixon Cook, Jim Burgess, John "Jellybean" Benitez, Richie Kulala of Studio 54 and Rick Salsalini.

일부 DJ들은 녹음실에서 디스코 곡을 만들고 제작한 음반 제작자들도 있었다.예를 들어, 래리 레반은 DJ뿐만 아니라 다작의 음반 제작자였다. 음반 판매는 종종 일류 나이트클럽에서 DJ들의 댄스 플로어 플레이에 의존하기 때문에, DJ들은 음반 레이블을 위해 제작되는 디스코 음악의 특정 타입의 개발과 대중화에 영향을 주었다.

춤

디스코 댄서들은 일반적으로 남성용 헐렁한 슬랙스와 여성용 흘러내리는 드레스를 입었는데, 이것은 댄스 플로어에서 쉽게 움직일 수 있게 했다.

초기에는, 디스코를 입은 댄서들이 "느낌없이" 또는 "프리스타일" 접근하여 춤을 추었다.처음에는 많은 무용수들이 그들만의 춤 스타일과 춤 스텝을 즉흥적으로 연주했다.이후 디스코 시대에는 '범프', '펜갱', '부갈루', '워터게이트', '로봇' 등 대중적인 댄스 스타일이 발달했다.1975년 10월에 Hustle이 통치했다.그것은 매우 양식적이고 세련되고 노골적인 성적인 것이었다.변주곡으로는 브루클린 허슬, 뉴욕 허슬, 라틴 허슬 등이 있다.[19]

디스코 시대에는, 많은 나이트클럽들이 일반적으로 디스코 댄스 경연대회를 주최하거나 무료 댄스 레슨을 제공하곤 했다.일부 도시에는 디스코 댄스 강사나 댄스 스쿨이 있어 '터치 댄스', '더 허클', '차' 등 인기 있는 디스코 댄스를 하는 법을 가르쳐 주었다.디스코 댄스 교습의 선구자는 1973년 샌프란시스코의 캐런 러스트가튼이었다.그녀의 책 디스코 댄싱의 완벽한 가이드 (Warner Books 1978)는 인기 있는 디스코 댄스를 춤의 형태로 명명, 분해 및 코드화하고 디스코 프리스타일, 파트너, 라인 댄스를 구분한 최초의 책이다.이 책은 뉴욕 타임즈 베스트셀러 순위에서 13주 동안 1위를 차지했으며 중국, 독일, 프랑스어로 번역되었다.

시카고에서는 코카콜라 회사의 후원으로 Step By Step 디스코 댄스 TV 쇼가 시작되었다.돈 코넬리우스가 전국적인 신디케이트 댄스/뮤직 텔레비전 쇼에 사용했던 스튜디오에서 제작된 '소울 트레인' '스텝 바이 스텝'의 관객이 늘어나면서 쇼는 흥행에 성공했다.로빈과 레지의 다이나믹 댄스 듀오가 쇼를 이끌었다.그 두 사람은 디스코 클럽의 댄서들에게 디스코 댄스를 가르치며 일주일을 보냈다.교육방송은 토요일 아침에 방영되었고 그 뒤를 든든히 따랐다.시청자들은 금요일 밤을 새워 다음 날 아침 촬영장에 나올 수 있었고, 최신의 개인 댄스 스텝을 알고 토요일 밤에 디스코장으로 돌아갈 준비를 했다.이 쇼의 제작자인 존 레이드와 그레그 로젤리는 새로운 춤 재능을 발굴하고 "화이트 삭스 파크에서 디스코 나이트"와 같은 다가오는 행사를 홍보하기 위해 로빈, 레지와 함께 디스코 공연에 일상적으로 출연했다.

캘리포니아주 새크라멘토에서 디스코킹 폴 데일 로버츠가 기네스북을 위해 춤을 추었다.로버츠는 205시간 동안 춤을 췄는데, 이는 8일 30분에 상당한다.다른 댄스 마라톤은 로버츠가 짧은 기간 동안 디스코 댄스로 세계 기록을 보유한 후에 열렸다.[23]

1970년대의 주목할 만한 전문 무용단으로는 판스 피플과 핫 가십이 있다.많은 댄서들에게 1970년대 디스코 댄싱의 주요 영감을 주는 원천은 영화 '새터데이 나이트 피버' (Saturday Night Fever (Saturday Night Fever)이것은 명예(1980), 디스코 댄서(1982), 플래시댄스(1983), 디스코 라스트 데이즈 오브 디스코(1998)와 같은 영화의 음악과 춤 스타일로 발전했다.디스코 댄스에 대한 관심도 댄스 피버(1979년)와 같은 댄스 경연대회 TV쇼를 탄생시키는 데 일조했다.

패션

1977년 동독 디스코텍 무용수

디스코 패션은 1970년대 후반에 매우 유행했다.디스코텍을 찾는 사람들은 종종 그들의 지역 디스코 클럽에서 밤 외출을 위해 화려하고 비싸고 사치스러운 패션을 입었다.어떤 여성들은 할스턴 드레스나 헐렁한 플레어 팬츠와 같이 순결하고 흘러내리는 드레스를 입곤 했다.다른 여성들은 허리 없는 할터톱, 디스코 바지, 핫팬츠, 또는 몸을 휘감는 스판덱스 보디웨어나 "캣수츠"와 같이 타이트하고 노출이 심한 섹시한 옷을 입었다.[24]남성들은 화려한 무늬가 있는 반짝이는 폴리에스테르 키아나 셔츠를 입고, 특히 넓은 칼라를 착용하며, 가급적 가슴 부분이 열려 있다.남성들은 흔히 피에르 카르딘 정장, 조끼가 달린 3피스 정장, 레저복으로 알려진 바지와 어울리는 더블 니트 폴리에스테르 셔츠 재킷을 입었다.남성 레저복은 전형적으로 허리나 하의 등 신체 일부에 성형되어 있었지만, 바지 아랫부분은 벨 하의 스타일로 플레어 되어 움직임의 자유가 허락되었다.[24]

디스코 시대에는 남성들이 정교한 몸치장 의식을 치렀고, 그 시대의 성별 고정관념에 따라 '페미니네인'으로 여겨졌을 두 활동 모두 패션의류를 고르는 데 시간을 보냈다.[24]여성 댄서들은 불빛 아래 반짝거릴 반짝이 메이크업이나 세핀, 혹은 금색 라메 옷을 입었다.[24]과감한 색상은 남녀 모두에게 인기가 있었다.남녀 공용 플랫폼 신발과 부츠, 여성용 하이힐이 인기 신발이었다.[24]목걸이와 메달리온은 흔한 패션 액세서리였다.덜 흔하게, 몇몇 디스코 댄서들은 이상한 의상을 입고, 드래그 복장을 하고, 금색이나 은색 페인트를 몸에 칠하거나, 거의 나체로 남겨둔 매우 얇은 옷을 입고 있었다; 이런 흔치 않은 차림새들은 초대받은 뉴욕시의 로프트 파티와 디스코 클럽에서만 볼 수 있었다.[24]

마약 하위문화

디스코 클럽 장면의 춤과 패션 측면 외에도 클럽 마약 하위문화도 성행했는데, 특히 코카인[25](닉네임 "블로우"), 아밀 니트라이트("포퍼"),[26] "...다른 70년대 클럽의 핵심 약품인 콰알루드는 운동조율을 중단하고 팔과 다리가 '젤오'로 바뀐 듯한 느낌을 주었다."[27] 콰알루데스는 디스코 클럽에서 인기가 많아 '디스코 비스킷'[28]이라는 별명이 붙었다.

폴 고텐베르크 씨는 1970년대 디스코 문화에 대한 코카인의 관계는 충분히 강조될 수 없다고 말했다.[25][29]LSD, 마리화나, '스피드'(암페타민) 등도 디스코 클럽에서 인기를 끌었고, 이들 약물의 사용은 "...댄스 플로어 체험의 쾌락적 품질에 기여했다."[30]디스코 댄스는 일반적으로 주류 허가 나이트 클럽과 댄스 클럽에서 열렸기 때문에, 일부 사용자들은 더 강한 효과를 위해 의도적으로 술을 콰알루데스와 같은 다른 약물의 소비와 결합시켰다.

에로티시즘과 성 해방

피터 브라운스타인에 따르면, "디스코텍에 섭취된 약의 대량 양은 디스코 시대의 다음 문화 현상인 난잡함과 공공성"을 만들어냈다.댄스 플로어가 유혹의 중심 무대였던 반면, 실제 섹스는 보통 욕실 노점, 출구 계단 등 디스코의 아랫부분에서 일어났다.다른 경우에는 디스코가 일종의 '메인 코스'가 되어 하룻밤 외출하는 쾌락주의자의 메뉴로 되었다."[27]세인트 나이트클럽에서는 게이 남성 댄서들과 후원자들 중 많은 비율이 클럽에서 성관계를 가질 것이다; 그들은 일반적으로 보호받지 못한 성관계를 가졌다. 1980년에 HIV-AIDS가 아직 확인되지 않았기 때문이다.[31]더 세인트에서는 "댄서들이 섹스를 하기 위해 위층 발코니로 달아날 것"[31]이라고 했다.디스코의 난잡함과 공공성 성행위는 1970년대 "스윙어 클럽, 욕조, 그리고 주요 파티"와 관련이 있는 시대에 보다 자유로운 성적인 표현을 탐구하는 광범위한 경향의 일부였다."[32]

리처드 다이어는 자신의 논문 '디스코의 방어에서'(1979년)에서 에로티시즘을 디스코의 3대 특징 중 하나로 주장한다.[33]타인보다 남성들의 성적 쾌락에 초점을 맞춘 매우 남성 중심적인 에로티시즘을 가진 록음악과는 반대로, 데이어는 디스코를 비-팔릭적인 전신 에로티시즘이 특징이라고 묘사한다.[33]다양한 타악기, 리듬을 가지고 연주하려는 의지, 듣는 사람의 말을 끊지 않고 끝없이 반복되는 구절을 통해 디스코는 남녀노소를 위한 에로티시즘을 전신에 회복시킴으로써 이 전신 에로티시즘을 달성했다.[33]이것은 수탉/페니에 의해 정의되지 않은 잠재적인 성행위의 표현과 음경과의 관계에 의해 정의되지 않는 신체의 에로틱한 쾌락을 허용했다.[33]디스코의 리듬을 통해 표현된 성적 해방은 디스코가 성장한 클럽 공간에서 더욱 잘 표현된다.

Peter Shapiro's Modulations: 전자음악의 역사: 그는 디스코가 대담한 사운드를 만들기 위해 사용하는 기술을 통해 에로티시즘을 논한다.[34]샤피로는 "스톤월 이후 문화의 즐거움-이 정치 정신"에 부속되어 있다고 말한다.그는 디스코 특유의 기계음(mechanical sound)을 에로티시즘으로 만드는 기술을 에로티시즘과 연계한 '메커니즘-에로티즘'이 자연주의와 이성애에서 벗어나 살아가는 현실의 새로운 차원에 장르를 어떻게 설정하는지 설명한다.

그는 도나 서머의 싱글곡 "Love to Love You Baby" (1975년)와 "I Feel Love" (1977년)를 곡에 울려 퍼지는 오르가즘의 시뮬레이션 사운드와 합성된 베이스라인과 배경 사이의 현재적 관계를 보여주는 사례로 사용하며, 그들을 마약에 굶주린 디스코 팬들로 비유하여 스스로를 해방시키려 했던 성적으로 해방된 디스코 팬들과 비교한다.거친 디스코의 "기계 섹스"[35]샤피로는 이를 hi-NRG, doub-disco와 같은 하위 장르를 창출하는 영향으로 보고 있는데, 이는 신체의 명백한 에로틱 부분보다는 전신을 두드리는 강렬한 신스 베이스라인과 대안적인 리듬 기법을 통해 에로티시즘과 기술이 더욱 탐구될 수 있도록 했다.

레지던트 DJ Francis Grasso 휘하의 뉴욕 나이트클럽 The Restrial은 이러한 성적 자유의 대표적인 예다.디스크 자키와 클럽 문화의 역사에서, 빌 브루스터와 프랭크 브로톤은 "성역"을 "새롭게 해방된 게이 남성들로 가득 차 있다가 댄스 음악과 알약과 물약의 무게 있는 혼합물에 의해 흔들리게 되고, 그 결과는 대학살의 축제"라고 묘사한다.[36]성소는 "미국에서 처음으로 완전히 통제되지 않은 동성애자 디스코텍"이었고, 댄스 플로어에서는 섹스가 허용되지 않는 반면, 어두운 구석, 욕실, 인접한 건물의 복도 등은 모두 성적인 약혼과 같은 오가리에 이용되었다.[36]

음악, 마약, 해방된 사고방식을 3감각자가 모여 살육의 축제를 만든다고 묘사함으로써 브루스터와 브뤼톤은 이 세 가지를 모두 성역 내의 육체적 진동에 기여하는 춤, 섹스, 기타 내재된 움직임의 자극제로 선동하고 있다.디스코 음악이 디스코텍에서 경험했던 이러한 성적 해방을 촉진하는 역할을 했다는 주장을 뒷받침하는 대목이다.게다가, 이것은 최근의 낙태 합법화, 항생제의 도입, 그리고 알약의 도입과 함께, 디스코텍 주변의 매우 성적인 긍정적인 틀의 육성을 위해 성별을 중심으로 한 문화적인 변화를 촉진시켰다.[36]이때 구강성애와 항문성애자의 모든 사례가 뉴욕 주에서 일탈적이고 불법적인 행위로 여겨졌음을 감안할 때, 이러한 성적 자유는 지배적인 억압적인 구조에 대해 상당히 자유롭고 저항적인 것으로 간주될 수 있다.[36]

게다가, 1973년까지 미국 정신 의학 협회는 동성애를 질병으로 분류했다.[36]이러한 디스코텍의 자유역학적 역학관계는 퀴어인에게 자아실현을 위한 공간을 제공했다고 볼 수 있기 때문에 이 법과 분류가 함께 결합되어 공공장소에서 퀴어표현을 강하게 만류한 것으로 이해할 수 있다.데이비드 만쿠소의 클럽/하우스 파티인 더 로프트는 "최근까지 두 남자가 여자가 없는 한 함께 춤을 추는 것이 불법이었고, 여성들이 공공장소에서 적어도 하나의 알아볼 수 있는 여성복을 입어야 하는 법적 의무가 있는 나라에서 [그것은] 혁명적인 태도였다"고 묘사되었다.게이 바에는 보통 보석금을 들고 다녔다.[36]

역사

1940년대–1940년대:제1회 디스코텍스

디스코는 라이브 밴드를 두는 대신 레코드를 연주하기 시작한 클럽에서 댄스 플로어에서 유행하던 음악에서 주로 발전했다.첫 번째 디스코텍은 대부분 스윙 음악을 연주했다.후에 업템포 리듬과 블루스는 영국의 미국 클럽과 북부 소울과 글램 록 음반에서 인기를 끌었다.1940년대 초, 파리의 나이트클럽은 나치 점령기에 재즈 레코드를 연주하는 데 의존했다.[12]

레진 질베르그는 1953년 파리에서 열린 '휘스키 아 고고'에서 최초의 디스코텍을 시작했고 클럽 DJ를 맡았다고 주장했다.그녀는 음악에 틈이 없이 음반을 연주할 수 있도록 컬러 조명과 턴테이블 2개가 달린 댄스 플로어를 설치했다.[37]1959년 10월 서독 아헨에 있는 스카치 클럽의 소유주는 라이브 밴드를 고용하는 대신 오프닝 나이트에 레코드 플레이어를 설치하는 것을 선택했다.우연히 클럽 오픈을 취재하던 젊은 기자가 충동적으로 레코드 플레이어를 장악하고 그가 선택한 레코드를 소개할 때까지 후원자들은 아무런 감동도 받지 않았다.클라우스 퀴리니는 후에 세계 최초의 나이트클럽 DJ라고 주장했다.[12]

1960년대-1974: 프리커서와 초기 디스코 음악

1960년대에 디스코텍 춤은 미국 언론에 의해 열광적으로 다루어진 유럽의 유행이 되었다.[12]이 시기에 유럽에서 온 디스코텍 문화가 미국에서 인기를 끌자 춤이 가능한 리듬을 가진 여러 음악 장르가 인기를 끌며 리듬과 블루스(1940년대 후반에서 시작), 영혼(1950년대 후반에서 1960년대 중반), 펑크(1960년대 중반에서 1970년대 중반), 고고(1960년대 중반; '디스코' 이상)라는 다른 하위 장르로 진화했다.o"는 원래 음악 클럽을 가리켰다.주로 아프리카계 미국인인 그런 장르들은 초기 디스코 음악에 많은 영향을 미칠 것이다.

또한 1960년대에 모타운 레코드 레이블은 인기 있고 영향력 있는 모타운 사운드를 개발하였는데, "1) 세련된 멜로디와 화음의 변화로 단순 구조화된 노래, 2) 가차없는 4박자 드럼 패턴, 3) 배경 음성의 복음 사용으로, 감상의 스타일에서 모호하게 파생된, 4) 규칙적이고 소피시즘적인 느낌을 주었다.경적과 현을 모두 사용하는 테드, 5) 팝과 복음음악의 중간쯤 되는 리드싱어, 6) 모든 대중음악에서 가장 뛰어나고 박식하며 총명했던 동행한 뮤지션들의 무리(모타운 베이스 연주자들은 오래전부터 백록 베이스 연주자들의 부러움을 받았으며 7) 전기에 크게 의존하는 고상한 스타일의 믹스 스타일.nic 제한 및 균등화(하이 레인지 주파수 증가)를 통해 전체 제품에 특색 있는 사운드를 제공할 수 있으며, 특히 AM 라디오를 통해 방송하는 데 효과적이다.[38]모타운은 슈프리미어스(예: 1966년 "You Keep Me Hangin' On", 스티비 원더(예: 1972년 "Superstition"), 잭슨 5와 에디 켄드릭스("Keep on Truckin' 1973년")와 같은 연기들로 초기 디스코 요소들로 많은 히트를 쳤다.

1960년대 말에 흑인, 이탈리아, 라틴계 사회의 음악가와 관객들은 히피와 사이키델리아 하위 문화로부터 몇 가지 특성을 채택했다.그들은 크고 압도적인 사운드의 음악 공연장 이용, 자유로운 형태의 춤, 트라이피 조명, 화려한 의상, 환각제 사용 등을 포함했다.[39][40][41]또한 히피들의 인지된 긍정, 아이러니함, 성실함이 MFSB의 앨범 Love Is the Message처럼 프로토 디스코 음악을 알렸다.[39][42]부분적으로 지미 헨드릭스의 성공을 통해, 1960년대 후반의 락음악에서 유행했던 사이키델릭적 요소들이 영혼과 초기 펑크음악으로 유입되어 하위세대 사이키델릭적 영혼을 형성하였다.예를 들어, 체임버스 브라더스의 음악, 조지 클린턴이 그의 의회-펀카델릭 집단, 슬라이와 패밀리 스톤, 노먼 휘트필드와 The Treativations의 작품에서 찾아볼 수 있다.

Treatments에 의한 환상의 영혼 트랙에서 발견되는 긴 악기 소개와 세밀한 오케스트레이션 또한 영화적 영혼으로 간주된다.1970년대 초, 커티스 메이필드와 아이작 헤이스는 영화음악 트랙을 위해 실제로 작곡된 영화적 소울곡으로 히트했다: "Superfly" (1972년)와 "Theme from Shaft" (1971년)후자는 때때로 초기 디스코 곡으로 간주된다.[43]1960년대 중반부터 1970년대 초까지 필라델피아 소울과 뉴욕 소울은 화려한 타악기, 화려한 현악 오케스트라 편곡, 값비싼 음반 제작 과정도 갖춘 하위 장르로 발전했다.1970년대 초, 갬블과 허프의 필라델피아 소울 프로덕션은 1960년대 후반의 단순한 배열에서 러쉬한 현악, 쿵쾅거리는 베이스라인, 슬라이딩 하이하트 리듬을 특징으로 하는 스타일로 진화했다.이러한 요소들은 디스코 음악에서 전형적이 될 것이고 1970년대 초에 그들이 만든 히트곡들 중 몇 가지에서 찾을 수 있다.

디스코를 형성하는 데 도움이 되었고 디스코텍 클럽과 파티의 댄스 플로어에서 인기를 끌게 된 다른 초기 디스코 트랙은 다음과 같다.

초기 디스코는 몇 가지 이름만 들어도 살솔 레코드(켄, 스탠리, 조셉 카이레), 웨스트 엔드 레코드(멜 체렌), 카사블랑카(닐 보가르트), 프루트(마빈 슐라흐터) 등 음반 제작자와 레이블이 장악했다.이 장르는 또한 댄스곡의 즐거움을 확장시켜 3분 45rpm 싱글에서 훨씬 긴 12" 레코드로 이어지는 확장 믹스 또는 "리믹스"를 만들고 싶었던 톰 몰튼에 의해 형성되었다."디스코 사운드"로 알려진 것을 확립하는 데 도움을 준 다른 영향력 있는 DJ와 리믹서들로는 데이비드 만쿠소, 니키 시아노, 셰프 페티보네, 래리 레반, 월터 기번스, 시카고에 본사를 둔 프랭키 너클스가 있다.프랭키 너클스는 디스코 디제이였을 뿐만 아니라 1980년대에 하우스 음악을 개발하는 것을 도왔다.

Disco hit the television airwaves as part of the music/dance variety show Soul Train in 1971 hosted by Don Cornelius, then Marty Angelo's Disco Step-by-Step Television Show in 1975, Steve Marcus' Disco Magic/Disco 77, Eddie Rivera's Soap Factory, and Merv Griffin's Dance Fever, hosted by Deney Terrio, who is credited with teaching actor John Travol사우스캐롤라이나주 컬럼비아에 본사를 둔 DANG뿐만 아니라 Saturday Night Fever에서 그의 역할을 위해 춤을 출 것이다.

1974년 뉴욕시의 WPIX-FM은 최초의 디스코 라디오 쇼를 초연했다.[45]

미국의 초기 디스코 문화

1970년대에는 1960년대의 핵심 역문화인 히피운동이 퇴색하고 있었다.지난 10년 동안의 경제적 번영은 감소했고, 실업률, 물가상승률, 범죄율은 치솟았다.시민권 운동의 반발은 인종 폭동, 베트남 전쟁, 마틴 루터 킹 주니어 박사와 존 F의 암살 등으로 절정에 달하고 있다. 케네디와 워터게이트 스캔들은 많은 사람들에게 환멸과 절망감을 느끼게 했다.70년대의 시작은 페미니스트 운동의 부상, 정체성 정치, 갱단 등 이 시대를 매우 형성한 미국인들의 의식의 변화로 두드러졌다.디스코 음악과 디스코 댄스는 부정적인 사회경제적 문제에서 벗어날 수 있었다.[46]디스코 음악의 비파트너적인 춤 스타일은 모든 인종과 성적 지향의 사람들이 댄스 플로어 분위기를 즐길 수 있게 했다.[47]

'대중문화 속의 아름다운 것들'에서 사이먼 프리스는 디스코의 사교성과 1960년대 역문화에 뿌리를 두고 있음을 강조한다.그는 "디스코가 위조된 뉴욕 지하 댄스계의 원동력은 단순히 복잡한 인종과 성문화가 아니라 히피라고밖에 표현할 수 없는 1960년대 공동체, 쾌락, 관대함이었다"고 말한다."그 안에 들어 있는 최고의 디스코 음악은 놀랍도록 강력한 집단적 행복감"[48]

디스코의 탄생은 초대장 전용 비상업적 언더그라운드 클럽 '더 로프트'로 알려진 뉴욕시 DJ 데이비드 맨커소 자택이 개최한 개인 댄스 파티에서 종종 발견된다고 한다.[15]그는 1970년 발렌타인 데이 때 맨해튼 자택에서 "사랑은 그날을 살린다"는 이름으로 첫 번째 주요 파티를 열었다.몇 달 후, 그 파티들은 주간 행사가 되었고 만쿠소는 1990년대에 계속해서 정기적인 파티를 열었다.[49]만쿠소는 연주되는 음악이 소울프고 리드미컬하며 희망, 구원, 또는 자부심에 대한 말을 전해야 한다고 요구했다.[50]

맨쿠소가 첫 비공식 하우스 파티를 열었을 때, 게이 커뮤니티(더 로프트의 참석자 명단의 상당 부분을 차지하는)는 게이 바와 댄스 클럽에서 종종 괴롭힘을 당했는데, 게이 바에는 많은 게이 남성들이 보석금을 들고 가곤 했다.그러나 더 로프트와 다른 많은 초기 개인 디스코텍에서는, 만쿠소의 지하화, 그러나 합법화 정책 덕분에 그들은 경찰의 행동에 대한 두려움 없이 함께 춤을 출 수 있었다.빈스 알레티는 "누군가보다 더 중요한 사람이라는 느낌이 전혀 없는, 완전히 섞여서, 인종적으로 그리고 성적으로 파티에 가는 것 같다"고 설명했고, 알렉스 로즈너는 "아마 60%는 흑인이고 70%는 동성애자였을 것"이라고 재차 강조했다.성적 지향과 인종, 경제 집단들이 섞여 있었다.진짜 믹스, 거기서 공통분모가 음악이었다."[51]

영화 평론가 로저 에버트 디스코의 활기가 넘치는 춤의 인기 있는 받아들이다 70년대 후반의 뮤지컬이나 정치적 분위기의 일반적인 우울증과 기운 없음."외교에서 탈출 움직이라고 불렀다.깊이 로맨틱한"[52]폴린 Kael,disco-themed 영화 토요일 밤의 열기에 대해 글을 쓰는 이 영화와 디스코 클럽 자체에 불과하다고 말했다"something,의 필요이다.움직이고, 춤추고 싶은 사람이 되고 싶은 사람이 되고 싶어너바나는 춤이다. 음악이 멈추면 평범한 모습으로 돌아온다."[53]

영국의 초기 디스코 문화

1960년대 후반, 영국 모드의 장면에서 묵직한 비트와 몇몇 연관된 춤 스타일과 패션을 가진 업템포 소울이 포착되어 북쪽의 소울 운동을 형성하였다.맨체스터의 트위스트 휠과 같은 장소에서 발원한, 그것은 빠르게 다른 영국 댄스 홀과 나이트클럽인 샤토 임프니 (Droitwich Spa Droitwich]), 카타콤스 (Wolverhampton), 블랙풀 메카의 하이랜드 룸, 골든 토치 (Stoke-on-Trent) 그리고 위건 카지노로 퍼져나갔다.1970년대 초반에 선호되는 비트가 점점 더 활기차고 열광적이 되면서, 북부 소울 댄스는 디스코와 브레이크 댄스의 후기 댄스 스타일을 어느 정도 닮은 운동신경이 되었다.스팽글, 플립, 가라테 킥, 배경을 특징으로 하는 클럽 댄스 스타일은 종종 리틀 앤서니 앤 더 임페리얼스, 재키 윌슨과 같은 미국 소울 액션을 순회하는 무대 공연에서 영감을 받았다.

1974년 영국에는 약 25,000개의 모바일 디스크와 40,000개의 전문 디스크 기수가 있었다.모바일 디스크는 특별한 행사에 음악을 제공하기 위해 그들만의 장비를 가지고 온 디제이들을 고용했다.예를 들어, Gary Glitter의 1972년 싱글 "Rock and Roll Part 2"가 라디오 방송을 별로 얻지 못한 상태에서 영국 댄스 플로어에서 인기를 끌면서 글램 록 트랙이 인기를 끌었다.[54]

1974-1977: 주류로 상승

1974년부터 1977년까지 디스코 음악이 차트에서 1위를 차지하면서 디스코 음악이 인기를 끌었다.미국의 1위 싱글이자 백만장자였던 후스 코퍼레이션의 'Rock the Boat'(1974년)는 1위에 오른 초기 디스코 곡 중 하나였다.같은 해 칼 더글라스가 공연하고 비두(Biddu)가 제작한 '쿵푸 파이팅'이 발매되어 영국과[55] 미국 양쪽에서 모두 1위에 올랐으며, 전 세계적으로 1,100만 장의 음반이 판매되어 디스코의 대중화에 큰 도움이 되었다.[56][57][56]그 해의 또 다른 주목할 만한 디스코 성공은 조지 맥크래의 "Rock Your Baby"이다.[58] 그것은 영국 최초의 차트 디스코 싱글 차트 1위에 올랐다.[59][58]

영국 서북부 지역에서는 1960년대 후반에 시작되어 1974년에 정점을 찍은 북부 소울 폭발이 일어나 이 지역의 디스크 자키들이 뉴욕시에서 가지고 온 디스코를 수용하게 만들었다.몇몇 DJ들이 미국에서 나오는 새로운 소리들로 바꾼 것은 장면의 분열을 초래했고, 어떤 DJ들은 1960년대의 영혼을 버리고 영혼보다 디스코와 더 밀접하게 일치하는 현대적인 소울 사운드를 밀어냈다.

1976년 글로리아 게이너

1975년 글로리아 게이너(Gloria Gaynor)는 잭슨 5의 'Never Can Say Goody'(사실 이 또한 앨범 제목이다)를 리메이크한 것을 포함한 첫 번째 사이드 길이 비닐 앨범을 발매했고, 1974년 11월 그녀의 디스코 버전인 'Honey Bee'와 'Recach Out (I'll Be There)'가 빌보드 디스코트/댄스 차트에서 처음으로 1위를 차지했다.이후 1978년 게이노르의 디스코 넘버원곡은 1983년 리메이크한 'I Am What I Am'처럼 [60]여성 강인함과 동성애자의 상징으로 여겨졌던 'I Will Surviving'이었고 1979년 'Let Me Know (I Have a Right)'을 발표해 인권운동에서 인기를 얻었다.또한 1975년 빈센트 몬태나 주니어의 살소울 오케스트라는 라틴향의 관현악곡 '살소울 허슬'을 기탁하여 빌보드 댄스 차트 4위에 올랐고 1976년 히트곡인 '탱게린'과 '니스' 나스티'가 1941년 노래의 커버로 첫 선을 보였다.[citation needed]

밴 매코이의 1975년 작 "The Hustle"과 유머러스한 조 텍스 1977 "Ain't Will Bump No More (With No Big Fat Woman)"와 같은 곡들은 인기 있는 디스코 댄스 "Bump"과 "Hustle"에 이름을 붙였다.Other notable early successful disco songs include Barry White's "You're the First, the Last, My Everything" (1974), Labelle's "Lady Marmalade" (1974), Disco-Tex and the Sex-O-Lettes' "Get Dancin'" (1974), Silver Convention's "Fly, Robin, Fly" (1975) and "Get Up and Boogie" (1976) and Johnny Taylor's "Disco Lady" (1976).

Formed by Harry Wayne Casey (a.k.a. "KC") and Richard Finch, Miami's KC and the Sunshine Band had a string of disco-definitive top-five singles between 1975 and 1977, including "Get Down Tonight", "That's the Way (I Like It)", "(Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty", "I'm Your Boogie Man" and "Keep It Comin' Love".이 시기에 영국 일렉트릭 라이트 오케스트라와 같은 록 밴드들은 비록 오케스트라 록으로 정확하게 묘사되었지만 1975년 히트곡 "Evil Woman"에서처럼 디스코 음악의 주류가 된 바이올린 사운드를 그들의 노래에 담았다.

톰 몰튼과 같은 다른 디스코 제작자들은 더브 뮤직 (1970년대 자메이카인들의 뉴욕으로의 이주가 증가하면서 나온 것)에서 아이디어와 테크닉을 가져와서 지배했던 "4층" 스타일의 대안을 제공했다.DJ 래리 레반은 더브와 재즈의 스타일과 리믹스 기법을 활용하여 장르를 촉발시킨 하우스 음악의 초기 버전을 만들었다.[61]

디스코로 변신하는 모타운

노먼 휘트필드는 모타운 음반에서 영향력 있는 프로듀서 겸 작곡가로, 마빈 게이, 벨벨레테스, 트래티스, 글래디스 나이트 & 더 핍스의 많은 히트곡으로 혁신적인 "사이키델릭 소울" 곡을 만든 것으로 유명하다.1968년 The Travitations의 앨범 Cloud Nine의 제작 전후부터, 그는 약간의 환각적인 영향을 통합하고, 더 길고 춤 친화적인 곡들을 만들기 시작했으며, 정교한 리듬의 악기 부분을 위한 더 많은 공간을 가지고 있다.이처럼 긴 사이키델릭 소울 트랙의 한 예로 1972년 거의 7분, 약 12분 길이의 12분 분량의 편집본으로 등장한 '파파는 롤린 스톤이었다'가 있다.70년대 초까지 휘트필드의 많은 작품들은 Undisted Truth의 앨범과 1973년 앨범인 The Jackson 5의 G.I.T.:Get It Togethers by The Jackson 5에서 들었던 것처럼 펑크와 디스코 쪽으로 점점 진화했다.휘트필드가 환각적 영혼 제작 기법을 실험하기 위해 모타운의 녹음 작업인 "미소운 진실"은 1971년 노래 "Smiling Faces Sometimes"로 성공을 거두었다.그들의 디스코 싱글 "You + Me = Love" (43)는 휘트필드가 프로듀싱하여 1976년 미국 댄스 차트 2위에 올랐다.

1975년 휘트필드는 모타운을 떠나 자신만의 레이블 휘트필드 레코드를 만들었고, 이 음반에 "You + Me = Love"도 발매되었다.휘트필드는 앨범 사운드트랙부터 1976년 영화 카워시까지 로즈 로이스의 '카 워시'(1976년)를 포함해 디스코 히트작을 몇 편 더 제작했다.1977년 가수, 작곡가, 프로듀서 윌리 허치가 1970년부터 모타운과 계약한 후 현재 휘트필드의 새 레이블과 계약을 맺고 1982년 그의 노래 '인앤아웃'으로 성공적인 디스코 싱글을 기록했다.

1976년 다이애나 로스

다른 모타운 아티스트들도 디스코로 눈을 돌렸다.다이애나 로스는 1976년 자작곡 '사랑의 숙취'를 성공적으로 외치며 디스코 사운드를 품에 안았다.그녀의 1980년 댄스 클래식 "Upside Down"과 "I'm coming Out"은 그룹 치크의 나일 로저스와 버나드 에드워즈가 작사, 제작했다.로스를 유명하게 만든 그룹 슈프리미어스는 그녀 없이 디스코 클럽에서 한 줌의 히트를 기록했는데, 가장 두드러진 것은 1976년의 "내 심장이 걷게 할 거야"와 해체 전 그들의 마지막 싱글 차트인 1977년의 "You're My Driving Wheel"이다.

마빈 가이는 디스코 장르로 노래를 제작해 달라는 모타운의 요청에 따라 1978년 디스코를 싫어함에도 불구하고 'Got to Give It Up'을 발매했다.그는 이 장르에서 어떤 곡도 녹음하지 않겠다고 맹세했고, 실제로 이 곡을 패러디로 썼다.그러나 가이의 몇몇 곡은 "I Want You"(1975년)를 포함한 디스코 요소를 가지고 있다.스티비 원더는 1974년 사망한 영향력 있는 재즈 전설 듀크 엘링턴을 기리기 위해 1977년 디스코 싱글 "Sir Duke"를 발매했다.스모키 로빈슨은 1972년 솔로 활동을 위해 모타운 그룹 더 미라클스를 탈퇴하고 1975년 자신의 세 번째 솔로 앨범 A Quiet Storm을 발매했는데, 이 앨범은 "조용한 스톰" 뮤지컬 프로그래밍 형식과 R&B의 하위 장르에 그 이름을 낳아 빌려주었다.여기에는 디스코 싱글 "Baby That's Backatcha"가 들어 있었다.Other Motown artists who scored disco hits include: Robinson's former group, the Miracles, with "Love Machine" (1975), Eddie Kendricks with "Keep On Truckin'" (1973), the Originals with "Down to Love Town" (1976) and Thelma Houston with her cover of the Harold Melvin and the Blue Notes song "Don't Leave Me This Way" (1976).이 레이블은 1980년대까지 릭 제임스의 "Super Freak" (1981년), 코모도르의 "Lady (You Bring Me Up)" (1981년)로 성공적인 곡들을 계속해서 발매했다.

레이블을 떠난 모타운의 몇몇 솔로 가수들은 계속해서 성공적인 디스코 노래를 불렀다.모타운의 대표곡 '마이 가이'(스모키 로빈슨 작사)로 첫 여성 슈퍼스타 메리 웰스가 1964년 돌연 레이블을 탈퇴했다.그녀는 1980년에 디스코 곡 "지골로"로 차트에 잠깐 다시 등장했다.The Travatations 리드 싱어 데이비드 러핀의 형인 지미 러핀도 모타운과 계약을 맺고, 1966년에 가장 성공적이고 잘 알려진 곡인 "What Bees of the Breaklind"를 싱글로 발매했다.러핀은 결국 1970년대 중반 음반 레이블을 떠났지만, 비 지의 로빈 깁이 작사, 프로듀싱한 1980년 디스코 곡 'Hold On (To My Love)'으로 앨범 'Sunlight'로 성공을 거두었다.모타운 시위곡 '워'(War)(1970)로 유명한 에드윈 스타는 1979년 디스코 곡 '컨택트(Contact)'와 'H.A.P.Y.라디오(H.A.P.Y. Radio)'로 다시 차트에 진입했다.키키 디는 미국에서 모타운과 계약한 최초의 백인 영국 가수가 되었고, 1집 앨범 Great Eaggress(1970), 2집 싱글 "The Day Will Come Between Better Sunday"(1970), 2집 싱글 "Love Makes the World Go Round"(1971)를 발매하여 첫 차트 진입을 했다.그녀는 곧 회사를 떠나 엘튼 존의 <로켓 레코드 컴퍼니>와 계약을 맺었고, 1976년에는 존과 디스코 듀엣으로 가장 크고 잘 알려진 싱글곡 <내 마음을 아프게 하지 마>를 냈다.이 곡은 모타운 사운드의 애틋한 디스코 스타일의 파스티쉬로, 특히 마빈 게이가 탐미 테렐과 킴 웨스턴과 함께 녹음한 다양한 듀엣으로 기획됐다.

레코드 레이블을 떠난 많은 모타운 그룹들은 디스코 곡들로 차트를 만들었다.1970년대 초 모타운의 초연 중 하나인 잭슨5는 'I Want You Back'(1969), 'ABC'(1970), 디스코곡 '댄싱 머신'(1974) 등의 히트곡으로 1975년 음반사(제르메인 잭슨, 그러나 레이블에 남았다)를 탈퇴했다.'잭슨 가족'으로 개칭한 이들은 (모타운이 '잭슨 5'라는 이름을 소유했기 때문에) 에픽 레이블에 실린 'Blame It on the Boogie'(1978), 'Shake Your Body (Down to the Ground)'(1979), 'Can You Feel It)'(1981) 등의 디스코 곡으로 성공을 찾아 나섰다.

1966년 이 회사의 짧은 재임기간 동안 "This Old Heart of Mine (Is Limited for You)"을 프로듀싱한 이즐리 브라더스는 "The Lady"(1973)와 "It's a Disco Night (Rock Don't Stop)"(1979)와 같은 성공적인 디스코 곡을 발표하기 시작했다.마빈 게이에 앞서 '포도를 통해 들었다'(1967년)의 가장 성공적인 버전을 기록한 글래디스 나이트와 핍스는 디스코 시대의 '베이비, 돈 체인지 유어 마인드'(1977년), '부기, 부르기'(1980년) 등 상업적으로 성공적인 싱글을 기록했다.디트로이트 스피너스는 또한 모타운 레이블에 계약되었고 1970년에 스티비 원더 프로듀싱 곡 "It's a Shame"으로 성공을 거두었다.그들은 곧 디트로이트 출신의 동료 아레사 프랭클린의 조언에 따라 애틀랜틱 레코드로 떠났고, "고무밴드 맨"(1976년)과 같은 디스코 노래가 있었다.1979년, 그들은 엘튼 존의 "사랑할 준비가 되었는가"의 성공적인 커버와 함께 포시즌즈의 노래 "Working My Way Back to You"와 마이클 자거의 "Forgive Me, Girl"의 메들리를 발표했다.포시즌스 자체는 서부해안에 본사를 둔 R&B와 소울 아티스트들의 단명 자회사 모타운의 모웨스트 레이블에 간략하게 계약되었고, 거기서 이 그룹은 카멜레온(1972)이라는 하나의 앨범을 제작하여 미국에서 상업적으로 거의 성공을 거두지 못했다.하지만 1975년 영국에서 싱글 1곡 '더 나이트'가 발매되었고, 노던 소울 서킷의 인기에 힘입어 영국 싱글 차트 7위에 올랐다.포시즌스는 1974년 모타운을 떠나 1963년 12월(오, 왓 어 나이트)(1975)의 워너 커브 레코드를 위해 디스코 히트곡을 냈다.

유로디스코

주요 기사:유로 디스코
1974년 ABBA.

지금까지 가장 성공적인 유로 디스코 행위는 ABBA (1972–1982)이다.주로 영어로 노래한 이 스웨덴 4중주단은 "워털루"(1974), "페르난도"(1976), "Take a Chance on Me"(1978), "Gimme!" 등의 싱글로 성공을 거두었다. 김메! 김메! (A Man After Midnight)"(1979년)와 그들의 대표 히트작 "댄싱 퀸"(1976년)은 역대 네 번째 베스트셀러에 올랐다.

이탈리아의 작곡가 조르지오 모로더는 "디스코의 아버지"[62]로 알려져 있다.
1977년 도나 서머

1970년대 서독 뮌헨에서는 음악 프로듀서 조르지오 모로더와 피트 벨로트가 도나 서머의 연이은 히트곡으로 디스코 음악에 결정적인 기여를 했는데, 이 히트곡은 '무니치 사운드'[63]로 알려지게 되었다.1975년 서머는 모로더와 벨로테에게 '러브 투 러브 유 베이비'라는 가사를 제안했고, 모로더와 벨로테는 이 가사를 완전한 디스코 곡으로 만들었다.일련의 모의 오르가즘의 발성을 담은 최종 제품은 당초 출시 목적이 아니었지만 모로더가 클럽에서 연주하자 센세이션을 일으켜 출시했다.이 곡은 많은 유럽 국가들과 미국(2위)에서 차트에 오르며 국제적인 인기를 끌었다.대중음악에서 원시적인 여성 성욕이 표출된 것으로 묘사되어 왔다.17분짜리 12인치 싱글이 발매되었다.12" 싱글은 오늘날 디스코의 표준이 되었다.[64][65]1976년 도나 서머의 "Could It Be Magic" 버전은 디스코를 더욱 주류로 끌어들였다.1977년 여름 모로더와 벨로트는 더 나아가 '사랑을 느낀다'를 전자 프로덕션으로 댄스음악에 혁명을 일으켰고, Hi-NRG 서브제너(Subgenere)를 탄생시키며 세계적인 성공을 거둔 'Can't We Just Sit Over(그리고 Talk It Over)'의 B-side로 발매했다.[64]조르지오 모로더는 올뮤직에 의해 "디스코 사운드의 주요 건축가 중 한 명"으로 묘사되었다.[66]당시 모로더의 또 다른 성공적인 디스코 음악 프로젝트는 뮌헨 머신(1976–1980)이었다.

보니 M. (1974년–1986년)은 레코드 프로듀서 프랭크 패리안이 지휘하는 서독의 네 명의 서인도 가수와 댄서들로 구성된 디스코 그룹이었다.보니 M.는 "Daddy Cool" (1976년), "Ma Baker" (1977년), "Ribers Of Bylon" (1978년)과 같은 노래로 전세계에 차트를 올렸다.또 다른 성공적인 서독 디스코 녹음법은 실버 컨벤션(1974–1979)이었다.독일 그룹 크래프트워크도 유로 디스코에 영향력을 행사했다.

1967년 달리다

프랑스에서는 1975년 달리다가 'J'attendrai("I Will Wait")를 발매하여 캐나다, 유럽, 일본에서도 성공을 거두었다.달리다 씨는 디스코 시대에 성공적으로 적응했고, 유럽 전체와 더 넓은 지역에서 상위 10위 안에 든 최소 십여 곡의 곡을 발표했다.프랑스 디스코의 왕으로 재탄생한 클로드 프랑수아는 캐나다와 유럽에서 성공을 거둔 비 지에스 곡 '매사추세츠'의 프랑스 버전 '라 플러스 벨 선택 듀 몽드'를 발매했고, 매장 당일에는 '알렉산드리 알렉산드라'가 사후에 발매돼 세계적인 성공을 거뒀다.세론의 초기 곡인 "Love in C Minor"(1976), "Supernature"(1977), "Give Me Love"(1978)는 미국과 유럽에서 성공을 거두었다.유로 디스코의 또 다른 행동은 프랑스 디바 아만다 리어였는데, 이 곳에서 유로 디스코 사운드는 "에니그마 (Give a Bit of Mmh)" (1978년)에서 가장 많이 들린다.프랑스 프로듀서 알렉 코스탄디노스는 디스코그룹 러브 앤 키스(1977–1982)를 조립했다.

이탈리아에서 라파엘라 카라는 라비온다, 헤르마나스 고기, 올리버 양파와 함께 가장 성공적인 디스코 공연이다.그녀의 가장 위대한 국제 싱글은 "Tanti Auguri"("Best Wishes")로 게이 관객들에게 인기 있는 곡이 되었다.이 곡은 스페인어 제목인 "Para haserien el amor hay que venir al sur" (이 곡이 스페인에서 녹음되고 테이프로 녹음되었기 때문에 남유럽을 가리킨다)로도 알려져 있다.The Estonian version of the song "Jätke võtmed väljapoole" was performed by Anne Veski. "A far l'amore comincia tu" ("To make love, your move first") was another success for her internationally, known in Spanish as "En el amor todo es empezar", in German as "Liebelei", in French as "Puisque tu l'aimes dis le lui", and in English as "Do It, Do It A이 차트는 영국 싱글 차트 9위에 오른 유일한 기록으로, 1안타 경이로움으로 남아있다.[67]1977년, 그녀는 또 다른 성공적인 싱글 "Fiesta" (영어로는 "The Party")를 스페인어로 녹음했지만, 이 노래가 차트에 오른 후 프랑스어와 이탈리아어로 녹음했다."A'amore comincia tu" 또한 1977년 터키 팝스타 Ajda Pekan에 의해 "Sakın Ha"로 터키어로 다뤄졌다.

최근 카라는 아드리아노 셀렌타노의 실험적인 횡설수설곡 '프리젠콜리넨시노시우솔'(1973)의 1974년 TV 공연에서 여성 댄싱 솔로 주자로 등장해 새로운 주목을 받고 있다.[68]그녀의 춤이 담긴 리믹스 동영상은 2008년 인터넷에서 입소문을 탔다.[69][citation needed]2008년, 그녀의 유일한 성공적인 영국 싱글 "Do It, Do It Again"의 공연 영상이 닥터 후 에피소드 "Midnight"에 실렸다.라파엘라 카라는 2011년 3월 17일 유튜브를 통해 발매된 새 싱글 "Far l'Amore"에서 밥 싱클라와 함께 작업했다.이 곡은 유럽 각국에서 차트화되었다.[70]또 다른 유명한 유럽 디스코 행위는 네덜란드의 팝 그룹 '루브'이다.

유로 디스코는 미국의 주요 음반사와 프로듀서들에 의해 버림받은 미국에서 디스코의 인기가 급격히 떨어졌을 때에도 넓은 주류 대중음악계에서 계속 진화를 거듭했다.[71]이탈로 디스코의 영향을 통해 1980년대 초 초 초기의 초창기 하우스 음악이 진화하고 이후 1990년대 초의 유로댄스를 포함한 일렉트로닉 댄스 음악의 형태에도 한몫을 했다.

1977-1979: 대중적 우월성

Bee Geees는 1977년 Saturday Night Fever까지 사운드 트랙에서 몇 번의 디스코 히트곡을 냈다.

1977년 12월, 영화 토요일 밤의 열기(Saturday Night Fever)가 개봉되었다.이 앨범은 큰 성공을 거두었고 사운드 트랙은 역사상 가장 많이 팔린 앨범 중 하나가 되었다.이 영화에 대한 아이디어는 1976년 뉴욕 잡지의[72] "뉴 토요 밤의 트리발 의식"이라는 기사에서 촉발되었는데, 이 기사는 1970년대 중반 뉴욕시의 디스코 문화를 만성화시켰을 것으로 추측되지만, 후에 조작된 것으로 밝혀졌다.[73]일부 비평가들은 이 영화가 디스코를 "메인스트레이밍"하여 이성애자 백인 남성들에게 더 잘 받아들여지게 했다고 말했다.[74]

비 지즈는 배리 깁스의 가성을 이용해 '너는 춤을 추어야 한다', '살아 있어야 한다', '밤의 열기', '여자보다 더', '사랑해' 등의 히트곡을 냈다.이어 비지스의 동생인 앤디 깁이 '너의 모든 것이 되고 싶다', '(사랑은) 물보다 두껍다', '그림자 춤' 등 비슷한 스타일의 솔로 싱글을 선보였다.

1978년 도나 서머가 수백만 장 팔린 비닐 싱글 디스코 버전 '맥아더 파크'는 3주 동안 빌보드 핫 100 차트에서 1위를 차지했고 그래미상 최우수 여성 팝 보컬상 후보에 올랐다.그녀의 더블 라이브 앨범 라이브 앤드 모어의 '맥아더 파크 스위트'의 일부로 수록된 이 녹음은 앨범에 8분 40초 분량이었다.더 짧은 7인치 비닐 싱글 버전인 맥아더 파크는 핫 100에서 1위에 오른 여름의 첫 번째 싱글이었다. 그러나 이 곡의 발라드 2악장은 포함되지 않았다.서머의 2013년 리믹스 '맥아더 파크'가 빌보드 댄스 차트에서 1위 곡으로 50년 연속 1위를 차지했다.[75]78년 중반부터 1979년 후반까지 서머는 빌보드 팝 차트에서 5위권 이상 진입하며 매우 성공적인 곡인 "Last Dance", "Heaven Knows" (브룩클린 드림스와 함께), "Heaven Knows" (핫 스터핑), "Bad Girls", "Dim All the Lights" 그리고 "On the Radio"를 계속해서 발매했다.

Chic이라는 밴드는 1960년대 후반의 "거리 히피"라고 자칭한 기타리스트 Nile Rodgers와 베이시스트 Bernard Edwards에 의해 주로 결성되었다.그들의 인기 있는 1978년 싱글 "Le Freak"은 이 장르의 상징적인 노래로 여겨진다.치크의 다른 성공적인 곡들로는 종종 샘플링된 "Good Times"와 "Everybody Dance"가 있다.이 그룹은 스스로를 히피 운동의 이상인 평화, 사랑, 자유에 도움이 된 디스코 운동의 록 밴드로 여겼다.그들이 작곡한 모든 곡은 "깊은 숨겨진 의미" 또는 D.H.M.을 주기 위한 목적으로 쓰여졌다.[76]

치솟는 가성으로 유명한 화려하고 공공연하게 게이 가수인 실베스터는 1978년 말 'You Make Me Feel (Mighty Real)'로 자신의 가장 큰 디스코 히트곡을 기록했다.그의 노래 스타일은 가수 프린스에 영향을 미쳤다고 한다.당시 디스코는 게이 연주자들에게 가장 개방적인 음악의 한 형태였다.[77]

빌리지 피플은 자크 모랄리와 앙리 벨롤로가 디스코의 게이 관객들을 공략하기 위해 만든 노래/댄싱 그룹이었다.이들은 전형적인 남성 관련 직업과 소수민족의 무대 의상으로 유명했으며 1978년 히트곡 '마초맨'으로 주류 성공을 거뒀다.다른 노래로는 "Y.M.C.A."(1979년)와 "In the Navy"(1979년)가 있다.

Also noteworthy are The Trammps' "Disco Inferno" (1978, reissue due to the popularity gained from the Saturday Night Fever soundtrack), Cheryl Lynn's "Got to Be Real" (1978), Evelyn "Champagne" King's "Shame" (1978), Alicia Bridges' "I Love the Nightlife" (1978), Patrick Hernandez' "Born to Be Alive" (1978), Sister Sledge's "We Are Family" (1979),Anita Ward's "Ring My Bell" (1979), Lipps Inc.'s "Funkytown" (1979), George Benson's "Give Me the Night" (1980) and Walter Murphy's various attempts to bring classical music to the mainstream, most notably his disco song "A Fifth of Beethoven" (1976), which was inspired by Beethoven's fifth symphony.

그 인기가 최고조에 달했을 때 1979년 로드 스튜어트가 '다야씽크 나는 섹시하다'로 노래하는 등 디스코 요소가 가미된 곡을 녹음한 비디스코 아티스트들이 많았다.[78]심지어 주류 록 아티스트들도 디스코의 요소를 채택했다.진보적인 록 그룹 핑크 플로이드는 그들의 노래 "Another Brick in the Wall, Part 2"(1979)에서 디스코와 같은 드럼과 기타를 사용했는데,[79] 이 곡은 미국과 영국에서 그들의 유일한 싱글 1위가 되었다.이글스는"또 다른 하나는 먼지 Bites"(1980년), 롤링 스톤스의 그의 앨범 Thoroughfare과"미스 유"(1978년)과"감성적 구조"(1980년), 스티븐 Stills과"바보 사랑 노래"(1976년)과"잘 자 오늘밤"(1979년), 여왕과"이들 나이츠의"(1975년)[80]과"디스코 교살자"(1979년), PaulMcCartney&, 날개와 디스코 인용했었습니다. 갭(1978), Electric Light Orchestra with "Shine a Little Love" and "Last Train to London" (both 1979), Chicago with "Street Player" (1979), the Kinks with "(Wish I Could Fly Like) Superman" (1979), the Grateful Dead with "Shakedown Street", The Who with "Eminence Front" (1982), and the J. Geils Band with "Come Back" (1980).하드 록 그룹 KISS조차 'I Was Made For Lovin' You(1979년)로 뛰어들었고,[81] 링고 스타의 앨범 Ringo 4호(1978년)는 디스코 영향력이 큰 것이 특징이다.

이 디스코 사운드는 1979년 도나 섬머와 듀엣으로 쉽게 듣는 가수 바브라 스트라이샌드가 부른 미국 1위 히트곡 '노 모어 더 이상 눈물(이 정도면 충분하다)' 등 다른 장르의 아티스트들도 채택했다.컨트리 음악에서, 더 주류 시장에 어필하기 위한 시도로, 아티스트들은 그들의 음악에 팝/디스코의 영향을 더하기 시작했다.돌리 파톤은 앨범 Heartbreaker와 Great Balls of Fire가 디스코 플래그가 있는 곡들을 수록하면서 팝/댄스 차트에 성공적인 크로스오버를 시작했다.특히, 'Baby I'm Burnin'의 디스코 리믹스는 빌보드 댄스 클럽 송즈 차트에서 15위로 정점을 찍었고, 궁극적으로 가장 큰 클럽 히트곡 중 하나가 되었다.[82]또한 1977년 앤디 깁의 'I Just Want to Be Your Everything'을 코니 스미스가 취재했고, 1978년 빌 앤더슨이 '더블 S'를 녹음했으며, 로니 밀삽이 'Get It Up'을 발매하고 1979년 커버 블루스 가수 토미 터커의 노래 'Hi-Heel Snoveska'를 커버했다.

Pre-existing non-disco songs, standards, and TV themes were frequently "disco-ized" in the 1970s, such as the I Love Lucy theme (recorded as "Disco Lucy" by the Wilton Place Street Band), "Aquarela do Brasil" (recorded as "Brazil" by The Ritchie Family), and "Baby Face" (recorded by the Wing and a Prayer Fife and Drum Corps).디스코 시대와 동일시된 풍성한 오케스트라 반주는 빅밴드 시대의 기억을 떠올리게 했다. 이 반주는 1975년 그의 1945년 노래 "Temption"을 다시 녹음한 페리 코모, 그리고 디스코 노래 앨범을 발매한 에델 메르만 등 몇몇 빅밴드 편곡을 불러 일으켰다.1979년 '에델 메르만 디스코 앨범'이라는 제목이 붙었다.

로렌스 웰크 쇼의 2인자인 마이런 플로렌은 "디스코 아코디언"이라는 제목의 "클라리넷 폴카" 녹음을 발표했다.비슷하게, 바비 빈튼은 "펜실베니아 폴카"를 "디스코 폴카"라는 노래로 각색했다.이지 리스닝 아이콘 퍼시 페이스는 그의 마지막 음반들 중 하나에서 디스코 파티 (1975년)라는 제목의 앨범을 발매했고 1976년에 그의 "Theme from A Summer Place"의 디스코 버전을 녹음했다.심지어 클래식 음악도 디스코용으로 각색되었는데, 특히 월터 머피의 'A Fifth of Beethoven'의 'A Feight of Beethoven'의 'Flight of the Bumblebee'의 'Flight of the Bumblebee'를 원작으로 한 'Flight 76'(1976년), 루이 클라크의 'Hook on Clark' 시리즈 앨범과 싱글이다.

아카펠라자즈 그룹 맨해튼 트랜스퍼는 1979년 "트와일라잇 존/트와일라잇 톤" 테마로 디스코 히트를 쳤다.

Many original television theme songs of the era also showed a strong disco influence, such as S.W.A.T. (1975), Wonder Woman (1975), Charlie's Angels (1976), NBC Saturday Night At The Movies (1976), The Love Boat (1977), The Donahue Show (1977), CHiPs (1977), The Professionals (1977), Dallas (1978), NBC Sports broadcasts (1978), Kojak (1977), and The 할리우드 스퀘어 (1979년).

디스코 징글스는 1979년 푸리나의 고양이 사료 광고와[83] 피츠버그의 아이언 시티 브루잉 컴퍼니의 아이컨 라이트 광고 등 많은 TV 광고에도 진출했다.

패러디

디스코 스타일의 패러디가 몇 개 만들어졌다.Rick Dees, at the time a radio DJ in Memphis, Tennessee, recorded "Disco Duck" (1976) and "Dis-Gorilla" (1977); Frank Zappa parodied the lifestyles of disco dancers in "Disco Boy" on his 1976 Zoot Allures album and in "Dancin' Fool" on his 1979 Sheik Yerbouti album; "Weird Al" Yankovic's eponymous 1983 debut album includes a disco song called "Got미국 속어 "booger"에 디스코의 유사성에 대한 확장된 말장난인 ta Boogie.코미디언 빌 코스비는 1977년 앨범 디스코 빌 전체를 디스코 패러디에 바쳤다.1980년, 매드 매거진은 이 장르의 6가지 장르의 패러디를 담은 플렉시 디스켓을 발표했다.디스코에 비판적인 로큰롤 곡에는 밥 세거의 '올드 타임 로큰롤'과 특히 '더 후'의 '디스코 자매'(둘 다 1978년)가 포함돼 있었는데, 더 후'의 '미니언스 프런트'(4년 후)는 디스코 느낌이 있었다.

1979-1981: 논쟁과 인기 하락

'디스코' 티셔츠를 입은 남자.

1970년대 말까지 반디스코 정서는 특히 미국에서 록 음악 팬들과 음악가들 사이에서 발전했다.[84][85]디스코는 생각이 없고, 소비지향적이며, 과잉생산적이고 도피적이라는 비판을 받았다.[86]'디스코는 엿같다' '디스코는 죽는다'[84]는 구호가 보편화됐다.음악에 디스코 요소를 가미한 로드 스튜어트, 데이비드 보위 등 록 아티스트들이 매진됐다는 비난을 받았다.[87][88]

비록 영국에서는 브롬리 사단과 조던과 같은 많은 초기 섹스 피스톨스 팬들이 디스코를 좋아했지만, 미국과 영국의 펑크 하위 문화는 종종 디스코에 적대적이었지만,[84] 종종 루이즈의 소호나 켄싱턴의 솜브레로와 같은 나이트클럽에 모여들었다.전자의 가곡인 다이애나 로스의 "사랑의 숙취"는 많은 초기 영국 펑크들이 특히 좋아하는 곡으로 언급되었다.[89]

영화 The Great Rock 'n' Roll Swindle과 그 사운드트랙 앨범에는 흑인 아랍인이라는 제목과 같은 이름의 그룹에게 인정된 섹스 피스톨스 노래의 디스코 메들리가 들어 있었다.데드 케네디의 젤로 비아프라(Jello Biafra)는 '새터데이 나이트 홀로코스트'라는 노래에서 디스코를 바이마르 시대의 카바레 문화에 비유했다.데보의 마크 마더스보는 디스코는 "몸이 좋고 두뇌가 없는 아름다운 여인 같다"고 말했고, 그 시대의 정치적 무관심의 산물이라고 했다.[90]뉴저지 록 비평가 짐 테스타는 "주크박스에 총알을 박아라"라고 썼는데, 무기에 펑크콜이라고 여겨졌던 디스코를 공격하는 독설적인 장난이었다.[91]디스코의 영감으로 1970년대 말 진보적인 록 뮤지션에서 일렉트로닉 아티스트로 변신하기 직전 스티브 힐레이지는 "내가 그들의 애완 고양이를 죽인 것 같다"[92]고 회상하며 디스코에 대한 사랑을 인정해 그의 록키스트 팬들을 실망시켰다.

일부 텔레비전 쇼와 영화에서 반디스코 정서가 표출되었다.신시내티의 WKRP 쇼에서 반복되는 주제는 디스코 음악에 대한 적대적인 태도였다.1980년 코미디 영화 '플레인!'의 한 장면에서, 한 비행기가 라디오 타워를 날개로 자르고, 올 디스코 라디오 방송국을 때려부수고 있다.[93]1979년 7월 12일은 시카고 코미스키공원의 야구 더블헤더에서 디스코 반대시위인 디스코 철거의 밤 때문에 "디스코가 죽은 날"로 알려지게 되었다.[94]록 스테이션 DJ 스티브 달과 개리 메이어는 시카고 화이트삭스 구단주 빌 벡의 아들 마이클 비크와 함께 센터필드에서 디스코 레코드를 폭발시키는 화이트삭스 더블헤더 경기 사이에 불만을 품은 록팬들을 위한 홍보 행사를 진행했다.2차전이 막 시작되려 할 때 소란스러운 관중들이 경기장으로 난입해 불을 지르고 좌석과 잔디 조각들을 뜯어내는 등 진행되었다.시카고 경찰국은 수많은 체포를 했고, 필드에서의 광범위한 피해로 인해 화이트삭스는 1차전에서 승리한 디트로이트 타이거스에게 2차전을 몰수당했다.

디스코 해체 나이트 이후 디스코의 인기가 급감했다.1979년 7월 21일, 미국 음악 차트의 상위 6개 음반은 디스코 곡이었다.[95]9월 22일까지, 미국 톱 10 차트에 디스코 곡이 없었는데, 허브 앨퍼트의 기악곡 "Rise"는 약간의 디스코 오버톤이 있는 부드러운 재즈 작곡이다.[95]일부 언론은 축하조로 디스코를 '죽음'으로 선언했고 록은 부활했다.[95]최초의 여성 디스코 DJ인 Karen Mixon Cook은 사람들이 디스코를 기념하기 위해 매년 7월 12일에 잠시 침묵하고 있다고 말했다.달은 2004년 한 인터뷰에서 "당시 디스코는 나가고 있었을 것"이라고 말했다.그러나 나는 그것이 그것의 종말을 재촉했다고 생각한다."[96]

음악산업에 미치는 영향

다른 사회 및 라디오 산업 요소들과 결합한 반디스코 운동은 디스코 파괴의 밤 이후 몇 년 동안 대중 라디오의 얼굴을 바꾸었다.1980년대부터 컨트리 음악은 미국의 주요 팝 차트에서 느린 상승을 시작했다.컨트리 음악이 주류로 부상한 상징적인 것은 상업적으로 성공한 1980년 영화 어반 카우보이였다.1970년대 후반에 파워팝의 지속적인 인기와 올디스의 부활도 디스코의 쇠퇴와 관련이 있었다; 1978년 영화 그리스는 이러한 경향을 상징했다.공교롭게도 두 영화의 주인공은 1977년 당시 가장 상징적인 디스코 영화 중 하나로 남아 있는 '새터데이 나이트 피버'에 출연한 존 트라볼타였다.

디스코의 인기가 하락하는 이 시기 동안 몇몇 음반회사들이 문을 닫거나 재편성되거나 매각되었다.1979년 MCA 레코드는 ABC 레코드를 구입하여 아티스트 일부를 흡수하고 레이블을 폐쇄했다.Midsong International Records는 1980년에 운영을 중단했다.RSO 레코드의 설립자인 로버트 스티그우드는 1981년 레이블을 떠났고 같은 해에 TK 레코드가 문을 닫았다.솔솔레코드는 2000년대에도 계속 존재하지만 주로 재발행 브랜드로 활용되고 있다.[97]카사블랑카 레코드는 1980년대에 더 적은 음반을 발매해 왔으며, 모회사인 폴리그램에 의해 1986년에 폐쇄되었다.

디스코 기간 동안 인기를 끌었던 많은 그룹들, 심지어 진화하는 음악적 취향에 적응하려는 그룹들까지도 그들의 성공을 유지하기 위해 애썼다.예를 들어 비기즈는 1970년대 이후 미국에서 TOP10 진입곡 한 곡(1989년 '원')과 상위 40곡(그보다 훨씬 많은 녹음과 발매, 1980년대와 1990년대 노래에서 디스코를 완전히 포기함)만 더 만들었는데도 다른 아티스트들이 공연을 하게 했다.디스코의 인기가 떨어져도 무너지지 않는 소수의 그룹들 중에서 쿨 앤 더 갱, 도나 서머, 특히 잭슨과 글로리아 게이노르가 눈에 띈다.디스코 사운드를 초기에 정의하는데 도움을 주었음에도 불구하고,[98] 그들은 1980년대 이후 다른 세대의 음악 팬들을 위해 대중적이고 춤출 수 있는 노래를 계속해서 만들었다.Earth, Wind & Fire 또한 1990년대까지 지속된 더 긴 R&B 차트 히트곡들 외에도, 반디스코 추세에서 살아남았고, 몇 년 동안 거의 같은 속도로 성공적인 싱글곡들을 계속해서 만들어냈다.

혼란스러운 사건이 일어나기 6개월 전인 1978년 12월, 인기 프로그레시브 록 라디오 방송국 WDAI(WLS-FM)는 갑자기 올디스코 형식으로 전환되어 수천 명의 시카고 록 팬들의 선거권을 박탈하고 달은 실직하게 되었다.민심의 변화 속에서도 살아남아 현시점에서 여전히 좋은 시청률을 보인 WDAI는 1980년 5월 단명 하이브리드 탑40/rock 포맷으로 휙 뒤집힐 때까지 디스코 플레이를 이어갔다.당시 WDAI와도 경쟁했던 또 다른 디스코 아울렛인 WGCI-FM은 이후 R&B와 팝송을 포맷에 접목시켜 결국 오늘날까지 이어가는 도시형 컨템포러리 아울렛으로 진화하게 된다.후자는 또한 시카고 하우스 장르의 방송을 도왔다.

디스코의 쇠퇴에 기여하는 요인

미국의 디스코 쇠퇴로 이어지는 요인으로 지목된 것은 1970년대 말 경제적, 정치적 변화뿐 아니라 참가자들이 주도하는 쾌락주의적 생활양식에 대한 소진 등이 있다.[99]디스코 철거의 밤 이후 몇 년 동안, 일부 사회 비평가들은 "디스코는 거지같다"는 운동을 암시적으로 마초적이고 과장된 운동이며, 비백인적이고 이성적이지 않은 문화에 대한 공격이라고 묘사했다.[84][88][94]그것은 또한 광범위한 문화적"반발"의 일부입니다. conservatism,[100] 더 많은 미국 정치에 보수적인 대통령인 로널드 리건의 1980년에 또한 미국 상원의 1954년 이후 처음으로 공화당 관리, 종교 리영호의 인상으로 이어지는 선거로 그 움직임으로 해석된다.ght비슷한 시기에

1979년 1월, 록 비평가 로버트 크라이스트가는 동성애 혐오증, 그리고 아마도 인종차별주의가 이 운동의 이유라고 주장했는데,[87] 이 결론은 존 록웰이 지지한 것이다.크레이그 베르너는 "디스코 반대운동은 펑카테와 페미니스트, 진보와 청교도, 록커와 반동주의자들의 불성실한 동맹을 대변했다"고 썼다.그럼에도 디스코에 대한 공격은 가장 추악한 인종주의, 성차별, 동성애 혐오 등에 존경할 만한 목소리를 높였다.[101]팬진 펑크의 설립자인 레그 맥닐은 인터뷰에서 "히피들은 항상 검은색을 원했다.우리는 '블루스 좆까, 검은 경험 엿먹으라'고 가고 있었다.그는 또한 디스코는 동성애자와 흑인 사이의 "불성실한" 결합의 결과라고 말했다.[102]

'디스코 해체 나이트'에 앞장섰던 스티브 달은 이번 프로모션에 대해 인종차별주의자나 동성애 혐오적 언더톤을 전혀 부인하며 "역사적으로, 이런 관점에서, 그런 것들을 모두 붙여보는 것은 정말 쉬운 일이다.하지만 우리는 그런 생각을 하고 있지 않았어."[88]디스코에 대한 영국의 펑크 록 비평가들은 친흑인/반인종차별주의 레게 장르뿐만 아니라 더 친애하는 새로운 낭만주의 운동을 매우 지지한다는 것을 주목했다.[84]Christgau와 Jim Testa는 디스코에 비판적인 예술적 이유가 있다고 말했다.[87][91]

1979년, 미국의 음악 산업은 수십 년 만에 최악의 침체를 겪었고, 디스코는 대중적인 인기에도 불구하고 비난을 받았다.프로듀서 중심의 사운드는 업계의 아티스트 중심의 마케팅 시스템과 잘 어우러지는 데 어려움을 겪고 있었다.[103]A&M 레코드의 수석 부사장인 해럴드 차일즈는 로스앤젤레스 타임즈와의 인터뷰에서 "라디오는 정말 록 제품을 갈망하고 있다"면서 "모두 하얀색 로큰롤을 찾고 있다"[94]고 말했다.글로리아 게이너는 록 음악 프로듀서들이 손해를 보고 록 뮤지션들이 스포트라이트를 잃고 있기 때문에 음악 산업이 디스코의 파괴를 지지한다고 주장했다.[104]

1981–1989: 여파

일렉트로닉 댄스 음악의 탄생

디스코는 함정에 빠졌음에도 불구하고 하우스, 테크노, 유로댄스 같은 일렉트로닉 댄스 음악 장르의 발전에 중요한 역할을 했다.

1980년대 1년 동안 스튜디오 세션 음악가들의 대형 앙상블(호른 부분과 관현악 현악 부분 포함)에 의해 연주되는 복잡한 편곡이 특징인 전통적인 디스코 사운드는 단계적으로 폐지되기 시작했고 기타와 단순화된 배경과 함께 더 빠른 템포와 합성 효과로 댄스 m을 움직였다.하이NRG로 시작하는 전자 및 팝 장르에 대한 usic.인기 하락에도 불구하고, 소위 클럽 음악이나 유럽 스타일의 디스코는 1980년대 초 아이린 카라의 "플래시댄스"와 같은 노래로 "상대적으로" 성공을 유지했다. What a Feeling" (Flashdance 영화의 주제) 또는 로라 브레이건의 "Self Control".그러나 1990년대 이후 누디스코라는 전통형 디스코의 부활이 유행하고 있다.

하우스 음악은 디스코의 영향력이 강했는데, 이 때문에 하우스 음악이 일렉트로닉 댄스 음악이나 현대 클럽 문화를 형성하는 데 있어 엄청난 성공을 거둔 것에 대해 종종 "디스코의 복수"라고 묘사된다.[105]초창기 하우스 음악은 일반적으로 바닥 비트에 반복적인 4개의 음악, 주로 드럼 기계가 제공하는 리듬,[106] 오프비트 하이하트 심벌즈, 합성 베이스라인 등이 특징인 댄스 기반 음악이었다.집이 디스코 음악과 비슷한 몇 가지 특징을 보이는 반면, 그것은 더 전자적이고 미니멀한 것이었고,[106] 집의 반복적인 리듬이 노래 자체보다 더 중요했다.또한, 집은 디스코 사운드의 핵심 부분인 러블리한 현악 부분을 사용하지 않았다.

레거시

DJ문화

클래식 DJ 스테이션.두 개의 테크닉 SL-1200 MK 2 턴테이블 사이에 DJ 믹서가 배치된다.

디스코의 인기는 다수의 레코드 턴테이블과 DJ 믹서기를 사용하여 지속적이고 매끄럽게 혼합된 노래를 만들면서 발전한 디제잉의 역할의 발전과 맞물려 이루어졌고, 한 곡은 음악에 있어서 중단 없이 다른 곡으로 전환되어 춤을 방해했다.그 결과 DJ 믹스는 음악가들의 라이브 공연을 지향하던 1960년대 이전의 댄스 음악과는 차이가 있었다.디스코 시대의 노래들은 일반적으로 새로운 곡으로 쉽게 전환될 수 있는 단순한 비트나 리프로 특징지어지는 시작과 끝을 포함하고 있기 때문에 이것은 댄스 음악의 배치에 영향을 주었다.디제잉의 발전은 또한 비트매칭과 스크래치 등 새로운 턴타블리즘 기법의 영향을 받았으며, 1978년에 처음 판매된 테크닉 SL-1200 MK2와 같은 새로운 턴테이블 기술을 도입함으로써 촉진된 공정으로, 정밀 가변 피치 제어와 다이렉트 드라이브 모터를 가지고 있었다.DJ들은 종종 불분명한 소울 레코드와 빈티지 펑크 레코드를 위해 중고 레코드 가게를 뒤지는 열렬한 레코드 수집가였다.DJ들은 희귀한 음반과 신인 아티스트를 클럽 관객들에게 소개하는 데 일조했다.

1994년 핀란드 헬싱키에서 열린 콘툴라 30주년 디스코 댄스 공연

1970년대에는 개인 DJ가 더욱 두드러지게 되었고, 파라다이스 차고 상주 래리 레반, 짐 버지스, 티 스콧, 프란시스 그라소 등 몇몇 DJ들이 디스코장에서 유명해졌다.예를 들어, 레반은 클럽에 가는 사람들 사이에서 그의 DJ를 "토요일 미사"라고 부르는 숭배자를 개발했다.어떤 DJ들은 노래의 리믹스와 테이프 편집을 위해 릴투릴 테이프 레코더를 사용한다.리믹스를 만들던 일부 DJ들이 DJ 부스에서 음반 제작자로 전환했는데, 특히 버지스가 눈에 띄었다.스콧은 몇 가지 혁신을 개발했다.그는 세 개의 턴테이블을 음원으로 사용한 최초의 디스코 DJ였고, 두 개의 박자 일치 레코드를 동시에 연주한 최초의 디스코 DJ였으며, 혼합물에 전자효과 유닛을 처음으로 사용하는 사용자였으며, 잘 알려진 영화의 대화를 혼합물에 혼합한 혁신가였다.WKTU의 테드 쿠리어, WBLS와 같은 라디오 DJ에게도 이러한 믹싱 기법이 적용되었다. 그라소는 특히 DJ를 "비용한 직업에서 벗어나게 하고 DJ를 뮤지컬 헤드 셰프로 만드는 것"으로 유명하다.[107]일단 그가 현장에 들어가자 DJ는 더 이상 그들의 모든 노래 요청을 충족시키며 관중들의 손발을 기다리는 책임을 지지 않았다.대신, 에이전시와 가시성이 높아지면서, DJ는 이제 그들만의 기술력과 창조력을 발휘하여 혁신적인 믹스라는 야간 특집을 채찍질하고, 그들의 개인적인 사운드와 미학을 다듬고, 그들만의 명성을 쌓을 수 있었다.이야기와 음악적 여정에 대한 그의 청중들을 사로잡은 최초의 DJ로 알려진 그라소는 음악이 효과적으로 관중들의 에너지를 이동시킬 수 있다는 것을 발견했고, 더 나아가 그가 손끝에 이 모든 힘을 가지고 있다는 것을 발견했다.

포스트 디스코

주요 기사:포스트 디스코, 이탈로 디스코, 얼터너티브 댄스

이와 연관된 포스트 디스코 사운드와 장르는 1970년대와 1980년대 초 디스코, 산란 부기, 이탈로 디스코, 얼터너티브 댄스의 보다 전자적이고 실험적인 면에 초점을 맞춘 R&B와 포스트 펑크 뮤지션들이 중심이 되어 시작되었다.카시프와 스티비 원더의 '1인 밴드' 스타일과 의회-펀카델릭의 대안적 접근법 등 다양한 비디스코 영향과 기법을 끌어낸 이 작품은 신디사이저, 키보드, 드럼머신 등이 주도했다.디스코 후행위는 D를 포함한다. 기차, 패트리스 러센, ESG, 빌 라스웰, 아서 러셀.포스트 디스코는 댄스 팝에 중요한 영향을 미쳤고 고전적인 디스코와 후에 전자 댄스 음악의 형태를 결합시키고 있었다.[108]

얼리 힙합

주요 기사:힙합 음악과 올드 스쿨 힙합

디스코 사운드는 초기 힙합에 큰 영향을 미쳤다.초기 힙합 곡들은 대부분 기존 디스코 베이스 기타 라인을 분리해 MC 라임으로 더빙하는 방식으로 탄생했다.슈가힐 강은 치크의 "좋은 시간"을 그들의 1979년 노래 "Rapper's Delight"의 기초로 사용했는데, 일반적으로는 미국과 전 세계에서 랩 음악을 처음으로 대중화한 곡으로 여겨졌다.

With synthesizers and Krautrock influences, that replaced the previous disco foundation, a new genre was born when Afrika Bambaataa released the single "Planet Rock," spawning a hip hop electronic dance trend that includes songs such as Planet Patrol's "Play at Your Own Risk" (1982), C-Bank's "One More Shot" (1982), Cerrone's "Club Underworld" (1984)), 섀넌의 「음악 플레이」(1983), 프리예즈의 「I.O.U」(1983), 미드나이트 스타의 「프락-아-조이드」(1983), 차카 칸의 「너를 위해」(1984).

하우스 음악과 레이브 문화

주요 기사:하우스 뮤직 앤 레이브
디스코처럼 하우스 음악은 DJ들이 클럽에서 댄서들을 위한 혼합물을 만드는 것을 중심으로 만들어졌다.사진은 CDJ 플레이어를 이용해 믹싱한 DJ 미겔 미그스.

하우스 음악은 1980년대 초 시카고에서 유래한 일렉트로닉 댄스 음악의 한 장르다(또한 다음과 같이 본다).시카고 하우스).그것은 디트로이트와 같은 다른 미국의 도시들로 빠르게 퍼져 나갔고, 그곳에서 그것은 더 단단하고 더 많은 산업적인 테크노, 뉴욕시, 그리고 뉴어크로 발전했고, 이 모든 것들은 그들 자신의 지역적인 장면들을 발전시켰다.

1980년대 중후반에는 남미의 주요 도시뿐만 아니라 유럽, 호주에서도 하우스 음악이 인기를 끌었다.[109]Early house music commercial success in Europe saw songs such as "Pump Up The Volume" by MARRS (1987), "House Nation" by House Master Boyz and the Rude Boy of House (1987), "Theme from S'Express" by S'Express (1988) and "Doctorin' the House" by Coldcut (1988) in the pop charts.1990년대 초중반부터 하우스 음악은 전 세계 주류 대중음악과 댄스음악에 스며들었다.

2010년대의 하우스 음악은 이러한 핵심 요소들, 특히 매 박자에 두드러진 킥 드럼을 유지하면서도, 소울풀과 대기의 깊은 집에서부터 좀 더 공격적인 산성 집이나 미니멀리스트적인 마이크로 하우스까지 스타일과 영향력에 있어서 매우 다양하다.하우스 뮤직은 또한 유로 하우스, 테크 하우스, 전기 하우스,[106] 점프 하우스와 같은 퓨전 하위 장르를 만들어 내는 몇몇 다른 장르와도 융합되었다.

2005년 비엔나에서 열린 레이브 댄스 행사에서 스트로빙 라이트가 번쩍인다.

1980년대 후반과 1990년대 초반에 극성스러운 문화가 주택과 산성 주택에서 나타나기 시작했다.[110]하우스와 마찬가지로 디스코 문화의 강력한 사운드 시스템, 레크리에이션 약물과 클럽 약물탐사, 성적 문란, 쾌락주의보다 DJ들이 연주하는 댄스음악에 대한 같은 사랑을 접목시켰다.비록 디스코 문화가 지하에서 시작되었지만, 그것은 결국 1970년대 후반까지 주류에서 번창했고, 주요 라벨들은 대중 소비를 위해 음악을 상품화, 포장했다.이와는 대조적으로 격앙된 문화는 지하에서 시작되어 지하에 머물렀다.부분적으로, 이것은 디스코와 댄스 음악을 둘러싼 여전히 적대감을 피하기 위한 것이었다.극성스러운 장면은 또한 몇몇 댄스 행사에 비밀스럽고 허가되지 않은 창고를 사용하고 엑스터시 같은 불법 클럽 마약과의 연관성으로 인해 극성 문화를 향한 법 집행의 관심을 피하기 위해 지하에 머물렀다.

포스트펑크

주요 기사:포스트펑크와 댄스펑크

1970년대 후반에 시작된 펑크 후기 운동은 둘 다 펑크 록의 원시 록 음악으로의 이행을 거부하면서 펑크 록의 통치를 깨는 것을 지지했다.[111]끊임없이 앞으로 나아간다는 포스트펑크의 만트라는 디스코와 다른 스타일의 요소들에 대한 개방성과 실험에 모두 도움이 되었다.[111]Public Image Limited는 최초의 포스트 펑크 그룹으로 여겨진다.[111]이 그룹의 두 번째 앨범인 Metal Box는 디스코의 "Studio as instrument" 방법론을 완전히 수용했다.[111]섹스 피스톨즈의 리드 싱어였던 이 그룹의 설립자 존 라이돈은 언론에 당시 디스코는 자신이 아끼던 유일한 음악이었다고 말했다.

어떤 파도도 뉴욕시를 중심으로 한 포스트펑크의 하위 장르였다.[111]충격적 가치를 위해, 노 웨이브 장면의 저명한 멤버인 제임스 찬스는 이스트 빌리지 아이에 그의 독자들에게 도시로 이동하여 초방사능적인 디스코 부두 펑크와 함께 "트랜킨"할 것을 촉구하는 글을 썼다.그의 밴드 제임스 화이트와 블랙스는 오프 화이트라는 제목의 디스코 앨범을 썼다.[111]그들의 공연은 디스코 공연자들(경적 부문, 무용수 등)의 공연과 흡사했다.[111]1981년 ZE Records는 무파도에서 보다 미묘한 돌연변이 디스코(post-disco/punk) 장르로의 전환을 이끌었다.[111]키드 크리올과 코코넛, 그렇지 않았다, ESG와 리퀴드 리퀴드와 같은 돌연변이 디스코는 뉴 오더, 오렌지 주스, A Sured Ratio와 같은 몇몇 영국 포스트 펑크에 영향을 주었다.[111]

누디스코

주요기사 : 누디스코

Nu-disco는 1970년대와 1980년대 초반의 새로운 관심,[112] 1980년대 중반의 Italo 디스코, 신디사이저-헤비 유로 디스코 미학과 연관된 21세기 댄스 음악 장르다.[113]이 모니커는 2002년 초에 인쇄에 등장했고, 2008년 중반까지는 온라인 소매점 주노와 비트포트 같은 레코드 가게에서 사용되었다.[114]이들 벤더는 1970년대 후반과 1980년대 초반에 인기를 끌었던 원시대의 미국 디스코, 일렉트로, 기타 장르에서 영감을 받은 댄스 음악을 만드는 유럽 프로듀서들의 음악과 종종 그것을 연관시킨다.그것은 또한 이전에 전기충격기와 프렌치 하우스라는 장르와 연관되었던 몇몇 미국 레이블에 음악을 묘사하는데도 사용된다.

리바이벌 및 주류 성공으로 돌아가기

주요기사 : 누디스코

1990년대 부활

디스코를 인용한 노래, 영화, 컴필레이션이 더 많이 발표되면서, 10년 동안의 후폭풍 이후 디스코와 그 유산은 대중음악 아티스트와 청취자 모두에게 더 많이 받아들여졌다.이는 당시 대중문화에서 일어나고 있던 1970년대 향수의 물결의 일부였다.반면 부기 나이트(1997년)과 라스트 데이즈 디스코(1998년)의 같은 영화를 특징으로 부르는 법을 디스코에 영향을 받은 것 이 시기에 견본, Deee-Lite의"그루브는 심장에 있나"(1990년), U2의"레몬"(1993년), 흐림의"소녀들은 &, 보이스"(1994년)과"고량 Me"(1995년), 펄프의"디스코 2000년"(1995년), 자미로콰이의"Canned 히트"(1999년)을 포함했다.pr바로 디스코 사운드트랙이다.

2000년대 부활

멕시코시티 몬터레이 공과대학교 학생들이 캠퍼스에서 열린 문화 행사 중 디스코에 맞춰 춤을 추고 있다.

2000년대 초, "nu-disco"라고 불리는 최신 장르의 디스코가 주류를 이루기 시작했다.대프트 펑크의 "One More Time"과 카일리 미노그의 "Love at First Sight"와 "Can't Get You Out of My Head"와 같은 몇 가지 예는 클럽의 애호가와 상업적인 성공이 되었다.스필러의 "Groovejet (If This Ain't Love)"와 Modjo의 "Lady (Hear Me Tonight)"와 같은 몇몇 뉴디스코 곡들은 펑키한 하우스와 크로스오버되었는데, 두 곡 모두 오래된 디스코 곡을 샘플링하고 2000년 영국 싱글 차트 1위에 올랐다.로비 윌리엄스의 디스코 싱글 "Rock DJ"는 같은 해 영국에서 네 번째로 많이 팔린 싱글이었다.2001년 소피 엘리스 벡터의 자미로콰이의 노래 "Little L"과 "Murder on the Dance floor"도 히트를 쳤다.록 밴드 매니 스트리트 프리스트들은 2001년에 디스코 곡 "미스 유로파 디스코 댄서"를 발표했다.'적(敵)[115]을 알다'에 등장하는 이 곡의 디스코 영향력은 '막장 토론'으로 표현됐다.2005년, 마돈나는 1970년대의 디스코 음악에 몰두했고, 그녀의 앨범 Confessions on a Dance Floor를 발표하여 극찬했다.그 외에도 그녀의 노래 "Hung Up"은 주요 톱 10 곡이자 클럽 스테이플이 되었고, ABBA의 1979년 노래 "Gimme! 김메! 김메! (자정이 넘은 남자)."그녀의 고백 투어는 쇼와 인터뷰를 시상하기 위해 디스코에 영향을 받은 복장 외에도 디스코 볼, 거울로 장식된 무대 디자인, 롤러 더비 등 1970년대의 다양한 요소들을 통합했다.2006년에 제시카 심슨은 디스코와 1980년대 뮤직에서 영감을 받은 그녀의 앨범 A Public Affair를 발매했다.앨범 A Public Affair의 첫 번째 싱글은 마돈나의 초기 작품들에 의해 영향을 받은 디스코 댄싱 경연대회로 검토되었다.이 노래의 영상은 스케이트장에서 촬영되었고 손의 선 춤이 특징적이다.[116][117][118]

2000년대 초의 '누-디스코' 부활의 성공은 음악평론가 톰 유잉에 의해 1990년대 대중음악보다 대인관계로 묘사되었다: "팝의 디스코 부활은 90년대 동안 사라진 것, 즉 춤만 추는 것이 아니라 누군가와 함께 춤을 추는 것에 대한 음악감각을 집중 조명했다.디스코는 순항, 바람둥이, 협상이라는 상호 매력의 음악이었다.그것의 댄스 플로어는 즉각적인 즐거움을 위한 공간이지만 또한 지키거나 그렇지 않은 약속들을 위한 공간이다.일이 시작되는 곳이지만 그 뜻은커녕 그들의 결심도 결코 분명하지 않다.2000년대 디스코 넘버원 모두가 이 손을 어떻게 연주하는지 탐구한다.매디슨 애버뉴는 그들의 의지를 강요하고, 조건과 역할을 정하려고 한다.스필러는 경직성이 떨어진다.'그로브제트'는 밤의 변화성을 받아들이고, 즐거운 미소와 몇 명의 훌륭한 외줄타기를 위해 행복하게 확실한 것을 매진한다."[119]

2010년대 부활

2013년, 몇몇 1970년대 스타일의 디스코와 펑크 곡들이 차트화되었고, 팝 차트는 1970년대 후반 이후 그 어느 시점보다 더 많은 댄스곡들을 가지고 있었다.[120]6월 현재 올해 가장 큰 디스코 곡은 대프트 펑크의 "Get Lucky"로 나일 로저스가 기타로 피처링했다.Random Access Memory 또한 2014 Grammys에서 올해의 앨범상을 수상했다.[120][121]이 밖에 40위권에 진입한 디스코 스타일의 곡으로는 로빈 티크의 '블러드 라인즈'(넘버원), 저스틴 팀버레이크의 '밤을 되찾다'(넘버 29), 브루노 마스의 '트레저'(넘버 5)[120][121] 아케이드 파이어의 리플렉터가 강렬한 디스코 요소들을 선보였다.2014년에는 레이디 가가의 아트팝과[122][123] 케이티 페리의 '생일'에서 디스코 음악이 나올 수 있었다.[124]2014년의 다른 디스코 곡으로는 'I Want It All' By Karmin, 팅팅스의 'Wrong Club', 비욘세의 'Blow', 퀸의 'Let Me Again'의 윌리엄 궤도 믹스 등이 있다.

2014년 세계에서 두 번째로 큰 텔레비전 방송국인 브라질 글로보 TV는 1978년부터 1979년 사이에 벌어지는 디스코 시대를 다룬 텔로노벨라 부기 우기(Boogie Oogie)를 히트 열풍부터 퇴폐에 이르기까지 방영했다.이 쇼의 성공은 전국적으로 디스코가 부활하여 다시 무대에 오르고, 브라질 음반 차트인 레이디 주와 아스 프레네티카스와 같은 지역 디스코 디바들에게 책임이 있었다.

마크 론슨의 디스코 그루브 '업타운 펑크', 마룬 파이브의 '슈가', 위크엔드의 '내 얼굴을 느낄 수 없다', 제이슨 데룰로의 '원투 원트 투 원트 미' 등 2015년 상위 10위권 진입작들도 차트에 오르며 디스코 영향력이 강하다.디스코 거물이자 프로듀서인 조르지오 모로더도 2015년 새 앨범 데자뷰로 다시 등장해 완만한 성공을 거뒀다.2015년 발표한 Flo Rida의 "I Don't Like It, I Love It," Coldplay의 "Adventure of a Lifetime," Robin Thicke의 "Back Together," Nick Jonas의 "Levels" 등 다른 곡들도 디스코 요소들을 포함하고 있다.2016년 현재 차트를 장악하고 있는 1980년대식 신스팝, 일렉트로 하우스, 더브스텝에 대한 반발 가능성으로 디스코 노래나 디스코 스타일의 대중가요가 음원 차트에서 강세를 보이고 있다.디스코의 강렬한 요소를 보여주는 저스틴 팀버레이크의 2016년 곡 'Can't Stop the Feeling!'은 차트 역사상 빌보드 핫 100에서 26번째로 1위를 차지했다.2015년작인 화성인은 디스코 음악을 사운드 트랙으로 널리 사용하지만 주인공인 우주비행사 마크 와트니에게는 화성에서 좌초되는 것보다 더 나쁜 것은 오직 하나, 즉 디스코 음악만으로 화성에서 좌초되고 있다는 것이다.[125]HBO 텔레비전 시리즈 '비닐'(2016)의 에피소드에서 나일 로저스의 기타 릭스로 피처링한 '킬 더 라이트'는 2016년 7월 미국 댄스 차트 1위를 기록했다.

2020년대 부활

영국 가수 듀아 리파는 그녀의 싱글 "Don't Start Now"와 그녀의 앨범 Future Rotatory의 국제적인 성공에 이어 디스코의 부활을 이끈 음악 평론가들로부터 인정을 받았다.[126]

디스코는 2020년 주류인기 속에서 부활해 대중음악의 주요 트렌드 중 하나로 자리 잡았다.[127][128]2020년 초에는 도자캣의 'Say So', 레이디 가가의 'Stupid Love', 두아 리파의 'Don't Start Now' 등 디스코에 영향을 받은 히트곡들이 미국 빌보드 핫 100 차트에서 각각 1, 5, 2위를 기록하는 등 글로벌 음악 차트에서 폭넓은 성공을 거두었다.당시 빌보드는 리파가 2020년 3월 27일 레트로와 디스코에 영향을 준 앨범 'Future Rotatory'가 발매된 다음날 "디스코에 영향을 준 제작을 향해 돌진하고 있다"고 선언했다.[126][129]2020년 중반까지, 다수의 디스코 앨범과 노래가 발표되었고, 1970년대 디스코와 관련된 문화 현상, 특히 롤러스케이트와 롤러 디스코는 서구 세계 전역에서 주류 인기의 부활을 경험했다.[127][130][131][132][133]롤러 스케이팅의 부활은 2020년 내내 롤러 스케이팅 관련 콘텐츠가 증가해 온 인스타그램, 틱톡, 스냅챗과 같은 소셜 미디어 앱에 의해 추진되어 왔는데, 이는 COVID-19 대유행 기간 동안 현실 도피적인 취미를 추구하는 사람들의 결과의 일부분이다.[132]호주 호바트에서는 1980년대 이후 롤러스케이트 인기가 최고조에 달했다는 보도가 나왔다.[134]2020년 9월 초 한국의 보이그룹 방탄소년단이 미국에서 첫 주 동안 26만5000개의 다운로드를 판매한 영어 디스코 싱글 '다이나마이트'로 미국 1위로 데뷔해 테일러 스위프트의 'Look What Made Me Do'(2017) 이후 최대 순수 판매 주간을 맞았다.[135]그 해의 다른 비평가들에게 호평을 받은 디스코 앨범들에는 제시 웨어의 What's Your Lipple?이 있다.로이신 머피의 로이신 기계.

2020년 7월, 호주 가수 Kylie Minogue는 2020년 11월 6일에 15번째 스튜디오 앨범인 디스코를 발매할 것이라고 발표했다.이 앨범은 앨범의 리드 싱글인 "Say Something"의 두 싱글이 앞서 같은 해 7월 23일에 발매되어 BBC 라디오 2에서 초연되었다.[136]두 번째 싱글인 "매직"은 9월 24일에 발매되었다.[137]두 싱글 모두 비평가들이 미노그에게 디스코 루트로 돌아온 것을 칭찬하는 등 비평가들은 평단의 호평을 받았는데, 이는 그녀의 앨범 Fever(2001)와 아프로디테(2010)에서 두드러졌다.

참고 항목

참조

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