데이비드 해먼스

David Hammons
미국 하원의원은 데이비드 해먼스(메인 정치인)를 참고하세요.
데이비드 해먼스
Hammons flag.jpg
뉴욕 할렘 스튜디오 박물관 제목 미정(1990년)
태어난 (1943-07-24) 1943년 7월 24일(79세)
스프링필드, 일리노이, 미국
교육칼아츠 오티스 예술 디자인 대학
주목할 만한 일
블리자드 볼 세일(1983년)
자유 넬슨 만델라 (1987년)
지금 나 좋아해?(1988)
제목 없음 (아프리카-미국 국기) (1990년)
하루의 끝 (2021년)
움직임.포스트모더니즘, 개념미술

데이비드 해먼스(David Hammons, 1943년 7월 24일 ~ )는 1970년대와 1980년대 뉴욕과 로스앤젤레스에서 활동한 작품으로 가장 잘 알려진 미국의 화가이다.

초기 생활

데이비드 해먼스는 1943년 일리노이주 스프링필드에서 미혼모에 [1]의해 10명의 자녀 중 막내로 태어났다.이러한 역동성은 그의 어린 시절에 그의 가족에게 큰 경제적 압박을 주었다; 그는 나중에 그들이 어떻게 이 [2]기간 동안 '그럭저럭' 버텨냈는지 확실하지 않다고 말했다.학구적인 성향은 아니었지만, Hammons는 그림과 예술에 대한 초기 재능을 보였지만, 이러한 연습이 그에게 쉽게 다가옴에 따라 [2]Hammons는 그것을 경멸하게 되었다.1962년에 그는 로스앤젤레스로 이사하여 1966년부터 1968년까지 Chouinard Arts(현재의 CalArts)와 1968년부터 1972년까지 Otis Art Institute에 다니기 시작했습니다.그는 공식적으로 그곳에 등록한 적이 없지만, 찰스 화이트는 그가 야간 [3]수업을 들을 수 있도록 허락했다.그곳에서 그는 곧 국제적으로 [4]알려지게 될 찰스 화이트, 브루스 나우만, 존 발데사리, 노아 퓨리포이, 크리스 버번과 같은 예술가들의 영향을 받았다.LA에 있는 동안, 그는 나중에 스튜디오를 [2]공유했던 공연자이자 컨셉 아티스트인 센가 넨구디를 만났다.Nengudi와 다른 사람들과 함께, Hammons는 예술 [5]작품을 공동 작업하는 예술 집단인 Studio Z를 결성했습니다.1974년 Hammons는 뉴욕에 정착했고, 그곳에서 그는 서서히 전국적으로 더 유명해졌다.그는 여전히 뉴욕에 살고 일한다.

사생활

1966년, Hammons는 Rebecca Williams와 결혼하여 두 아이를 낳았다.그 부부는 [2]1972년에 이혼했다.

2003년,[5] Hammons는 일본 태생의 [6]예술가인 하세가와 치에와 결혼했다.

Hammons는 자신의 작품이 특정한 방식으로 [2]틀에 갇히는 것을 피하고 싶어 그의 초기 생활과 사생활에 대해 말하기를 꺼려왔다.이것은 그가 창조자와 큐레이터 사이의 고정관념적인 관계를 어떻게 뒤집는지를 보여주며, "내가 보기에는 휘트니 비엔날레와 도큐멘타는 나를 필요로 하지만,[7] 나는 그들이 필요하지 않다"고 말한다.

Hammons는 다른 흑인 예술가들과 함께 자선 활동을 해왔습니다. 즉, 그들의 작품을 사서 그들이 [3]인정을 받을 수 있도록 돕는 것입니다.

미술 연습

다양한 작업과 매체, 그리고 잦은 방향 전환을 통해 Hammons는 하나의 독특한 시각적 스타일을 피할 수 있었습니다.그의 작품 중 상당수는 미니멀리즘과 포스트 미니멀 아트를 암시하고 우려를 공유하지만, 미국 사회에서 [8]흑인의 위치에 대한 뒤샹의 언급이 더해진다.Hammons의 작품은 암시뿐만 아니라 은유로도 만들어졌다.이러한 은유들은 미술계뿐만 아니라 대중의 눈에도 중요한 의미를 지닌 상징으로 발전한다.David Hammons는 이러한 상징들을 통해 유색인종의 삶에 있어서 아프리카계 미국인의 미술사에 대한 결정적인 해석을 계속해서 제공하고 있다.Anthony Huberman은 "망치는 재즈 음악가가 소리를 가지고 연주하는 것처럼 예술과 함께 연주한다 - 그는 그 안에 들어가서, 그것을 구부리고, 비틀고, 너무 조용해지거나 너무 [9]편안해지지 않게 한다"고 말했다.

David Hammons는 그의 시대의 다른 젊은 흑인 예술가들과 꽤 구별되는 것으로 여겨졌습니다; 그는 "사후 흑인의 전위적"으로 보여졌고, 그의 작품은 우리 중 나머지 사람들이 이제 막 깨어났음을 암시하고 있습니다.[10]

빛의 지각에 관한 제임스 터렐의 작품에 대해 해먼스는 "나는 내가 그런 예술을 만들 수 있기를 바라지만, 우리는 너무 억압되어 있어서 밖에서 손을 대기에는…"라고 말했다.너무 까맣게 할 수도 있기 때문에 그렇게 하고 싶습니다.흑인 예술가로서 빛만 다루는 거 말이야"도대체 어떻게 그런 짓을 할 수 있었을까?"라고 묻곤 했죠거기까지 가고 싶어, 거기까지 가고 싶어. 하지만 아직 충분히 한가하지 않아.저는 여전히 제 메시지를 [11]전달해야 한다고 생각합니다."

바디프린트

1960년대에 그의 경력을 시작할 때 해먼스의 주요 매체는 신체 지문이었다.이 독특한 예술은 Hammons 자신의 몸에 기름칠을 해서 만들어졌고, 그는 그것을 종이에 눌러서 흑연이나 다른 매체를 첨가하여 바디 [12]프린트를 강조했습니다.Hammons는 그가 프랑스 예술가인 이브 클라인으로부터 이 기술을 차용했다는 것을 인정한다.Hammons의 많은 신체 지문은 그의 예술작품에 대한 그의 주요 영향 중 하나인 인종을.그의 작품 대부분은 민권과 블랙 파워 운동에 대한 그의 헌신을 반영한다.이러한 움직임을 직접 경험하는 흑인으로서 그의 예술작품은 그의 개인적인 [13]경험에 깊이 뿌리박고 있다.이 주제들은 그의 신체 지문에서 증명되었다.이것은 특히 그가 1970년대에 만든 "스페이드" 작품에서 볼 수 있는데, 이 단어는 왜 그것이 아프리카계 [3]미국인을 비하하는 용어로 사용되는지에 대한 해먼스의 이해 부족을 반영하기 위해 아이러니하게 사용되고 있다.바디 프린트에 한정되는 것은 아니지만, 이 시리즈의 많은 작품들이 이 매체에서 진행됩니다.1974년 네그로이드 형상의 캐리커처 같은 자국을 남기고 얼굴을 밀어낸 스페이드 판화가 있다.또한 스페이드 시리즈에서는 스페이드(Power for the Spade)가 캔버스에 엠보싱된 바디 프린트를 묘사하고 있으며, 카드 팩에 들어 있는 스페이드 카드를 묘사하고 있습니다.이 작품은 이 용어의 의미를 인종차별적인 [14]용어에서 "명예의 훼손"으로 바꾸면서 그 용어의 재생을 시도하고 있다.비슷하게, 그의 1970년 작품인 "Black First, America Second"는 미국 국기에 싸여 있는 자신의 두 이미지를 담고 있다.그것은 그의 흑인 자신과 미국인 자신이다.그는 자신이 가지고 있는 이 두 개의 신분이 갈라져 있고 근본적으로 대립하고 있는 것처럼 느낀다.그들은 끊임없이 싸우고 있어서 [15]합류할 수 없다.비슷하게, 그가 의자에 묶여 [16]재갈을 물린 자신의 모습을 묘사한 그의 '부정의 사건'이 있다.이 이미지는 시카고 7 재판 기간 동안 바비 실의 처우와 [17]당시 흑인들이 겪었던 불평등에 대해 언급하려는 해먼스의 시도를 언급하고 있다.특히 이 작품은 특히 시민권 운동 당시 미국에서 흑인이 된 경험을 포착하는 해먼스의 능력을 반영하고 있으며 마이클 고반에 의해 "미국 미술의 [6]아이콘"으로 묘사되어 왔다.제작 [18]1년 만에 LA카운티 미술관에 입수한 해먼스의 타고난 예술적 재능도 반영됐다.

조각품

2022년 현대미술관 무제(야간열차)(1989년

그의 경력 후반기에, Hammons는 작품을 만들 때 조각적인 매개체를 탐구했다.그의 1970년대 스페이드 시리즈에는 재즈 음악가 찰리 파커가 색소폰의 마우스피스에서 나오는 스페이드로 인해 환기되는 버드(1973년)와 같은 작품들이 포함되었다.파커의 별명인 "야드버드" 또는 "버드"[19]를 반영한 작품 이름입니다.마찬가지로, 삽의 칼날과 아프리카 가면 사이에 시각적인 말장난과 속박과 저항의 문제에 대한 현대적 진술을 하기 위해 예술가가 자극적이고 경멸적인 용어와 문자 그대로의 원예 도구와 결합하는 Spade(1973년)가 있다.흑인 국기 해먼스가 그의 중요한 작품에서 이 주제를 정면으로 다루고 있다.이 작품은 검은색, 빨간색, 녹색의 가비 색상으로 미국 국기를 묘사하고 있으며, 이러한 색상은 UNIA [20]깃발에도 사용되고 있다.이 작품의 중요성은 뉴욕 현대 미술관의 상설 소장품이라는 점에서 증명된다.그 깃발의 복사본은 [20]할렘에 있는 스튜디오 박물관 입구에 게양되어 있다.

이러한 인종적 주제는 다른 조각 작품에서 탐구되었다.코끼리 배설물, 닭고기 부분, 아프리카계 미국인의 머리카락, 값싼[18] 와인병을 포함하지만 이에 국한되지 않고 버려지거나 비참한 재료를 사용하는 것은 [21]흑인의 관점에서 미국인의 삶과 예술사에 대한 결정적인 해석을 제공한다.많은 비평가들은 이 물건들이 가난한 흑인 도시 계층의 절박함을 불러일으킨다고 생각하지만, 보도에 따르면 Hammons는 이 자료들에서 일종의 신성불가침 또는 의식적인 힘을 보았고, 그래서 그가 그것들을 그렇게 광범위하게 사용한 것이다.예를 들어, 이발소에서 모은 머리카락을 사용하여 큰 돌 위에 붙인다.이 버려진 물건들은 미국에 살고 있는 아프리카계 미국인의 삶을 나타내는 가장 잘 알려진 David의 Hammons 조각품들 중 일부가 되었다.드레드 록으로 코팅된 철근 위에 만들어진 그의 무제 작품은 1992년 [3]휘트니 박물관에 10만 달러에 팔렸다.Hammons piece In the Hood는 젊고, 흑인이고, 남성이라는 것의 상징으로 진화해 왔다.이 조각상은 1993년에 완성되었고 뉴욕의 므누신 갤러리에 전시되었다.이 심플한 조형물은 안감을 통해 와이어를 꿰어 벽에 박아 린치의 발상을 불러일으키고 미국에서 [22]흑인이 되는 것의 축소판이 된다.간단할 수도 있지만 매우 효과적이고 Hammons의 [22]작업량과 일치합니다.'In the Hood'는 트레이본 [18]마틴의 살해 이후 블랙 라이프 매터 지지자들의 프로필 사진으로 이 작품의 이미지가 사용되면서 문화적인 측면에서 재조명되었다.

하지만, 해먼스의 예술 작품은 인종이라는 주제를 다루는 것에 국한되지 않는다.그는 또한 젊은 흑인과 농구 사이의 역동성을 반영하여 계층 구조를 다룬다.Hammons는 병뚜껑으로 꼼꼼하게 장식되어 이슬람 모자이크와 디자인을 연상시키는 실물보다 더 큰 농구 후프를 만들었습니다.이러한 '알타'의 예로는 High Falutin 또는 농구 샹들리에가 있는데, 농구 후프는 농구 후프를 표준 높이로 배치했지만, 잘라낸 유리 구슬과 장식용 [23]스콘을 사용했기 때문에 사용할 수 없게 되었습니다.그러나 이 주제가 가장 두드러지게 드러나는 것은 1986년 그의 작품인 Higher Goals에서다.Hammons는 평범한 농구 후프, 네트, 그리고 백보드를 3층 높이의 장대에 올려놓고 스포츠 스타의 거의 불가능한 열망을 빈민가에서 탈출하는 방법으로 언급합니다.Hammons는 "한 팀에서 경기하는 데는 5명이 필요하지만, 경기를 하고 싶은 사람은 수천 명 있다. 모두가 성공하지는 못할 것이지만, 적어도 노력하지는 않았다고 해도 말이다."라고 말한 것으로 유명하다.Higher Goals는 1986년부터 [24]1987년까지 뉴욕의 Cadman Plaza Park에서 전시되었다.그는 같은 이름의 1990년 작품으로 그의 '새' 작품을 계속하고 있다.이번에 그는 흑인들에게 음악이나 스포츠와 같은 특정 산업에서 어떻게 폭넓은 기회가 주어졌는지, 예술과 같은 다른 분야에서는 제한적인 기회가 주어졌는지 이야기한다.이 작품은 흰색으로 칠해진 빅토리아 시대의 새장 액자에 깃털과 닭줄로 장식된 농구공을 놓는다.흑인 사회가 아직도 [25]처한 은유적인 우리.

2007년에는 부인 하세가와 치에와가 공동으로 작업해 [26]호평을 받았다.Hammons가 특별히 선정한 고급 상류층 갤러리에서, 그들은 골동품 드레스 형태에 전신 모피 코트를 설치했습니다. 즉, 두 개의 밍크, 여우, 사방, 늑대, 친칠라입니다.그리고 나서 그들은 [27]코트의 뒷면을 태우고, 얼룩을 묻히고, 페인트를 칠했다.이것은 코트를 정치, 소비주의, 애니미즘, 동물 권리 [27]등의 생각을 요술로 만드는 '장례용 덫'으로 만들었다.이번 무제전의 아이러니한 점은 코트 자체뿐 아니라 전시 장소까지 다양했다.맨하탄 시 외곽의 L&M Arts에서 이것을 전시한 것은 Hammons의 특별한 결정이었습니다. 그는 코트가 어퍼 이스트 맨하탄의 라이프스타일을 대변하는 아이러니를 불러일으키고 싶었지만 뉴욕의 [28]다른 장소에서는 어색한 착용감을 원했기 때문입니다.마찬가지로, 그의 1990-95년 작품인 Smoke Screen은 황금색 천으로 되어 있어 언뜻 보기에 이 작품은 고급스럽거나 귀족적인 느낌을 준다.그러나 자세히 살펴보니 천이 불에 탄 구멍으로 덮여 있고 담배꽁초가 조각과 [29]주변 바닥을 장식하고 있습니다.

2021년 Hammons는 Hudson River Park Trust 및 Whitney Museum과 협력하여 Days End를 만들었습니다.이 작품은 고 고든 마타 클락의 유령 [30]기념물이다.구체적으로, 이 예술은 예술가의 [30]작품을 구성하는 창고의 구조적인 틀을 만들어냄으로써 마타-클라크의 '피어 52'에 대한 헌사 역할을 한다.마타-클라크는 버려진 부두 [3]헛간 벽, 천장, 0, 지붕에 5개의 구멍을 냈다.이것은 지금까지 [30]해먼스의 유일한 영구 공공 작품이 될 것이다.이 작품 자체는 강철 막대로 만들어졌으며 절반은 육지에 있고 나머지는 허드슨 강의 [3]강철 말뚝 위에 있다.

2021년 5월 휘트니 미국 미술관은 박물관 맞은편 허드슨 리버 파크에서 해먼스가 완성한 조각품 '데이 엔드'를 공개했다.부두의 유령 같은 건축 구조 외골격 윤곽은 이전의 예술가가 이전에 [31][32]같은 장소에 서 있던 피어 52 건물을 5번 절개했던 고든 마타-클라크(1943-1978)의 초기 작품인 'Day's End, Cinical Inversion'에서 영감을 얻어 만들어졌다.

성능

Hammons는 그의 레퍼토리를 공연 매체로 확장했다.이 매체는 Hammons가 가치 있는 상품을 구성하는 것뿐만 아니라 공공 및 사적 공간에 대한 개념을 토론할 수 있게 해주었다.이것은 그의 1983년 작품인 블리자드 볼 세일에서 가장 두드러지게 나타났다.Hammons는 크기에 [33]따라 가격이 매겨진 눈덩이를 팔기 위해 맨해튼 시내의 노점상들과 함께 자리를 잡는다.이 행위는 상품거래소를 패러디하는 동시에 미술관에 의해 육성된 예술의 자본주의적 성격에 대한 해설 역할을 한다.게다가, 그것은 인종이나 계급의 관점에서 차별을 받은 사람들에 의해 경험된 거리 판매의 힘든 사회적 현실을 비판할 뿐만 아니라, 인종 분류의 표면적인 사치를 조롱하면서, "백인"에 풍자적인 프리미엄을 둔다.이 공연은 블랙 사진작가이자 친구인 다우드 [3]베이에 의해 포착되었다.

Hammons는 다시 Bey와 함께 Petted Off에서 일했고, 그곳에서 그는 리차드 Serra의 거대한 강철 조각 T.W.에 소변을 보았다.신발 트리에서 작업물 위에 운동화 한 켤레를 던지기 전에.이것은 도심에 있는 전화선에 걸쳐진 신발의 느낌을 주었고 백인 [7]예술가의 작품에 검은 영향을 끼쳤다.

일본 야마구치에 있는 시마다 갤러리에서 열린 전시회에서, Hammons는 트럭 뒤에 큰 바위를 놓고 [3]시내를 운전하기 시작했다.

그의 모피 코트 작품에는 퍼포먼스적인 요소가 있다.Hammons는 L&M Gallery의 공동 소유주인 도미니크 레비에게 Hammons가 [3]촬영한 코트 중 하나를 입고 Madison Avenue를 걸어갈 것을 요청했다.

2020년, 해먼스는 뉴욕 타임즈에 실린 다니엘 S. 파머의 기사에서 발표되지 않은 공연 이미지를 공유했다.2007년 눈보라 때, 그리고 그 이후 다른 곳에서 해먼스는 [34]브루클린 콜럼버스 파크에 있는 헨리 워드 비처 기념비의 기슭에 있는 흑인 여성의 청동 조각상 머리에 겨울 목도리를 둘렀다.

기타 미디어 및 전시회

그의 첫 뉴욕 쇼는 1975년 JAM에서 열렸는데, 그곳에서 그의 예술작품은 그의 친구이자 멘토인 찰스 [3]화이트를 포함한 다른 유색 예술가들과 함께 전시되었다.그는 이 쇼의 제목을 기름진 가방과 바베큐 본즈라고 지었다.

1980년, Hammons는 뉴욕의 젊은 대안 예술가들을 위한 아이디어 교환의 장으로 작용한 Colab의 획기적인 The Times Square Show에 참여했습니다.그의 설비는 반짝반짝 흩어진 유리 조각들로 만들어졌다.[35]

Hammons는 일련의 그림에서 농구와 젊은 흑인 남성들의 연합을 다시 찾았다. 바닥에 놓인 깨끗한 하얀 종이 위에 더러운 농구공을 반복적으로 튕겨내면서 화가 났다.여행은 키가 거의 10피트였고, 그 이름은 농구 용어인 'Traveling'과 교통수단이라는 두 가지를 모두 'Traveling'을 뜻한다.

그는 다른 매체에서도 인종을 주제로 삼았다.How Ya Like Me Now는 미국 정치의 인종적 편견을 반영하기 위해 제시 잭슨을 금발과 푸른 눈을 가진 백인 남성으로 묘사했다.벽에 그려진 이 작품은 두 남자가 망치를 들고 파괴했다.Hammons는 계속해서 손상된 작품을 전시하고 있으며,[7] 작품의 특징을 더하기 위해 해머도 포함되어 있습니다.

2022년 현대미술관 무제(2010년)

2011년 L&M Arts에서 열린 전시회에서 그는 방수포나 플라스틱 시트로 가려지거나 가려진 많은 도면과 그림을 선보였는데, 그 중 하나는 나무 무기고로 덮여 [36]있었다.그는 커튼으로 덮기 전에 쿨에이드 가루를 그렸다. 커튼은 특정한 [36]조건에서만 들어올린다.이 작품들은 감시와 정보가 넘쳐나는 시대에 Hammons가 이러한 흐름을 막고 정보를 [36]숨기려 한다는 생각을 반영한다.이 아이디어는 뉴욕의 에이스 갤러리가 칠흑 같은 어둠 속에 드리워져 방문객들이 작은 [36]손전등으로 그들 자신을 안내해야 했던 그의 블랙 앤 블루 협주곡에서도 더 문자 그대로 목격되었다.

Hammons는 예술가 Alex Harsley와 함께 휘트니 비엔날레와 다른 장소에 포함된 Phat Free (원래 제목은 Kick the Bucket)를 포함한 많은 비디오 작품들을 공동 작업하면서 비디오 매체를 탐색했습니다.Hammons와 Harsley는 또한 이스트 빌리지의 유명한 예술가 전시 및 프로젝트 공간인 뉴욕의 4번가 사진 갤러리에 설치 작업을 함께 했습니다.

"창"에서:New Museum에서 [37]열린 초기 개인전인 Lainted Earth: David Hammons는 아프리카의 부족 가면을 현대의 발명품인 어린이 장난감 텔레비전 세트와 병치함으로써 영성과 기술 사이의 정반대의 관계를 다루었습니다.

2016년, Hammons는 Mnuchin Gallery와 협력하여 "David Hammons:50년.[7]그의 L&M Arts Exhibition에서 볼 수 있듯이, 이 장소의 선택과 그 장소와 그의 예술 사이의 단절은 Hammons에 [38]의해 추구되고 있습니다.

2014년 Hammons는 [36][39]뉴욕 Yonkers에 자신의 미술 갤러리를 만들 목적으로 이전 창고를 구입했다.

2019년 Hauser & Worth는 로스앤젤레스에서 노숙자 [40]캠프를 포함한 대규모 회고전을 개최하였다.

영향

Hammons의 가장 큰 영향 중 하나는 음악 세계였다.앞서 언급한 '버드'에서 그는 재즈 뮤지션 고 찰스 화이트에게 경의를 표한다.비슷하게, Hammons는 마일즈 데이비스가 죽었다는 소식을 들었을 때 1991년 쇼 'Dislocations'[7]를 위해 그의 작품을 설치할 때 뉴욕의 현대 미술관에 붐박스를 가져왔다.또한, 그의 작품 중 하나인 How Ya Like Me Now의 제목은 쿨 모 디의 [7]노래에서 따왔다.그의 Mnuchin 전시회에서, 그는 마이크 받침대 세 개를 놓았는데, 마우스 피스가 너무 높아서 대부분의 사람들이 손이 닿지 않을 정도로 뻗어 있었고, 제목은 "당신은 어떤 마이크처럼 되고 싶습니까?"였다. (마이크 타이슨, 마이클 조던, 마이클 [41]잭슨을 참조).그는 로스엔젤레스의 하우저 & 워스 갤러리에서 오넷 콜먼에게 전시를 헌정하면서 그를 "모든 [3]것을 바꾼 음악의 챔피언"이라고 묘사했다.

Hammons의 또 다른 주요 영향 중 하나는 프랑스 예술가 Marcel Duchamp.Hammons는 자신을 'Duchamp 외래환자 클리닉'[7]의 원장이라고 묘사했으며 그의 Yonkers 갤러리를 소유한 회사는 'Duchamp Realty'[7]라고 불린다.

어워드

Hammons는 1991년 [7]7월에 맥아더 펠로우쉽 (일반적으로 "천재 그랜트"로 알려진)을 받았다.

공공 컬렉션의 주목할 만한 작품

레퍼런스

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추가 정보

aliaseditorial.com/en/colecciones/por-esto-estamos-aqui/

  • 허버트, 마틴, 스트리트 레벨, 아니라고 전해줘, 베를린:스턴버그 프레스, 2016.

외부 링크